Die 100 besten Soul-Alben aller Zeiten (Teil 2)

Unsere aktuelle Ausgabe widmet sich ganz den schönen Soulmomenten. In dieser haben wir die 100 besten Platten zusammen getragen. Den zweiten von vier Teilen kann man sich hier ansehen. Hier kann man in die entsprechend gekennzeichneten Songs im rdio-Player reinhören.

von Cathrin Schmiegel 29.11.2012

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74. Erykah Badu - "Mama’s Gun" (Motown, 2000) Zwei Meilensteine des Soul erschienen im Jahr 2000, beide parallel im gleichen Studio aufgenommen:

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74. Erykah Badu – „Mama’s Gun“ (Motown, 2000) Zwei Meilensteine des Soul erschienen im Jahr 2000, beide parallel im gleichen Studio aufgenommen:

D’Angelos und Erykah Badus jeweils zweite Alben. „Mama’s Gun“ ist vielschichtiger, direkter und psychedelischer als sein Vorgänger und hat mit „Bag Lady“ einen Grammy-prämierten Hit. „A.D. 2000“ thematisiert Polizeigewalt, das hoch-emotionale Triptychon „Green Eyes“ das Ende einer Liebe. Hohe Kunst! Das Album läuft im rdio-Player.

73. Sade – „Diamond Life“ (Epic 1984) Die damals schönste Frau der Welt nahm die schönste Platte des Jahres auf: Der unfassbar sanfte, glimmende Cool Jazz und die geschmackvollen Balladen von Sade Adus Musikern lösten den Plattentitel ein.

Die Chanteuse hauchte dazu unerreichbar „Smooth Operator“. Perkussiv und mit Saxofon gab die Band den Sound für den Rest der 80er-Jahre vor, doch Sades sehnsuchtsvolle Eleganz und Intelligenz blieben unerreicht. Das Album läuft im rdio-Player.

72. Isaac Hayes – „Black Moses“ (Stax, 1971) Kann sein, dass Isaac Hayes nicht der beste Stax-Sänger war. Aber er war fraglos der coolste: mit gewaltigen Goldketten, glänzender Glatze und groovend gurrendem Bariton.

Auf „Black Moses“ – nur echt mit dem kreuzweise ausklappbaren Cover – weitet er seinen Stil noch ins Ikonisch-Religiöse, und seine Version von „Never Can Say Goodbye“ ist besser und ohnehin brünftiger als das Original der Jackson 5. Das Album läuft im rdio-Player.

71. O. V. Wright – „Memphis Unlimited“ (Backbeat, 1973) Er gehörte neben Al Green zu den Schwergewichten im Stall von Willie Mitchell – und profitierte wie dieser von dessen molligen Funk-Arrangements.

Nur dass Wrights Flehen viel rauher und bluesiger daherkommt. Auf Songs wie „I’d Rather Be (Blind, Crippled And Crazy)“ hört man einen Schwerenöter, der sich an seinen eigenen Stimmbändern aus der Hölle der Verzweiflung emporknödelt.

70. Otis Redding – „Dock Of The Bay“ (Volt, 1968) Dieses nur wenige Monate nach seinem Tod veröffentlichte Album vereint einige von Reddings brillantesten Gesangs-Performances, darunter das sanft sinnierte „(Sittin’ On) The Dock Of The Bay“, furios gesteigerte Balladen wie „Ole Man Trouble“ und …

der Höllen-Groove von „Don’t Mess With Cupid“, bei dem Redding noch einmal als unnachahmlicher Antreiber seiner fulminanten Rhythmus-Gruppe agiert. Das Album läuft im rdio-Player.

69. Jerry Butler – „The Iceman Cometh“ (Mercury, 1968) Den Beinamen „The Iceman“ verdient sich Jerry Butler mit seidig geschmeidigem Soulgesang, der bei allem Flehen und Schmachten niemals seine Coolness verliert.

Gleiche Liga: Die Produktion und das Songwriting von Gamble und Huff, die mit üppig arrangierten Midtempo-Nummern das Beste aus Butlers Stimme kitzeln und den Grundstein für ihren späteren Philly Sound legen.

68. Millie Jackson – „Caught Up“ (Southbound, 1974) Der wohl eindrucksvollste Songzirkel über das Fremdgehen stammt von Millie Jackson: „(If Loving You Is Wrong) I Don’t Want to Be Right“ wurde sogar für einen Grammy nominiert, aber auch „I’m Tired Of Hiding“ presst dem Thema eine ungeheuere emotionale Tiefe ab.

Millie Jackson schimpft, wimmert, schreit sich durch das Album; deepe, schmutzig-schöne Arrangements veredeln ihre elektrisierende (An-)Klage. Das Album läuft im rdio-Player

67. The Delfonics – „La La Means I Love You“ (Philly Groove, 1968) Produzent Thom Bell war ein früher Held des Philly-Sounds, der auch das MFSB-Orchester prägte. Die Delfonics mit den Brüdern Hart waren seine zentrale Crew.

In ihren dynamischen Liebes-Hymnen manifestierte sich bereits das Erbe der beswingten Philadelphia-Phase, die nahtlos in die noch analoge Disco-Ära überging. Als Amerika noch an seine Zukunft glaubte. Das Album läuft im rdio-Player.

66. Aretha Franklin – „Spirit In The Dark“ (Atlantic, 1970) Direktoren liebten ihre Musik und ließen ihren Star sich „frei und ungehindert ausdrücken“.

Auf „Spirit In The Dark“ nutzte sie das mit fünf eigenen Kompositionen, so vielen wie sonst auf keinem anderen Album. Das introspektive, jazzbetonte Werk war wohl deshalb für Arethas Verhältnisse nur mittelprächtig erfolgreich. Das Album läuft im rdio-Player.

65. Etta James – „At Last!“ (Argo, 1961) Etta James gehörte zweifellos zu den besten Soul-Sängerinnen. Sie verfügte nicht nur über einen immensen Tonumfang, sondern konnte ihn auch perfekt einsetzen.

Auf „At Last!“ beherrscht sie alles: vom zarten „A Sunday Kind Of Love“ über das lasziv-bluesige „I Just Want To Make Love To You“ bis hin zum schwelgerischen Titelsong. Die Streicher-Arrangements atmen das Drama großer Hollywood-Scores der 50er-Jahre. Das Album läuft im rdio-Player.

64. Van Morrison – „Astral Weeks“ (Warner, 1968) Für seine musikalischen Meditatio-nen fand Van Morrison den Begriff „Caledonian Soul“, doch für seine berühmteste Arbeit fehlen auch ihm die Begriffe.

Die Songs auf „Astral Weeks“ gingen einen langen Weg von Morrisons Kindheit in Belfast und dem alten Blues und kulminierten im freien Improvisieren der Jazz-Musiker, die unter der Leitung von Jay Berliner spielten. Die vollkommene Innerlichkeit. Das Album läuft im rdio-Player.

63. Otis Redding – „The Soul Album“ (Volt, 1966) Otis Redding mag auch als Songwriter seine Meriten haben – hier zeigt er sich vor allem als begnadeter Interpret. Ob Sam Cookes „Chain Gang“ oder Smokey Robinsons „Scratch My Back“: Das Album läuft im rdio-Player.

Reddings Gespür für fettig heißes Drama, sein in den emotional roten Bereich ausschlagender Gospelgesang sowie die kongeniale Begleitung von Booker T.s Orgel und Steve Croppers Gitarren lassen die Originale mitunter verblassen.

62. Smokey Robinson – „A Quiet Storm“ (Motown, 1975) Ein Album seiner mittleren, semi-psychedelischen Phase. Nicht nur die drei erfolgreichen Single-Auskopplungen überführen die simplen Motown-Strukturen in eine komplexe Architektur.

Der längliche Song „Quiet Storm“ brachte es Mitte der Siebziger bei US-Radiostationen gar zu einem eigenen Subgenre, das auf durcharrangierten Midtempo-Songs basierte. Auch ohne die Miracles wusste Smokey zu glänzen. Das Album läuft im rdio-Player.

61. Erykah Badu – „Baduizm“ (Kedar, 1997) Sie liebt schwere HipHop-Beats, predigt mit der politischen Schärfe eines Gil Scott-Heron, aber ihre Heldinnen heißen Nina Simone und Billie Holiday. Badus Sound verbindet all das – und erreicht hypnotische Kraft:

Auf Songs wie „On & On“ und „Appletree“ phrasiert sie mit ihrer agilen, melodischen Stimme gern mal neben den Beats. Wann haben Schönheit, Stolz und Unberechenbarkeit schon einmal besser harmoniert? Das Album läuft im rdio-Player.

60. Gil Scott-Heron – „The Revolution Will Not Be Televised“ (RCA, 1974) Den heute als cooler Slogan geläufigen Titelsong hatte Scott-Heron bereits für sein Debüt 1970 aufgenommen, als pure Spoken-Word-Poetry.

Hier nun, sachte und düster instrumentiert, wird das Stück tatsächlich zu einem Song und zu einem starken antikapitalistischen Statement. Scott-Heron machte einige sehr gute Platten, bevor ihn die Drogensucht verschluckte.

59. Chic – „Risqué“ (Atlantic, 1979) Diese magischen Grooves! Dieser knurzende Bass! Diese lässig ausgedürrte Gitarre!

Ende der 70er-Jahre entwarfen Chic eine völlig eigene Soul-Variante: Soul ohne Soul, Euphorie ohne Hitze, nur glattes kickendes Glück. Ihr drittes Album, „Risqué“, ist ihr tollstes, aus der Basslinie des Eröffnungsstücks „Good Times“ strickte die Sugarhill Gang noch im gleichen Jahr den ersten HipHop-Hit, „Rapper’s Delight“. Das Album läuft im rdio-Player.

58. Doris Duke – „I’m A Loser“ (Canyon, 1969) In den 70ern zog Doris Duke „sich in die Obskurität zurück“ (Wikipedia), wo sie heute noch gelegentlich auf Hochzeiten singt. Auch vorher war sie nicht vom Glück verfolgt gewesen. #

„I’m A Loser“, produziert von Jerry „Swamp Dogg“ Williams Jr., wurde von der Pleite ihrer Plattenfirma ausgebremst – heute gilt das Beziehungskrisen-Album zu Recht als legendärer Deep-Soul-Klassiker. Das Album läuft im rdio-Player.

57. James Brown – „There It Is“ (Polydor, 1972) Dieses James-Brown-Album enthält eine Seltenheit: Balladen. „

Who Am I“ zeigt einen gereiften Soul-Brother,“King Heroin“ ist einer der ergrei-fendsten Songs, die je zu dem Thema geschrieben wurden – Browns Sprechgesang, die dezenten Bläser, der monoton absteigende Basslauf, die sanft flirrenden Orgelharmonien garantieren Gänsehaut. Großartig natürlich auch: „Talking Loud And Saying Nothing“ Das Album läuft im rdio-Player.

56. Barry White – „Stone Gon’“ (20th Century, 1973) Am Anfang seiner Karriere waren die symphonischen Oden an die ewige Liebe und die heilende Kraft des Sexus ebenso ergreifend wie der tief vibrierende Schmachtgesang des sanften Riesen.

„Girl It’s True, I’ll Always Love You“, versicherte Barry White redundant, und: „Never, Never Gonna GiveYa Up“. Die Autoren der Serie „Ally McBeal“ feierten ihn später als Kraftspender und Seelentröster. Das Album läuft im rdio-Player.

55. Diana Ross – „Diana“ (Motown, 1980) Diana Ross war schon eine Diva und die Königin von Motown, als Bernard Edwards und Nile Rodgers von Chic sie als erotisch explosive Funk-Duse neu erfanden.

Mit „Upside Down“ gelang ein omnipräsenter Disco-Hit, andere Songs waren gewohnt gefühlig angelegt („My Old Piano“, „Now That You’re Gone“). Besser wurde es auf späteren Alben nicht mehr, nur schlüpfriger und bombastischer. Das Album läuft im rdio-Player.

54. Gil Scott-Heron – „Pieces Of A Man“ (RCA, 1971) Der Wegbereiter des HipHop war ein hochpolitischer Spoken-Word-Poet, der Romane schrieb und von Bob Thiele, Produzent des Jazz-Labels Impulse, entdeckt wurde. „Pieces Of A Man“ ist seine zweite, vielleicht wichtigste Platte.

Auf ihr verschmolz Gil Scott-Heron zum ersten Mal Jazz und Soul als Basis seines Sprechgesangs. „Lady Day And John Coltrane“ ist der programmatische (und beste) Song dieses Wunderwerks.

53. Bobby Womack – „Across 110th St.“ (UA, 1972) Ursprünglich war die Platte der Soundtrack zu einem Blaxploitation-Film, mit zwischen die Songs und Fragmente geschnittenen Dialogen.

Quentin Tarantino verwendete das Titeslstück 1997 für die berühmte Eröffnungssequenz von „Jackie Brown“, und seitdem erzählt Bobby Womack gern, wie er den Song als eine transzendentale Epiphanie sozialer Gegensätze erlebte. In der Tat ein fast übersinnliches Meisterwerk. Das Album läuft im rdio-Player.

52. Frank Ocean – „Channel Orange“ (Def Jam, 2012) Zu minimalistischen, erinnerungssatt betrübten Beats singt Frank Ocean mit herrlich zitternder Falsettstimme vom schwulen Coming Out auf der Rückbank eines muslimischen Taxifahrers oder vom leeren Luxusleben superreicher Kinder,…

… unter dem schon der Abgrund des Börsencrashs gähnt. „Channel Orange“ ist die mutigste Soulplatte des neuen Jahrzehnts, und Frank Ocean der neue Prince. Das Album läuft im rdio-Player.

51. Curtis Mayfield – „Roots“ (Curtom, 1971) Wer bei dem Titel eine Rückbesinnung auf Mayfields Soul-Anfänge vermutet, wird hier erst mal vor den Kopf gestoßen.

Vielmehr ist „Roots“ die konsequente Weiterentwicklung seiner Vision eines urbanen, sexuell wie gesellschaftspolitisch aufgeladenen Diskurs-Souls, also ein Stilgestrüpp, in dem psychedelisches Experiment, Funk-Fusion und konventionellere Popsongs nebeneinander stehen, sich gegenseitig befruchten.

50. Donny Hathaway – „Live“ (Atlantic, 1972) Das gemütvolle Sanges-Genie hatte mit „Everything Is Everything“ glänzend debütiert und sang mit Roberta Flack, doch dieses Live-Album zeigt Donny Hathaways Möglichkeiten am besten:

Über ekstatischen Improvisationen wie „The Ghetto“ und „Voices Inside“ ließ er seinen Gesang wie ein Instrument strahlen. Gayes „What’s Goin’ On“ brachte er ebenso souverän wie Lennons „Jealous Guy“. Das Album läuft im rdio-Player.

49. D’Angelo – „Voodoo“ (Virgin, 2000) Weil ihn die „Degeneration des Rhythm’n’Blues zur clubtauglichen Wegwerfware“ störte, arbeitete der Sänger aus Virginia vier Jahre lang an einem Gegenentwurf:

Sein Gesang verknüpft Sex und Spiritualität – während die von Questlove coproduzierten Songs lose HipHop-Grooves und Anleihen von Sly Stone, Al Green, George Clinton und Prince in den brodelnden Voodoo-Eintopf werfen. Das Album läuft im rdio-Player.

Themen aus dem Artikel:

Etta James Die 100 besten Soulalben Millie Jacks Barry White Van Morrison Aretha Franklin O.V. Wright Smokey Robinson

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