Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
Wenn es etwas gibt, das die Musik des 21. Jahrhunderts definiert, dann ist es der ständige Wandel. Wir leben in einer Zeit, in der dein nächster Lieblingssong von überall her kommen kann. Aus allen Stilrichtungen. Aus allen Teilen der Welt. Das gesamte Erlebnis, Musikfan zu sein, verändert sich ständig. Im Jahr 2000, als ‚NSync „Bye Bye Bye” veröffentlichte, war dies der Höhepunkt der Ära des CD-Kaufs.
Bis diese Ära vorbei war. Napster kam auf, ebenso wie MySpace und der iPod. Streaming hielt Einzug, Vinyl feierte ein Comeback. Es werden ständig neue Sounds erfunden, und die Luft ist voller eklektischer und experimenteller Songs. Wenn Sie heutzutage Musikfan sind, haben Sie die ganze Welt der Klänge zur Hand.
Diese Liste soll die ganze chaotische Pracht der Musik des 21. Jahrhunderts einfangen
Das ist der Gedanke hinter unserer Liste der 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts. Wie unsere Liste der besten Alben des Jahrhunderts ist sie eine breit gefächerte Mischung aus verschiedenen Stilen, verschiedenen Beats und verschiedenen Stimmen. Einige dieser Songs sind allseits beliebte Hits. Andere sind einflussreiche Kultklassiker. Aber diese Liste soll die ganze chaotische Pracht der Musik des 21. Jahrhunderts einfangen. Einen Song nach dem anderen.
Diese Melodien kommen aus allen Teilen der Welt. Allein in unseren Top Ten reisen wir von Stockholm nach Compton. Von Nashvilles Music Row zu den schäbigen Punkrock-Bars in New York. Diese Songs reichen von Seoul über Spanien bis nach San Juan. Von Vegas über Veracruz bis nach Versailles, von Nigeria über Mexiko bis nach Kolumbien.
Legenden, Newcomer und Überraschungen
Es gibt Reggaeton und K-Pop und Drill und Crunk, Country und Afrobeats und Emo und Sirrieño. Das Kriterium für diese Liste ist jedoch nicht Popularität oder Airplay. Sondern ausschließlich musikalische Brillanz und Originalität. Woher diese Songs auch kommen mögen, sie erinnern daran, dass wir in einer Zeit leben, die von unbegrenzten Möglichkeiten und unaufhörlicher Innovation geprägt ist. Einige der berühmtesten Megastars unserer Zeit – Beyoncé, Taylor Swift, Kendrick Lamar – sind auch die abenteuerlustigsten.
Einige dieser Songs stammen von legendären Künstlern, die es geschafft haben, über Jahrzehnte hinweg relevant zu bleiben. David Bowie, Mary J. Blige, Madonna oder Bob Dylan. Andere stammen von jugendlichen Dirtbags. Wir haben „Anthems for a 17-Year-Old Girl“. Wir haben auch „Drivers License“, eine Hymne von einem 17-jährigen Mädchen. Wir haben den alten Country-Grit von Johnny Cash, der das Jahr, in dem Olivia Rodrigo geboren wurde, verabschiedete. Wir haben One-Hit-Wonders und ganze Genres, die über Nacht kamen und gingen. (Verbeuge dich, christlicher Nu Metal.) Es gibt gequälte Poesie und rohe Geständnisse. Es gibt auch den Song, der lautet: „Baby, du bist ein Lied.“
Der Geist einer Ära
Wir hatten viele Diskussionen, während wir diese Liste zusammenstellten. Und wir haben jede Minute davon genossen. Es ist eine Liste von Songs, nicht von Künstlern. Daher haben wir es größtenteils vermieden, mehrere Songs desselben Interpreten aufzunehmen. Aber einige musikalische Genies hatten einfach zu viele Klassiker, um sie zu ignorieren. (Wenn das Universum Lorde sowohl „Ribs“ als auch „Green Light“ in derselben Karriere schenken will, kann man das nicht verhindern.)
Jeder Fan würde eine andere Liste zusammenstellen – das ist der Punkt. Aber diese Liste fasst eine Ära zusammen, in der es keine Regeln zu befolgen und keine Spielregeln einzuhalten gibt. Niemand hat es auf diese Liste geschafft, indem er auf Nummer sicher gegangen ist. Lesen Sie weiter, drehen Sie die Musik auf, entdecken Sie Neues – und lassen Sie sich mitreißen.
Die gesamte Liste können Sie
250. Train, „Drops of Jupiter”
2001
Jede Ära bekommt die Feuerzeug-Powerballade und Arena-Rock-Hymne, die sie verdient. Und für die frühen 2000er Jahre lieferte Train „Drops of Jupiter”. Der Song war im Sommer 2001 ein Top-5-Hit. Aber im Laufe der Jahre wurde er immer allgegenwärtiger. Pat Monahan singt poetische Fragen wie „Tell me, did Venus blow your mind?”
Er wurde zu diesem Song durch seine verstorbene Mutter inspiriert, nachdem er aus einem Traum erwacht war, in dem sie aus dem Kosmos zurückkehrte. Train hatte noch andere Hits, wie „Hey, Soul Sister“. Aber „Drops of Jupiter“ hat sich als echter Standard etabliert, der diesem Zeitalter am nächsten an einen eigenen „ Don’t Stop Believin’“ oder „Africa“ dieser Ära. Mit anderen Worten: Es ist das musikalische Äquivalent zum besten Soja-Latte, den Sie je getrunken haben. —Rob Sheffield
249. Tweet, „Oops (Oh My)“
2002
Tweets größter Hit war seiner Zeit weit voraus. Produziert vom stets zukunftsorientierten Timbaland und mitgeschrieben von Missy Elliott, handelt der Song von Selbstliebe. Unterlegt mit einem hypnotischen Techno-Reggae-Beat. Tweet wurde zu diesem Song inspiriert, nachdem sie eine Folge von Oprah gesehen hatte, in der ein Arzt den Menschen riet, sich selbst nackt im Spiegel zu betrachten, um Selbstakzeptanz zu lernen.
Tweet hebt dies auf eine sinnliche Ebene. Sie beschreibt die Erfahrung, nach einer durchfeierten Nacht nach Hause zu kommen und zu entdecken, dass es ihr eigener Körper war, der ihr den Atem raubte. Und während die meisten den sexy, berauschende Track als einen über Masturbation interpretierten, Tweet hat immer betont, dass es darum geht, wie man lernt, den eigenen Körper zu lieben. —Brittany Spanos
248. Fleet Foxes, „Tiger Mountain Peasant Song”
2008
Das Debütalbum von Fleet Foxes aus dem Jahr 2008 ist voller strahlender Gesangsharmonien, die jedoch alle in diesem atemberaubenden Soloauftritt von Frontmann Robin Pecknold in den Hintergrund treten. Zu einer sparsamen, traurigen Folk-Gitarrenbegleitung, die sich anfühlt, als könnte sie Jahrhunderte alt sein, skizziert er eine Szene im Stil von „Scarborough Fair“ mit mittelalterlichen Wanderern an einem kalten Morgen.
Bevor er sich auf den Weg zu einem Grab macht und vor seelischem Schmerz ausruft: „Lieber Schatten, lebendig und wohlauf/Wie kann der Körper sterben?“ Es ist ein eindringlicher Ausbruch, auch wenn Pecknold „Tiger Mountain Peasant Song“ später als Werk eines jungen Mannes herunterspielte. „Ich glaube, diese Songs waren vor allem Geschichten, weil ich sie mit 20 Jahren geschrieben habe und nur wenige Lebenserfahrungen hatte, aus denen ich schöpfen konnte!“, sagte er im Jahr 2020. —Simon Vozick-Levinson
247. Avicii, „Levels“
2011
In den frühen 2010er Jahren eroberte EDM die Tanzflächen weltweit. Überall außer in Amerika. Dann kam Tim Bergling, ein babygesichtiger schwedischer Teenager, der sich Avicii nannte, benannt nach der untersten Ebene der buddhistischen Hölle, wo Seelen eine Chance auf Wiedergeburt erhalten.
Seine Waffe? „Levels“, eine euphorische Klavier- und Synthesizer-Progression, die auf Etta James‘ Gospel-Klassiker „Something’s Got a Hold on Me“ basiert, war wie eine Dose Monster, die man in den Gehörgang der Nation schüttete. Nach 2011 dröhnte es überall mit verwirrender Angemessenheit. Coachella, Buffalo Wild Wings, die Grundschulabschlussfeier Ihres Neffen. „Du bist der John Coltrane von Fruity Loops“, sagte Nile Rodgers von Chic zu Bergling. —Sarah Grant
246. Post Malone und Swae Lee, „Sunflower“
2018
Der Country-Rap-Troubadour Post Malone und Rae Sremmurds Party-Starter Swae Lee haben sich wie Tony Stark und Peter Parker für den Soundtrack zu Spider-Man: Into the Spider-Verse zusammengetan. Und einen luftigen, verträumten, melancholischen Song geschaffen, der 33 Wochen lang die Top 10 unseres Universums dominierte.
Der zwei Minuten und 38 Sekunden lange Song, der nach einer langen gemeinsamen Session von Post und Swae gegen 6 Uhr morgens geschrieben und aufgenommen wurde, wird von Miles Morales, dem Protagonisten von „Spider-Verse“, gesungen, während er in seinem Schlafzimmer an einem Kunstwerk arbeitet.
Der Film wurde zum Nummer-1-Film des Landes. Und verhalf „Sunflower“ dazu, der erste digitale Song zu werden, der von der RIAA mit Doppel-Diamant zertifiziert wurde. —Christopher R. Weingarten
245. Tego Calderón, „Pa’ Que Retozen”
2002
Während Daddy Yankee und Don Omar als offensichtliche Kandidaten für den Reggaeton-Ruhm galten, brachte Tego Calderón etwas völlig anderes mit. Einen Hauch der Salsa-Legende Ismael Rivera, nicht im Klang, sondern in seinem kehligen Flow – rustikal bis auf die Knochen – und der Leichtigkeit, mit der er eine Flut von puertoricanischem Slang beherrschte.
„ Pa’ Que Retozen” ist der hedonistische Megahit seines revolutionären Debüts von 2002, El Abayarde. Er strotzt vor Humor und Selbstbewusstsein. Und untermalt den Beat mit gezackten Bachata-Gitarrenklängen. In einer Zeit, in der die lateinamerikanische Musik lernte, mit neuen Farben zu malen, trat Calderón als das Genie von nebenan hervor. Als Meister der Schattierungen. —Ernesto Lechner
244. Warren Zevon, „Keep Me in Your Heart“
2003
„Die Schatten fallen, und mir geht die Puste aus“, singt Warren Zevon in der ersten Zeile dieses Songs. Als er „The Wind“ aufnahm, war bei Zevon Krebs im Endstadium diagnostiziert worden. Und er beschloss, sein letztes Studioalbum fertigzustellen. In diesem wunderschön stoischen und sanften Wiegenlied für sich selbst und sein Vermächtnis, das er gemeinsam mit seinem langjährigen Mitstreiter Jorge Calderón geschrieben hat, klingt Zevon nicht mehr wie der wilde Mann, der er einmal war.
Aber mit dem mitfühlenden Schlagzeuger Jim Keltner im Rücken möchte er allen versichern, dass er in der einen oder anderen Form auch nach seinem Tod noch da sein wird. Wenn Sie eine Zeile wie „Du weißt, ich bin an dich gebunden wie die Knöpfe an deiner Bluse“ hören und dabei keine Träne vergießen, dann sind Sie wirklich ein Werwolf ohne Seele. —David Browne
243. Davido feat. Musa Keys, „Unavailable“
2023
Große Tribal-Vibes prägen diese erhellende Hymne aus dem Jahr 2023. Der wogende Refrain und die rustikalen Percussions dieser ergreifenden Single aus dem fünften LP des Vertreters aus Lagos, Nigeria, klingen wie ein wachsames Dorf in Bewegung. Wann hat ein Song über Zurückhaltung das letzte Mal die Charts gestürmt?
Trotz seiner beharrlichen „Lesen-ohne-zu-antworten“-Haltung (mit der herzlichen Erklärung „Ich kann nicht reden“) erreichte „Unavailable“ Platz drei der Billboard U.S. Afrobeats Songs-Charts. Davidos feuriger Tenor wirkt intim und ausdrucksstark, während er über sein geschäftiges Rockstar-Leben nachdenkt. Nicht ohne einen Hauch von Bedauern. „ Ich verändere mein Leben, oh/Meine Mama ist stolz auf mich, nicht wahr?“, verkündet er. Diese clevere Single über Ghosting ist in der Tat eindringlich. —Will Dukes
242. Scarface, „My Block“
2002
Einer der bewegendsten und emotionalsten Texter der Hip-Hop-Geschichte war weit weg von zu Hause, als er dieses Bild seines Viertels Southside Houston zeichnete. Scarface wurde von Russell Simmons engagiert, um dessen Label Def Jam South zu leiten. Er nahm einen Großteil seines einzigen Mainstream-nahen Albums, The Fix aus dem Jahr 2002, in New York City auf.
„In New York zu sein … kann das Ergebnis der Platten und Denkprozesse eines jeden verändern“, sagte Face gegenüber Complex. „My Block“ war eine Kombination aus bittersüßen Erinnerungen und einem galoppierenden Piano-Loop aus einem Album von Roberta Flack und Donny Hathaway. Der Song war zwar thematisch begrenzt. Aber inhaltlich universell. „In meinem Viertel ist es, als gäbe es die Welt nicht / Wir bleiben auf diesen kleinen Bereich beschränkt, in dem wir leben.“ —C.W.
241. Wheatus, „Teenage Dirtbag“
2000
Ein Vierteljahrhundert später ist der Song, den Brendan B. Brown teilweise über einen grausamen Mord in der Stadt auf Long Island schrieb, in der er aufgewachsen ist, nun ein Karaoke-Standard. Und ein Meilenstein des Y2K. Aber zwischen Browns Falsett im dritten Vers und seiner Beschwörung der Jugend der Achtzigerjahre (Keds, Kniestrümpfe, beschissene Camaros) hat die veraltete Spezifität des Songs tatsächlich dazu beigetragen, dass er Bestand hat.
Coverversionen und Interpolationen von One Direction, SZA und Rod Wave haben dem Song zu einem neuen Aufschwung bei der Generation Z verholfen, während Weezer seine weltweite Popularität weiter gesteigert hat, indem sie den Song coverten, von dem viele annehmen, dass sie ihn geschrieben haben.
„Was auch immer die Leute zu diesem Song getrieben hat“, sagte Brown 2020 gegenüber Rolling Stone, „ist viel wichtiger als irgendein satanischer Mord in meiner Heimatstadt.“ —Jonathan Bernstein
240. Mac Miller, „2009“
2018
Mac Miller klang nie so selbstverwirklicht wie auf dem introspektiven Track seines 2018 erschienenen Albums „Swimming“, das wenige Monate vor seinem frühen Tod veröffentlicht wurde.
In „2009“ blickt Miller wehmütig auf das entscheidende Jahr zurück, bevor er sein erstes Mixtape „K.I.D.S.“ veröffentlichte, und gibt Weisheiten wie „Das Leben ist kein Leben, bis man es verlässt“ zum Besten. “ Aber es sind Millers sorgfältige Auswahlen, die „2009“ zum Inbegriff seines musikalischen Könnens machen.
Der Rapper integrierte das Klaviermotiv aus Chanté Moores Hit „Got a Man“ aus den Neunzigern und ein Vibraphon, um eine gefühlvolle Vision zu schaffen, die sein bleibendes Vermächtnis widerspiegelt. —Maya Georgi
239. Skrillex feat. Sirah, „Bangarang“
2011
„Bangarang ist wahrscheinlich das Gegenteil von Brostep, weil die Tempi nicht einmal Dubstep-Tempi sind“, erklärte Skrillex 2014. Er sprach über die EP als Ganzes. Aber der Titeltrack verdeutlicht seine Aussage ganz von selbst. Es ist ein lebhafter Track im Hip-Hop-Tempo, der auf den hämmernden Bässen seiner früheren Werke aufbaut, die seine Karriere begründeten. Aber all das in Hooks verwandelt.
Es war ein klares Signal, dass der Mann, den Underground-Typen als One-Trick-Pony verspotteten. Tatsächlich war „Brostep“, wie Skrillex betonte, zunächst kein Schmeichelebegriff —Michaelangelo Matos
238. Bleachers, „I Wanna Get Better“
2014
Jack Antonoff hat dieses Jahrhundert damit verbracht, Hits mit den größten Namen der Musikbranche zu schreiben. Von Taylor Swift über Lana Del Rey bis hin zu Lorde. Gleichzeitig ist er Frontmann von Bleachers, wo der aus New Jersey stammende Musiker oft die Pracht des Radio-Rock und New Wave der Achtzigerjahre durch eine Indie-Pop-Linse kanalisiert.
Nie zuvor hat er dies so kraftvoll getan wie in „I Wanna Get Better“, einer emotionalen Stellungnahme nach den nationalen Tragödien des 11. September und des Irakkriegs sowie dem Tod geliebter Familienmitglieder. Zu drängenden Klavierakkorden singt Antonoff davon, sich „in der Zeit zwischen Leichenwagen und Särgen eingefroren“ zu fühlen. Bevor der Song in seinen hymnischen Refrain übergeht – wie er es nannte, „eine verdammte Lebensgeschichte in drei Minuten“. – Jon Dolan
237. Kid Cudi, „Day ‘n’ Nite“
2008
Kid Cudi pflegte einige Jahre lang eine symbiotische Beziehung zu Kanye West. Es ist schwer vorstellbar, dass Cudi ohne „Late Registration“ existieren würde. Aber es ist ebenso schwer vorstellbar, dass „808s and Heartbreak“ ohne Cudi existieren würde. Sein Debütalbum „Man on the Moon: End of the Day“ aus dem Jahr 2009 war sein Versuch, seinen eigenen Weg zu gehen, und „Day ‘n’ Nite” war das Herzstück des Albums, ein Geto-Boys-Riff, getränkt mit Drive-Wave-Synths und arena-tauglichem Klangraum.
Der Text – eine Hymne an Schlaflosigkeit, Kiffen und entschlossene Einsamkeit – scheint direkt aus dem MySpace-Ökosystem zu stammen, mit dem Cudi seine Karriere startete. Das Ergebnis ist ein Track, der sowohl von der Nacht handelt als auch für die Nacht gemacht ist, der sich ebenso gut aus den Lautsprechern eines Nachtclubs anhört wie leise aus den Kopfhörern in einem Nachtbus. Der ins Nirgendwo fährt. —Clayton Purdom
236. Shaboozey, „A Bar Song (Tipsy)“
2024
Songs, die unterschiedliche Genres miteinander verbinden, können manchmal etwas gekünstelt wirken. Aber selbst mit sechs Songwritern ist „A Bar Song (Tipsy)“ die nahtloseste und ausgelassenste Mischung aus melancholischem Country und mitreißendem Hip-Hop, die man sich vorstellen kann.
Alles, was man sich von einem Country-Song wünscht, ist hier zu finden. Anspielungen auf Alkoholmarken. Ein Erzähler mit einem Niedriglohnjob, der sich die teure Handtasche für seine Freundin nicht leisten kann. Und ein Sänger, dessen Stimme in schmerzhafte tiefere Tonlagen abtauchen kann. Mit seiner mitreißenden Energie ist der Refrain ein Schub verzweifelter Realitätsflucht, den der Erzähler so dringend braucht.
Außerdem: Wie kann man einen Song hassen, der mit einem lustigen gesprochenen Finale endet: „… Bro, sie haben mich aus der Bar geworfen“? —D.B.
235. Foo Fighters, „Times Like These“
2002
In den 1990er Jahren hatten die Foo Fighters fast so viele Alternative-Radio-Hits wie Dave Grohls vorherige Band Nirvana. Als die 2000er Jahre begannen und der Rock härter wurde, passten die Foos mühelos hinein. Geschrieben während einer turbulenten Zeit für die Band, die noch auf der Suche nach ihrem Weg als Einheit war, ist „Times Like These“ aus dem Jahr 2002 ein typischer Foo-Song. Mehrschichtige Gitarren unterstützen Grohls hohe Tonlage, unterbrochen von synkopierten Akkorden. Dazu Texte, die ein Gefühl von Widerstandsfähigkeit und Hoffnung hervorrufen sollen.
Der mitreißende Refrain „It’s times like these you learn to live again” lässt sich so leicht auf jede Notlage anwenden, dass er zu einer Visitenkarte geworden ist, die für politische Kandidaten (Präsident Biden im Jahr 2021) ebenso relevant ist wie für jemanden, der sich in einer Genesungsphase befindet. Mit anderen Worten: eine universelle Botschaft für jede Zeit. —Shirley Halperin
234. J Balvin und Willy William, „Mi Gente“
2017
Von Anfang an bewies der kolumbianische Pop-Innovator J Balvin ein Gespür für elektronische Texturen und verführerische Genre-Hybride. Im Fall von „Mi Gente” war das stimmungsvolle, exotische Motiv im Intro bereits in Willy Williams „Voodoo Song” vorhanden, den Balvin in eine zweisprachige Moombahton-Hymne verwandelte. Mit einem Text, der alle willkommen heißt, sich einer universellen Party anzuschließen.
Als im Herbst 2017 der gefühlvolle Beyoncé-Remix erschien, war „Mi Gente“ bereits zu einem kosmopolitischen Dancefloor-Hit geworden, der die Grooves Lateinamerikas in jeden Winkel der Welt trug. —E.L.
233. John Prine, „Summer’s End“
2018
Bevor sein Tod im Jahr 2020 dem Song zusätzliche Bedeutung verlieh, war „Summer’s End“ der herausragende Titel auf John Prines triumphalem letzten Album „The Tree of Forgiveness“. Über einer einfachen, lieblichen Melodie entfaltet Prine wunderschön lebendige Bilder (Badeanzüge auf einer Wäscheleine, der Mond und die Sterne, die sich unterhalten), um über Liebe, Sterblichkeit und die Vergänglichkeit der Zeit zu singen.
Nach Prines Tod wurde der Song sofort zum Standard. Er wurde von Phoebe Bridgers, Adrianne Lenker, Jackson Browne, Valerie June und anderen gecovert. Co-Autor Pat McLaughlin begann den Song mit Bildern des Spätsommers, bevor Prine einwarf: „ Lass uns Anwaltssprache einbauen“, erinnerte er sich. „Also haben wir ‚gemäß unserer Vereinbarung‘ eingefügt. Als würden wir nach Stunden bezahlt.“ —J. Bernstein
232. Tems, „Free Mind“
2020
Viralität droht oft, großartige Musik zu entwerten. Aber der Grund, warum Tems‘ „ Free Mind“ so allgegenwärtig wurde – insbesondere auf Plattformen wie TikTok und Instagram –, war, dass die instinktive Sehnsucht der nigerianischen Singer-Songwriterin nach Frieden in dem Song bei vielen Menschen, insbesondere bei schwarzen Frauen, Anklang fand.
Es war einer ihrer frühesten Tracks. Ein Auszug aus ihrer Debüt-EP „For Broken Ears“ aus dem Jahr 2020, aus der Future ihren „Higher“-Hook für seinen eigenen Grammy-prämierten Hit „Wait 4 U“ entnahm. Aber Jahre später brachte dieser Erfolg die Massen zurück zu Tems‘ ursprünglichem Meisterwerk „Free Mind“. Und von da an wurde sie zu einem der hellsten Stars des Kontinents. —Mankaprr Conteh
231. Florida Georgia Line, „Cruise“
2012
Der Aufstieg des „Bro Country“ in den frühen 2010er Jahren wurde durch diese Ode aus dem Jahr 2012 beschleunigt, in der es darum geht, mit einem „brandneuen Chevy mit Lift-Kit“ und voll aufgedrehter Radioanlage auf die Straße zu gehen.
Die Mitglieder von Florida Georgia Line, Brian Kelley und Tyler Hubbard, hatten jahrelang mit dem Produzenten Joey Moi an ihrer Mischung aus prahlerischem Post-Grunge und twangigem Pop gefeilt, als sie mit „Cruise“ das Ideal eines Sommersongs verwirklichten, der seinen strahlenden Flirts Hip-Pop-Grooves hinzufügte.
Sein gigantischer Erfolg öffnete anderen Country-Musikern die Tür, um Drum Machines einzusetzen, während sein Remix mit St. Louis MC Nelly Florida Georgia Line zu einem Crossover-Hit verhalf. —Maura Johnston
230. Mastodon, „Blood and Thunder“
2004
Mastodon aus Atlanta haben den besten Metal-Riff des neuen Jahrhunderts geschrieben. Einen stark synkopierten, wellenförmigen Zwei-Takt-Riff. Als Opener von „Leviathan“, ihrem konzeptionellen Opus über die Jagd auf Moby Dick, hat „Blood and Thunder“ dazu beigetragen, die Fahne für eine neue Generation von Sludge-Metal-Bands zu hissen, die das Subgenre mit mehr Prog-Präzision behandelten.
Der perkussive Riff wurde natürlich vom Schlagzeuger geschrieben. „Brann [Daillor] hat sich das ausgedacht”, erzählte Mastodon-Gitarrist Bill Kelliher Guitar World. „Er ist auf der Gitarre ungefähr so gut wie ich am Schlagzeug. Also ziemlich schlecht. Aber er denkt sich viele Riffs aus und gibt sie mir. Die Sache ist, dass er Rhythmen anders denkt als ich. Das war zerklüftet. Kantig und seltsam. Aber plötzlich hat es Klick gemacht.“ —C.W.
229. Old 97’s, „Rollerskate Skinny“
2001
Die Old 97’s aus Dallas wurden zunächst der Alt-Country-Szene zugeordnet. Aber mit ihrem 2001 erschienenen Album Satellite Rides hatten sie sich zu etwas anderem entwickelt. Einer erstklassigen Pop-Rock-Band.
Inspiriert von einer kurzen Romanze mit Winona Ryder, reiht Frontmann Rhett Miller in „Rollerskate Skinny“ sowohl jugendlich-liebenswerte Zeilen („You’re pretty as a penny“) als auch bissige („Wouldn’t be here if the Athenia hadn’t sunk“) aneinander. Der Song ist fröhlich und beschwingt. Aber im Kern schmerzlich, was sich in der letzten Zeile zusammenfassen lässt, die Miller so lang zieht, bis sie fast wie eine Bestätigung klingt. „Ich glaube an die Liebe, aber sie glaubt nicht an mich.“ —J.D.
228. Rema, „Woman“
2020
Rema bedient sich in diesem köstlichen Meisterwerk, das dem schönen Geschlecht gewidmet ist, traditioneller Afrobeat-Rhythmen. Die markanten Texte des nigerianischen Wunderkinds („Ich bin in viele Frauen verliebt, es macht mir nichts aus, sie alle zu heiraten“) und sein Popstar-Charme sorgten dafür, dass sein modales Schreiben, in dem er sich aus der Bindung stürzte, mehr als 50 Millionen Streams auf Spotify erzielte.
Der tranceartige Glanz des Songs, untermalt von lautem, galoppierendem Stampfen, unterstreicht die deklarative Finesse in Remas Timbre, während er sich einem unaufhaltsamen Refrain nähert. „Woman“ ist sowohl ernsthaft als auch bissig. Seine großherzige Würze, in der Playboy-Vitalität auf liebeskranke Fleißigkeit trifft, macht einen großen Teil seines Charmes aus.
Man könnte es als einen polyamorösen Pop-Stomper für die Ewigkeit bezeichnen. —Will Dukes
227. Tyler Childers, „Feathered Indians“
2017
Es dauerte nicht lange, bis dieser Album-Track aus Tyler Childers‘ Debütalbum zum Lieblingssong der Fans und seinem meistgestreamten Song auf Spotify wurde. Es ist ein perfekter kleiner Country-Song. Vom Refrain mit mehreren Hooks über die ländliche Romantik bis hin zu Childers‘ Phrasierung im ersten Vers (hören Sie sich an, wie er einem einzigen Wort Bedeutung entlockt: religiös). Childers begann später, die Tantiemen aus dem Song an indigene Gemeinschaften zu spenden und nahm ihn auf unbestimmte Zeit aus seinem Live-Repertoire, weil er den Titel (der sich auf ein veraltetes Design einer Gürtelschnalle bezieht, die er einmal besaß) als beleidigend für indigene Völker empfand. Aber Childers‘ rockstarwürdige Entscheidung, seinen beliebtesten Song aus dem Repertoire zu nehmen, hat dessen Mystik nur noch verstärkt. —J. Bernstein
226. 5 Seconds of Summer, „Youngblood”
2018
Selbst als sie noch darauf versessen waren, als Pop-Punk-Band wahrgenommen zu werden, war 5 Seconds of Summer dazu bestimmt, alles, was sie großartig machte, in den Mainstream-Pop zu bringen. Ohne Vorbehalte, ohne Boyband-Etiketten, ohne angestrengte Routinen. Der Weg war frei. Und „Youngblood” gab Vollgas.
Das von New Wave beeinflusste Album ist perfekt zusammengestellt und basiert auf Live-Schlagzeug, rhythmischen Gitarrenriffs und einer unaufhörlichen Basslinie. 5SOS haben die quälende und verzweifelte Agonie einer destruktiven Beziehung aufgegriffen und in einen mitreißenden Hit verwandelt, der sowohl klanglich als auch emotional anschwillt, betrunkene SMS umgeht. Und direkt zu nächtlichen Anrufen führt, die genauso süchtig machen wie der Refrain. —Larisha Paul
225. Bright Eyes, „First Day of My Life“
2005
Conor Oberst von Bright Eyes wurde Anfang der 2000er Jahre oft als eine Art Emo-Folk-Version des neuen Bob Dylan bezeichnet. Bie verkörperte er diesen gewichtigen Vergleich so sehr wie hier. Der zarte Song über die Hoffnung auf eine neue Liebe verwendet sogar geschickt die gleichen Akkorde wie Dylans deutlich weniger optimistischer „Don’t Think Twice It’s Alright”.
Während des gesamten Songs kann man fast dieselbe Melodie durchdringen hören. „Ich wollte etwas Reduziertes machen”, sagte Oberst 2002 gegenüber Rolling Stone. Begleitet nur von Dylans funkelnden Akkorden bricht die Stimme des Singer-Songwriters, während er einfache, aber überschwängliche Zeilen wie „I could go anywhere with you/And I’d probably be happy” singt.
Das Ergebnis ist der süßeste und beliebteste Song des produktiven Künstlers. —M.G.
224. The Knife, „Heartbeats”
2002
Der Electro-Pop-Hit „Heartbeats“ des schwedischen Geschwisterduos The Knife aus dem Jahr 2002 ist ein Liebeslied, das sich auf eine flüchtige Affäre konzentriert und eine kurze Begegnung mit der Erhabenheit des Ewigen wiedergibt. In der schillernden Vielfalt der Synthesizer, die wogen und leuchten, funkeln und blitzen, während Gated Toms über den Mix hinwegplätschern, kann man die Form der kommenden Popmusik erkennen.
Sängerin Karin Dreijer versetzt den Song in einen zeitlosen Raum, in dem eine so starke Erinnerung die Vergangenheit präsent werden lässt. Das erzeugt eine ekstatische Euphorie. Aber auch eine Art Hoffnungslosigkeit.
„To call for hands of above to lean on/Wouldn’t be good enough for me” (Nach Händen von oben zu rufen, um sich darauf zu stützen, wäre mir nicht genug), lautet der Refrain. Der gleichzeitig eine Bitte um Befreiung und eine weitere Bitte um Wiedererleben ist. —Jon Blistein
223. Kanye West feat. Rihanna und Kid Cudi, „All of the Lights“
2010
Kanye West hat für „All of the Lights“ im Grunde genommen die Avengers der Popmusik versammelt und sie auf beeindruckende Weise wie einen Voltron zusammengestellt, anstatt wie eine Reihe von Superhelden, die jeder für sich glänzen. Wenn man es nicht besser wüsste, könnte man meinen, Rihanna mit ihrem mitreißenden Refrain, Kid Cudi mit seinem Mantra in der Bridge und Alicia Keys mit ihren kraftvollen Ad-libs seien die einzigen Features.
Doch unter Wests vielleicht inspirierendster, belebendster und einfühlsamster Produktion und Performance waren sie die einzigen Features. Doch unter Wests vielleicht inspirierendster, belebendster und einfühlsamster Produktion und Performance standen auch Elton John, Drake, The-Dream, Charlie Wilson, John Legend, Ryan Leslie, Elly Jackson und Tony Williams. —M.C.
222. Paul Simon, „Rewrite“
2011
Paul Simon ist einer der reinsten Songwriter, die der Rock uns je geschenkt hat. Einmal erklärte er David Fricke vom Rolling Stone, dass er drei ganze Monate gebraucht habe, um „The Boy in the Bubble“ aus Graceland zu schreiben. (Frickes unbezahlbare Antwort: „Was ist das, etwa ein Wort pro Tag?“)
Es lag also nahe, dass Simon derjenige sein würde, der „Rewrite“ schrieb. Ein fröhliches Juwel aus seinem späten Karrierehöhepunkt So Beautiful or So What. „Ich habe an meiner Neufassung gearbeitet, das stimmt. Ich werde sie zu Geld machen“, behauptet er im lebhaften Refrain. Die Strophen zeichnen ein anderes Bild. Es ist die Ich-Erzählung eines „alten Mannes, der in der Autowaschanlage arbeitet“. Und verspricht, das Projekt, von dem er schon seit Ewigkeiten spricht, endlich zu Ende zu bringen. —M.M.
221. The Mountain Goats, „No Children“
2002
Das Klischee, dass ein Album „so gut wie ein Roman“ ist, trifft in der Regel auf die Platten von John Darnielle von The Mountain Goats zu. Insbesondere auf das Album „Tallahassee“ aus dem Jahr 2002, das die Geschichte eines zum Scheitern verurteilten Ehepaars in einem Haus in Florida erzählt, das aus einem Roman von Edgar Allan Poe stammen könnte und sich gegenseitig in den Alkoholismus treibt.
Der Höhepunkt ist „No Children”, einer der überzeugendsten, hasserfüllten „Ich-wünschte-wir-könnten-uns-trennen”-Songs, die je geschrieben wurden. „Und ich hoffe, du stirbst/Ich hoffe, wir sterben beide”, singt Darnielle mit verbrannten-Erde-Inbrunst. Er wurde, etwas teuflisch, von Lee Ann Womacks damals großem Country-Hit „I Hope You Dance“ inspiriert. Einem Song, den er hasste und parodierte, indem er „dance“ (tanzen) durch „die“ (sterben) ersetzte. —J.D.
220. Ke$ha, „Tik Tok“
2009
„Tik Tok“ war die perfekte Einführung in die Party-Animal-Persönlichkeit von Keshas früher Musik. Seine unbeschwerte Energie strahlt auch 15 Jahre später noch. Der Debüt-Track von Kesha beginnt mit der Zeile „I wake up in the morning feeling like P. Diddy“ (Ich wache morgens auf und fühle mich wie P. Diddy).
Aber nachdem Vorwürfe gegen den Produzenten laut wurden, verwandelte Kesha den Text in ein kühnes, vom Publikum mitgeschrienes „Fuck P. Diddy“ bei Live-Shows. „ Tik Tok“ war ein epochales Album für die frühen 2010er Jahre, das in der ersten Woche 610.000 Mal heruntergeladen wurde und damit einen Rekord für eine Single einer Künstlerin aufstellte. Zu dieser Zeit war der meist heruntergeladene Song in einer Woche „Right Round“ von Flo Rida, bei dem Kesha den Refrain sang. —Tomas Mier
219. Father John Misty, „Holy Shit“
2015
Was haben alte heilige Kriege, die goldene Ära des Fernsehens und der CO2-Fußabdruck gemeinsam? Father John Misty. Josh Tillmans Meisterwerk aus dem Jahr 2015, I Love You, Honeybear, ist ein Konzeptalbum über das Verlieben, während die Welt auseinanderfällt. Und gipfelt in dem wunderschönen vorletzten Titel „Holy Shit“.
Er spuckt feurige Zeilen wie „Eunuch sluts, consumer slaves/A rose by any other name” (Eunuchen-Schlampen, Konsumsklaven/Eine Rose unter jedem anderen Namen) und „No one ever knows the real you and life is brief” (Niemand kennt jemals dein wahres Ich und das Leben ist kurz).
Aber er kann all diese Verzweiflung beiseite schieben, weil er seine große Liebe gefunden hat. Es ist ein verdrehtes Liebeslied, das Tillman an seinem Hochzeitstag geschrieben hat. Und das bis heute sein brillantestes Songwriting-Werk bleibt. —Angie Martoccio
218. T-Pain, „I’m Sprung“
2005
Wenn man den Urknall der Auto-Tune-Ära in der Popmusik genau bestimmen wollte, könnte man kaum etwas Besseres finden als „I’m Sprung“, die mitreißende erste Single von T-Pain. Schließlich wurde der selbsternannte „Raappa Turnt Sanga“ zum Synonym für die Technologie zur Tonhöhenkorrektur.
Aber bei „I’m Sprung“ fühlt es sich wie ein Aha-Erlebnis an, das die Signifikanten des Millennial-Pop-Rap (siehe Akustikgitarren) mit einer Armee von unheimlich perfekten, harmonisierenden T-Pains belebt. Obwohl es in dem Song im Grunde nur darum geht, sich über eine Beziehung zu beschweren („she got me doin’ the dishes”, singt er erstaunt), ist das Ganze überraschend süß. Ein Mann, der sich in den Wolken verliert und sich fragt, wie er dorthin gekommen ist. Wahrscheinlich ist auch weniger Auto-Tune zu hören, als man sich erinnert. Aber das, was da ist, hat die Popmusik verändert. —C.P.
217. Rich Boy feat. Polow Da Don, „Throw Some D’s“
2006
„Ich wollte etwas, das die Nachbarschaft repräsentiert und authentisch klingt. Aber im Vergleich zu den durchschnittlichen Songs im Radio würde es sich überlebensgroß anfühlen“, sagte der Produzent Polow Da Don aus Atlanta über seinen Shoegaze-Bass-Instant-Klassiker „Throw Some D’s“. „Als hätte die Produktion einiges gekostet.“
Aufgebaut auf einem Sample aus Switchs luxuriösem R&B-Hit „I Call Your Name“ aus dem Jahr 1979, gingen Polow und der Wortakrobat Rich Boy aus Alabama mit dieser schillernden Ode an die auffälligen Dayton-Felgen voll auf IMAX. Der Song war damals eine absolute Sensation. Und es schien, als wolle jeder Rapper – Kanye West, André 3000, Lil Wayne, Rick Ross – seine Chance nutzen, auf einer Remix-Version von Polows Felgen mitzufahren. —C.W.
216. Old Crow Medicine Show, „Wagon Wheel“
2004
Dieser Song nahm einen gewundenen Weg an die Spitze der Country-Charts. „Wagon Wheel” begann als unvollendeter Song von Bob Dylan aus den Aufnahmen zum Soundtrack von „Pat Garrett and Billy the Kid” aus dem Jahr 1973. Critter Fuqua von der Nashville-Stringband Old Crow Medicine Show hörte den Song als Teenager auf einer Bootleg-CD. Die Band nahm ihn 2004 auf, fügte einen Text hinzu, da das Original keinen hatte, und teilte sich die Songwriting-Credits mit Dylan, den sie nie getroffen hatten.
Ihre schöne, von Fiddle-Klängen geprägte Interpretation wurde zu einem der großen Country-Juwelen des Jahrhunderts, die man mitsingen kann. Und schließlich zu einem Nummer-1-Hit, als Darius Rucker ihn 2013 aufnahm. —J.D.
215. Lizzo, „Truth Hurts“
2017
Gäbe es eine Ruhmeshalle für die meistzitierten Songtexte, wäre „Truth Hurts“ ein sicherer Kandidat. Die Single aus dem Jahr 2017 war für viele Amerikaner die erste Begegnung mit der vielseitigen Melissa Jefferson, dank ihres viralen Comebacks im Jahr 2019 und einer Flut von frechen, meme-tauglichen Zeilen.
Obwohl der boomende, pianogetragene Trap-Beat und Lizzos natürlich komödiantische Darbietung für gute Laune sorgen, entstand der Song aus einem gebrochenen Herzen. „Am Anfang dieser Session haben wir einfach nur über die Situation mit diesem Typen gelästert. Ich habe mir Notizen zu dem gemacht, was sie gesagt hat, weil ihre Aussagen lustig oder ausgefallen waren“, erinnert sich Produzent und Songwriter Ricky Reed. Lizzo hat sich mit ihrem Minnesota Viking wieder aufgerappelt. Und ist dann zum Weltstar aufgestiegen, was eine verdammt gute Art ist, sich zu rächen. —Jon Freeman
214. The Hold Steady, „Killer Parties“
2004
The Hold Steady haben eine ganze Reihe der härtesten Rock-’n’-Roll-Songs dieses Jahrhunderts geschrieben. Aber während „Killer Parties“ läuft, fällt es schwer, sich einen anderen vorzustellen. Der umwerfende Höhepunkt ihres Indie-Debüts von 2004, Almost Killed Me. Die Jungs der Bar-Band aus Brooklyn, die ursprünglich aus Minnesota stammen, schmettern eine hymnische Ode daran, wie man seine Zwanziger in den Sand setzt. Und am Ende nichts vorzuweisen hat außer Killer-Partys, an die man sich nicht einmal mehr erinnern kann.
Sie verbinden die Leidenschaft von Springsteen mit dem Witz der Replacements, während Craig Finn seine Barhocker-Poesie („Killer-Partys hätten mich fast umgebracht”) über Tad Kublers gewaltige Gitarrenklänge spuckt. Aber wie so viele Songs von The Hold Steady handelt auch dieser von verlorenen Jungen und Mädchen in Amerika, die nichts haben, woran sie glauben können. Außer aneinander. —R.S.
213. Taylor Swift, „Love Story“
2008
Taylor Swift war erst 17 Jahre alt, als sie auf dem Boden ihres Schlafzimmers saß und das tragische Ende von Shakespeares Romeo und Julia zu ihrem Durchbruchshit umschrieb. Sie brauchte nur 20 Minuten, um den Dichter – und ihre eigene Teenager-Angst vor der Ablehnung ihres Freundes durch ihre Eltern – in einen Country-Pop-Song zu verwandeln, der immer noch als Soundtrack für Heiratsanträge verwendet wird. (Fast jeden Abend auf Swifts Eras Tour gab es mehrere Heiratsanträge im Publikum, während sie den Song sang.)
Mit einer klimatischen, sehnsüchtigen Bridge voller übertriebener Bekenntnisse („I love you and that’s all I really know“) ist „Love Story“ ein Paradebeispiel für Swifts Songwriting-Superkräfte. Und bleibt das furchtloseste Märchen, das sie je geschrieben hat. —M.G.
212. Doja Cat feat. SZA, „Kiss Me More“
2021
Wenn uns die Hits von Bad Boy Records aus den Neunzigern etwas gelehrt haben, dann ist es, dass Disco ewig ist. Mit anderen Worten: Wir werden „Kiss Me More“ wahrscheinlich für den Rest unseres Lebens hören. Ein Song, der neben „Get Lucky“ perfekt in die Playlist jedes Hochzeits-DJs passt, der keine Angst davor hat, dass ein Raum voller Menschen „I — I feel like fuckin’ something!“ schreit.
Doja Cat wirkte auf ihren frühen Alben sarkastisch. Ihr DGAF-Flow war genauso selbstverständlich, wenn sie Scheiße redete, wie wenn sie die Popcharts anführte. Aber „Kiss Me More“ ist auffallend einheitlich, was zum Teil dem charakteristischen hohen Gastvers von SZA zu verdanken ist. Das Ergebnis war ein Vier-Quadranten-Hit, der mit seiner Langlebigkeit Rekorde brach. —C.P.
211. Alabama Shakes, „Hold On“
2012
Wie Brittany Howard NPR über den Durchbruchshit von Alabama Shakes erzählte, stimmte das erste Publikum, das die Band „Hold On“ auf der Bühne spielen hörte, sofort in den improvisierten Refrain mit ein. „Sie dachten, es sei ein Cover-Song“, sagte sie. „Also fingen sie an, mit uns zu singen.“ Diese Reaktion des Publikums erklärt, warum der Song sofort zu einem Klassiker wurde.
Er klingt vertraut – ein bisschen Soul, ein Hauch von Blues –, ohne sich jedoch einem der beiden Genres verpflichtet zu fühlen. „Hold On“ hatte auch einen Text, den jeder verstehen konnte. Sarüber, die Teenagerjahre hinter sich zu lassen, neue Verantwortung zu übernehmen. Und sich zu fragen, ob man der Aufgabe gewachsen ist. Zusammen mit einem straffen Gitarren-Groove und Howards Gesang, der auch mehr als ein Dutzend Jahre später noch immer fesselt. —D.B.
