20 Alben aus den Sechzigern, die ROLLING STONE liebte – die du aber nie gehört hast
ROLLING STONE lobte diese Alben vor bald 60 Jahren – und du solltest sie dir heute anhören!
20 Alben aus den Sechzigern, die ROLLING STONE liebte – die du aber nie gehört hast
Eine aktuelle Ausgabe von Rolling Stone enthält etwa ein Dutzend Albumrezensionen. Multipliziert man das mit mehr als 1.200 Ausgaben, ist es unvermeidlich, dass einige Platten, die uns gefallen haben, vielleicht aus unserer Hörrotation geraten sind. Wir haben in unseren Archiven gekramt. Und 20 einst beliebte Alben aus unseren ersten drei Jahren gefunden. 1967, 1968 und 1969. Auch wenn sie in den letzten fünf Jahrzehnten weitgehend unbeachtet geblieben sind, klingen sie immer noch bemerkenswert frisch. Von wenig bekannten Veröffentlichungen bekannter Künstler (Steve Miller Band, Jerry Lee Lewis) über obskure Rocker (The Insect Trust, Autosalvage) bis hin zu einer Band, die nie existiert hat. Hier sind nur einige wenige gefeierte, aber in Vergessenheit geratene LPs.
The Masked Marauders, „The Masked Marauders”
The Masked Marauders – eine Band mit Bob Dylan, Mick Jagger und drei Beatles – waren die Supergruppe aller Supergruppen. Es gab nur ein Problem. Es gab sie nicht. Ein augenzwinkernder Kommentar zu den Rock-Supergruppen, die 1969 den Markt überschwemmten. Blind Faith, Crosby, Stills & Nash, Led Zeppelin, Moby Grape’s Grape Jam usw. Greil Marcus schuf seine eigene. Unauffällig zwischen den Rezensionen zu Merryweathers „Word of Mouth“ und Santanas Debütalbum platziert, erregte die Rezension zu den Masked Marauders (verfasst von „T.M. Christian“, eine Anspielung auf Terry Southerns „The Magic Christian“) so großes Interesse, dass die Redaktion eine zufällige Band aus Berkeley ausfindig machte, um die in der Rezension erwähnten Songs aufzunehmen. Die Scheinband sicherte sich sogar einen Vertrag bei einem großen Label. Bevor der Schwindel aufflog. Und einige enttäuschte Fans zurückblieben.
Was wir damals sagten: „Vor Monaten begannen die Gerüchte über ein Ereignis, das zunächst kaum glaubwürdig schien. Aber schließlich als fast unvermeidlich akzeptiert wurde. Die unverkennbaren Stimmen machen deutlich, dass es sich tatsächlich um das handelt, was es zu sein scheint. John Lennon, Mick Jagger, Paul McCartney und Bob Dylan, begleitet von George Harrison und einem noch namenlosen Schlagzeuger. Die „Masked Marauders“ … All die Mühen, ein spezielles Label zu gründen, Termine umzuorganisieren, Flugzeuge zu chartern und die unvermeidlichen „Ego-Konflikte“ zu minimieren, haben sich gelohnt. Man kann wirklich sagen, dass dieses Album mehr als eine Lebensweise ist. Es ist das Leben selbst. Von T.M. Christian, 18. Oktober 1969
20 Alben aus den Sechzigern, die ROLLING STONE liebte – die du aber nie gehört hast
Judy Collins, „Wildflowers”
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Judy Collins‘ hoch angesehenes Repertoire ist so umfangreich, dass es 40 Jahre später schwer ist, ihre herausragenden Alben herauszugreifen. Aber wir würden behaupten, dass „Wildflowers” zu ihren besten gehört. Nachdem sie den ersten Teil ihrer Karriere mit Coverversionen von den Beatles und Bob Dylan verbracht hatte, widmet sich Collins auf „Wildflowers“ den Songs von Leonard Cohen, deren Texte und Stimmung ihr sehr gut liegen. Der Höhepunkt ist jedoch die Coverversion von Joni Mitchells „Both Sides Now. Die 1968 den Grammy Award für die beste Folk-Darbietung gewann.
Was wir damals sagten: Judy Collins hat eine der schönsten und bewegendsten Stimmen aller Sängerinnen. Sie war auch klug genug, großartige Orchestrierungen zu einem integralen Bestandteil ihrer Alben zu machen. Die Arrangements auf diesem Album ergänzen ihre Stimme besonders gut. Die von ihr ausgewählten Songs sind auch sehr repräsentativ für die Schönheit der heutigen Musik. Insgesamt ist es ein sehr schönes Album. Von James Christman, 10. Februar 1968
20 Alben aus den Sechzigern, die ROLLING STONE liebte – die du aber nie gehört hast
Steve Miller Band, „Children of the Future“
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Fans von „Jet Airliner“, „Take the Money and Run“ und „Fly Like an Eagle“ würden diese Inkarnation der Steve Miller Band nicht wiedererkennen. Fünf Jahre bevor „The Joker“ die Billboard Hot 100 anführte und die Gruppe zu einer der größten Hitmaschinen der Siebziger wurde, war die Steve Miller Band nur eine weitere Psychedelic-Band im San Francisco des Summer of Love.
Auf ihrem Debütalbum waren der Gitarrist Boz Scaggs und der Keyboarder Jim Peterman zu hören. 1969 verließen die beiden die Gruppe. Und die Steve Miller Band wandte sich einem deutlich poppigeren Rock-Sound zu. Dennoch zeigte „Children of the Future“, wie mitreißend Psychedelic Rock in den Händen eines echten Songwriters sein kann.
Was wir damals sagten: „Die Steve Miller Band hat aus verschiedenen Gründen mit ihrem ersten Album hervorragende Arbeit geleistet. Es ist in Bezug auf seine Wirtschaftlichkeit mit dem ersten Album von Moby Grape und in Bezug auf seinen Geschmack mit Sgt. Pepper vergleichbar. Man würde die Platte nicht als „abgefahren“ oder revolutionär bezeichnen. Sondern eher als ausgezeichnet.“ Von Jann Wenner, 22. Juni 1968
20 Alben aus den Sechzigern, die ROLLING STONE liebte – die du aber nie gehört hast
Goro Yamaguchi, „A Bell Ringing in the Empty Sky“
Es ist wahrscheinlich das einzige Mal, dass eine Rezension über traditionelle japanische Flötenmusik im Rolling Stone erschienen ist. Aber Gori Yamaguchi, der als der größte Shakuhachi-Spieler seiner Generation galt, war diese Würdigung zweifellos wert. Ein Ausschnitt aus „A Bell Ringing“ wurde neben Werken von Bach, Strawinsky und Blind Willie Johnson auf die Golden Records der NASA aufgenommen, die 1977 an Bord der Voyager ins All geschickt wurden. Er war so versiert in seinem Handwerk, dass Japan Yamaguchi 1992, sieben Jahre vor seinem Tod im Alter von 65 Jahren, zum „Lebenden Nationalschatz“ ernannte.
Was wir damals sagten: „In der japanischen Kultur gibt es viel kraftvolle, unheimliche Musik. Und das Melodieinstrument des Zen ist eine kehlige Bambusflöte namens Shakuhachi, von der dies das erste Album ist, das einer breiten Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde. Die Stimmung der Musik ist von einer hochentwickelten intellektuellen Spiritualität geprägt. Einer qualvollen, intensiven Meditation über die Leere. Der Klang ist arrhythmisch. Als stünde er ständig kurz vor dem Abbrechen, und erinnert oft an Sirenen. Es gibt nicht viel von dieser erschreckenden Musik in diesem Land.” Von Charles Perry, 19. April 1969
20 Alben aus den Sechzigern, die ROLLING STONE liebte – die du aber nie gehört hast
Cat Mother and the All Night Newsboys, „The Street Giveth and the Street Taketh Away“
Das Besondere daran ist, dass Jimi Hendrix The Street Giveth and the Street Taketh Away produziert hat. Eines von nur zwei Alben, die er zu Lebzeiten nicht selbst aufgenommen hat. The Street Giveth enthielt den einzigen Top-40-Hit der Band, „Good Old Rock and Roll“, ein Medley aus Rocksongs der 1950er Jahre. Cat Mother and the All Night Newsboys waren auch Teil des berühmten Toronto Rock & Roll Revival-Konzerts im September 1969, bei dem The Doors, Jerry Lee Lewis, Bo Diddley und als Überraschungsgast die Plastic Ono Band auftraten. Die Siebziger brachten Cat Mother nicht die gleichen Chancen. Und 1977 löste sich die Band endgültig auf.
Was wir damals sagten: „Das ist die Art von Set, die all die Stunden und das Geld, die man für nutzlosen, prätentiösen Art Rock ausgibt, lohnenswert macht. Trotz all ihres Talents und ihrer Inspiration als Musiker ist es unmöglich zu sagen, ob Cat Mother jemals einen bleibenden Beitrag zum Rock ‚n‘ Roll leisten werden. Das spielt aber keine Rolle. Oft sind es gerade diese nicht innovativen, routinierten Bands, die die angenehmsten und beständigsten Sounds produzieren. Dies ist eines dieser seltenen Alben, die einen beim ersten Hören umhauen. Aber dank ihrer ehrlichen Ausgelassenheit, ihrer klaren musikalischen Sensibilität und ihrer treibenden Kraft auch auf Dauer überzeugen.“ Von Lester Bangs, 9. August 1969
Bonzo Dog Doo-Dah Band, „Gorilla“
Die Bonzo Dog Doo-Dah Band wurde von Vivian Stanshall gegründet und bestand unter anderem aus Neil Innes, einem Mitarbeiter von Monty Python und späteren Mastermind der Rutles. Sie verband britische Invasion-Hooks und psychedelische Riffs perfekt mit satirischen Texten und avantgardistischen Elementen. Ursprünglich hieß die Gruppe Bonzo Dog Dada Band. Doch die Mitglieder waren es leid, den Leuten die Dada-Bewegung zu erklären. Nach „Gorilla“ vereinfachten sie den Namen weiter zu Bonzo Dog Band. Obwohl Gorilla ein großartiges Dokument der freigeistigen Verrücktheit der Sechziger ist, ist es wahrscheinlich am bekanntesten für den von Stanshall/Innes komponierten Song „Death Cab for Cutie“, den die Bonzo Dog Band im Film Magical Mystery Tour der Beatles spielte. Und der eine Indie-Rockband inspirierte, von der Sie wahrscheinlich schon gehört haben.
Was wir damals sagten: „… Aber jetzt kommt dieses Album und erinnert uns eindringlich daran, dass es immer noch Dinge gibt. Gute Dinge, auf die die Briten stehen. Und wir nicht. Der amerikanische Hörer muss sehr aufgeschlossen sein, um Gorilla als das sehr gute Album wahrzunehmen, das es ist. Das ganze Album ist leicht. Aber sehr stimmig. Sehr hip. Und technisch hervorragend. Es wird nicht jedermanns Sache sein. Aber für den aufgeschlossenen Hörer kann es wirklich unglaubliche Escape-Musik sein.” Von Barret Hansen, 11. Mai 1968
Mary Hopkin, „Post Card“
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Mary Hopkin gehörte zusammen mit James Taylor und Badfinger zur ersten Gruppe von Künstlern, die bei den Beatles‚ Apple Records unter Vertrag genommen wurden. Ihre Stimme ist luftig und schwebend. Aber im Nachhinein ist es leicht zu erkennen, dass Post Card Paul McCartney als Übung diente, bevor er sich als Produzent seiner eigenen Soloalben betätigte. Unzählige Künstler haben „Those Were The Days“ gecovert. Aber in Hopkins Version sind McCartneys Beatles-Einflüsse deutlich zu hören.
Was zweifellos dazu beigetragen hat, dass die Single bei ihrer Veröffentlichung auf Platz zwei der Billboard Hot 200 landete. Die vielen Videos mit Hopkins Cover von „Those Were The Days“ haben über fünf Millionen Aufrufe auf YouTube erzielt. Was für einen Song, der letztes Jahr veröffentlicht wurde, eine beeindruckende Leistung ist. Geschweige denn für eine Single aus dem Jahr 1968. Hopkin heiratete später den Starproduzenten Tony Visconti und sang Backgroundvocals auf einigen LPs, an denen ihr damaliger Ehemann mitwirkte. Darunter David Bowies „Low“ und Bert Janschs „Moonshine“.
Was wir damals sagten: „Post Card ist ebenso sehr ein Album von Paul McCartney wie von Mary Hopkin. Das heißt, es ist eines dieser Alben, auf denen der Produzent genauso groß ist wie der Interpret. Ein absolutes Muss für Paul-McCartney-Fans. Mary-Hopkin-Fans werden es auch mögen.” Von John Mendelsohn, 17. Mai 1969
Mother Earth, „Make a Joyful Noise“
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Benannt nach einem Song von Memphis Slim und entstanden aus der San Francisco-Szene, aus der auch Grateful Dead und Jefferson Airplane hervorgingen, entschied sich Mother Earth nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums Living With Animals, auf dem der großartige Gitarrist Mike Bloomfield (aus vertraglichen Gründen unter dem Namen Makal Blumfeld) zu hören war, von der Bay Area nach Nashville zu ziehen. Frontfrau Tracy Nelson stellte für das zweite Album der Band erfolgreich eine vielseitige neue Besetzung zusammen.
„Make a Joyful Noise“ teilte das Album geschickt auf, um die Talente von Mother Earth zu präsentieren: Seite A war die R&B-lastige „City Side“, die B-Seite war die Honky-Tonk-lastige „Country Side“. Sänger Boz Scaggs steuerte einige Vocals zu diesem Album bei und hatte damit seinen einzigen Auftritt mit der Band. Schließlich wurde Mother Earth mehr oder weniger zu einem Vehikel für Tracy Nelson, die schließlich eine Solokarriere verfolgte, zu der auch „After the Fire Is Gone“ gehörte, ein Grammy-nominiertes Duett mit Willie Nelson (keine Verwandtschaft).
Was wir damals sagten: „Ihr Sound ist so bodenständig, dass die Fiddles wie Fiddles klingen und nicht wie das, was einige Toningenieure immer für den Klang von Fiddles gehalten haben. Es ist leicht, Mother Earth Eklektizismus vorzuwerfen und sie als die größte Varieté-Show auf Vinyl zu bezeichnen. Aber das ist nur ein Vorwurf, wenn man es selbst nicht hinbekommt. Sie können es.“ Von Patrick Thomas, 15. November 1969
Julie Driscoll, Brian Auger and the Trinity, „Streetnoise“
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Bevor Julie Driscoll dazu kam, waren Brian Auger and the Trinity als die Band bekannt, mit der Jimi Hendrix bei seiner Ankunft in England zum ersten Mal auftrat. Rolling Stone lobte sowohl das Jazz-Prog-Album Streetnoise als auch das selbstbetitelte Debütalbum von Julie Driscoll, Brian Auger and the Trinity aus dem Jahr 1967. Trotz ihres Potenzials trennten sich Driscoll, Auger und The Trinity innerhalb weniger Monate nach Lester Bangs‘ begeisterter Kritik im Rolling Stone. Driscoll heiratierte später den Jazzmusiker Keith Tippett und trat unter dem Namen Julie Tippetts auf, wobei sie unter anderem mit Robert Wyatt und Robert Fripp zusammenarbeitete. Auger gründete eine weitere Band namens Oblivion Express. Auger und Tippetts kamen 1978 für ein einmaliges Album wieder zusammen.
Was wir damals sagten: „Dieses neue Album wird eine atemberaubende Überraschung sein. Für diejenigen, die die Band noch nicht kennen, wird es eine spannende Einführung sein. Das Besondere an diesem Album ist, dass die Leute, die diese Songs schreiben und spielen, sehr intelligente Leute sind, so intelligent wie beispielsweise die Jefferson Airplane; und doch haben sie auch diese bodenständige Qualität, wenn es darauf ankommt. Und diese Frau ist einfach zu viel … Wir können von dieser Gruppe wertvolle und potenziell wichtige Dinge erwarten“, Lester Bangs, 6. September 1969
David Blue, „These Twenty-Three Days in September“
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Während Inside Llewyn Davis lose auf dem „King of Greenwich Village“ Dave Van Ronk basiert, lassen sich ebenso viele Parallelen zwischen dem Werk der Coen-Brüder und David Blue ziehen. Blue war ebenfalls Stammgast der Folkszene in Greenwich Village und trat häufig zusammen mit Van Ronk, Phil Ochs und Bob Dylan auf. Nachdem seine eigene Solokarriere ins Stocken geraten war, schloss sich Blue kurzzeitig Bob Dylans Rolling Thunder Revue an, bevor er sich als Schauspieler versuchte, unter anderem in Wim Wenders‘ Der amerikanische Freund und Neil Youngs immer noch vergriffener schräger Komödie Human Highway. Blue starb 1982 im Alter von 41 Jahren plötzlich an einem Herzinfarkt. Kris Kristofferson und Joni Mitchell gehörten zu den Musikern, die an seiner Trauerfeier teilnahmen.
Was wir damals sagten: „David Blues erste LP wirkt mit ihrem Cover, einer Vintage-Aufnahme von Highway 61 mit einem mürrischen Blue in Lederjacke, fast wie eine Warnung. Sein Vortrag erinnert stark an Dylan auf Blonde on Blonde. Aber siehe da, die Texte gehören zu den besten, die ich in letzter Zeit gehört habe. Obwohl die Haltung der von Dylan ähnelt, zeigen die Worte selbst, dass er einige Dinge weiß, die Dylan weiß, und einige Dinge, die der Meister nicht weiß.“ Von Arthur Schmidt, 28. September 1968
Asylum Choir, „Look Inside the Asylum Choir”
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Obwohl dieses Album nach wie vor unterschätzt wird, haben sich das Keyboarder-Duo Leon Russell und der Gitarrist Marc Benno aus Los Angeles dennoch gut geschlagen. Russell reifte schließlich zu einem Mitglied der Rock & Roll Hall of Fame und wurde dank Songs wie „A Song for You” und „Superstar” (bekannt geworden durch die Carpenters) zu einem der besten Session-Musiker und Songwriter der Musikbranche. Im Jahr 2010 wurde Russells gemeinsames Album mit Elton John, The Union, auf Platz drei der Rolling Stone’s Best Albums of 2010 gewählt. Benno erreichte zwar nicht denselben Bekanntheitsgrad, arbeitete aber mit The Doors, Eric Clapton und Stevie Ray Vaughan zusammen.
Was wir damals sagten: „Es ist vital, verrückt und aufregend … Die Musik ist Gute-Laune-Rock; sie hat dieselbe funkige Freude wie früher Spoonful … The Asylum Choir’s ist ein gut produziertes Album, das nichts von seiner Präsenz eingebüßt hat; man kann die Musik nicht nur hören, sondern auch fühlen … The Choir hat noch nicht viel Aufmerksamkeit erhalten, aber sie sind bereits gut entwickelt und harmonieren gut miteinander. Wenn sie die Versuchung überstehen, sich mit ihrem zweiten Album zu verändern, könnten sie sich als wichtige Kraft im Rock erweisen.“ Von David Gancher, 23. November 1969.
Kaleidoscope, „Incredible! Kaleidoscope“
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Sie waren in der kalifornischen Folkszene für ihre Integration von Weltmusik-Einflüssen und ihren kreativen Einsatz von Taktarten bekannt. Sogar Jimmy Page bezeichnete sie einmal als seine „Lieblingsband“. Ihre ersten beiden Alben, Side Trips (1967) und A Beacon to Mars (1968), wurden gut aufgenommen, aber mit Incredible Kaleidoscope (1969) erreichten sie ihren Höhepunkt. Die Band veröffentlichte noch ein weiteres Album, bevor sie sich auflöste, um 1977 für „When Scopes Collide“ wieder zusammenzukommen, ein Album mit überwiegend Coverversionen, dem Rolling Stone „das spirituelle Herz fehlte, um es zusammenzuhalten“. David Lindley von Kaleidoscope wurde schließlich ein gefragter Session-Multiinstrumentalist, der auf „Songs of Leonard Cohen“ von Leonard Cohen zu hören war und mit Bruce Springsteen und Crosby, Stills & Nash zusammenarbeitete.
Was wir damals sagten: „Als ich Kaleidoscope zum ersten Mal hörte, standen sie zusammen mit den Youngbloods und Steve Miller auf der Bühne. Durch ihre pure Musikalität und Fantasie ließen sie die beiden anderen Bands alt aussehen … Dieses Album fängt den Geist von ‚Where have you been all my life‘ ein … Die Musik ist wunderbar erdig, aufregend und lebendig … Das ist eine gute Platte von einer wirklich exzellenten Band.“ Von Langdon Winner, 26. Juli 1969
Chrysalis, „Definition“
„SPIDER (von einer Band, die deinen Verstand noch nicht zerstört hat…) ist derjenige, der will, dass du dein Radio ausschaltest“, schrieb Frank Zappa in den Liner Notes zu We’re Only In It for the Money über Chrysalis-Frontmann J. Spider Barbour. Chrysalis hat jedoch nie allzu viele Verstände zerstört. Nachdem dieses Album erschienen und wieder verschwunden war, löste sich die Band aus Ithaca, New York, offenbar auf. Barbour tauchte später in gewisser Funktion auf Zappas PMRC-Protestalbum „Meets the Mothers of Prevention“ von 1985 wieder auf. Heute arbeitet er als Ökologieberater und schreibt Kolumnen für die Woodstock Times.
Was wir damals sagten: „Dies ist eine intelligente Gruppe, die genau weiß, wo sie steht und was sie sagen will. Ob sie jemals einen Einfluss haben werden, ist fraglich, denn ihr Stil hat nicht den romantischen Reiz des Blues, aber sie sind unterhaltsam und hörenswert.“ Von Charles Perry, 26. Oktober 1968
Jerry Lee Lewis, „Another Place Another Time”
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Die späten Sechziger und frühen Siebziger waren voll von Rockern der ersten Generation, die versuchten, sich neu zu erfinden, um frisch zu bleiben: „The Genuine Imitation Life Gazette” von den Four Seasons, „The Further Adventures of Charles Westover” von Del Shannon und „Paint America Love” von Lou Christie waren allesamt Wiederbelebungsprojekte – aber keiner schaffte es so erfolgreich wie Jerry Lee Lewis. Another Place Another Time präsentierte Lewis als Country-Crooner, und wenige Monate später etablierte ihn „She Still Comes Around (To Love What’s Left of Me)“ als echten Nashville-Star. Another Place enthielt den kleinen Hit „What Made Milwaukee Famous (Has Made a Loser Out of Me)“, der Jahrzehnte später eine Indie-Rockband zu ihrem Namen inspirierte.
Was wir damals sagten: „Dieses treffend betitelte Album bringt einen der größten weißen R&B-Interpreten der 50er Jahre in seiner neuen und sehr erfolgreichen Rolle als Country- und Western-Künstler zurück … Ein Album, das man sich auf jeden Fall kaufen sollte, wenn man es finden kann. Für Rockfans ist Another Place Another Time eine interessante Darstellung der Wandlung eines frühen Rock-‚n‘-Roll-Stars. Country-Liebhabern präsentiert dieses Album einen weiteren großartigen und bewegenden Sänger. Hoffentlich bekommen wir beim nächsten Mal auch das Klavier zu hören.“ Von Andy Boehm, 1. Februar 1969
Autosalvage, „Autosalvage“
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Diese psychedelische Band veröffentlichte nur ein Album, bevor sie sich auflöste. Zuvor hatten sie für Größen wie Richard Pryor und die Mothers of Invention eröffnet – es war Frank Zappa von den Mothers, der den Namen „Autosalvage” empfahl. Gitarrist Rick Turner wurde schließlich Instrumentenbauer, gründete zunächst Alembic und dann seine eigene Firma Turner Guitars.
Was wir damals sagten: „Das ist die Art von Musik, die man sich ein paar Mal anhören muss, bevor man auch nur ansatzweise versteht, was da alles steckt … Autosalvage klingt wie keine andere Band (obwohl „Me and My Monkey” auf dem neuen Beatles-Album so klingt, als hätten sie Autosalvage gehört). Aber Autosalvage hat sich nie verkauft. Es kann etwas dauern, bis man sie in den Läden findet, aber wenn man weiter sucht, wird man reichlich belohnt.“ Von Edmund O. Ward, 14. Juni 1969
The Youngbloods, „Elephant Mountain”
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Von derselben Gruppe, die Ende der Sechzigerjahre den Gute-Laune-Song „Get Together” herausbrachte (Millennials: der Anfang von „Territorial Pissings” von Nirvana), schlägt Elephant Mountain eine Brücke zwischen den letzten Tagen der Psychedelia und dem Ausbruch des Country-Rock, der Künstler wie The Byrds und Neil Young beeinflusste. Das Album wurde von Charlie Daniels (bekannt durch „The Devil Went Down to Georgia“) produziert und zog so unterschiedliche Fans wie die Cowboy Junkies und Robert Plant an. Nach einer Handvoll Alben mit sinkenden Verkaufszahlen lösten sich die Youngbloods 1972 auf.
Was wir damals sagten: „Dies ist eines der ermutigendsten Alben, die ich seit Monaten gehört habe … Dieses Album strahlt etwas aus, das in diesen dunklen, langweiligen, destruktiven Zeiten äußerst selten ist – Freude. Diese Männer lieben offensichtlich, was sie tun, und ihre Musik haut sie genauso um wie uns … Es genügt zu sagen, dass dies ein Album ist, zu dem man immer wieder zurückkehren wird, und dass die Youngbloods drei unverfälschte Musiker sind, die ein echtes Gespür für die Texturen des Lebens und des Klangs haben. Mögen sie ein langes gemeinsames Leben haben.“ Von Lester Bangs, 12. Juli 1969
Area Code 615, „Area Code 615“
Das Debütalbum „Area Code 615“ der All-Star-Band aus Nashville-Session-Musikern enthält akribisch ausgearbeitete Country-Coversongs wie „Hey Jude“ von den Beatles und „Just Like a Woman“ von Bob Dylan. Die Supergroup hielt sich nur zwei Alben und eine halbe Hit-Single („Stone Fox Chase“) lang, bevor alle Mitglieder wieder ihrer eigentlichen Arbeit nachgingen: Der Mundharmonikaspieler und Gitarrist Charlie McCoy wirkte unter anderem an Bob Dylans „Nashville Skyline“ und Weens „12 Golden Country Greats“ mit; der Gitarrist Mac Gayden war Co-Autor des Hits „Everlasting Love“; und der Schlagzeuger Kenny Buttrey spielte auf drei Alben von Neil Young, darunter „Harvest“ und „Tonight’s the Night“.
Was wir damals sagten: „Es ist alles da – nahezu makelloses Schlagzeugspiel mit Licks direkt aus West Memphis und Chicago; Bass und Klavier aus Muscle Shoals… Das Ergebnis ist eines der unterhaltsamsten und anregendsten Instrumentalalben, die seit langem erschienen sind. 615 ist mehr als eine effekthascherische, selbstbewusste Verbindung unterschiedlicher Einflüsse, sondern ein bemerkenswertes Beispiel für die Bandbreite und das Genie der neuen Nashville-Cats. Kurz gesagt: ein verdammt gutes Album.“ Von John Grissim, 13. Dezember 1969
The Good Rats, „The Good Rats“
Die Geschichte der Good Rats verlief ähnlich wie die der Strokes: Fünf New Yorker spielten Rockmusik, zu der man in verrauchten Clubs tanzen konnte. Leider wurden die Good Rats dem Hype nie gerecht. Obwohl sie sich jahrelang als „die heißeste Band auf Long Island“ bezeichneten, verwandelten sich die Good Rats in nicht viel mehr als eine glorifizierte Coverband. 1975 musste die Band sich damit begnügen, Auftritte in der Küche eines Clubs zu buchen; und aus Protest in Kochuniformen auf der Bühne erschien. Dieser peinliche Vorfall sorgte für mehr Schlagzeilen über den darauf folgenden Rechtsstreit – die Good Rats verklagten den Promoter wegen Vertragsbruchs auf 2 Millionen Dollar – als alles, was die Band seit ihrem recht guten Debütalbum von 1969 musikalisch geleistet hatte. Dennoch hatten die Good Rats bis 2013, als ihr langjähriger Leadsänger Peppi Marchello verstarb, weiterhin eine ansehnliche Fangemeinde auf Long Island.
Was wir damals sagten: „Die Good Rats stehen in New York direkt hinter den Rascals und den Velvet Underground … Zu den Good Rats könnte man gut tanzen, wenn die Leute noch tanzen würden. So wie es ist, ist es am besten, sich mit einem ordentlichen Schluck Alkohol vor eine gute Stereoanlage zu stellen und die Rats auf voller Lautstärke zu hören, bis entweder das Trommelfell oder der Woofer platzt.“ Von Alec Dubro, 15. März 1969
The Insect Trust, „The Insect Trust“
Diese Freak-Folk-Gruppe benannte sich nach William S. Burroughs‘ „Naked Lunch“ und bestand aus John Fahey-Schützling Bill Barth, Greenwich Village-Folk-Urgestein Luke Faust und dem Klarinettisten Robert Palmer (bekannt als späterer Mitarbeiter des Rolling Stone). Die Gruppe blieb nur für zwei Alben zusammen, bevor sie sich wieder auflöste, aber The Insect Trust klang nicht nur in den späten Sechzigern gut: Die Wiederveröffentlichung ihres zweiten Albums „Hoboken Saturday Night“ erhielt 2005 in einer Rezension von David Fricke vier Sterne, in der er hinzufügte, dass Bands wie The Insect Trust den Rockkritiker Greil Marcus zu dem Begriff „old weird America“ inspiriert hätten. Faust wurde später in einem Abschnitt von Bob Dylans „Chronicles“ gewürdigt. Palmer verstarb 2007, aber eine Anthologie seiner Schriften, Blues & Chaos: The Music Writing of Robert Palmer, erschien 2009.
Was wir damals sagten: „The Insect Trust ist nicht einmal eine Gruppe, zumindest nicht im herkömmlichen Sinne des Wortes … Die Besetzung scheint sich von Monat zu Monat zu ändern. Was all diese Faktoren bedeuten, ist schwer zu sagen, aber zumindest auf dieser Platte hat diese Gruppe von Leuten etwas wirklich Einzigartiges und Lebendiges eingefangen. Mit einer solchen Besetzung war das auch kaum zu vermeiden.“ Von Edmund O. Ward, 1. März 1969
Larry Fischer, „An Evening With Wild Man Fischer“
Teils Beefheart, teils Wesley Willis, teils Steven J. Bernstein – das von Frank Zappa produzierte Debüt-Doppelalbum dieses verrückten Poeten wurde nie wiederveröffentlicht – angeblich die Zappa-Familie, die die Rechte an dem Album besitzt, immer noch einen Groll hegt, weil der bipolare Fischer ein Glas in der Nähe des Säuglings Moon Unit zerschlagen hatte. Fans von Daniel Johnston könnten sich dank der Einfachheit und Naivität seiner Texte, insbesondere in Stücken wie „Merry Go Round“ und „Monkeys Versus Donkeys“, mit Fischer verbunden fühlen. Fischer, ein Favorit von Dr. Demento, verstarb 2011 im Alter von 66 Jahren.
Was wir damals sagten: „Nach heutigen Maßstäben des Musikgeschmacks ist es einfach schrecklich. Nach den meisten unserer Kriterien für sozial akzeptables Verhalten ist es eindeutig verrückt. Aber geben Sie der Platte eine Chance … sie ist ein außergewöhnliches Dokument, das einige beispiellose Zeugnisse über die Sechzigerjahre enthält. Dieses Doppelalbum erreicht etwas, was ich für unmöglich gehalten hätte. Es fängt das gesamte Wesen eines seltsamen Mitglieds der menschlichen Gemeinschaft ein.” Von Langdon Winner, 9. August 1969
