Geoff Downes: Der Yes-Keyboarder, der uns auch „Video Killed the Radio Star“ geschenkt hat

Hätte das Schicksal Geoff Downes einen anderen Weg gewiesen, wäre er wohl nur als der Mann in die Geschichte eingegangen, dessen Eröffnungstöne auf „Video Killed the Radio Star“ den Start von MTV einläuteten – und damit eine ganze neue Ära der Musikgeschichte, als der Kabelsender am 1. August 1981 auf Sendung ging. Doch dieser Song war nur der erste Schritt einer Reise, die Downes 1982 in die Prog-Rock-Supergroup Asia führte, wo er den unvergänglichen Klassiker „Heat of the Moment“ mitschrieb, und schließlich zu Yes, wo er seit 2011 als Keyboarder fungiert. (Er war auch bereits einige Monate im Jahr 1980 bei Yes – nach der Aufnahme von „Video Killed the Radio Star“, aber bevor MTV ihn spielte. Das ist alles etwas kompliziert.)

Downes hält inzwischen den Rekord für die längste ununterbrochene Amtszeit als Keyboarder in der sechzigjährigen Geschichte von Yes. „Wer hätte das gedacht?“, fragt er uns per Zoom aus seinem Zuhause in England. „Als ich noch Musikstudent war und Yes gehört habe, hätte ich nie gedacht, dass mir das heute jemand sagen würde.“

Kurz nach seinem Abschluss an der Musikhochschule 1976 antwortete Downes auf eine Anzeige im „Melody Maker“, die lautete: „Chart-Act sucht Keyboard-Spieler.“ Dahinter steckte ein Musiker namens Trevor Horn, der eine Band zusammenstellte, um die Disco-Sängerin Tina Charles auf einer Tour zu begleiten. „Er gab mir den Job, obwohl sich etwa 40 andere Keyboard-Spieler beworben hatten“, sagt Downes. „Und er erzählte mir später: ‚Der einzige Grund, warum ich dir den Job gegeben habe, war, dass du mit einem Moog-Synthesizer aufgetaucht bist – keiner der anderen hat das gemacht.’“

Die Entstehung von „Video Killed the Radio Star“

Als die Tina-Charles-Tour endete, gründeten Horn und Downes die Buggles. Einer der ersten Songs, die sie zusammen mit dem Gitarristen Bruce Woolley schrieben, war „Video Killed the Radio Star“. Das war der Beginn einer sehr langen Karriere – und heute teilt Downes seine Zeit zwischen Yes und einer neu formierten Version von Asia auf. Er führte uns durch die gesamte Geschichte und blickte auf das neue Yes-Album „Aurora“ voraus.

Erzählen Sie mir, wie „Video Killed the Radio Star“ entstanden ist.
Die Texte sind von Trevor inspiriert. Trevor hatte ein großes Talent für Lyrics und las viele Science-Fiction-Bücher, etwa von J. G. Ballard und einigen anderen. Er hatte diese Idee, dass da Kinder in einem Aufnahmestudio waren, die Geräusche mit einem Staubsauger aufsaugten – lauter verrücktes Zeug. Und deshalb handelte der Song sehr davon, wie Technologie alles verändert, nicht nur Musik, sondern ähnlich wie im Film, als die Tonfilme kamen und die Stummfilmstars plötzlich bedeutungslos wurden, weil der Tonfilm das Maß aller Dinge war.

Eine der Grundideen war, dass Technologie in Kunstformen frühere Versionen ablösen kann – so wie digitale Musik Kassetten und CDs gewissermaßen verdrängt hat. Wir waren sehr technikbegeistert, und das war einer der Antriebe, der uns vorangebracht hat.

Es gibt eine Textzeile in dem Song, die heute mit Blick auf KI wohl noch relevanter ist: „It took the credit for your second symphony / Rewritten by machine on new technology.“ Das war ein sehr vorausschauender Song, wenn man darüber nachdenkt. Er ist fast 50 Jahre alt, aber ich glaube, wir waren unserer Zeit in der Denkweise weit voraus.

Der Sprung zu Yes

Es muss ein ziemlicher Kulturschock gewesen sein, als Sie beide unmittelbar danach für das „Drama“-Album und die Tour zu Yes stießen. Das ist eine ganz andere Hausnummer.
Trevor war in gewisser Weise sehr der Produzent, und ich war sehr der Keyboard-Spieler. Als Sänger war er es gewohnt, durch Effekte zu singen und so weiter. Bei Yes wurde Trevor plötzlich in den Vordergrund gedrängt. Und das war eine schwierige Rolle, wenn man bedenkt, wie Jon Anderson von Anfang an der Leadsänger gewesen war. Für Trevor war es besonders hart. Für mich war es in gewisser Weise nicht ganz so schwer, weil Yes vor mir drei Keyboard-Spieler hatte. Die waren mir gegenüber etwas nachsichtiger. Aber ich meine, für viele Yes-Fans war es ein ungeheuerliches Konzept, dass diese zwei Pop-Typen plötzlich in ihrer verehrten, spirituellen Band auftauchten.

Mir fällt kein anderes Beispiel in der Rockgeschichte ein, wo eine komplette Band einfach in eine größere aufgesogen wurde.
Aus meiner Sicht war das ein großartiger Karriereschritt, denn ich glaube, sowohl Trevor als auch ich fanden, dass die Pop-Welt eine sehr kompromisslose Welt ist, mit einem sehr grausamen Ablehnungsfaktor – man war immer nur so gut wie sein letzter Hit. Als sich uns die Gelegenheit bot, zu Yes zu stoßen, drehte sich dort alles nicht um Hits. Es ging ums Albenmachen und darum, das auf die große Bühne zu bringen. Deshalb haben wir die Herausforderung mit Begeisterung angenommen. Und Chris [Squire], Steve [Howe] und Alan [White] standen ein bisschen auf dem Schlauch, weil Jon [Anderson] und Rick [Wakeman] gegangen waren. Für uns war es also viel natürlicher, als es von außen aussah – ich als Keyboard-Spieler, Trevor als Sänger.

Ich liebe „Drama“, aber im Nachgang von Punk und New Wave war der Appetit darauf nicht besonders groß.
Ja. Witzigerweise glaube ich, dass die überzeugten Yes-Fans, die damals empört waren, dem Album mit der Zeit warm geworden sind – sie sehen es als Meilenstein, als Sprungbrett für eine Band wie Yes, um von den Siebzigern in die Achtziger zu gelangen. Und ich denke, es war ein Wendepunkt-Album für die anderen, weil statt dieser sehr spirituellen, rustikalen Texte und „just by a river“ und all dem anderen…

Trevors Einfluss auf Yes

Trevors Einfluss lag darin, über Technologie zu sprechen, und seine Texte hatten einen viel moderneren Anstrich. Das war einer der Gründe, warum Yes über die Jahre so erfolgreich geblieben ist. Das ist keine Band, die auf der Stelle getreten ist. Und ich weiß, dass Trevor das „90125“-Album produziert hat, aber ich glaube, wir haben mit „Drama“ den Weg dafür geebnet, weil es Yes die Türen geöffnet hat, in eine neue Generation vorzustoßen. Das hat Yes im Laufe der Jahre immer wieder geschafft.

Die „Drama“-Tour begann in Toronto im Maple Leaf Gardens. Wie war es für Sie und Trevor, auf die Bühne zu gehen und diesem Publikum gegenüberzustehen? Viele wussten nicht einmal, dass ihr dort sein würdet.
Die dachten, Rick Wakeman und Jon Anderson würden auf der Bühne stehen. Für mich war das eine echte Feuertaufe, weil ich noch nie in einer Venue dieser Größe gespielt hatte. Nun ja, ich hatte ein paar Auftritte in Kanada mit einer Disco-Sängerin gemacht, aber vor einem solchen Publikum hatte ich noch nie gespielt – das war schlicht überwältigend.

Ich glaube, das hat mir den Geschmack dafür gegeben, das für den Rest meiner Karriere zu tun, denn dieser Eröffnungsabend war ein unglaublicher Rausch. Dort draußen mit diesen großartigen Musikern auf der Bühne zu stehen und die Unterstützung des Publikums zu bekommen, die wir tatsächlich bekamen – das war fantastisch. Und schon vier Nächte später spielten wir drei Abende im Madison Square Garden. Wenn man bedenkt, was wir in diesen ersten paar Wochen in der Band erlebt haben – das war einfach irre.

Für Sie als Keyboarder war das eine Sache, aber Trevor musste vor dieser Bühne stehen, diese hohen Töne treffen, „Roundabout“ singen und diesen Fans ins Gesicht schauen. Ich kann mir den Stress, unter dem er stand, kaum vorstellen.
Ich meine, er hat das unglaublich gut hinbekommen, denn es war nicht wirklich seine angestammte Rolle. Wie ich schon sagte: Bei den Buggles haben wir immer Effekte auf Vocals eingesetzt und so weiter, weil wir absolute Tech-Nerds waren. Alles, womit wir etwas anders klingen lassen konnten, haben wir ausprobiert.

Trevor Horn als Frontmann

Aber bei Yes musste man wirklich versuchen, es so zu liefern, wie diese Originalsongs geschrieben wurden, wie Jon Anderson sie so brillant geschrieben hatte. Ich finde aber, Trev hat einen großartigen Job gemacht, und ich glaube, dass das „Drama“-Album im Rücken dazu beigetragen hat, dass die Leute die Arbeit, die dahintersteckte, und den Sound zu schätzen begannen. Manche haben es kapiert, manche nicht. Aber im Laufe der Jahre wurde es von vielen Yes-Fans wirklich anerkannt.

Zurück zu den Buggles – erzählen Sie mir vom Video zu „Video Killed the Radio Star“.
Mein Ruhm besteht darin, die Eröffnungsakkorde auf MTV gespielt zu haben – das Keyboard-Intro von „Video“ – und auch das allerletzte Video auf MTV, lustigerweise, als der Sender [in England] kurz vor Weihnachten schloss und sich damit verabschiedete.

Es war merkwürdig, weil es an einem einzigen Tag gedreht wurde. Der Regisseur, ein gewisser Russell Mulcahy – Australier –, der später die „Highlander“-Filme und ähnliches drehte, war damals nur ein jobbing-Videoregisseur, der viel mit Technologie experimentierte. Vieles wurde einfach mit normalen Videokameras gefilmt. Es war kein richtiger Filmdreh oder so.

Er hatte die Vision, wie man das zusammensetzt. Manches spiegelt die Texte wider – das verlassene Studio, man sieht Trevor und mich. Und natürlich hat sich mein Keyboard-Programmierer nicht schlecht gemacht: Hans Zimmer. Er hatte einen Cameo-Auftritt ganz am Ende, weil Hans einige Synthesizer für mich programmiert hat.

MTV und der Beginn einer Ära

Erinnern Sie sich daran, zum ersten Mal von diesem neuen Ding namens MTV gehört zu haben?
Das ist interessant, denn es war seltsam. „Video Killed the Radio Star“ kam Ende 1979 raus, und Hits stiegen auf und fielen wieder, das war’s. Man hörte danach nicht mehr viel von ihnen. Jemand rief mich irgendwann um August oder September 1981 an, nachdem MTV auf Sendung gegangen war – zwei Jahre nach der Veröffentlichung von „Video Killed the Radio Star“.

Die Person sagte: „Die starten gerade dieses Kabelnetz, hauptsächlich an der Ostküste, und die haben Ihr Video verwendet.“ Ich sagte: „Ganz nett.“ Aber ich dachte mir nicht viel dabei, weil MTV zu diesem Zeitpunkt noch in einer sehr frühen Phase war. Doch in den folgenden Wochen, als es sich quer durch Amerika ausbreitete, wurde es zur ersten Anlaufstelle. Die Prophezeiung, dass Video das Radio ablöst, begann also tatsächlich Fahrt aufzunehmen.

Man könnte argumentieren, dass das gesamte Jahrzehnt der Achtziger mit Ihrem Keyboard-Intro zu jenem Song begann, als MTV startete. Es hat alles verändert.
Ich glaube schon. Und ich bin dankbar, dass ich einen Beitrag geleistet habe. Aber als MTV zwei oder drei Monate auf Sendung war, war es überall. Und dann begannen die Plattenlabels den Wert zu erkennen, den das hatte – weil es ein so breites Publikum ansprach, besonders junge Menschen. Es geriet ein bisschen außer Kontrolle, weil sie Hunderttausende von Dollar in die Produktion von Videos steckten und versuchten, einander zu übertrumpfen. Es war das perfekteste Schaufenster zum Plattenverkaufen, weil es eine visuelle Erfahrung war, die diese Generation junger Menschen in ihren Bann zog.

Die Geburt von Asia

Ich weiß, dass Sie 1981 mit Trevor an dem zweiten Buggles-Album „Adventures in Modern Recording“ gearbeitet haben, bevor Sie zu Asia stießen. Was ist da passiert?
Als wir mit Yes fertig waren, Ende 1980, begann ich mit Trevor am nächsten Album zu arbeiten. Es war wieder ein sehr, sehr experimentelles Album. Ich glaube, wir hatten einiges an Einflüssen aus unserer Zeit bei Yes mitgenommen. Und wir begannen wirklich, an längeren Songs zu arbeiten, was beim Plattenlabel nicht besonders gut ankam, weil die einfach mehr „Video Killed the Radio Star, Mach 2“ wollten.

Das fiel zeitlich zusammen mit der Tatsache, dass Steve mit John Wetton an einigen Sachen gearbeitet hatte und Geffen Records versuchte, diese Band zusammenzustellen. Die hatten John schon früher angesprochen. Und dann bekam ich einen Anruf von Steve. Er sagte: „Schau, ich würde dich gerne mit John bekannt machen, weil wir diese Band zusammenstellen und wir denken, du könntest die perfekte Besetzung für die Keyboards sein.“

Das war wirklich eine Fortsetzung der Beziehung, die ich in dieser kurzen Zeit bei Yes mit Steve aufgebaut hatte. Dann kam Carl [Palmer] dazu. Und da sagte ich zu Trevor: „Schau, ich habe diese Gelegenheit bekommen, dieser Band beizutreten, die aussieht, als würde sie groß werden, oder zumindest einige große Namen hat.“

Ich war der kleinste Name, denn John, Steve und Carl hatten natürlich diese riesige Geschichte aus den Siebzigern hinter sich, die ich nicht hatte. Das war wirklich der Wendepunkt. Wir waren etwa auf halbem Weg durch das [Buggles-]Album, und ich sagte: „Trevor, schau, ich muss gehen“ – und das war das. Aber es ist noch erhältlich, und die Hälfte der Tracks, die ich mit Trevor aufgenommen habe, sind tatsächlich drauf.

„Heat of the Moment“ – eine Legende entsteht

Erzählen Sie mir, wie „Heat of the Moment“ mit John Wetton entstand.
Es wurde ganz am Ende des Asia-Albums geschrieben. John Kalodner, der damalige A&R-Chef bei Geffen Records, liebte das Material, das wir gemacht hatten, und er liebte das Album. Er sagte: „Wenn ihr noch einen draufhättet, einfach einen weiteren Song, einen Eröffnungstrack – dieses Album wird riesig.“

Also setzte ich mich eines Nachmittags mit John zusammen. Wir saßen am Klavier, und ich sagte: „Schau, wir haben diesen Auftrag von Kalodner. Was machen wir?“ Und John sagte: „Ich hab hier diese kleine Melodie. Die klingt wie ein Country-Song.“ Und er spielte ein bisschen vom „Heat of the Moment“-Chorus. Ich sagte: „Ich hab diesen kleinen Verse-Part.“ Und er sagte: „Der ist gut.“

Wir haben die zwei Teile buchstäblich einfach zusammengefügt. Das Intro hatten wir, aber es war einige Arbeit, Steve dazu zu bringen, Power-Gitarre zu spielen, weil das nicht sein natürlicher Sound ist. Das Middle Eight haben wir zusammengestellt, das hat nicht lange gedauert. Es fügte sich alles sehr schnell zusammen, und am Ende gingen wir rein und nahmen es als letztes Stück des Albums auf. Kalodner sagte: „Das ist es. Das ist das Stück. Das nehmen wir.“ Und dann wurden wir alle aufgeregt, und alle Label-Leute bei Geffen Records waren wirklich begeistert. Und dann kam es raus – und bumm, es schoss einfach durch die Decke.

Wie war es, monatelang das Radio einzuschalten und Ihren Song überall zu hören?
Als wir das Album promoteten, kurz bevor wir auf Tour gingen, erinnere ich mich, dass es wirklich auf jedem Radiosender in Amerika gespielt wurde, besonders im Rock-Radio. Ich erinnere mich, John und ich saßen auf dem Rücksitz eines Autos, und es lief im Radio. Ich sagte: „Wow, das ist fantastisch. Schau mal, was sonst noch läuft“ – und wir wechselten zu einem anderen Sender, und da lief es auch. Ich glaube, wenn man an diesen Punkt kommt, merkt man, dass man etwas wirklich Großes in den Händen hält. Ich bekomme immer noch einen Kick, wenn ich es im Radio höre. Es ist Teil meiner DNA, glaube ich.

Asia, Yes und die Zukunft

Wenn viele junge Menschen es heute hören, denken sie an „South Park“.
Oder an „The 40-Year-Old Virgin“. Es ist ein zeitloser Song. Ich habe zwei ziemlich große Songs, mit denen ich wohl für immer verbunden sein werde: „Video“ und „Heat of the Moment“. Die werden weiterhin viel gespielt. Und auch weniger offensichtliche Songs vom ersten Asia-Album, wie „Time Will Tell“, „Don’t Cry“ und „Sole Survivor“, laufen noch. Dieses erste Asia-Album hat einfach alle Rekorde gebrochen. Neun Wochen auf Platz eins, glaube ich.

Das hat sicher auch Schwierigkeiten mit sich gebracht. Wenn man das nächste Album macht, ist der Scheinwerfer blendend hell, das Label will mehr davon. Und wie übertrifft man eines der meistverkauften Alben des Jahres? Das geht nicht.
Nun, in gewisser Weise war es dasselbe Prinzip, weil sie einfach mehr wollen. Plattenlabels sind sehr gierig. Wenn sie glauben, die goldene Gans gefunden zu haben, wollen sie, dass sie immer mehr Eier legt. Und ich glaube, wir waren ziemlich erschöpft, als wir diese erste Tourphase hinter uns hatten, weil wir sechs Monate das erste Album geprobt hatten, dann die nächsten fünf oder sechs Monate damit verbracht hatten, es aufzunehmen, und dann direkt für weitere sechs Monate auf die Straße gegangen waren. Wir hatten kaum Zeit, uns hinzusetzen und das Ganze in Ruhe zu betrachten. Es war sehr, sehr intensiv.

Als das vorbei war, drängten sie uns schon zum nächsten Album: „Komm schon, komm schon, wir hätten gerne mehr davon.“ Das erzeugt enormen Druck, weil man plötzlich fragt: „Sind wir gut genug, um etwas genauso Gutes wie das erste Album zu liefern? Stimmt die Richtung?“ Bei all diesen Fragen zweifelt man an sich selbst.

Unter diesen Umständen glaube ich, dass John und ich für das zweite Album wirklich gute Songs geschrieben haben. Und es war kein Flop. Es verkaufte sich immer noch fast drei Millionen Mal. Aber weil das erste Album sechs oder sieben Millionen weltweit verkauft hatte, sah das Plattenlabel es nicht als Katastrophe. Hätten wir aber mit drei Millionen angefangen und wäre das zweite Album mit sieben Millionen gefolgt, wären sie aus dem Häuschen gewesen. Weil unser erstes Album so groß war, war es sehr schwer, das zu wiederholen. Nicht dass wir es hätten wiederholen wollen, denn ich hatte nie damit gerechnet, dass es so groß werden würde. Ich dachte: „Nun, es wird etwas Anklang finden“ – aber am Ende verkaufte es sich weltweit über 12 Millionen Mal. Es gibt keine Formel, die einem sagt, dass man das erreichen kann, weil man einfach Musik macht und das Beste hofft.

Und dann verschoben sich die Besetzungen immer wieder. Wurde es schwierig, als Greg Lake kurz dabei war und Steve dann vor „Astra“ die Band verließ? Das muss den Schwung wirklich gebremst haben.
Ja. Ich glaube, man verliert definitiv an Fahrt, wenn so etwas passiert. Und ich denke, weil wir alle unter Druck standen … und manche Menschen gehen mit Druck anders um als andere. Aber ich bin mit niemandem wirklich im Streit auseinandergegangen. Ich glaube nicht, dass sich irgendjemand wirklich mit jemandem überworfen hat. Ich denke, es versetzt die Menschen in einen anderen Gemütszustand, und sie haben verschiedene Einflüsse von Frauen, Managern, Buchhaltern, Agenten und all dem Rest. Aber trotz allem: Ich halte das zweite Album für ein gutes Album, und ich finde, dass wir auf dem dritten Album ohne Steve, als Mandy Meyer einstieg, immer noch eine gute Band waren und einen guten Sound hatten.

Sie haben in den Neunzigern viel Asia-Musik mit John Payne gemacht. War das eine frustrierende Phase, weil sich die Branche so stark verändert hatte und diese Art von Musik einfach nicht mehr im Radio oder auf MTV lief?
Das war eine schwierige Phase. Und auch hier: Die Alben waren gute Alben, fand ich. Und im Nachhinein glaube ich, dass viele Menschen auf diese Alben zurückblicken und sie für das schätzen, was sie sind. Aber das Klima hatte sich verändert. Es gab viel mehr Gewicht auf gitarrenorientierten Bands, besonders in den Neunzigern – die ganzen Big-Hair-Bands und Heavy-Bands wie Poison und W.A.S.P.

Diese ganze Bewegung war für uns schwer zu konkurrieren, weil ich den Kern der Asia-Musik beibehalten wollte, die, wie Sie wahrscheinlich zustimmen würden, sehr, sehr keyboard-getrieben ist. Also ja, es war eine harte Zeit, um Dinge durchzusetzen. Ich finde, John hat mit seinen Vocals wirklich gute Arbeit geleistet. Er war ein anderer Sängertyp als John Wetton, klar, aber die härtere Kante, die wir erhofften, hätte vielleicht etwas mehr Interesse geweckt. Aber wir hatten eine gute Zeit bei der Aufnahme dieser Alben, und ich glaube, viele Menschen haben Freude daran gehabt.

Reunion und neue Kapitel

Wie kam es 2006 zur Reunion, bei der die komplette Originalbesetzung wieder zusammenfand?
Ich hatte über die Jahre immer wieder Kontakt zu John gehabt, und ich arbeitete mit ihm an einigen Soloalben und unserem gemeinsamen Projekt Icon. Ich arbeitete also mit John auf dieser Ebene, weniger mit Steve, weil Steve viel mit Yes unterwegs war – das 35. Jubiläum und all das. Carl war ebenfalls sehr mit dem ELP-Zeug beschäftigt. Also war es wirklich eine Idee, die aufkam und sagte: „Leute, was meint ihr?“

Steve hatte ein gutes Zeitfenster, Carl hatte ein gutes Zeitfenster, John und ich hatten gute Zeitfenster, und wir sagten: „Warum probieren wir es nicht?“ Es sollte eigentlich nur eine Tour oder ein paar Touren sein, um zu sehen, wie es ankommt. Wir begannen, viel Interesse zu bekommen, und hatten tolle Angebote für Touren in Japan. Das alles gewann enorm an Fahrt. Wir haben in Mexiko gespielt, in Südamerika, wir waren so ziemlich überall.

Dann habt ihr 2008 „Phoenix“ aufgenommen.
Ja. Wir setzten uns zusammen und sagten: „Warum machen wir nicht ein Album?“ So entstand das „Phoenix“-Album. Und der Schwung hielt an. Es gab weiterhin viel Interesse an der Band, also tourten wir dann ziemlich ausgiebig.

Wir passten es um Steve herum ein, der damals noch mit Yes unterwegs war, und Carl begann sein ELP-Legacy-Trio-Projekt. John und ich hatten unser eigenes Projekt, das Icon-Projekt. Wir alle waren also in andere Dinge involviert, aber wir schafften es, den Weg für das Asia-Ding freizumachen und es fortzuführen. Dann gingen wir raus, machten das zweite Album, ein drittes Album. Das lief wirklich bis 2012. Steve sagte damals: „Es wird einfach zu viel für mich“, weil er sein Trio am Laufen hatte, Yes am Laufen hatte und auch noch sein Solozeug am Leben erhalten wollte. Er fand, es war zu viel. Also verließ Steve 2012 die Band.

Um diese Zeit tourte John Payne als Asia Featuring John Payne. Das muss lästig gewesen sein.
Ja, es war etwas unangenehm, weil wir uns … nun, wir waren die Originalband, und alle vier von uns wieder zusammenzuhaben war schon etwas Besonderes. Es war eigentlich kein großes Problem. Aber weil John für eine gewisse Zeit in der Band gewesen war, hatte er einen gewissen Anspruch auf den Namen. Er erklärte sich aber bereit, sich Asia Featuring John Payne zu nennen, womit wir einverstanden waren – und damit war die Sache erledigt. Aber wir hatten natürlich das Roger-Dean-Logo und das Gewicht der Geschichte hinter uns.

Rückkehr zu Yes

Wie kam es dazu, dass Sie 2011 wieder zu Yes stießen?
Trevor war 2011 gebeten worden, ein Album für die Band zu produzieren, und das Material, das Chris machen wollte, war tatsächlich ein Song namens „We Can Fly From Here“, den wir auf den Touren von 1980 gespielt hatten. Wir hatten sogar eine Aufnahme davon für das „Drama“-Album gemacht, aber die erblickte nie das Licht der Welt. Und Chris bestand wirklich darauf, diesen Song wiederzubeleben und das Album darum herum aufzubauen. Weil ich Mitautor war und an der Originalaufnahme beteiligt gewesen war, fanden die anderen, dass es gut wäre, mich wieder einzubeziehen – und so holten sie mich zur Session.

Es war nicht so, dass sie mit Oliver [Wakeman] unzufrieden gewesen wären oder so. Ich glaube, es war viel mehr so, dass sie fanden, ich sei für dieses bestimmte Album und dieses Konzept, das sie verfolgten, passender – das war wirklich der Grund, warum ich wieder einstieg.

Es war großartig, wieder mit den Jungs im Raum zu sein. Chris, Alan und Steve spielten wie verrückt, und was ich für das wohl beste Rhythmusgespann aller Zeiten halte: Chris Squire und Alan White. Das war wirklich, wirklich toll. Und natürlich war auch Trevor als Produzent dabei, also war es ein großartiger Moment für mich, die Uhr zurückzudrehen und mit all denen im Studio zu sein – das „Drama“-Lineup.

Ihre erste Tour zurück in der Band war 2011 eine Co-Headliner-Tour mit Styx. Ich habe vor einigen Jahren mit Benoît David gesprochen. Er sagte, es war eine albtraumhafte Zeit für ihn, weil seine Stimme versagte.
Ja, das war sehr unglücklich für Benoît, denn ich glaube, er wurde dazu gedrängt, in einer Lage zu singen, die nicht seine natürliche war. Und so hat er seiner Stimme wohl erheblichen Schaden zugefügt, indem er sie überforderte. Ich glaube auch, dass die Tatsache, dass Yes eine sehr laute Band auf der Bühne war … Chris Squires Bass-Rig wurde „the rig from doom“ genannt, weil es im Grunde eine riesige, gewaltige Menge an Lautsprechern war.

Ich glaube, das hat Benoît nicht geholfen, weil er versuchte, darüber zu singen. Gegen Ende der Tour, ich glaube, wir waren in Stockholm, drehte er sich um – wir hatten noch etwa drei Shows vor uns –, und sagte: „Ich kann das nicht. Ich kann das nicht singen.“

Jon Davison und die Gegenwart

Jon Davison begeistert mich jedes Mal, wenn ich euch sehe. Er scheint wie geschaffen dafür. Egal wie viele Shows ihr spielt – seine Stimme hält durch. Er trifft diese hohen Töne Nacht für Nacht.
Es ist unglaublich. Jon hat eine fantastische Stimme, eine fantastische Bandbreite. Ich habe ihn ziemlich laut in meinen In-Ear-Monitoren, weil ich die Melodie hören möchte, und er ist absolut makellos. Ich habe ihn noch nie falsch singen hören oder irgendetwas in der Art.

Yes ist ein wesentlicher Teil seines Erbes. Er war in Yes-Tributebands und kennt die Yes-Musik wahrscheinlich besser als irgendjemand sonst – besser als die Mitglieder von Yes. Er kennt all die obskuren Songs und alles. Er war wirklich außerordentlich gewissenhaft. Wir hatten großes Glück, ihn fast sofort als Nachfolger zu gewinnen.

Ich habe vor einigen Monaten mit ihm gesprochen. Er erzählte mir, dass „Heaven & Earth“ ein sehr schwieriges Album zu machen war, weil Roy Thomas Baker nicht wirklich die Führung übernahm.
Ja, ich glaube, es war schwierig für ihn, weil er buchstäblich direkt hineingeworfen wurde. Es gibt einige nicht schlechte Momente darauf, aber ich glaube nicht, dass es jemals als Yes-Klassiker gelten wird, weil ich denke, dass niemand wirklich musikalisch fokussiert war. Ich glaube, es war einfach etwas, das wir das Gefühl hatten, zusammenzustellen.

Ich glaube nicht, dass Roy Thomas Baker, Gott hab ihn selig, der beste Produzent war, der dabei sein sollte. Ich denke, es war eher ein Fall von Namen benutzen, statt den richtigen Produzenten für unsere Bedürfnisse zu finden, weil er bei den Songs nicht wirklich selektiv war. Das war keine gute Art, an einem Album zu arbeiten. Aber trotzdem gibt es einiges Ordentliches darauf. Es ist ein Zeitdokument, es ist Teil der Yes-Geschichte, und deshalb kann man es nie wirklich auslöschen.

Hat es Sie gestört, als Yes in die Hall of Fame aufgenommen wurde und Sie nicht dabei waren?
Nicht wirklich. Ich glaube, bei einer Band – ich weiß nicht mehr, ob es Parliament-Funkadelic war oder jemand anderes –, da hatten sie versucht, 35 Mitglieder aufzunehmen oder so etwas. Ich glaube, da haben sie einen Riegel vorgeschoben und gesagt: „Schau, wir können wirklich nur …“ – was sie als die zwei goldenen Ären der Band betrachteten, also offensichtlich das klassische Lineup der Siebziger und das meistverkaufte Yes-Album mit großem Abstand, „90125“ – dieses Lineup mussten sie ebenfalls anerkennen. Aber ich finde, es war schön, dass Tony Kaye aufgenommen wurde, und ich glaube, es war am Ende wahrscheinlich die richtige Entscheidung.

Sowohl Alan als auch Chris zu verlieren muss unglaublich schmerzhaft gewesen sein.
Das waren beides wirklich schwere Schläge. Chris hat mich immer angetrieben. Er war fast so etwas wie ein Mentor, daher war das ein sehr harter Verlust, denn er war die treibende Kraft hinter der Band. Und Alan war ein sehr enger Freund geworden, wir haben immer viel Zeit miteinander verbracht. Wir standen uns sehr nahe. Aber wir hatten großartige Zeiten zusammen, und ich habe sehr schöne Erinnerungen an die Arbeit mit beiden.

Steve Howe und das neue Album

Steve beeindruckt mich jedes Mal, wenn ich euch sehe. Die Fingerfertigkeit ist schlicht unglaublich, wenn man sein Alter bedenkt. Er spielt im Grunde genauso wie vor 50 Jahren.
Steve nähert sich den 80. Ich meine, er ist unglaublich. Ich bin einfach dankbar, dass ich eine so lang andauernde Beziehung mit ihm hatte, denn es ist immer etwas heikel, einen Keyboard-Spieler und einen Gitarristen zusammenzubringen, weil es Bereiche gibt, wo sie sich gegenseitig in die Quere kommen können. Ich glaube, eines der Dinge, die Steve und ich herausgefunden haben – nicht nur bei Yes, sondern auch bei Asia –, ist, dass es eine Art gegenseitiges Verständnis gibt. Steve ist sehr viel mehr ein flüssiger, sehr individueller Solo-Spieler als ein Rhythmus-Spieler. Und ich denke, mein Keyboard-Stil ergänzt Steves Gitarrenspiel.

Die Buggles haben vor einigen Jahren mit Seal getourt. Warum waren Sie nicht dabei? Waren Sie mit Yes beschäftigt?
Es war eine Idee, aber es kollidierte mit einigen Yes-Touren. Und ich glaube, es war auch so, dass … ich denke, es war eher Seals Begleitband. Und dann hatte Trevor natürlich eine lange Beziehung mit Seal als sein Produzent. Ich glaube, es war eher eine Seal-Show als eine Buggles-Show. Wäre ich nicht so eng mit Yes verbunden gewesen, hätte ich es wahrscheinlich gemacht, aber sie spielten nur fünf oder sechs Songs pro Abend. Ich setze mich lieber etwas mehr ein und spiele drei Stunden „Close to the Edge“ und „Going for the One“ und den ganzen Rest.

Hoffen Sie, dass Sie und Trevor eines Tages wieder Buggles-Shows spielen werden?
Da bin ich sicher. Ich spreche alle paar Monate mit ihm, und wir verstehen uns immer gut. Ich kann guten Gewissens sagen, dass ich von all den Menschen, mit denen ich gearbeitet habe – besonders in den drei Bands, für die ich am bekanntesten bin –, nie wirklich einen ernsthaften Streit mit jemandem hatte. Ich könnte heute noch zum Hörer greifen und mit den Leuten sprechen. Leider nicht mehr mit Chris, John und Alan, aber sicher mit all den anderen.

Sie haben Asia nach John Wettons Tod am Leben erhalten. Können Sie mir erzählen, wie Harry Whitley als Sänger dazukam? Wo haben Sie ihn entdeckt?
Er ist unglaublich – und das sage ich nicht leichtfertig. Jemanden zu finden, der so jung ist – ich glaube, er ist 30 oder 31 –, der dieses musikalische Wissen hat, ist außergewöhnlich. Und nicht nur als Bassgitarrist. Er ist ein fantastischer Keyboard-Spieler. Er kann Schlagzeug spielen. Er ist wie ein moderner Stevie Wonder, was die Fähigkeit angeht, so ziemlich alles spielen zu können.

Es ist sehr selten, jemanden so Talentierten zu finden. Er war ein riesiger Asia-Fan. Er ist ein großer Fan meines Keyboard-Spiels, was sehr nett von ihm ist. Aber ich glaube, das Entscheidende war, dass wir vor einigen Jahren diese Gedenkveranstaltung für John hatten, und ich hatte davon gehört, dass dieser Typ Sachen im Internet postete. Ich dachte: „Wow, dieser Typ kann diese Asia-Songs unglaublich liefern.“

Also lud ich ihn zur Gedenkshow für John ein. Und das Publikum rastete völlig aus. Das hat mich wirklich dazu angespornt, die Band wieder zusammenzustellen. Ich weiß, dass Carl nach wie vor sehr beschäftigt mit seinem ELP-Legacy-Zeug ist – das ist praktisch sein Vollzeitjob. Also sind wir sehr froh, Virgil [Donati] dabeizuhaben. Und [Gitarrist] John Mitchell war beim Icon-Projekt und Johns Solozeug dabei, also gab es auch dort eine gute Verbindung.

Es war großartig, all diese Menschen wieder zusammenzubringen und dann diese Shows auf die Beine zu stellen, die wirklich erfolgreich waren. Wir waren ein paarmal in Japan. Wir haben im Sommer vor letztem Jahr eine ganze US-Tour gemacht, einige große Auftritte. Es war also sehr, sehr interessant, das alles wieder zum Laufen zu bringen.

Das neue Yes-Album „Aurora“

Erzählen Sie mir vom neuen Yes-Album „Aurora“ und wie Steve als Produzent funktioniert.
Nun, ich glaube, das Songwriting hat sich erheblich verändert. Viele Ideen werden über das Internet ausgetauscht, statt wie früher, als eine Band das zusammen im Raum erarbeitete. Ich glaube, diese Tage sind für viele Menschen weitgehend vorbei. Dateiaustausch ist wohl die häufigste Form der musikalischen Zusammenarbeit heute. Wir begrüßen das.

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So haben wir Ideen eigentlich bei allen drei Alben ausgetauscht, die wir in den letzten Jahren gemacht haben. Und mehr noch, ich glaube, bei diesem Album haben wir versucht, etwas mehr studiomäßige Zusammenarbeit zu bekommen, was wir diesmal tatsächlich etwas mehr gemacht haben, lustigerweise. Billy würde mit Steve arbeiten, und ich würde zu Steve kommen und mit ihm arbeiten, aber Steve ist sehr viel der Mittelpunkt des Albums. Ich glaube, er kennt Yes besser als irgendjemand sonst, deshalb ergibt es Sinn, dass er diese zentrale Rolle hat, von der alle anderen abprallen.

„Countermovement“ ist wahrscheinlich mein Lieblingssong auf dem Album. Können Sie mir erzählen, wie diese ganze Suite zusammengefügt wurde?
Das ist sehr viel ein Song, der buchstäblich so viele Ideen auf einmal zusammenwirft. Ich finde, es ist ein großartiges Stück, und Steves Gitarrenspiel darauf ist schlicht ungeheuerlich. Es ist ein sehr ungewöhnliches Stück. Es macht mich glücklich zu denken, dass wir tatsächlich so etwas hervorbringen konnten. Es sind sehr viel die Ideen aller, die in einem großartigen Ganzen aufgehen, und Steve hat es irgendwie geschafft, das alles zu sichten und zusammenzufügen – ich finde, das Ergebnis ist ein sehr, sehr kraftvolles Stück. Ob wir es live spielen werden, weiß ich nicht, denn da ist eine Menge los, also gibt es viel zu bedenken.

Auf der letzten Tour habt ihr „Fragile“ komplett durchgespielt. Denkt ihr daran, auf der nächsten Tour ein anderes Klassikalbum zu spielen?
Steve musste sich diesmal einer Operation unterziehen, wir mussten unsere UK-Tour verschieben, also wird er eine Weile ausfallen. Aber wir sollen im September nach Japan gehen, und dort werden wir die „Fragile“-Tour machen, weil wir das dort noch nicht gemacht haben. Aber ich glaube, wir gehen im Oktober und November in die Staaten, und das wird eine völlig andere Tour sein.

Wahrscheinlich kein komplettes Album, weil ich finde, das wird etwas vorhersehbar, und wir wollen nicht als vorhersehbare Band gelten. Wir wollen verschiedene Dinge herausziehen können. Aber ich denke sicher, dass wir einige weniger bekannte Tracks herausholen werden und natürlich einiges vom neuen Album – es wird also etwas sein, das wir noch nie gemacht haben.

Falls Steve irgendwann in Rente geht – würde Yes weitermachen, oder wäre das das Ende der Band?
Das ist wirklich eine schwierige Frage. Ich meine, ich bin sicher, dass es weitergehen wird. Ich bin sicher, dass es irgendeine Version von Yes geben wird. Ich würde gerne glauben, dass das so ist, weil ich denke, Musik ist zeitlos, nicht wahr? Und ich finde, die Musik von Yes verdient es nicht, in eine Schublade gesteckt zu werden. Das ist es, was ich auch über Asia empfinde. Ich möchte nicht sagen: „Oh, das war Asia. Ich werde das Zeug nie wieder live hören.“ Das wäre traurig, finde ich. Und ich denke, dass die Musik, die ich gemacht habe, weiterhin auf der ganzen Welt aufgeführt und präsentiert werden soll – so lange wie irgend möglich.