Die 20 besten Songs von Lemmy Kilmister
Von Hawkwind bis Probot, über mehrere Jahrzehnte Motörhead-Wahnsinn. Hier ist die Metal-Ikone Lemmy Kilmister in Bestform
Lemmy Kilmisters Songs, sowohl in als auch außerhalb von Motörhead, verkörperten den Geist des Rock ’n‘ Roll perfekt. Von der halsbrecherischen, zum Verlieren geborenen Hymne „Ace of Spades“ und dem donnernden Lobgesang auf das laute Leben „Overkill“. Bis hin zu borstigen Headbangern wie „Hellraiser“ und seinem Probot-Beitrag „Shake Your Blood“. lemmy schrieb er den Soundtrack zu seinem Leben. Sein Einfluss reichte von Hard Rock über Punk bis hin zu Heavy Metal. Und obwohl Lemmy im Alter von 70 Jahren an einer aggressiven Form von Krebs gestorben ist, hinterließ er einige der besten Rocksongs, die jemals geknurrt wurden. Hier sind 20 der besten.
„Motorhead“ (1975)
Geschrieben auf dem Balkon des berüchtigten „Riot House“-Hotels in West Hollywood. Während einer Hawkwind-Tournee im Jahr 1974, gab Lemmys Speed-Freak-Hymne seiner nächsten Band ihren Namen, ihr Leitbild und ihre klangliche Vorlage. „I can’t get enough. And you know it’s righteous stuff“, sang Lemmy über das Amphetamin, das ihn aus der eher psychedelisch ausgerichteten Hawkwind-Band geworfen hatte. Aber die gleichen Gefühle könnten sicherlich auch auf Motörheads süchtig machende Art von Hard Rock zutreffen. „Und ja, ich bin die einzige Person, die das Wort ‘Parallelogramm“ in eine Rock’n’Roll-Nummer einbaut“, sinnierte Lemmy später über den Song. „Darauf bin ich sehr stolz.“
„No Class“ (1979)
„Shut up! You talk too loud!“ (Halt die Klappe! Du redest zu laut!), intoniert Lemmy am Anfang dieses Liedes aus dem Album Overkill von 1979. Und das ist so ziemlich das Netteste und Sanfteste, was Herr Kilmister im Laufe der zweieinhalb Minuten des Liedes von sich gibt. Die Musik passt zu den beißenden Worten. Während die frühen Klassiker von Motörhead im Allgemeinen durch ihre rasante Geschwindigkeit definiert wurden, wird „No Class“ von einem schwungvollen Boogie-Rhythmus im mittleren Tempo und einem fetten Gitarrenriff angetrieben. Das die Gleichgültigkeit des Textes nur noch verstärkt. Und ja, es klingt alles ein bisschen (vielleicht ein bisschen zu sehr) nach ZZ Tops „Tush“. Aber mal ehrlich, wer von uns würde Lemmy das wohl sagen?
„Damage Case“ (1979)
Lemmy, ein stolzer Frauenheld, klang in dem Overkill-Highlight „Damage Case“ am unzüchtigsten, als er einige von seinem Kumpel Mick Farren geschriebene Texte sang. „Ich will dich nicht zum Opfer machen. Alles, was ich will, ist, dich zu verführen.“ Es ist eine swingende, chaotische, schmutzige Rock’n’Roll-Nummer. Die Art von laszivem Aufstacheln, die Little Richard oder Jerry Lee Lewis aufgenommen hätten, wenn von ihnen nicht erwartet worden wäre, dass sie irgendwie feine, aufrechte Jugendliche sind.
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Aber noch wichtiger für Kilmister war, dass „Damage Case“ auch zeigte, wie er den Bass wie ein Lead-Instrument spielen konnte. Indem er einen wilden, kaum kontrollierten Turnaround zwischen seinem typischen stechenden Angriff in der Mitte des Songs hinbekam. Gerade rechtzeitig für ein weiteres Zungenspiel wie: „Es ist mir egal, was du denkst, was dein Spiel ist. Es ist mir sogar egal, wie du heißt.“ Er war nie schüchtern.
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„Stay Clean“ (1979)
„Stay Clean“ ist eine Erklärung der edleren Bestrebungen von Motörhead. Während viele der Songs der Band von dem zugegebenermaßen jugendlichen Verlangen nach starken Getränken und jungen Mädchen durchdrungen sind, konzentriert sich dieser kinetische Track aus dem Jahr 1979 auf die Integrität hinter der Outlaw-Mentalität. Die Ablehnung von Angst, das Verständnis für die Ungerechtigkeit der Welt, das Vertrauen in sich selbst gegenüber allen anderen. Das war damals, als die Band noch unter dem Pech der 60er-Jahre litt, und das merkt man. Es ist leicht, wenn wir uns von all seinen Ausschweifungen hinter der Bühne blenden lassen, zu vergessen, dass Lemmy ein Mann mit Prinzipien war. Aber „Stay Clean“ ist eine strenge und klassische Erinnerung daran.
„Dead Men Tell No Tales“ (1979)
„Dead Men Tell No Tales“ beginnt mit dem wohl trotzigsten aller lyrischen Nebensätze von Lemmy: ‚This is it!‘ – und ist die Anklage des notorischen Trunkenbolds gegen Heroin. Ja, das ist Lemmy, der Kinder davor warnt, sich Heroin zu spritzen. Die Anspielungen sind zahlreich. In nur einer Strophe singt er von ‚shooting up‘, ‚horse‘, „Skag‘ und ‚Tracks‘ mit der leidvollen Erfahrung eines Menschen, der mit ansehen musste, wie Freunde süchtig nach der Nadel wurden. Aber der Eröffnungssong von Bomber aus dem Jahr 1979 schläft nie ein. Stattdessen strotzt er nur so vor Lebendigkeit und einer der eindringlichsten Gesangsdarbietungen von Lemmy. Es ist ein Metal-Klassiker, der sowohl warnend als auch beißend ist.
„Bomber“ (1979)
Motörheads erster Schlachtruf ist einer ihrer größten Erfolge. „Bomber“ klingt wie das tödliche Flugzeug, das es feiert. Eine Megatonnen-Explosion aus düsterer Verzerrung, quäkendem Jaulen und losem Schrapnell-Riff. „Wir schießen, um zu töten, und du weißt, dass wir das immer tun werden“, singt Lemmy wie eine Drohung und eine Prahlerei zugleich.
Die Gruppe steigerte die Kriegsbilder auf der Tournee, indem sie ein 9 Meter breites Beleuchtungsgerät mitbrachte, das einem Flugzeug aus dem Zweiten Weltkrieg ähnelte. „Ich habe Len Deightons Buch Bomber gelesen, als ich es geschrieben habe“, sagte Lemmy dem Rolling Stone. „Es handelt von einem Bombenangriff auf Deutschland, bei dem die Briten die falsche Stadt getroffen haben. Und davon, was in der Luft von beiden Seiten passiert. Es ist ein wirklich gutes Buch.“
„Ace of Spades“ (1980)
Lemmy beschwerte sich oft darüber, dass er bessere Songs geschrieben habe, seine Fans ihn aber nie „Ace of Spades“ von der Setlist streichen ließen. Das ist leicht zu verstehen. Denn der Titelsong des 1980er Albums der Band hat alles. Einen treibenden Groove, der von Lemmys donnerndem Bass angetrieben wird. Ein einprägsames Riff aus vier Noten. Und einen selbstbewussten Text, der Lemmys persönliche Philosophie ziemlich gut zusammenfasst („You know I’m born to lose/And gambling’s for fools/But that’s the way I like it, baby/I don’t want to live forever“).
Trotz seiner völlig kompromisslosen Natur verbrachte „Ace of Spades“ zwölf Wochen in den britischen Single-Charts und erreichte Platz 15. Obwohl der Song in den USA nie in den Charts auftauchte, machte die Band mit ihrem Auftritt in einer Folge von The Young Ones im Jahr 1984 unzählige amerikanische Zuschauer zu eingefleischten Motörhead-Fans.
„(We Are) the Road Crew“ (1980)
Als hartgesottener Road Warrior war Lemmy bereits vor seinem Beitritt zu Hawkwind ein Roadie für Jimi Hendrix (der ihn oft mit LSD versorgte) und die britischen Prog-Rock-Band The Nice. Er entwickelte ein starkes Gefühl der Empathie und Verbundenheit mit den Jungs, die das Equipment für Motörhead schleppten. Und zog es oft vor, mit ihnen vorne im Tourbus zu sitzen, anstatt sich in der Abgeschiedenheit der hinteren Lounge die Zeit zu vertreiben.
Er behauptete, diesen donnernden Gruß an sie (erstmals zu hören auf dem Album Ace of Spades aus den 1980er Jahren) in nur 10 Minuten geschrieben zu haben. Aber Texte wie „Another blasted customs post. Another bloody foreign coast. Another set of scars to boast“ (Eine weitere verdammte Zollstelle. Eine weitere verdammte fremde Küste. Ein weiterer Satz Narben zum Vorzeigen) sind eindeutig das Ergebnis vieler Jahre auf Tournee.
„Love Me Like a Reptile“ (1980)
Keine Band ähnelt einer Klapperschlange mehr als Motörhead. Federnd, getarnt, laut, wenn man versucht, sie zu ärgern. Und tödlich, wenn man es tut. „Love Me Like a Reptile“ vom unschlagbaren Album Ace of Spades ist Biker-Begierde in Reinform. Während der zahnlose Rock der Siebziger um seine Fans herumschlängelte und ihnen das Leben aussaugte, schlugen Lemmy und Co. einer Generation von rasenden Speedfreaks auf den Kopf. Und warfen sie in die Grube. Dieser sowohl verspielte als auch kantige Kracher ist eine perfekte Kombination aus dem Schwanz-jagenden Modus Operandi der Band und ihren bösartigeren Neigungen. Dieses Lied ist der Soundtrack zu dem Moment, in dem die Party außer Kontrolle gerät. Ein Lobgesang auf zusammengekniffene Augen und herausgestreckte Zungen.
„Stand by Your Man“ (1982)
Für einen Mann, der Songs mit Titeln wie „Love Me Like a Reptile“ schrieb, war Lemmy einer der wenigen Rocker, die nicht nur zuzugeben schienen, dass Frauen hart spielen konnten. Sondern dass sie dies mit ebenso viel Elan und Dreckigkeit tun konnten wie die Männer. Oder wie Lemmy es in seiner Autobiografie White Line Fever ausdrückte: „Ich genieße es wirklich, Platten mit Frauen aufzunehmen.“
Und das tat er auch – zuerst auf der 1981 erschienenen EP St. Valentine’s Day Massacre, die er mit der britischen Metal-Band Girlschool aufnahm. Und dann mit Plasmatics-Frontfrau Wendy O. Williams, die mit einem blonden Irokesenschnitt und mit schwarzem Klebeband umwickelten Brüsten auftrat. Natürlich ist das Duett von Wendy und Lemmy auf diesem Tammy-Wynette-Klassiker gelegentlich schief und immer übertrieben. Und die Sessions selbst waren turbulent. Einigen Berichten zufolge führten sie direkt zum Ausstieg des Gitarristen „Fast“ Eddie Clarke bei Motörhead. Aber in all der zerlumpten, heiseren Hässlichkeit liegt eine gewisse raue Schönheit.
„Iron Fist“ (1982)
Vom galoppierenden, wabernden Bass-Intro bis zum eingängigen „You Know Me“-Refrain ist „Iron Fist“ Adrenalin pur. Die Texte gehören zu den hintergründigsten der Band. „Mondfinsternis und du weißt warum. Geisterreiter am Himmel. Biest des Bösen, Höllenhund. Mit Zähnen und Klauen ziehen sie dich hinunter“. Aber wie bei vielen großartigen Motörhead-Songs liegt die Kraft des Stücks in Lemmys Überzeugung. Wenn er Worte wie „Du kennst mich, den Schlangenbiss-Kuss“ sang, meinte er es auch so, was auch immer sie bedeuten mögen.
„Killed by Death“ (1984)
Nur Lemmy und Motörhead konnten sich einen so schwachsinnigen Titel ausdenken, der einfach genial ist. „Killed by Death“ ist einer von vier neuen Songs, die auf der unverzichtbaren Kompilation No Remorse von 1984 enthalten sind. In dem Song starrt Lemmy den Sensenmann an. Wenn auch mit einem Grinsen.
An einer Stelle droht er, seine „Schlange auf dich loszulassen“, bevor er schwört, dass er „kein hübscher Junge“ ist. (Und es gibt keine wahreren Worte.) Das Lied, mit über vier Minuten ein Epos für Motörheads Verhältnisse, strotzt in jeder Hinsicht vor Selbstbewusstsein. Und es ist ein Paradebeispiel dafür, was Lemmy so gut konnte. Das „Hard“ in „Hard Rock“ zu bewahren.
„Orgasmatron“ (1986)
Die Mitte der 80er Jahre war eine seltsame Zeit für Motörhead. Nur wenige Jahre lagen zwischen „Ace of Spades“ und dem britischen Chartstürmer No Sleep ‚til Hammersmith. Und dennoch war der Bekanntheitsgrad der Band 1986 so stark gesunken, dass sie ihr eigenes Label GWR gründen mussten, nur um diese Platte herauszubringen.
Außerdem entschieden sie sich dafür, Bill Laswell, der eher für seine Arbeit in den Bereichen Funk, Jazz, Ambient und unzähligen anderen nicht-metallischen Musikstilen bekannt ist, als Produzenten zu engagieren. Das Ergebnis war größtenteils ein trübes, undurchsichtiges Chaos. Aber im Fall von „Orgasmatron“ verstärkte diese Trübheit und Undurchsichtigkeit nur den undurchdringlichen, dampfwalzenartigen Bass- und Schlagzeugangriff des Songs.
Dazu ein schleppendes, monotones Gitarrenriff und Lemmys krächzender Gesang. Schon haben Sie Motörhead in ihrer bleischwersten und bizarrsten Form. Und der Titel? Lemmy schrieb in White Line Fever: „Ich wusste damals nicht einmal, dass ein ‚Orgasmatron‘ eine Erfindung in einem Woody-Allen-Film war. Ich habe das Wort selbst erfunden.“
„1916“ (1991)
Obwohl gefühlvolle Balladen nie wirklich zu Motörheads Markenzeichen gehörten, gilt der elegische Titelsong ihres Albums von 1991 immer noch als eines der besten Werke der Band. Als leidenschaftlicher Student der Militärgeschichte schrieb Lemmy den Text von „1916“. Ein Song über die Schlacht an der Somme, eine der größten Auseinandersetzungen des Ersten Weltkriegs, bei der über eine Million Männer getötet oder verwundet wurden. Viele von ihnen, wie der Erzähler und Protagonist des Liedes, waren noch Teenager.
Lemmy verkündete oft, dass er sehr stolz auf diesen Song sei, und das aus gutem Grund. Sein ungewöhnlich verletzlicher Gesang, der von einem spärlichen Orchester begleitet wird, legt den erschütternden Verlust der Unschuld durch den Krieg mit einer brutalen Offenheit dar. „Der Tag ist noch nicht halb vorbei. Und 10.000 sind gefallen. Jetzt erinnert sich niemand mehr an unsere Namen. Und so ist es für einen Soldaten.“
„R.A.M.O.N.E.S.“ (1991)
Beide brillierten auf der Bühne mit lauten, kurzen Ausbrüchen roher Kraft, die Ramones und Motörhead waren seelenverwandt, und Lemmy zollte den Punks aus Queens Tribut mit diesem Mitsing-Song aus dem Album von 1916. „New York City, N.Y.C.. Ziemlich gemein, wenn es will“, bellt Lemmy in der ersten Zeile und legt damit einen Rhythmus fest, der direkt nach Rocket to Russia klingt.
Die Ramones hörten die Ähnlichkeit ebenfalls. Sie spielten später auf ihrer Tour ihren eigenen Tribut-Song. Was besonders meta ist, wenn man bedenkt, dass Lemmy jedes Mitglied im Liedtext namentlich erwähnt, von Dee Dee bis C.J., und es angemessen mit einer Anspielung auf seinen Kumpel Joey endet, der ihn anruft. Das Beste daran ist, dass „R.A.M.O.N.E.S.“ der ultimative Mittelfinger für diejenigen war, die Lemmy für einen ungebildeten Dummkopf hielten. Er wusste verdammt noch mal, wie man buchstabiert.
„No Voices in the Sky“ (1991)
Mit diesem herausragenden Song aus dem Jahr 1916 wurde Lemmy politisch. Er griff die Reichen und Gierigen an. Er spießte feige Politiker auf. Und kritisierte auf schärfste Weise die Fernsehprediger und das Geld-für-Erlösung-Evangelium, das sie anboten. Am Ende gab es „keine Stimmen im Himmel“, die kamen, um einen zu retten, wie er im Refrain knurrte. Sondern nur die traurige Realität, dass wir nichts mitnehmen können, wenn wir sterben.
Obwohl andere Motörhead-Songs bekannter waren, wurde „No Voices“ und seinem Video die ultimative Ehre zuteil. Sie wurden von Beavis und Butt-Head auf MTV kritisiert. „Er sieht aus wie der Typ von der Straße, der immer an seinem Auto schraubt“, sagt Butt-Head über Lemmy. „Der Typ ist cool.“ Und dem kann man nur zustimmen.
„Hellraiser“ (1992)
Anfang der 90er Jahre wandte sich Ozzy Osbourne an seinen alten Kumpel Kilmister, der Motörhead auf die erste Solotournee des Ozzman mitgenommen hatte, um ihn beim Schreiben von Liedern für sein Album No More Tears zu unterstützen, das vierfach mit Platin ausgezeichnet wurde. Zusätzlich zu dem mit einem Grammy ausgezeichneten „I Don’t Want to Change the World“ half Kilmister beim Schreiben von „Hellraiser“. Einer donnernden Erklärung der Rock’n’Roll-Wut, die der Sänger in ganzen 10 Minuten zu Papier brachte.
In Ozzys Händen ist es eine mitreißende Hymne (und ein Highlight des Albums). Aber für Motörhead, die es 1992 auf ihr Album March ör Die und in einen Pinhead-Film packten, war es ein düsterer, Gremlin-artiger Bar-Rocker. Mit anderen Worten, der perfekte Motörhead-Song. „Ich weiß nicht, ob Ozzy meine Version des Songs mochte“, sagte Kilmister dieses Jahr zu Rolling Stone. „Er hat es nie gesagt.“
„Born to Raise Hell“ (1993)
„Wer würde in einem Ringkampf gewinnen, Lemmy oder Gott?“ Das Grundwissen der meisten Nicht-Häscher über Motörhead stammt aus diesem Moment in Airheads aus dem Jahr 1994. Einem Film, in dem Lemmy selbst als ehemaliger Redakteur seiner Schülerzeitung auftritt. Aber abgesehen von allen direkten Anspielungen ist die rücksichtslose Einstellung hinter Airheads und seinem Power-Metal-Trio Lone Rangers nur ein Ausdruck von allem, was Motörhead ausmacht.
„Born to Raise Hell“, der den Vorspann des Films untermalt, erinnert uns daran, dass selbst nach dem Tod des Hair Metal, als Axl Rose mit Delfinen spielte und der Grunge wie ein ängstlicher Frankenstein voranschritt, Lemmy regierte. „Born to Raise Hell“, ein Vorbote des lässigen Biker-Metals der späteren Jahre der Band, ist ein Motörhead-Klassiker ohne jegliche Anmaßung. Seine Botschaft ist einfach. Wir sind böse Kinder, die nichts Gutes im Schilde führen. Und wir haben dabei eine Menge Spaß.
„Shake Your Blood“ (2004)
Dave Grohl verwirklichte den ultimativen Traum eines Metalheads mit Probot, dem Album von 2004, auf dem er sich mit einigen seiner Lieblingskünstler des Genres für eine Reihe von No-Nonsense-Ragers zusammentat. Die gleichzeitig eine Hommage an die unverwechselbaren Klangsignaturen dieser Künstler darstellten.
Mit „Shake Your Blood“ hat Grohl im Grunde 30 Jahre Motörhead-Qualität auf dreieinhalb glorreiche Minuten komprimiert. Und Lemmy eingeladen, dasselbe zu tun. Der Frontmann kam dieser Bitte gerne nach. Er versah diese Uptempo-Ode an den Rock’n’Roll-Lebensstil mit seiner patentierten spöttischen, anzüglichen Attitüde („Looking for relief in your miserable life/You need some rock & roll, and you better get it right“). Wie bei vielen von Lemmys besten Songs fragt man sich auch bei diesem, wie ein Sänger mit einem so begrenzten Stimmumfang eine so eingängige, melodisch überzeugende Darbietung hinbekommt. Eines von vielen Berufsgeheimnissen, die er mit ins Grab nahm.
„Bad Boy“ (2011)
Lemmy mag mit Motörhead seine Zähne gezeigt haben. Aber mit seinem Rockabilly-Nebenprojekt The Head Cat zeigte er sein Herz und seine Seele. Für zwei Alben tat er sich mit Slim Jim Phantom von den Stray Cats und Danny B. Harvey von den Rockats zusammen. Und frönte seiner Liebe zum Rock, Rockabilly und Country der 50er Jahre.
The Head Cat arbeitete hauptsächlich mit Coverversionen, mischte aber auch einige ausgewählte Originale darunter. Wie auf Walk the Walk … Talk the Talk aus dem Jahr 2011, und ehrte damit Einflüsse wie Chuck Berry, Johnny Cash und, in diesem Cover von Larry Williams‘ „Bad Boy“, die Beatles. Es ist eine wahre Freude, Lemmy hier zu erleben. Wie er nach hohen Tönen greift, die gerade noch außer Reichweite sind, und im Takt mitwippt. Lemmy war ein böser Junge, sicher. Aber bei dieser Darbietung war er einfach glücklich, ein Kind des Rock ’n‘ Roll zu sein.
