Roger Daltrey über seine Solotour, die Zukunft der Who, den Schlagzeuger-Wechsel und zerschmetterte Gitarren

Roger Daltrey hat für seine bevorstehende Solotur mehr Konzertdaten gebucht, als er im vergangenen Jahr auf der nordamerikanischen Abschiedstournee der Who gespielt hat. Dass der 82-Jährige überhaupt noch mehr will, klingt unwahrscheinlich – doch wie er am Telefon erklärt, ist das Solotouren für ihn schlicht ein „leichteres Unterfangen“ als der Frontmann der Who zu sein. „Zermürbend“ – das ist das Wort, das Daltrey für Who-Tourneen verwendet, weil sie so fordernd sind. Aber der Ton, in dem er es sagt, mit einer Mischung aus Entschlossenheit und echter Überzeugung, lässt keinen Zweifel: Er würde trotzdem touren – wo immer und wann immer er kann, solange sein Körper mitmacht.

„The Who trägt ein enormes Erbe auf den Schultern“, sagt Daltrey. „Ob das nun mentaler Druck ist oder was auch immer – es ist harte Arbeit. Und die Who sind so viel lauter als die Band, mit der ich alleine spiele, dass es körperlich erschöpfend ist.“

Er fügt hinzu: „Mit meiner Soloband kann ich problemlos zwei Shows hintereinander spielen. Bei den Who ist das nur möglich, wenn ich nach der zweiten Show drei Tage Pause habe, weil es die Stimme so viel kostet. Ich muss viel härter ran, um über den Lärm der Who hinwegzukommen. Pete [Townshend] ist ein unglaublich lauter Gitarrist. Ich liebe, was er spielt, und ich liebe es laut – aber es kostet die Stimme erheblich mehr Kraft, sich da durchzusetzen.“

Solokarriere als Befreiung

Daltreys Solokarriere begann hauptsächlich als Zeitvertreib, während Townshend Anfang der Siebziger das nächste Who-Album schrieb – doch in den folgenden Jahrzehnten trat der Sänger kaum ohne Townshend auf. In den vergangenen 20 Jahren nahm er das Leben außerhalb der Who wieder ernster, ab 2018 mit der Veröffentlichung des R&B-lastigen Albums „As Long as I Have You“ deutlich intensiver. Seitdem hat er mehrere Konzertserien mit einer Band absolviert, die aus mehreren Who-Tourmusikern besteht – darunter Petes Gitarristen-Bruder Simon Townshend –, die 90-minütige Sets mit Who-Klassikern, Coversongs und Daltreys eigenen Hits spielen, oft in neuen musikalischen Arrangements. Bei „Won’t Get Fooled Again“ etwa verzichten sie auf den Synthesizer und bauen stattdessen ein Mundharmonika-Solo ein.

„Es ist einfach eine völlig andere Welt, und ich kann Bereiche meiner Stimme erkunden, die ich bei den Who nie einsetzen kann“, sagt er. „Meine Stimme ist etwas, das ich nutzen sollte, solange ich sie habe. Im Moment ist sie wahrscheinlich besser als je zuvor in meinem Leben. Es ist erstaunlich. Ich singe die Songs noch in denselben Tonarten – ich treffe die Noten einfach leichter.“

An Rente denkt er nicht, und er betont, dass die Who auch noch nicht ganz am Ende sind: Abschiedstourneen auf anderen Kontinenten stehen noch aus, die voraussichtlich nächstes Jahr beginnen werden. Außerdem, so sagt er, werden die Who – die gerade ein orchestrales Livealbum, „Live at Eden Project“, am 28. Mai veröffentlichen – bei passender Gelegenheit auch Einzelkonzerte spielen. Bis er und Townshend die Who-Geschichte offiziell abschließen, will er auf eigene Faust weitermachen. „Für die Who ist das Touren vorbei, aber für meine Solokarriere glaube ich, dass noch eine letzte richtig gute Tour in mir steckt“, sagt er.

Die Solokarriere ernst nehmen

Wie wichtig war das Touren als Solokünstler für Sie? In den Siebzigern und Achtzigern, als Sie regelmäßig Soloalben veröffentlichten, waren Sie kaum auf Tour.
Ehrlich gesagt habe ich meine Solokarriere nie wirklich ernst genommen. Es war immer ein Hobby. Das einzige Album, das ich wirklich ernst genommen habe, war das allererste, das ich aufgenommen habe – weil ich dieses Songwriting-Duo Leo Sayer und Dave Courtney entdeckt hatte. Die beiden suchten nach Platten- und Verlagsverträgen, und ich sagte ihnen halb im Scherz: „Schreibt mir einen Haufen Songs, und ich mache ein Soloalbum.“ Aber auch das entstand zu einer Zeit, als Pete sich gerade zurückzog, um „Quadrophenia“ zu schreiben. Es war also einfach etwas, um die freie Zeit zu füllen – ich habe es wirklich überhaupt nicht ernst genommen.

Und „McVicar“, Ihr größter Soloerfolg in den USA?
„McVicar“ entstand, weil ich einen Soundtrack für einen Film brauchte, den ich machen wollte. Die Geldgeber des Films bestanden darauf, dass ich einen Soundtrack beisteuere, und ich musste ihn singen – das war also wieder aus den falschen Gründen entstanden. Aber es gibt großartige Songs darauf, und es hat meine Stimme auch in Form gehalten.

Stimmen sind sehr seltsame Dinge. Man muss sie im Einsatz halten, damit sie gut bleiben. Ich sage immer: „Use it or you lose it.“ Aber man kann es auch übertreiben, und wenn Leute das tun, wünschte ich, sie würden einfach die Klappe halten – und es gibt ein paar da draußen, die das wirklich sollten.

Stimme und Gesundheit

Warum glauben Sie, dass Ihre Stimme sich so gut gehalten hat?
Das weiß ich wirklich nicht. Ich hatte Glück. Vor etwa 12, 13 Jahren wurde bei mir eine Vorstufe von Krebs festgestellt, und ich fand zum Glück einen genialen Stimmarzt. Er hat meine Stimmbänder behandelt, und seitdem hatte ich keine Probleme mehr. Ich kann immer noch ein hohes D treffen, das höher ist als Pavarotti beim Schluss von „Nessun Dorma“ in voller Stimme. Das ist wirklich außergewöhnlich.

Im Netz behaupten manche, Sie würden den Schrei in „Won’t Get Fooled Again“ nicht mehr wirklich selbst singen – der sei vom Band. Stimmt das?
Nein, das kann ich immer noch. [Die Bühnencrew] setzt vielleicht einen Soundeffekt ein, um der Stimme etwas mehr Wumms zu geben. Ich weiß nicht, was die da vorne machen – ich mache einfach meines auf der Bühne. Ich gehe ziemlich oft ins Falsett, besonders ganz am Ende. Es geht hoch. [Singt die Note aus „Won’t Get Fooled Again“.] Da oben. Wirklich hoch, und es ist Falsett – aber nein, das bin ich. Soll ich es Ihnen jetzt vorführen? Das einzige Problem ist, dass es so verdammt laut ist, dass es das Telefon sprengen würde.

Wie fühlen Sie sich heutzutage generell auf der Bühne?
Es fühlt sich an wie das, was ich tue. Ich denke nicht groß darüber nach. Ich gehe einfach raus und habe eine gute Zeit. Und ich denke: Wenn ich eine gute Zeit habe, hat hoffentlich auch das Publikum eine gute Zeit. Und wenn ich an dem Abend schlecht bin, gebe ich das zu: „Ich bin schlecht.“

Das Livealbum vom Eden Project

Die Who veröffentlichen bald ein Livealbum, „Live at Eden Project“. Das war ein Konzert in London mit Orchester vor rund 6.000 Zuschauern. Was hat diesen Abend für ein Livealbum würdig gemacht?
Es war ganz am Ende einer Tour. Wir haben es als Extra dazugepackt, weil ich ein Video von Brian Wilson gesehen hatte, der dort sang – es sah fantastisch aus. Der Ort wirkte einfach wunderbar. Ich dachte, wir könnten vielleicht ein Video rausbekommen, also haben wir es aufgenommen. Ich sagte unserem Management: „Hört euch diesen Abend an, denn das war eine ganz besondere Nacht auf der Bühne und könnte ein gutes Video ergeben.“ Als ich das Video sah, war es eine verdammte Katastrophe. Es gab keine einzige Einstellung von Pete beim Gitarrespielen, auf der man seine Hände sehen konnte. Ich glaube, wir hatten an dem Abend ein Team von Pavianen an den Kameras, denn es war so schlecht gefilmt. Unbrauchbar – aber der Soundtrack ist großartig.

Pete hat an dem Abend besonders gut gespielt. Ich glaube, vielleicht weil er vor all seinen Segelfreunden stand. Es war in Cornwall, und all die Kumpels, mit denen er segeln geht, waren da unten – da wollte er sich wohl keine Blöße geben. [Lacht.] Und das Orchester gibt alles. Also dachten wir: „Na gut, dann bringen wir es als Album raus.“ Ich finde all diese Aufnahmen interessant, weil man die Entwicklung hören kann – und Orchester sind wie Bands: Manche Abende sind fabelhaft, andere nicht ganz so. Aber das war ein fabelhafter Abend.

Die orchestralen Arrangements heben einige der „Tommy“-Songs und „Love Reign O’er Me“ auf ein neues Level. Das haben Sie sicher auch gespürt.
Ich liebte es mit dem Orchester, aber ich mag es genauso gut auf die andere Weise. Es war etwas, das ich immer machen wollte, weil ich Petes Musik schon immer in klassischer Form gehört habe – sie eignet sich einfach für Orchestrierung und die Harmonik. Ich mag es mit Orchester, und ich mag es trotzdem ohne.

Zak Starkey und der Schlagzeuger-Wechsel

Diese Tour hat mir das Gefühl gegeben, dass ich nicht falsch lag – damals 1994, an meinem 50. Geburtstag, als ich die Carnegie Hall mit einem Orchester bespielt habe. Ich war nicht auf dem falschen Weg; es war einfach zu früh für die Who, das zu tun.

Der Schlagzeuger der Who beim Eden-Project-Konzert war Zak Starkey, der die Band letztes Jahr verlassen hat. Was ist da passiert?
Nichts ist passiert. Wir haben beschlossen, den Schlagzeuger zu wechseln, das ist alles. Und Zak brauchte aus persönlichen Gründen eine Auszeit.

Er hat das in der Presse zu einer großen Sache gemacht, was den Eindruck erweckte, dass etwas vorgefallen sei.
Ja, nun, er mochte die Auszeit nicht – aber er brauchte sie.

Haben Sie seitdem mit ihm gesprochen?
Ja. Oh ja, ich rede ständig mit ihm, natürlich.

Ist das Verhältnis jetzt besser zwischen Ihnen?
Wie bitte? Hören Sie auf zu bohren. [Lacht.]

Aufhören zu bohren? Es ist eine merkwürdige Sache.
Rufen Sie ihn an. Fragen Sie ihn.

Er hat seine Version erzählt. Deshalb dachte ich, Sie würden Ihre Seite darlegen wollen.
Mir wurde vorgeworfen, ihn rausgeworfen zu haben – aber das habe ich nicht. Ich war derjenige, der sich Sorgen machte, dass Zak eine Auszeit brauchte. Aber die eigentliche Entscheidung, ihn auf dieser Tour nicht dabei zu haben, wurde nicht von mir getroffen.

Es wirkte so, als wären Sie zum Bösewicht der Geschichte gemacht worden.
Das stört mich nicht. Ich mache mir nie etwas daraus, der Bösewicht zu sein. Sollen sie mich doch angreifen. [Lacht.]

Keith-Moon-Biopic und neue Musik

Wer hat denn die Entscheidung getroffen, ihn zu feuern?
Das geht niemanden etwas an. Zak brauchte eine Auszeit und hat sie bekommen.

Scott Devours aus Ihrer Soloband ist dann als Schlagzeuger zu den Who gestoßen. Wie hat er sich eingefügt?
Ich hatte die Idee unterstützt, Scott als Schlagzeuger zu nehmen – war aber auch offen für jeden anderen Drummer.

Apropos Schlagzeuger: Was ist mit dem Keith-Moon-Biopic?
Wir arbeiten gerade am Drehbuch des Regisseurs und hoffen, vor Ende Juli grünes Licht zu bekommen. Einen Film auf die Beine zu stellen – besonders ein Biopic –, ohne in all die klischeehaften Fallen zu tappen, ist keine leichte Aufgabe, und ich will, dass das hier stimmt. Ich bekomme nur eine Chance, und ich will sichergehen, dass es gut gemacht wird. Ich hätte lieber, dass er nie rauskommt, als dass er rauskommt und ein schlechter Film ist.

Pete hat angeblich einen Großteil der Rechte an seiner Musik verkauft, wie viele andere Musiker zuletzt auch. Was halten Sie davon?
Ich weiß nicht. Es ist einfach sein gutes Recht, das zu verkaufen. Ich tue Dinge nicht aus denselben Gründen. Solange ich genug Geld habe, um die Miete zu zahlen, meinen Hof am Laufen zu halten und meine Mitarbeiter zu bezahlen, ist mir alles andere egal. Ich will das Familiensilber nicht verscherbeln.

Haben Sie und Pete über ein neues Who-Album gesprochen?
Ich würde gerne noch ein Album machen, aber ich weiß nicht, ob es möglich sein wird. Ich würde ein Album machen wollen, bei dem wir stärker in die Arrangements eingebunden sind. Im Nachhinein – auch weil Petes Demos so gut waren – glaube ich, dass einer der größten Fehler unserer Karriere war, seine Demos zu kopieren. Ich habe oft gedacht, die Alben wären vielleicht sogar besser geworden, wenn wir offener gewesen wären und mehr erkundet hätten, anstatt zu versuchen, seine Studioarbeit zu reproduzieren. Das Einzige, was sich wirklich ändert, ist der Gesang, weil ich die Melodielinien ständig umgestalte.

Abschiedstourneen und das Erbe der Who

Wann werden Sie und Pete wieder gemeinsam für die Abschiedstourneen in England, Australien und dem Rest der Welt auftreten?
Das muss jetzt nächstes Jahr sein. In diesem Jahr wird es nichts mehr, weil Pete sich einer weiteren Knieoperation unterziehen muss, die ihn für längere Zeit außer Gefecht setzt. Und ich hatte in der Zwischenzeit selbst einige gesundheitliche Dinge zu regeln – aber wir hoffen, alles nächstes Jahr abzuschließen.

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Und das war’s dann?
Nun, wenn wir zu einem Wohltätigkeitskonzert eingeladen werden und es eine gute Sache ist, die wir unterstützen, sind wir dabei. Was ich sagen will: Wir sind nicht im Ruhestand. Wir wollen keine weitere Amerika-Tournee machen. Ich liebe Amerika. Ich liebe jeden Ort, den wir in Amerika besuchen – aber irgendwann denkt man: „Ach herrje, wir sind schon wieder in Chicago.“ Es kommt einem vor wie jede Woche, und es fängt an, sich wie ein normaler Job anzufühlen.

Jetzt, wo das Tourleben sich dem Ende nähert: Wie sehen Sie das Erbe der Who? Was haben Sie besser gemacht als alle anderen?
Wir waren einfach anders als alle anderen. Amerikaner kennen die Who aus den frühen Sechzigern kaum, aber wie der Deep-Purple-Schlagzeuger Ian Paice kürzlich in einem Magazin sagte: „The Who haben alles ins Rollen gebracht.“ Wir waren die erste Heavy-Metal-Band. Jim Marshall hat das 4×12-Lautsprechercabinet, den 100-Watt-Stack, für Pete Townshend erfunden. Das ganze Gitarrenzertrümmern, für das Jimi Hendrix berühmt wurde – in seinem Stil –, war im Grunde von Pete Townshend abgekupfert. Und die erste Rockoper natürlich: Wir haben Rock in gewisser Weise auf ein Podest gehoben, das man auch als selbstverliebt bezeichnen könnte. Wir haben das alles vor allen anderen gemacht – aber auf lange Sicht ist das nicht das Entscheidende.

In diesem Jahr jährt sich die Veröffentlichung von „A Quick One, While He’s Away“ zum 60. Mal – die erste Minioper der Who. Fühlte sich das damals wie ein Wendepunkt für die Band an?
Alles, was wir taten, fühlte sich wie ein Wendepunkt an. Allein ins Studio zu gehen und mit etwas Neuem herauszukommen, das wir in der Tasche hatten, fühlte sich wie ein Wendepunkt an.

„Tommy“ und das Erbe der Zerstörung

Als wir die Minioper [„A Quick One“] auf der Herman’s-Hermits-Tour spielten und die Chance hatten, zehn Minuten Musik am Stück zu spielen, die eine kurze Geschichte ergaben, fühlte sich das wirklich wie ein Durchbruch an. Ich pflegte mich vorne auf die Bühnenkante zu setzen, um den Teil zu singen über „Her man’s been gone for almost a year“, und nach diesem Stück, nach diesem „You are forgiven, you are forgiven“ – das klang wie ein Haufen verdammter Chorknaben – dann aufzustehen, unsere Ausrüstung zu zerschmettern und die Anlage vor diesem kreischenden Haufen 12- bis 15-jähriger Mädchen in die Luft zu jagen. Die sahen mit Entsetzen zu, aber auch mit einer Art wunderbarer Aufregung.

Als Pete Ihnen das zum ersten Mal präsentierte, die Texte und die Geschichte – was haben Sie davon gehalten?
Alles wurde mit einem Augenzwinkern gemacht. „Tommy“ war genauso. Es wurde nicht als Oper geschrieben; es war eine Sammlung von Songs. [Who-Manager] Kit Lambert wollte uns immer dazu bringen, eine Premiere zu setzen, aber „Tommy“ war nicht von Anfang an als Oper konzipiert, und Pete hat nicht alles von „Tommy“ geschrieben. John Entwistle schrieb „Cousin Kevin“. Keith Moon hat „Uncle Ernie“ beigesteuert. Es ist also eine dieser Sachen, die in der Geschichte verloren gehen: Wir hatten zwar den Ehrgeiz, so etwas zu tun, aber wir wussten erst, dass wir es geschaffen hatten, als es in den Plattenläden stand und zum Erfolg geworden war.

Wann hat es sich für Sie wie eine Oper angefühlt?
Es fühlte sich wie eine Oper an, nachdem wir es live gespielt hatten, und ich dachte: „Das ist die beste verdammte Oper, die je geschrieben wurde.“

Wirklich?
Nein, wirklich. Ich glaube das aufrichtig, denn ich war in der großen Oper, und ich liebe sie. Man kann nicht leugnen, dass einige der Melodien und Orchestrierungen fabelhaft sind. Daran besteht kein Zweifel, und die Stimmen sind wunderschön – aber was Handlungen und Texte angeht, ist da nicht viel Substanz.

Sie glauben also nicht, dass die Who „Tommy“ als Oper jemals übertroffen haben?
Wir haben keine weitere Oper gemacht.

„Quadrophenia“?
Das ist keine Oper.

Nicht?
Das ist ein Bewusstseinsstrom – keine Oper.

Wie sehen Sie das Gitarrenzertrümmern und die Zerstörung aus den Anfangstagen heute?
Es hat mir jeden Abend das Herz gebrochen, weil ich so hart gekämpft hatte, um meine erste Gitarre zu bekommen, und weil es so schwer war, in den frühen Tagen überhaupt an Gitarren zu kommen. Sie zertrümmern zu sehen, hat immer ein bisschen wehgetan. Aber gleichzeitig erkannte ich, dass wir damit unsere Namen in die Wände der Geschichte schrieben.

Kunstakt und Vermächtnis

Ich habe das immer als eine Art künstlerisches Statement interpretiert – wie ein musikalisches Jackson-Pollock-Gemälde.
Das ist es auch. Es war etwas, das Pete an der Kunsthochschule beigebracht wurde. Er wurde unterrichtet über Gustav Metzger und die Auto-Destructive Art. Und er dachte: „Das könnte musikalisch funktionieren.“

Was mich wirklich aufgeregt hat, war, dass alle nur das Visuelle aufgegriffen haben. Was uns interessierte, war der Lärm, der dabei entstand – denn der war außergewöhnlich. Wir standen mitten im verdammten Vietnamkrieg, und wir zeigten euch musikalisch, wie es sich in einem Schützengraben unter Beschuss angehört haben könnte.

Die Leute haben das nicht so gesehen.
Ihr Journalisten nicht. Kein einziger Journalist hat das je aufgegriffen. Die Gitarre schrie wie ein geschlachtetes Tier.

Sie haben gesagt, das könnte Ihre letzte Solotur sein. Woran werden Sie merken, wann es vorbei ist?
Stimmen sind Stimmen: Sie halten nicht ewig, das ist eine Tatsache. Meine ist unglaublich kraftvoll und das ist sie immer noch. Ich habe großes Glück, sie noch zu haben – aber sie könnte genauso gut morgen versagen, und wenn das passiert, sehen wir uns im August nicht, so einfach ist das. Ich bin 82 Jahre alt, habe noch gute Energie und kann es immer noch gut rüberbringen. Mehr kann ich nicht tun. Ich kann nur mein Bestes geben, und was passiert, passiert. Wenn es mit 90 noch so ist, mache ich weiter.