10 Singer-Songwriter-Alben, die ROLLING STONE in den 1970ern liebte – die du aber nie gehört hast
Du solltest sie heute hören! 10 Singer-Songwriter-Alben, die ROLLING STONE in den 1970ern liebte – die du aber nie gehört hast
Die Siebziger waren das Jahrzehnt der Singer-Songwriter. Nicht nur Bob Dylan, sondern auch Jackson Browne, Carole King, Randy Newman und Hunderte von Dichtern und Troubadouren, die sich denselben Status erhofften. ROLLING STONE rezensierte Tausende von Alben zwischen 1970 und 1979. Darunter einige Juwelen, die nie das Publikum fanden, das sie verdienten. Wir haben die Archive durchforstet und 10 Singer-Songwriter-Alben gefunden, die in den Siebzigern auf unseren Plattenspielern liefen. Seitdem aber zu Unrecht in Vergessenheit geraten sind.
Rory Block, „Intoxication“
Block verließ ihr Zuhause in Greenwich Village im Alter von 15 Jahren und reiste in den Süden, um Bluesgitarre bei lebenden Meistern des Country-Blues zu lernen (Mississippi John Hurt, Son House usw.). 1978 war sie 26 Jahre alt, beherrschte ihr Instrument und schrieb moderne Blues-Songs über weibliche Ambitionen und Identitäten. In den Achtzigern feierte sie größere Erfolge, als sie bei Rounder unterschrieb und im klassischen Delta-Blues-Stil aufnahm; inzwischen hat sie über 20 Alben veröffentlicht.
Was wir damals sagten:
„Intoxication ist ein kleines Meisterwerk: ein süchtig machendes Album, das einen nicht umhaut oder wahnsinnig macht, aber jedes Mal einen gewissen Glanz entfacht… Die Lieder, die sie schreibt, bewahren die Integrität ihrer Quellen mit traditioneller Ehrfurcht. Vom Hall in einer R&B-Ballade bis zum Schwung des Gospel-Pianos (das sie selbst spielt) – Block trifft jedes Detail.“ — Ariel Swartly, RS 259 (23. Februar 1978)
David Forman, „David Forman“
Forman, ein ehemaliger Puppenmacher (und Assistent von Philip Petit bei seinem Hochseilakt zwischen den Twin Towers in New York), veröffentlichte ein Debütalbum, das mit Lob für seine springsteenhafte Romantik überschüttet wurde. Das Album floppte, und Forman schrieb anschließend Songs mit Gerry Goffin, bevor er in der Werbemusik Karriere machte. In den Neunzigern gründete er die Doo-Wop-Gruppe Little Isidore and the Inquisitors.
Was wir damals sagten:
„Formans Stil ist in Soulsängern wie Barbara Lewis, Curtis Mayfield und Smokey Robinson verwurzelt – erwachsene Pop-Sänger und -Texter… Forman ist nicht nur ein brillanter Lyriker. Seine Melodien sind gelungen, und er ist ein fesselnder, wenn auch derivativer und gelegentlich unsicherer Sänger… Unabhängig davon, was die Charts sagen – David Forman ist ein künstlerischer Erfolg.“ — Dave Marsh, RS 223 (7. Oktober 1976)
Hoyt Axton, „Less Than the Song“
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1973 hatte Axton bereits zwei vergessene Alben veröffentlicht und etliche Songs für andere geschrieben, darunter „The Pusher“ für Steppenwolf und „Joy to the World“ für Three Dog Night. Mit Produzent Bob Johnston entwickelte Axton seinen Country-Blues-Stil zu einem „stillen Juwel von einem Album“. Danach folgte eine Reihe kleinerer Country-Hits in den Siebzigern, während er mit Drogenabhängigkeit kämpfte; Axton starb 1999 mit 61 Jahren an einem Schlaganfall.
Was wir damals sagten:
„Axtons Songwriting hat eine markant eigenständige Note. Die meisten seiner Songs sind gerade oder modifizierte Volksballaden mit eckigen melodischen Phrasen, deren Essenz (musikalisch wie lyrisch) im kraftvollen Refrain steckt… Insgesamt ist Less Than the Song eines der lohnendsten Werke eines Singer/Songwriters des Jahres.“ — Stephen Holden, RS 137 (21. Juni 1973)
Randall Bramblett, „Light of the Night“
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Randall Bramblett wollte eigentlich ins Priesterseminar, bis er zur Musik fand. Versiert an Keyboard, Gitarre und Saxophon, arbeitete er in den frühen Siebzigern mit Gregg Allman und anderen Künstlern, bevor er zwei Soloalben veröffentlichte (dies war das zweite). Nach diesem eleganten Werk über „die eigentümliche Malaise des Southern Rockers“ spielte Bramblett bei Sea Level, Traffic und anderen Bands – aber dieses Album blieb bis 1998 seine letzte Solo-Veröffentlichung.
Was wir damals sagten:
„Light of the Night reiht sich ein in Randall Brambletts brillantes Debütalbum That Other Mile – ein Klassiker des Southern-Rock der Siebziger. Aufgenommen in den Sea-Saint Studios in New Orleans, bietet dieser sanfte, beruhigende Funk das perfekte Medium für Brambletts geschmeidige, ausdrucksstarke Stimme, sein glattes Keyboard- und Sax-Spiel und seine unglaublich subtile Liedkunst. Brambletts anspruchsvolles Songwriting ist weit entfernt vom üblichen machohaften Rock-Gehabe.“ — John Swenson, RS 213 (20. Mai 1976)
Andrew Gold, „Andrew Gold“
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Gold, der Multiinstrumentalist-Sohn des Oscar-prämierten Komponisten Ernest Gold und von Marni Nixon (der geheimen Singstimme zahlreicher Hollywood-Diven wie Natalie Wood), lieferte ein charmantes, aber retrohaftes Debüt im Stil der Beatles zur Rubber Soul-Ära. Zwei Jahre später hatte er mit „Lonely Boy“ einen Top-10-Hit, doch sein größter Ruhm kam mit „Thank You for Being a Friend“, dem Titelsong der Sitcom Golden Girls. Gold starb 2011 mit 59 Jahren.
Was wir damals sagten:
„Kein Ton oder Takt ist verschwendet, und Golds Gitarrensoli – Varianten früher Beatles-Riffs – sind besonders delikat und perfekt für ihre modernen Arrangements. Golds Balladen sind ebenso fesselnd wie seine Rockstücke, wenn nicht sogar mehr. ‚That’s Why I Love You‘ verdient Anerkennung als einer der besten Teenager-Lovesongs – leicht und süß, mit einem Hauch von Melancholie, zieht er einen vom ersten Takt an in den Bann… Hier ist ein Künstler, dessen Frische, Vitalität und musikalisches Talent Nostalgie wieder salonfähig machen.“ — Stephen Holden, RS 201 (4. Dezember 1975)
Tony Joe White, „Tony Joe White“
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Bis 1971 hatte Tony Joe White drei Alben veröffentlicht, den Hit „Rainy Night in Georgia“ (ein Erfolg für Brook Benton) geschrieben und mit „Polk Salad Annie“ selbst einen Treffer gelandet. Trotz dieser Erfolge galt seine frühere Musik laut Rolling Stone als „langweilig und belanglos“. Dieses Album jedoch sah man als künstlerischen Durchbruch – wenngleich er nicht den erhofften großen Erfolg brachte. White blieb zeitlebens aktiver Musiker.
Was wir damals sagten:
„In Lied um Lied übertrifft seine Darbietung den bloßen Einflussvergleich: Sie sprechen alle aus einer persönlichen Tiefe und Natürlichkeit, wie sie nur bei den besten neuen Singer-Songwritern zu finden ist… Tony Joe White hat endlich das Album gemacht, das die Männer von den Jungen trennt. Was will man mehr?“ — Jon Landau, RS 79 (1. April 1971)
Wendy Waldman, „Love Has Got Me“
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Waldman war Mitglied der L.A.-Gruppe Bryndle; ihr Debüt im Stil von Laura Nyro wurde von prominenten Freundinnen mit Gesang unterstützt, darunter Linda Ronstadt, Maria Muldaur und Jennifer Warren. Trotz musikalischem Können und Songwriting-Talent verkauften sich ihre Alben schlecht. Ihren größten Erfolg erzielte sie später in Nashville als Songwriterin – ihr bekanntestes Werk: „Save the Best for Last“, ein Nummer-Eins-Hit für Vanessa Williams.
Was wir damals sagten:
„Love Has Got Me ist ein treffender Titel für diese Sammlung – sie ist ein Strom der Feier und umfasst so gut wie jeden existierenden Popstil. Wendy Waldman, eine 22-jährige Südkalifornierin, die über 150 Songs geschrieben hat, macht Musik, die diese Stile nicht nur beispielhaft bedient, sondern sie mit Anmut und Eleganz miteinander verschmilzt.“ — Stephen Holden, RS 146 (25. Oktober 1973)
Jesse Winchester, „Jesse Winchester“
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Winchester zog 1967 nach Kanada, um dem Vietnam-Einzug zu entgehen, und traf dort Robbie Robertson von The Band, der sein selbstbetiteltes Debüt produzierte. Rolling Stone lobte es als Meisterwerk der Americana (bzw. Canadiana) – ebenso wie das Folgealbum Third Down, 110 to Go von 1972. Beide waren in Kanada kleine Hits, in den USA jedoch kaum beachtet. 1977 kehrte Winchester zurück und arbeitete weiter als Musiker; er starb 2014 im Alter von 69 Jahren.
Was wir damals sagten:
„Ich geb’s zu – dieses Album hat mich gepackt. Ich entdeckte es während der Kent-State/Kambodscha-Krise, als es das einzige war, das mich aus meiner Depression reißen konnte – seitdem habe ich es hundertmal gehört… Es war das erste Album, bei dem ich mir einen Kamin wünschte… Ich finde, jeder patriotische Amerikaner sollte Jesse Winchester hören, den Mann, der sein Land liebte und verließ – denn seine Lieder überwinden alle Grenzen, bis auf eine: die der Kunst.“ — Ed Ward, RS 64 (6. August 1970)
Steven Grossman, „Caravan Tonight“
Dieses „bewegende, aber nicht selbstmitleidige“ Album im Stil eines männlichen Joni Mitchell war bahnbrechend wegen seines Themas: Grossman war schwul und sang offen über das Leben eines homosexuellen Mannes in New Yorks West Village. Rolling Stone nannte ihn den ersten Künstler eines Major-Labels, der Homosexualität auf Alltagsebene thematisierte, statt sie als schicke Dekadenz oder Zukunfts-Fantasie auszuschlachten. Grossman starb 1991 mit 39 Jahren an AIDS-bedingten Komplikationen. Caravan Tonight blieb seine einzige Veröffentlichung zu Lebzeiten.
Was wir damals sagten:
„Seine Vision ist genauso überzeugend wie die anderer brillanter Mittelatlantiker wie Elliott Murphy und Bruce Springsteen… Am wichtigsten ist die Reinheit von Grossmans Sensibilität. Seine Vermittlung intensiven Mitgefühls, Ehrlichkeit und Zärtlichkeit überstrahlt die Unvollkommenheiten, die bei einem so jungen Künstler (er ist erst 22) unvermeidlich sind – die emotionale Wirkung seines Caravan ist überwältigend, sein Appell an die besten menschlichen Werte universell.“ — Stephen Holden, RS 161 (23. Mai 1974)
Elliott Murphy, „Lost Generation“
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ROLLING STONE feierte die ersten beiden Alben des wortgewaltigen New Yorkers Elliott Murphy – nach dem Debüt Aquashow prophezeite man Superstar-Ruhm und nannte das Folgealbum „brillant, aber außergewöhnlich schwer zugänglich“. Murphy schrieb in den Achtzigern für Rolling Stone u.a. über Tom Waits und Buster Poindexter, veröffentlichte dutzende Alben und lebt heute in Frankreich.
Was wir damals sagten:
„Auf Aquashow hatte Elliott Murphy die Dreistigkeit, Fitzgeralds Der große Gatsby mit Dylans ‚Like a Rolling Stone‘ zu einem Song namens ‚Like a Great Gatsby‘ zu verschmelzen; auf Lost Generation beschwört er Hemingways Paris der Zwanziger, den Zauber Hollywoods und viele weitere Götter, nur um am Ende Pound, Braun und sogar Hitler an einen Rock’n’Roll-Pfahl zu binden und alles in Flammen zu setzen… Wenn er auf der Straße steht, geht auch die Sonne auf – über einem der Besten.“ — Paul Nelson, RS 191 (17. Juli 1975)
