Merle Haggard: Die 30 besten Songs
Die 30 wichtigsten Merle-Haggard-Songs: Von Honky-Tonk und Bakersfield bis Herzschmerz, Hymnen und späten Glanzpunkten.
Einer seiner vielen Spitznamen war „Okie From Muskogee”, abgeleitet von seinem gleichnamigen Song, der während des Vietnamkriegs zu einer konservativen Hymne wurde. Aber „konservativ” war nie die richtige Beschreibung für das Country-Musik-Phänomen Merle Haggard.
Der aus Kalifornien stammende und einstige Insasse des San Quentin-Gefängnisses war ein Pionier sowohl des Bakersfield-Sounds als auch der Outlaw-Country-Bewegung und brach sowohl innerhalb als auch außerhalb des Studios mit Konventionen.
Er entwickelte einen Sound, der seitdem von unzähligen Künstlern nachgeahmt wurde, die in seine Fußstapfen traten. Und ihn verehrten. Hier sind in chronologischer Reihenfolge die 30 Songs, von rebellisch bis romantisch, die zusammen die Größe von Merle Haggards Karriere widerspiegeln.
„The Bottle Let Me Down“ (1966)
Dieser tränenreiche Song aus dem Jahr 1966 ist einer von Haggards absoluten Klassikern und gehört vielleicht zu den besten musikalischen Darstellungen dessen, wie es sich anfühlt, wenn Selbstmedikation versagt. Der Sänger sitzt an der Bar und versucht, seine Dämonen zu ertränken, doch die Erinnerung an eine alte Liebe drängt sich ihm auf, egal wie viel er trinkt.
Im Hintergrund sind Frauenstimmen zu hören, die fast so klingen, als würde ihn seine ehemalige Flamme verfolgen und verspotten, während er versucht, sie aus seinem Kopf zu trinken. Oft gecovert – von Elvis Costello über die Mavericks bis hin zu Emmylou Harris – aber nie übertroffen, mag die Flasche selbst den Erzähler im Stich gelassen haben, aber „The Bottle” hat unzähligen verlassenen Liebhabern geholfen. S.R.
„Swinging Doors” (1966)
Es ist der Song, der Merle Haggard zu einem Honky-Tonk-Helden macht und Mitleid mit den armen Frauen weckt, die sein hartes Leben ertragen mussten. Das Leben könnte kaum besser sein als das, das Haggard in „Swinging Doors“ beschreibt. Er hat alles, von einer Jukebox über einen Barhocker bis hin zu einer blinkenden Leuchtreklame.
„Komm vorbei und besuch mich, wann immer du willst, denn ich bin immer hier zu Hause, bis zum Feierabend“, sang er. „Und dank dir bin ich immer hier“, fügte er hinzu und zeigte seiner Geliebten im Grunde genommen den Mittelfinger. Aber man ahnte auch, dass er nur einen witzigen Spruch – oder einen Drink – von einem Zusammenbruch entfernt war. J.R.
„Sing Me Back Home“ (1967)
In „Hungry Eyes“ und „Roots of My Raising“ nutzen Haggards Erzähler Musik, um Erinnerungen wiederzubeleben, die sie seit ihrer Kindheit in sich tragen. „Sing Me Back Home“ ist ein Lied über einen Gefängnisinsassen, der dasselbe für jemand anderen tut und für einen Mitgefangenen, der auf dem Weg zu seiner Hinrichtung sein altes Lieblingslied hören möchte, eine Melodie spielt.
Es ist ein dramatischer Moment, aber Haggard singt ihn nicht so: Seine trockene, würdevolle Stimme erinnert nicht an einen Künstler auf einer Bühne, sondern an einen abgebrühten Stoiker, der einen der erschütterndsten Momente seines Lebens noch einmal durchlebt. Der Song ist fiktiv, seine Erzählung erinnert an den Hit „Green, Green Grass of Home“ aus dem Jahr 1965, basiert jedoch auf „einer Ansammlung von Informationen“, die ihm aus seiner eigenen Zeit in San Quentin in Erinnerung geblieben sind. N.M.
„I’m a Lonesome Fugitive“ (1967)
Man könnte leicht annehmen, dass Haggard diesen Song über einen Flüchtigen geschrieben hat, der vor dem Gesetz flieht, aber tatsächlich stammt er aus der Feder von Liz und Casey Anderson, die eine reichhaltige Geschichte voller Metaphern und Anspielungen auf alles von Rudyard Kipling bis Bob Dylan geschaffen haben.
Anscheinend wussten die Andersons nichts von Haggards schmutziger Vergangenheit, und selbst Hag selbst war beeindruckt davon, wie gut der Song mit seiner eigenen persönlichen Geschichte übereinstimmte – was ihm half, sich perfekt in den Midtempo-Western-Shuffle einzufügen, der nicht nur von seiner Vergangenheit, sondern auch von seiner Gegenwart erzählt. „Ich bin auf der Flucht, die Autobahn ist mein Zuhause“ – diese Worte könnten ebenso gut von einem auf der Autobahn lebenden Musiker stammen wie von einem flüchtigen Verbrecher. M.M.
„Mama Tried“ (1968)
„Mama Tried“ wurde im Juli 1968 veröffentlicht und war Merle Haggards fünfter Nummer-1-Hit. Der Song ist ein Synonym für den Country-Sänger, der zu diesem Lied inspiriert wurde durch das Leid, das er seiner eigenen Mutter zugefügt hatte, während er 1957 im San Quentin State Prison inhaftiert war.
Mit Roy Nichols an der E-Gitarre und Haggards frühen Einflüssen bricht der Klassiker mit dem Nashville-Country und orientiert sich stattdessen am kalifornischen Honky-Tonk der 1960er Jahre, der den für Haggard bekannten Bakersfield Sound verkörperte. Der Song ist bis heute ein zeitloser Live-Standard für Country-Bands aller Art und wurde unter anderem von den Grateful Dead, den Everly Brothers, Reba McEntire und Willie Nelson gecovert. Selbst für diejenigen, die noch nie ein Roadhouse ausgeraubt oder Zeit im Knast verbracht haben, dient das Zitieren der Texte aus „Mama Tried“ als persönliche Zusammenfassung ihrer Badassery. E.M.
„Today I Started Loving You Again” (1968)
Eines Nachts um 2 Uhr morgens im Jahr 1967 in Dallas bat Merle Haggard seine Frau Bonnie Owens, ihm einen Hamburger zu holen. Als sie in ihr Motelzimmer zurückkehrte, hatte er „Today I Started Loving You Again” geschrieben. „Es ist erstaunlich, was Merle alles sagt, wenn er schreibt“, sagte Owens in Nicholas Dawidoffs „Country of Country: A Journey to the Roots of American Music“.
„Ich habe ihn noch nie so reden hören. Später sagte er: ‚Bonnie, ich kann mich nicht daran erinnern, diese Worte gesagt zu haben. Es ist, als hätte Gott sie durch mich gesprochen.‘ Ich wusste, dass er sie gesagt hatte – ich war dabei. Ich habe sie aufgeschrieben.’“ Der Song wurde 1968 als B-Seite von „The Legend of Bonnie & Clyde“ veröffentlicht und schaffte es erst 1975 in die Country-Top-Ten, als Sammi Smith ihre Coverversion herausbrachte. Seitdem hallt er aus den Country-Bars wider. P.D.
„The Legend of Bonnie and Clyde“ (1968)
Ein Jahr nachdem Faye Dunaway und Warren Beatty Bonnie Parker und Clyde Barrow auf der Leinwand verewigt hatten, verdichtete Haggard die Liebesgeschichte und den berüchtigten Untergang der Outlaws der 1930er Jahre zu zwei Minuten pickender und grinsender Bluegrass-Musik. (Fun Fact: Das ist Glen Campbell, der auf dem Banjo rockt.)
Bonnie Owens, Haggards damalige Frau, sang den Background und war Co-Autorin des Songs, der der Titelsong von Haggards 1968er Album mit den Strangers war. Trotz der Texte über Raub und Mord schien Haggard geradezu wehmütig über das tödliche Duo zu sein: „Aber wir werden uns immer daran erinnern, wie sie gelebt und gestorben sind.“ J.R.
„Silver Wings“ (1969)
Wenn man sich umschaut, während Haggard diesen Song live singt, sieht man immer wieder dasselbe Bild: Irgendjemand wischt sich unweigerlich die Tränen aus den Augen. „Silver Wings“ aus dem Album A Portrait of Merle Haggard von 1969 war zwar kein Nummer-1-Hit, aber es ist bis heute einer seiner größten Herzschmerz-Songs geblieben, vergleichbar mit den traurigsten Songs von Mickey Newbury.
Haggard romantisiert die „silbernen Flügel“ eines Flugzeugs, das seine Geliebte fortbringt, und singt so intim, dass man sich fragt, ob man vielleicht heimlich mithört. Selbst das Arrangement – mit seinen lockeren Gitarrenklängen, den sanften Drum-Sticks und den majestätischen Streichern – fühlt sich wie ein Schlag in die Magengrube an. Reichen Sie mir bitte die Taschentücher. J.R.
„Workin’ Man Blues“ (1969)
Eingeleitet von funky Gitarrenklängen, wurde „Workin‘ Man Blues” aus dem Jahr 1969 zur Hymne des bluesigen Bakersfield Sound, den Haggard verkörperte. Und diese skurrilen Intro-Licks wurden ebenfalls zu einer regelrechten Ikone, sodass es für traditionelle Country-Sänger immer sicherer wurde, sich so viel im Rock ‚n‘ Roll zu versuchen, wie sie wollten.
Als der Titel veröffentlicht wurde, war Haggard alles andere als traurig – er war nach sieben Nummer-1-Hits auf dem Höhepunkt seiner Karriere, aber er weigerte sich, seine rauen Wurzeln zu vergessen, aus denen er hervorgegangen war, und sang die Hymne eines Mannes mit neun Kindern, der ums Überleben kämpfte. Jahre später schrieb Bob Dylan nach einer Tournee mit Haggard sein eigenes Riff zu dem Song „Workingman Blues #2“ – gottgleiche Figuren der Musik, die immer noch über den einfachen Mann nachdenken. M.M.
„Hungry Eyes“ (1969)
Auch bekannt als „Mama’s Hungry Eyes“, war diese Hommage an seine alleinerziehende Mutter der Höhepunkt seines Albums A Portrait of Merle Haggard aus dem Jahr 1969. Und es ist ein Meisterwerk von ungewöhnlich ausgefeilter Empathie, das eine Seelensnot heraufbeschwört, die genauso bedrückend ist wie der Hunger des Magens.
Der Schauplatz ist ein Arbeitslager zur Zeit der Weltwirtschaftskrise, und das Ganze ist umso herzzerreißender, als der Sänger zugibt, dass er keine Ahnung hatte, wie sehr seine Eltern litten. Erst im Nachhinein wird ihm klar, was vor sich ging, und er erinnert sich an Kämpfe, die nur zu „einem kleinen Verlust an Mut, als ihr Alter sich zu zeigen begann“ und zu noch mehr Traurigkeit in diesen hungrigen Augen führten. D.M.
„Okie From Muskogee” (1969)
War er aufrichtig oder satirisch? Wahrscheinlich ein bisschen von beidem. „Okie From Muskogee”, einer der am meisten missverstandenen Songs von Hag, der zusammen mit Strangers-Schlagzeuger Roy Edward Burris geschrieben wurde, wird seit seiner Veröffentlichung auf dem Höhepunkt der US-Beteiligung am Vietnamkrieg endlos diskutiert.
Begleitet von pastoraler Akustikgitarre und einigen seiner ehrfürchtigsten Gesangspassagen, schwärmte er romantisch von den Werten der amerikanischen Kleinstadt, wo „wir unsere Haare nicht lang und zottelig wachsen lassen, wie es die Hippies in San Francisco tun”. (Angesichts seiner heutigen offenen Vorliebe dafür wirkt seine Anti-Marihuana-Haltung im Nachhinein ziemlich komisch.) Haggard hat gesagt, dass der Song seine Hommage an die Truppen sei, und er beendet immer noch die meisten seiner Konzerte damit. J.R.
„White Line Fever“ (1969)
Lassen Sie sich vom Titel nicht täuschen, dieser reduzierte Track – der auf dem bahnbrechenden Live-Album Okie From Muskogee erschien – handelt nicht von dem Dämon Kokain, sondern von den weißen Linien der Autobahn und der Faszination und Monotonie der Menschen, die sich dazu getrieben sehen, diesen Weg einzuschlagen.
Der Erzähler könnte ein Fernfahrer, ein rastloser Nomade oder ein müder Country-Superstar sein, der auf die unter seinen Rädern vorbeirauschende Straße blickt, während das gleichmäßige Tempo und der langgezogene Gesang die hypnotisierende Aussicht auf die vorbeifliegenden Linien auf dem Asphalt widerspiegeln. Als Songwriter fühlte sich Haggard oft zu Themen wie Altern und Sterblichkeit hingezogen, und hier war er erst Anfang dreißig, als er sang: „Die Falten auf meiner Stirn / Zeigen die Meilen, die ich hinter mir habe / Sie erinnern mich weiterhin daran, wie schnell ich alt werde / Ich schätze, ich werde mit diesem Fieber in meiner Seele sterben.“ S.R.
„The Fightin’ Side of Me“ (1970)
Nur vier Monate nachdem „Okie From Muskogee“ Haggard als Sprecher des konservativen Kleinstadt-Amerikas etabliert hatte, legte er mit dieser „Love-it-or-leave-it“-Herausforderung an diejenigen, die „auf den Kriegen herumreiten, die wir führen, und darüber jammern, wie die Dinge sein sollten“, noch einmal nach.
Und genau wie „Okie“ schoss „The Fightin‘ Side of Me“ direkt auf Platz eins der Country-Charts. Das Schmunzeln in seiner Stimme lässt vermuten, dass Haggard ein Mann ist, der hin und wieder gerne eine Kneipenschlägerei genießt. Aber selbst inmitten eines so offensichtlichen Aufrufs zu den Waffen ist Haggard klug genug, um die gegenteilige Meinung zu verstehen: „Und es macht mir nichts aus, wenn sie die Seiten wechseln/und für Dinge einstehen, an die sie glauben.“ Nur geh nicht, wie er warnt, und mach sein Land schlecht, Mann. D.M.
„If We Make It Through December“ (1973)
Diese wehmütige Ode an die Flucht in ein wärmeres Klima und vielleicht ein besseres Leben war einer von Haggards größten Hits und ein beliebtes Cover für alle, von Alan Jackson bis Joey + Rory. Obwohl es sich nicht um ein Weihnachtslied im eigentlichen Sinne handelt , wurde es ursprünglich auf seinem Album „Christmas Present“ veröffentlicht und Jahre später für sein Weihnachtsalbum mit Willie Nelson, „Pancho, Lefty and Rudolph“, wiederbelebt.
Es bezieht sich auf die Feiertage, als ein Vater sich bei seiner Tochter entschuldigt, dass es keine Geschenke und keine Dekoration geben wird. Warum? Daddy wurde in der Fabrik entlassen. Vielleicht ist das unpassend fröhliche Tempo die Art und Weise des Erzählers, seine Tochter und sich selbst davon zu überzeugen, dass es ihnen gut gehen wird, wenn sie diesen grausamen Monat überstehen. S.R.
„Things Aren’t Funny Anymore” (1974)
„Things Aren’t Funny Anymore” wurde im Februar 1974 veröffentlicht und zeigte die weichere Seite des raubeinigen Sängers. Als Vorlage diente seine zerbrechende zweite Ehe mit Bonnie Owens. zeigte „Things Aren’t Funny Anymore“, veröffentlicht im Februar 1974, die weichere Seite des raubeinigen Sängers.
Mit seiner zerbrechenden zweiten Ehe mit Bonnie Owens als Vorlage lässt Haggard seinen Schmerz wirklich durchscheinen, wenn er singt: „Es scheint, als hätten wir den Weg zu all den guten Zeiten verloren, die wir früher hatten/Ja, wir haben viel gelacht/Die Dinge sind nicht mehr lustig.“ Zwei Geigen spielen den Instrumentalteil wie ein gebrochenes Herz, das sich nach der Ungewissheit der Liebe sehnt, in einer Geschichte, die so alt ist wie die Zeit selbst – eine Geschichte, die auch Fans außerhalb von Haggards Blue-Collar-Country-Publikum ansprach. E.M.
