20 R&B-Alben, die ROLLING STONE in den 70ern liebte – und die Sie noch nie gehört haben
Wir haben sie vor 50 Jahren gelobt – und Sie sollten sie sich heute anhören! 20 R&B-Alben, die ROLLING STONE in den 1970er Jahren liebte
Soul, Funk und Gospel. Solokünstler und 17-köpfige Bands. Backgroundsängerinnen auf dem Weg zum Ruhm und Stars, deren Alben heute weitgehend in Vergessenheit geraten sind. In den 70er Jahren rezensierte ROLLING STONE Hunderte von R&B-Alben. Da war es unvermeidlich, dass einige davon großartig waren. Aber dennoch durch die Maschen der Musikgeschichte fielen, sogar LPs von den Supremes und den Jackson 5. Hier sind 20 R&B-Alben, die wir geliebt haben, auch wenn sie seitdem von den meisten Menschen außerhalb der unmittelbaren Familien der Sänger in Vergessenheit geraten sind.
Claudia Lennear, „Phew!“
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Lennear, ehemals Mitglied der Ikettes mit Ike und Tina Turner und Backgroundsängerin für Joe Cocker, soll angeblich die Inspiration für „Brown Sugar“ von den Rolling Stones und „Lady Grinning Soul“ von David Bowie gewesen sein. Ihr Solo-Debüt war geteilt zwischen einer rauen Rock-Seite im Stil von Cocker und einer von Allen Toussaint produzierten R&B-Orchestersuite. Wir bezeichneten das gesamte Album als „eine Tour de Force von Anfang bis Ende“. „Phew!“ war Lennears einziges Album. Danach verschwand sie weitgehend von der Bildfläche. Tauchte aber letztes Jahr in der Dokumentation „20 Feet from Stardom wieder“ auf.
Was wir damals sagten:
„Lennears stimmliche Flexibilität und Energie sind atemberaubend. Ihre Persönlichkeit kommt auf den Aufnahmen zwar nicht intim rüber. Sie ist aber unwiderstehlich sexy. Und ihre Professionalität ist fast beängstigend makellos. Auf der zweiten Seite wird Lennears großartige Stimme als führendes Instrument in einer im Grunde orchestralen Konzeption von anhaltender Brillanz behandelt.“ – Stephen Holden, RS 129 (1. März 1973)
Bernie Worrell, „All the Woo in the World“
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Der Synthesizer-Legende Worrell von Parliament/Funkadelic gelang sein Solo-Debüt mit Unterstützung der meisten P-Funk All-Stars. Darunter George Clinton selbst. Und es erwies sich als klassischer Kosmos-Slop. Funky, lockerer R&B (mit einem Hauch von Disco). Worrell spielte weiter mit P-Funk. Veröffentlichte ein halbes Dutzend weiterer Soloalben. Und trat auch in dem Film „Stop Making Sense“ von Talking Heads auf.
Was wir damals sagten:
„Und es ist Disco der höchsten Güte. Leidenschaftlich. Abwechslungsreich. Und sehr clever. Es erreicht seinen Höhepunkt in dem epischen „Insurance Man for the Funk“, einer der attraktivsten Metaphern, die George Clinton bisher hervorgebracht hat. Während der Synthesizer im Hintergrund freundlich plätschert und Bassist Bootsy Collins etwas von „Leroy’s of London“ murmelt, bemerkt Bernie Worrell zu seiner Geliebten: „Du brauchst auf jeden Fall eine Versicherung für alles, was du da hast.“ Er ist ein überzeugender Verkäufer.“ – Ken Tucker, RS 291 (17. Mai 1979)
Paul Kelly, „Don’t Burn Me“
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Eine ketzerische Meinung zu den üppigen Southern-Soul-Alben von 1973: Wir mochten Paul Kellys „Don’t Burn Me“ lieber als Al Greens „Call Me“. Kelly (nicht zu verwechseln mit dem gleichnamigen australischen Sänger) knüpfte an den Erfolg seiner Single „Stealing in the Name of the Lord“ an. Und produzierte ein Album, das „knackig wie ein Cracker und in rohen Honig getaucht“ war. Die Songs waren kurz und prägnant. Selbst im Falsett war Kellys Stimme immer kraftvoll. Seine Karriere wurde bald durch die Disco-Welle aus der Bahn geworfen. Aber er schrieb Karla Bonoffs größten Hit „Personally“.
Was wir damals sagten:
„Niemand wird mir glauben. Aber hier gibt es nicht nur keine schlechten Songs. Die meisten gehören zu den besten, die ich dieses Jahr gehört habe. Hervorragende Produktion (von Buddy Killen). Wunderbare, dichte Backing Vocals (meine Schwäche, hier von Kelly selbst und einer Frau namens Juanita Rogers, mehrspurig aufgenommen). Exzellentes Material und einer der besten jungen schwarzen Sänger, die es derzeit gibt.” – Vince Aletti, RS 141 (16. August 1973)
Charles Wright and the Watts 103rd Street Rhythm Band, „You’re So Beautiful”
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Diese Band aus L.A. (entdeckt von Bill Cosby) stand nicht besonders auf Soli. Sie setzten auf Gesänge und einen funky Groove. Den sie so weit wie möglich ausdehnten. Auf dem Erfolg von „Express Yourself“ von einigen Monaten zuvor veröffentlichten sie ihr zweites Album des Jahres, das sich um die langsam aufkommende Hitze von Tracks wie „Your Love Means Everything to Me“ drehte. 1988 sampelte die Rap-Gruppe N.W.A. Wright für ihre eigene Version von „Express Yourself“. Der Anführer der Gruppe, Eazy-E, war ein Neffe von Wright.
Was wir damals sagten:
„Charles Wrights Soulmusik hat nichts mit den Delfonics oder den Temptations zu tun, die sich im Wesentlichen auf Gesangsdynamik und prägnante Texte verlassen. Für Charles Wright und seine achtköpfige Band ist die Rhythmusgruppe das entscheidende Element. Sie setzen ihre Texte gegen einen basslastigen, gitarrenlastigen musikalischen Rahmen. Das Ergebnis ist ein mitreißendes, verwobenes Meisterwerk.“ — Gary von Tersch, RS 92 (30. September 1971)
Jackson 5, „Get It Together“
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Das neunte Studioalbum der Jackson 5 innerhalb von fünf Jahren hätte leicht zu einem vergessenswerten Motown-Schrott werden können. Aber der Sound von Michael Jackson, der mit einem Talent, das weit über seine 15 Jahre hinausging, kantige Dance-Musik sang, machte es zu einer ausgezeichneten, wenn auch heute wenig bekannten Party-Platte, deren Highlight der Disco-Roboter-Hit „Dancing Machine“ war. Jackson wurde später der größte Star der Welt, bevor er 2009 verstarb.
Was wir damals sagten:
„Es ist harte Musik. Bis zum Umfallen produziert. Voller Elektronik und unglaublich effekthascherisch. Aber Produzent Hal Davis hat den Effekt so perfekt kalkuliert, dass jede überladene Minute funktioniert. Der Sound ist High Discotheque oder Soul Train Moderne. Es ist ihr energiegeladenstes und aufregendstes Werk seit „ABC“. Und ein Album, das sie endlich ein für alle Mal aus dem Markt für „Just Kids“ herausholen sollte.“ – Vince Aletti, RS 148 (22. November 1973)
Esther Phillips, „From a Whisper to a Scream“
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Phillips, die seit ihrem 13. Lebensjahr (als „Little Esther“) Platin-Sängerin war, erlebte die schäbigsten Seiten des Showbusiness, gab aber nicht auf und sang weiterhin kantige, unsentimentale Musik im Stil der Jazz- und Blues-Acts der 40er Jahre, insbesondere Dinah Washington. Dieses brillante Album wurde für einen Grammy nominiert (und verlor gegen Aretha Franklin, die Phillips den Preis überreichen wollte). Jahrelanger Drogenmissbrauch forderte 1984 seinen Tribut, als Phillips an Leber- und Nierenversagen starb.
Was wir damals sagten:
„‚Scarred Knees‘ ist ein perfekt inszenierter, traditioneller Blues-Song mit einigen schönen Scat-Einlagen. Der Opener „Home Is Where the Hatred Is“ ist wirklich haarsträubend. Sie setzt sich mit der Leere und Selbstverachtung auseinander, die der Drogenabhängigkeit zugrunde liegen, mit einer Offenheit und Ehrlichkeit, die einem Menschen unmöglich zu sein scheint. Selbst nach hundertmaligem Hören schaudert es mich noch, wenn ich den Song höre.“ – Russell Gersten, RS 112 (6. Juli 1972)
Linda Lewis, „Lark”
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Lewis hatte einen Stimmumfang von fünf Oktaven. Eine außergewöhnliche Stimme wie Mariah Carey oder Minnie Riperton. Auf ihrem zweiten Album präsentierte die 22-jährige Britin eine ungewöhnliche Art von Soulmusik. Reduziert, begleitet von Akustikgitarre und Klavier. Lässig, „ein Genuss”. Sie hatte einige Erfolge in den britischen Charts. Arbeitete aber letztendlich hauptsächlich als Backgroundsängerin. 2005 sampelte Common in seiner Single „Go!“ (eine Zusammenarbeit mit Kanye West und John Mayer) ihren Song „Old Smokey“.
Was wir damals sagten:
„Linda Lewis hat diese sehr seltsame Stimme. Sie klingt wie die einer kleinen Mädchen. Hoch, mit einer hauchigen Reinheit. Voller Unbekümmertheit und Witz. Aber sie hat auch eine unerwartet raue Textur, die den Mädchenhaften Charakter durchbricht, sodass sie zwar wie keine andere klingt. Aber manchmal an den frühen Stevie Wonder in Kombination mit Michael Jackson erinnert. Eine außergewöhnliche Kombination.“ – Vince Aletti, RS 132 (12. April 1973)
Valerie Simpson, „Valerie Simpson“
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Simpson war vor allem als eine Hälfte des Songwriter-Duos Ashford & Simpson bekannt (das für viele Motown-Hits verantwortlich war, darunter „Ain’t No Mountain High Enough“ und die meisten anderen Songs von Marvin Gaye und Tammi Terrell aus den späten Sechzigern). Auf diesem zweiten Soloalbum sang sie ergreifend über das Ghetto, menschliches Elend und Liebe über Klassengrenzen hinweg. Simpsons größter Erfolg als Sängerin kam in Zusammenarbeit mit ihrem Ehemann Nickolas Ashford. Insbesondere mit der Single „Solid As a Rock“ aus dem Jahr 1984. (Ashford starb 2011 an Kehlkopfkrebs.)
Was wir damals sagten:
„Valerie Simpson zeigt, dass sie als Sängerin stilistisch in fast allen Bereichen des Soul zu Hause ist. Sie hat eine erstklassige Stimme. Und setzt sie mit atemberaubendem Geschick ein, ohne jemals in stilistische Affektiertheit oder emotionale Theatralik zu verfallen. Eine solche künstlerische Intelligenz ist unter Sängern nicht gerade weit verbreitet. In Kombination mit ihrem außergewöhnlichen Talent als Songwriterin dürfte Valerie Simpson bald ein breites Publikum begeistern.“ – Stephen Holden, RS 118 (28. September 1972)
Cory Daye, „Cory and Me“
Bevor er Kid Creole and the Coconuts gründete, war August Darnell der Mastermind hinter einer Kultband, der Retro-Soul-Gruppe Dr. Buzzard’s Original Savannah Band im Stil der 1920er Jahre. Die Leadsängerin dieser Gruppe, Cory Daye, setzte den Disco-meets-Swing-Sound auf ihrem Solo-Debüt fort, das so unwiderstehlich war wie eine Badewanne voller Champagner. Nach diesem Album, als die Disco-Ära zu Ende ging und Dayes Solokarriere ins Stocken geriet, landete sie schließlich bei Kid Creole and the Coconuts.
Was wir damals sagten:
„Cory Dayes sprudelnde Cartoon-Sopranstimme bringt einen neuen Gesang in die Popmusik, der direkt und schwer fassbar, mädchenhaft einfach und musikalisch raffiniert ist. Sexy, ohne aufgesetzt zu wirken. Wenn Daye in einem Song auftritt, ist es, als würde die Sonne durch eine dunkle Wolkendecke brechen.“ – Don Shewey, RS 306 (13. Dezember 1979)
Four Tops, „Nature Planned It“
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Nachdem das Songwriter-/Produzententeam Holland-Dozier-Holland Motown verlassen hatte, gerieten die Four Tops fünf Jahre lang ins Straucheln. Das Gesangsquartett verließ das Label schließlich 1972 (als es nach Los Angeles umzog). Aber zuvor nahmen sie das „ausgewogenste und unterhaltsamste Album“ auf, das sie je bei Motown aufgenommen hatten. Sie tourten weiter. Nahmen Alben auf. Und wurden 1990 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Erstaunlicherweise blieben sie bis 1997 in ihrer ursprünglichen Besetzung zusammen.
Was wir damals sagten:
„Levi Stubbs’ Fähigkeit, mit seiner kraftvollen Stimme den ganzen Sinn eines Textes herauszuholen, ist nach wie vor beeindruckend. Er wird von donnernder, treibender Musik und dem straffen, scattenden Geflecht der anderen Männerstimmen und dem beständigen Frauenchor unterstützt.“ – Mark Vining, RS 124 (21. Dezember 1972)
Duke Williams and the Extremes, „Fantastic Fedora“
Der Kern dieser Band stammte aus Trenton, New Jersey. Session-Musiker, die sich bei verschiedenen Gamble/Huff-Produktionen in Philadelphia ihre Sporen verdient hatten und wussten, wie man jeden Groove zu einer unaufhaltsamen Party macht. Diese zweite LP war die letzte der Band, aber sie spielten noch viele Jahre lang in New Jersey; ein junger Richie Sambora spielte mit Duke Williams, bevor er zu Bon Jovi kam. Ihre Single „Chinese Chicken” wurde zu einem begehrten Breakbeat für Hip-Hop-DJs.
Was wir damals sagten:
„Die Musikgeschichte ist übersät mit den Trümmern weißer Bands, die versucht haben, brauchbaren Rhythm & Blues zu spielen. … Abgesehen vielleicht von den Rascals hat keine große weiße Band in jüngerer Zeit den R&B so erfolgreich beherrscht wie Duke Williams and the Extremes. … Das siebenköpfige Ensemble gleitet durch ein Potpourri von R&B-Einflüssen, von denen „My Baby Left Me” und „Theme from the Planet Eros” am beeindruckendsten sind. Ersterer hebt den entspannten Gang der Band hervor – nicht wirklich „funky” im klassischen Sinne des Wortes, sondern eher „angenehm frech”. – Gordon Fletcher, RS 169 (12. September 1974)
The New Birth, „Ain’t No Big Thing But It’s Growing”
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Nachdem Harvey Fuqua (ehemals Mitglied der Vokalgruppe Moonglows) seinen Job als Motown-Produzent aufgegeben hatte, gründete er New Birth: eine 17-köpfige (!) Gruppe, die aus einer achtköpfigen Band (den Nite-Liters), einer vierköpfigen Gesangsgruppe (den Mint Juleps), einer vierköpfigen Gesangsgruppe (den New Sound) und einem Solosänger, Alan Frye, bestand. Dieses „solide funkige“ zweite Album enthielt soulige Coverversionen von ungewöhnlichen Songs wie „Make It with You“ von Bread und „It’s Impossible“ von Perry Como.
Was wir damals sagten:
„Fuqua reserviert seine barocken orchestralen Einflüsse für das Zusammenspiel der Stimmen und setzt Chöre wie eine Reihe von Instrumenten ein – und genau das macht diese Alben so besonders. Die Arrangements der Stimmen – die spröderen Stimmen der Mädchen werden den sanfteren Männerstimmen gegenübergestellt, die Leadstimmen variieren von einem Stück zum nächsten und werden von wunderbar komplexen und witzigen Backing-Vocals untermalt – schaffen immer wieder eine unerwartete und zugleich befriedigende Klangtextur.” – Vince Aletti, RS 91 (16. September 1971)
Luther Ingram, „If Loving You Is Wrong I Don’t Want to Be Right”
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Den Titelsong, einen Soul-Klassiker, kennen Sie vielleicht schon – aber das ganze Album ist mitreißend und das Werk eines einzigartigen Vokalisten. Ingram, Co-Autor von „Respect Yourself“ der Staple Singers und langjähriger Voract von Isaac Hayes, war ein Southern-Soul-Musiker, der mit der Muscle Shoals Rhythm Section zusammenarbeitete, um seinen eigenen üppigen Sound zu kreieren. Auch wenn Ingram nie den Durchbruch als Star schaffte, landete er bis in die 80er Jahre hinein R&B-Singles in den Charts. Er starb 2007 im Alter von 69 Jahren an Herzversagen.
Was wir damals sagten:
„Nehmen wir zum Beispiel die beiden über fünfminütigen Stücke aus seinem neuen Album („I’ll Love You Until the End“ und „Love Ain’t Gonna Run Me Away“) – sie stehen kurz vor Ende der zweiten Seite hintereinander und zeigen hervorragend, wie gekonnt Ingram einen Song entwickeln kann – sein sorgfältig getimter Einsatz des Falsetts. … eine gesprächige, zu meinem Baby sprechende Vortragsweise und die Phrasen, die er wiederholt. All das gipfelt in … stiller Verzweiflung.” – Gary von Tersch, RS 124 (21. Dezember 1972)
Lorraine Ellison, „Lorraine Ellison“
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Ellison, bekannt für ihre dramatische Single „Stay With Me“ aus dem Jahr 1966, zog sich aus der Öffentlichkeit zurück und wurde zu einer Kultfigur, einer Sängerin für Sänger, die manchmal so weit über das Ziel hinausschoss, dass man von ihrem Standpunkt aus das Ziel nicht mehr sehen konnte. Dieses Album brachte ihr kein größeres Publikum, aber wir sagten, es habe „eine Reinheit und Kraft, die die meisten Sänger nur ansatzweise erreichen“. Ellison gab die Musik kurz nach diesem Album auf und starb 1983 an Eierstockkrebs.
Was wir damals sagten:
„Ellison ist eine Gospel-Sängerin mit einer kraftvollen Stimme – ihre hohen Töne könnten Glas zerbrechen –, aber sie verfügt über eine emotionale Intensität, die sich nicht auf Schreie beschränkt. Ihre Version von „Stormy Weather“, nur begleitet von ihrem eigenen Klavier, ist geradlinig, fast beiläufig und doch voller Gefühl, eine schmerzhafte Untertreibung.“ – Vince Aletti, RS 170 (26. September 1974)
The Stovall Sisters, „The Stovall Sisters“
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Diese drei gospelgeschulten Schwestern (Joyce, Lillian und Netta) arbeiteten kurzzeitig für Ike und Tina Turner als Ikettes und sangen den Backgroundgesang für Norman Greenbaums „Spirit in the Sky“. Als sie endlich ihr eigenes Album aufnehmen konnten, kehrten sie zu ihren Gospel-Wurzeln zurück, versahen diese jedoch mit einem funkigen Twist. Dieses „einzigartige Album“ klang, als wäre es kurz vor dem Übergang vom Samstagabend zum Sonntagmorgen aufgenommen worden, und brachte die klassische Single „Hang on in There“ hervor.
Was wir damals sagten:
„‚Harmonie‘ ist das Wort, das mir in den Sinn kommt. Ihre jahrelange Zusammenarbeit hat zu einer unschlagbaren Harmonie zwischen Leadstimme und Chor geführt, die von den Musikern nie gestört wird. Hören Sie sich „Rapture“ und „I’m Ready to Serve the Lord“ an, zwei lange, dynamische Stücke, die eine verführerische Mischung aus Joyces chromatisch wechselnder Leadstimme und dem Backgroundgesang ihrer Schwestern sind. … Gospelmusik, zu der man tanzen kann.“ — Gary von Tersch, RS 90 (2. September 1971)
Harold Melvin and the Bluenotes, „Black and Blue”
In den Anfängen der Bluenotes, die von Gamble und Huff für das Label Philadelphia International produziert wurden, war der großartige Bariton Teddy Pendergrass der anonyme Sänger (der vom Schlagzeug zum Gesang gewechselt war) – so unbekannt, dass wir ihn selbst nach der Hit-Single „If You Don’t Know Me By Now“ in unserer Rezension nicht namentlich erwähnten, sondern einfach als „den Leadsänger“ bezeichneten. Wir lobten dieses hochpolierte Album jedoch als „zweifellos eine der besten LPs des Jahres“. Pendergrass verließ die Bluenotes 1975, um eine erfolgreiche Solokarriere zu starten. 1982 erlitt er bei einem Autounfall schwere Rückenmarksverletzungen und verstarb 2010.
Was wir damals sagten:
„Die Schönheit dieses Albums liegt im Kontrast zwischen dem satten, bluesigen Gesang der Bluenotes und dem raffinierten, ausgefeilten Aufnahmestil von Gamble und Huff. Letzterer umfasst eine Reihe von Songs, die qualitativ über dem bisherigen Durchschnitt liegen, Arrangements, die stets den perfekten Kontrapunkt zum Gesang bilden, und eine Produktion, die sich der breitesten und tiefgründigsten Technik und Abmischung im modernen R&B bedient.“ – Jon Landau, RS 150 (20. Dezember 1973)
Brenda Patterson, „Keep on Keepin’ on”
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Patterson, eine junge Gospelsängerin aus Arkansas, tat sich mit der Native-American-Rockband Redbone (die damals noch nicht ihren Hit „Come and Get Your Love” veröffentlicht hatte) zusammen, um R&B-Musik zu machen, die zwar einen schweren Boden hatte, aber dennoch die Wolken berühren konnte. Die besten Stücke waren Blues-Songs wie „Ain’t No Grave Can Hold My Body Down“. Wir lobten die begabte Patterson als Nachfolgerin von Mahalia Jackson und Aretha Franklin und sagten ihr (fälschlicherweise) „verdammt gute Chancen voraus, in derselben goldenen Riege zu landen“.
Was wir damals sagten:
„Das Quartett legt eine schwere elektrische Wand aus zwei Gitarren, Bass und Schlagzeug hin, die sich durch eine starke Basslinie, Wah-Wah-Gitarre und einen pulsierenden 4/4-Rhythmus auszeichnet. Tatsächlich klingen sie hier besser als auf ihrem Album … Redbone liefert die solide Instrumentalbegleitung, Brenda den klagenden Gesang. Und klagen tut sie … Sie verschlägt einige Worte und betont andere, was der Musik eine lebendige Atmosphäre verleiht.“ – Jud Rosebush, RS 64 (6. August 1970)
Love Unlimited, „Under the Influence of …“
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Barry White war nicht nur eine Baritonstimme und der „Round Mound of Rebound Relationships“, er war auch ein genialer Songwriter und Produzent, der Pionierarbeit beim Einsatz von Orchestern in opulenter R&B-Schlafzimmermusik leistete. Und er war so produktiv, dass er sexy Spin-off-Alben mit dem Love Unlimited Orchestra und seinen Backgroundsängerinnen Love Unlimited veröffentlichte: Diese LP war besonders unbestreitbar. White heiratete 1974 eines der Mitglieder von Love Unlimited, Glodean James; sie blieben bis zu seinem Tod 2003 verheiratet.
Was wir damals sagten:
„Der attraktivste und erfolgreichste Titel des Albums, „Love’s Theme“, ist ein stark orchestriertes Instrumentalstück, eine brillante Kombination aus Gitarrenklängen und Violinenwirbeln, das auch nach fünf Monaten noch spannend bleibt. Die Songs, die alle von Mädchen unter dem Einfluss der Liebe handeln, sind sich sehr ähnlich, aber die Wirkung ist so süß und unwiderstehlich, dass das keine Rolle spielt.“ – Vince Aletti, RS 156 (14. März 1974)
Jackie DeShannon, „Jackie”
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Die Rockpionierin Jackie DeShannon, ehemalige Songwriting-Partnerin von Jimmy Page und Randy Newman, trat kommerziell auf der Stelle. Also versuchte Atlantic Records, den Erfolg von „Dusty in Memphis“ zu wiederholen: Man nahm eine versierte Pop-Chanteuse und ließ sie ein üppiges Southern-Soul-Album aufnehmen. DeShannons Platte war nicht so erfolgreich wie die von Dusty Springfield, aber fast genauso beeindruckend. DeShannon landete 1981 als Songwriterin mit Kim Carnes‘ Version von „Bette Davis Eyes“ einen Nummer-1-Hit.
Was wir damals sagten:
„Ich habe Jackie DeShannons Gesang immer gemocht – einen sanften, aber niemals rührseligen Stil –, obwohl ihr Talent auf einer Platte nach der anderen zu oft durch minderwertige Songs mit kitschigen Arrangements verschwendet wurde. Jetzt kommt zum ersten Mal das gesamte Spektrum ihrer Fähigkeiten voll zur Geltung. … Was an ihrem Gesang so befriedigend ist, ist die Spannung, die sie aufbaut, indem sie immer gerade noch die volle Wucht zurückhält.“ – Stephen Holden, RS 115 (17. August 1972)
The Supremes, „Touch“
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Vielleicht haben Sie nach Diana Ross‘ Solokarriere 1970 aufgehört, den Supremes Aufmerksamkeit zu schenken, aber obwohl sie keine regelmäßigen Nummer-1-Hits mehr hatten, landeten sie nach ihrem Weggang in den 70er Jahren acht Singles in den Top 40. In Zusammenarbeit mit verschiedenen Motown-Zweitbesetzungen schufen sie einige ihrer seltsamsten und einprägsamsten Songs. Wir schrieben, dass „Touch“, das dritte Album der Supremes mit Jean Terrell als Leadsängerin, „ein uneingeschränkter Erfolg und der endgültige Beweis dafür war, dass die Supremes ohne Diana Ross weitermachen würden“. Und das taten sie auch – bis 1977.
Was wir damals schrieben:
„Die neue Leadsängerin Jean Terrell ist zu klug, um ihre Vorgängerin zu imitieren, und hat es innerhalb von nur anderthalb Jahren geschafft, die Gruppe nach ihrem eigenen Bild umzugestalten. Die kokette, jugendliche Sexualität von Miss Ross ist verschwunden und an ihre Stelle ist eine vollere und erwachsenere Herangehensweise an Musik und Leben getreten. Das Markenzeichen von Miss Terrells Stil ist, wie bei so vielen der besten Motown-Künstler, ein enormes Gefühl von Würde, Stolz und Klasse.” – Jon Landau, RS 87 (22. Juli 1971)
