14 heutige Albumklassiker, die einst floppten
Beach Boys, The Velvet Underground, The Stooges, The Monkees. Bands und 14 heutige Albumklassiker, die einst floppten
14 heutige Albumklassiker, die einst floppten
Jahrzehnte später sind sich die meisten einig, dass das orchestrale Pop-Meisterwerk „Pet Sounds“ der Beach Boys ein unangreifbarer Klassiker ist. Das konnte man dem kaufenden Publikum im Jahr 1966 jedoch nicht sagen. Hier sind 14 großartige Alben, die eine Weile brauchten, um ihr Vermächtnis aufzubauen.
Beach Boys, „Pet Sounds“ (1966)
Beach-Boys-Fans, die eine unbeschwerte Hymne auf Autos, Mädchen und Surfen in präzisen, typisch amerikanischen Harmonien erwarteten, wären von den komplexen, impressionistischen Orchester-Pop-Arrangements, die Brian Wilson ihnen hier präsentierte, wahrscheinlich überrascht gewesen.
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Obwohl das psychedelische „Sloop John B“ und das verträumte „Wouldn’t It Be Nice“ beide Top-10-Hits waren, war Pet Sounds die LP der Gruppe mit den wenigsten Chartplatzierungen mit Originalmaterial seit ihrem Debüt Surfin‘ Safari von 1962. Wie der Kritiker Dave Marsh es ausdrückte: „Pet Sounds war kein kommerzieller Flop. Aber es signalisierte, dass die Gruppe den Kontakt zu ihren Zuhörern verlor.“ Aber Wilsons Kollegen hörten zu. Und auch jüngere Künstler würden es tun. Die Innovationen von Pet Sounds würden im Art-Rock der Siebziger und im Indie-Pop der Neunziger widerhallen.
The Velvet Underground and Nico, „The Velvet Underground and Nico“ (1967)
Als die gefeierte New Yorker Band The Velvet Underground im März 1967 ihr lange erwartetes Debütalbum veröffentlichte, hatten sie sich mit ihrem coolen und unkonventionellen Rockstil aus Downtown bereits eine gewisse Berühmtheit erworben. In einer Anzeige in der Village Voice, die um die Veröffentlichung des Albums herum erschien, hieß es, dass es „so underground ist, dass man davon einen Knick in der Optik bekommt“.
Aber The Velvet Underground & Nico wurde von der Öffentlichkeit zunächst kaum wahrgenommen. Obwohl das abziehbare Cover des Albums den Verbrauchern eine praktische Möglichkeit bot, ein Original von Andy Warhol in die Hände zu bekommen. Wie Richie Unterberger in seiner Geschichte der Band, White Light/White Heat, feststellt, verkaufte das Label der Band, Verve, das Album nur zögerlich. Und das kommerzielle Radio hatte noch keinen Platz für so bahnbrechende Acts. Das Album Velvet Underground & Nico schaffte es im Mai 1967 auf Platz 199 der Billboard 200 und erreichte Platz 195.
Im Herbst desselben Jahres stieg es erneut in die Albumcharts ein. Und rutschte in den unteren Rängen umher. Bis es von Verve aufgrund einer Klage des widerwilligen Backcover-Motivs Eric Emerson zurückgerufen wurde. Die schlechte Aufnahme führte zumindest zu diesem berüchtigten Zitat aus einem Interview mit Brian Eno aus dem Jahr 1982 in Musician: „Ich habe mich neulich mit Lou Reed unterhalten. Er sagte, dass sich die erste Velvet-Underground-Platte in den ersten fünf Jahren 30.000 Mal verkauft hat. Die Verkaufszahlen sind in den letzten Jahren gestiegen. Aber ich meine, diese Platte war für so viele Menschen eine so wichtige Platte. Ich glaube, jeder, der eine dieser 30.000 Kopien gekauft hat, hat eine Band gegründet!“
Love, „Forever Changes“ (1967)
Die spannungsgeladene Interpretation von Psychedelia dieser Band aus Los Angeles fand bei ihrer Erstveröffentlichung im Jahr 1967 nicht viele Abnehmer. Die Reibung zwischen den prächtigen, verzierten Texturen und den etwas paranoiden Texten des Frontmanns und Songwriters Arthur Lee – inspiriert von der zwielichtigen Seite des Summer of Love sowie von internen Spannungen innerhalb der Band – machte es zu einem schwierigen Verkaufsschlager. Trotz einiger relativ positiver Kritiken und der Tatsache, dass das Plattenlabel der Band, Elektra, eine Plakatwand am Sunset Strip anmietete. Später wurde Forever Changes sowohl für seine Voraussicht als auch für seine Komplexität gefeiert. Wobei Lee das Album nach seiner Entlassung aus einer fünfeinhalbjährigen Haftstrafe auf die Bühne brachte.
The Byrds, „Sweetheart of the Rodeo“ (1968)
Die Erwartungen an die Veröffentlichung der Byrds waren hoch, nachdem The Byrds‘ Greatest Hits 1967 in den Top 10 gelandet war. Doch das ambitionierte Album The Notorious Byrd Brothers vom Januar 1968 erreichte nur Platz 47 der Billboard-Albumcharts. Während sein Nachfolger Sweetheart of the Rodeo im August auf Platz 77 landete.
Mit Sweetheart spielte jedoch zum ersten Mal eine etablierte Rockband authentische Countrymusik. Und das Album wurde in der Folge zur einflussreichsten Veröffentlichung der Gruppe. Sweetheart diente auch als Schlachtfeld für die konkurrierende, umfassendere Americana-Vision von Roger McGuinn (der den Großteil der Gesangsparts übernahm). Aber auch für die des reinen Country-Anhängers Gram Parsons (der die einzigen beiden Originalstücke des Albums beisteuerte). Umrahmt von zwei Songs von Bob Dylan (Nashville Skyline folgte bald darauf) löste Sweetheart die Gründung der Flying Burrito Brothers aus. Und bietet die nackten Schultern, auf denen praktisch jede nachfolgende Alternative-Country-Bemühung steht.
The Kinks, „The Kinks Are the Village Green Preservation Society“ (1968)
Obwohl es von Pete Townshend als „Meisterwerk“ gepriesen wurde, das mit Sgt. Pepper’s vergleichbar sei, verkaufte sich Ray Davies‘ nostalgische Betrachtung des ländlichen britischen Lebens bei seiner Veröffentlichung nur etwa 100.000 Mal. Und schaffte es nicht in die Charts. Die Hit-Maschine der Kinks hatte sich mit Something Else aus dem Jahr 1967 auf ein Schneckentempo verlangsamt. Davies folgte seiner perfektionistischen Glückseligkeit in das, was er den „Haustiertraum“ seines thematisch verknüpften Nachfolgers nannte. Mit einem stärkeren Gefühl von Angst und geistigem Chaos, das Village Green-Titel wie „Animal Farm“ und „Big Sky“ heimsucht.
Trotz seiner anfänglichen Unbekanntheit (es wurde am selben Tag wie das White Album der Beatles veröffentlicht) entwickelte sich Village Green zum meistverkauften Nicht-Compilation-Album der Kinks. Was zumindest teilweise auf die Aufnahme von „Picture Book“ in einem Werbespot für HP Digital Photography zurückzuführen ist.
The Monkees, „Head“ (1968)
Die Monkees behaupteten, sie seien die unwissenden Schachfiguren des Regisseurs Bob Rafelson und des Drehbuchautors Jack Nicholson gewesen. Sie parodierten in Head ihre eigene beliebte TV-Parodie. Einen lustigen, trippigen Kunstfilm, der etwa 2 Prozent seiner Kosten wieder einspielte.
Auch der künstlerische und ausgefallene Soundtrack von Head stieß auf kommerzielles Unverständnis. Während The Birds, the Bees & the Monkees, das früher im Jahr 1968 veröffentlicht wurde, auf Platz drei landete, erreichte Head Platz 45. Das Album enthält sechs der besten Auftritte der Band. Carol King und Gerry Goffins „Porpoise Song“ und Michael Nesmiths „Circle Sky“ sind besonders großartig. Mit Ausschnitten aus Dialogen und Soundeffekten aus dem Film. Leon Russell, Neil Young und Ry Cooder halfen im Studio aus. Aber das war zu viel für Peter Tork, der die Band vor der Veröffentlichung des Albums verließ.
The Stooges, „The Stooges“ (1969)
The Stooges war zu seiner Zeit ein kommerzieller Misserfolg. Mit einem Höchststand auf Platz 106. Irgendwann würden wir anderen die visionäre Stoner-Fangemeinde der Stooges einholen. Und uns für die Art und Weise begeistern, wie Ron Asheton sich in betäubende Wah-Wah-Wellen hüllt. Und wie Bruder Scott auf seinem Schlagzeug trommelt. Als wäre er auf einem Planeten mit der doppelten Anziehungskraft der Erde gestrandet. Die Art und Weise, wie Iggy Pop sich durch diese Stampfer und Klagelieder knurrt und kreischt, gleichzeitig wild und vergeistigt, ist wahrscheinlich etwas, das niemand von uns jemals wirklich erreichen kann.
Big Star, „#1 Record“ (1972)
Sowohl der Bandname Big Star als auch der Albumtitel #1 Record haben im Laufe der langen Lebensdauer der LP als Kultklassiker eine ironische, selbstironische Note angenommen. Aber angesichts des Teenagerruhms von Alex Chilton als Sänger des Nr.-1-Hits „The Letter“ der Box Tops gab es 1972 gute Gründe zu glauben, dass seine neue Band, deren Label Ardent vom Soul-Powerhouse Stax Records vertrieben wurde, eine glänzende Zukunft vor sich hatte.
Doch während der hausbackene Sound und die eindringlichen Melodien von #1 Record positive Kritiken von der Presse erhielten, hatte Big Star Schwierigkeiten, auf Tour zu gehen. Oder im Radio gespielt zu werden. Es wurden nur wenige Exemplare in den Regalen der Plattenläden gelagert. Nach dem Ausstieg von Gründungsmitglied Chris Bell nahm Chilton noch zwei weitere Big-Star-Alben auf, bevor er die Gruppe aufgab. Und solo weitermachte. Die Legende der Band wuchs jedoch, als sie zu einem zentralen Einfluss des Power-Pop-Genres wurde. Ende der Neunziger war ein neu formiertes Big Star eine beliebte Tour-Attraktion. „Thirteen“ war ein beliebtes Cover unter Indie-Bands. Und „In the Street“ war der Titelsong von That ’70s Show.
New York Dolls, „New York Dolls“ (1973)
Selbst wenn sie nicht von der schmuddeligen Drag-Queen auf dem Cover abgeschreckt wurden, waren amerikanische Kids, die auf harten Rock wie Sabbath oder Aerosmith standen, auf keinen Fall bereit für diesen rücksichtslosen, nutzlosen Lärm. David Johansen heulte, schmollte und schnurrte wie das Kind von Mick Jagger und Shangri-La. Johnny Thunders‘ Gitarre verwandelte Chuck-Berry-Riffs in einen rostigen Fleischwolf. Und das Ganze ratterte mit der ruckartigen Hingabe des Coney Island Cyclone vorwärts.
Die Leser von Creem setzten die Dolls Ende 1973 sowohl auf ihre Liste der „Besten neuen Gruppe“. Als auch auf ihre Liste der „Schlechtesten neuen Gruppe“. Selbst Kritiker, die sie liebten, waren der Meinung, dass Produzent Todd Rundgren zu sehr an ihrem Sound herumbastelte. Die New York Dolls schossen in der Billboard-Liste bis auf Platz 116. Kaum jemand erkannte, dass es sich hierbei um einen Klassiker handelte. Bis der Punkrock bewies, dass es sich um einen solchen handeln musste.
Ramones, „Ramones“ (1976)
Das Debütalbum der ersten „Punk-Familie“ aus Queens kam kurz nach dem Hype einer Gruppe von New Yorker Autoren auf den Markt, die die Band im CBGB gesehen hatten. Und die von ihren straffen Kompositionen und ihrer knurrenden Bühnenpräsenz begeistert waren. „Vier wirklich angepisste Typen in schwarzen Lederjacken“, erinnerte sich Legs McNeil in seiner Punk-Oral-History „Please Kill Me“.
Aber die brutal reduzierte Ästhetik des New Yorker Punks passte überhaupt nicht zum pompöseren Rockgeschmack der Zeit. Ramones, das zwei Monate nach der einwöchigen Aufnahmesession der Band erschien, verkaufte sich im ersten Jahr seiner kommerziellen Verfügbarkeit in den Vereinigten Staaten nur 6.000 Mal. Im Jahr 2014, 38 Jahre nach seiner Veröffentlichung, wurde es mit Gold ausgezeichnet.
Marvin Gaye, „Here, My Dear“ (1978)
Während eines erbitterten zweijährigen Scheidungsverfahrens stimmte Marvin Gaye zu, dass seine Ex-Frau Anna Gordy einen Teil der Tantiemen aus seinem nächsten Album erhalten würde. Und so wurde Gordy zur Muse von Here, My Dear. Einem nachdenklichen Doppelalbum, das in Liedern wie „When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You“ jede hässliche Emotion katalogisierte, die Gaye am Ende seiner zehnjährigen Ehe durchlebte.
Das Album erhielt damals mittelmäßige Kritiken. Die Öffentlichkeit wusste nicht, was sie davon halten sollte, dass eines der größten Sexsymbole des R&B verbittert und mit gebrochenem Herzen war. Here, My Dear erreichte nur Platz 26 der Billboard 200, nachdem seine letzten beiden Studioalben in die Top 5 gekommen waren.
Die Single „A Funky Space Reincarnation“ verpasste die Hot 100 nur ein Jahr, nachdem „Got to Give It Up“ die Charts angeführt hatte. Obwohl einige dachten, er hätte ein unkommerzielles Album gemacht, um der Ex eins auszuwischen, die davon profitieren würde, war Gaye Berichten zufolge von der schlechten Aufnahme der Platte enttäuscht.
Nach einer Neuauflage im Jahr 1994 wurde das Album jedoch positiv neu bewertet. Und tauchte bald darauf auf den Listen der besten Alben aller Zeiten von Rolling Stone, Mojo und anderen auf. Und Gayes Studio in L.A., Marvin’s Room, in dem das Album aufgenommen wurde, ist zu einem Ort geworden, an dem andere Stars zu viel von sich preisgeben. Darunter Drake in seinem Hit „Marvins Room“ aus dem Jahr 2011.
Fleetwood Mac, „Tusk“ (1979)
Die Aufnahme des Nachfolgers des äußerst erfolgreichen Albums Rumours von Fleetwood Mac auf Doppelvinyl kostete eine Million Dollar. Und war damit die bis dato teuerste Rockproduktion. Wie die kreative Speerspitze Lindsay Buckingham dem Rolling Stone verriet, war das Album „eindeutig eine Untergrabung dessen, was von uns erwartet wurde“.
Während Rumours voller sofort wirkender Tracks war, die auf Hochglanz poliert wurden, experimentierte Tusk mit einem schmuddeligeren Lo-Fi-Sound und spontanen Produktionsänderungen. Während Rumours 31 Wochen lang die Billboard 200 anführte und sich mehr als 20 Millionen Mal verkaufte, erreichte Tusk Platz vier, bevor es schließlich rund vier Millionen Mal verkauft wurde.
Die gruppeninterne emotionale Dysfunktion und die romantische Qual, die Mac auf Rumours erforschte, hielten an. Aber diesmal glich Buckingham das emotionale Chaos mit behelfsmäßiger Percussion, Proto-Punk-Gitarren und einer Stevie Nicks aus, die nie zweimal gleich klingt. Mirages beruhigender Soft Rock brachte Mac drei Jahre später wieder an die Spitze der Charts.
Beastie Boys, „Paul’s Boutique“ (1989)
„Licensed To Ill“ machte die Beastie Boys zu einem Phänomen des Frat-Pop, verkaufte sich 10 Millionen Mal und brachte Hip-Hop wie nie zuvor nach Mittelamerika. Doch als sich das Trio von Def Jam trennte und fast drei Jahre später mit einer visionären, von den Dust Brothers produzierten Samplelied wieder auftauchte, das ihre Hard-Rock-Riffs ersetzte, schien der Zeitgeist weitergezogen zu sein.
„Hey Ladies“ erreichte knapp die Top 40. Und das Album verkaufte sich zunächst nur ein paar hunderttausend Mal und erreichte Platz 14. Immer noch die niedrigste Chartplatzierung eines echten Albums in der Karriere der Band. Aber der zukunftsweisende Sound des Albums brachte ein neues Publikum hervor, als der erfolgreichere Nachfolger Check Your Head herauskam. Und der dichte Produktionsstil der Dust Brothers, der 1989 seiner Zeit zu weit voraus war, wurde durch den Erfolg von Becks Odelay im Jahr 1996 bestätigt. Kurz vor dem 10. Geburtstag des Albums im Jahr 1999 wurde Paul’s Boutique mit Doppelplatin ausgezeichnet.
Weezer, „Pinkerton“ (1996)
Die schwungvollen, aber verletzten Weezer wurden zu Alternative-Rock-Superstars, nachdem ihr augenzwinkernd zerknittertes „Buddy Holly“ zu einem festen Bestandteil von MTV wurde. Und Frontmann Rivers Cuomo sich zunächst entschied, als Reaktion darauf eine Rockoper über Ruhm zu schreiben. Dieser Plan ging nicht ganz auf. Cuomo zog nach Harvard, um klassische Komposition zu studieren. Ein Schritt, der sich weitgehend auf das Songwriting von Pinkerton auswirkte. Das düsterer und aufwühlender war und von Texten geprägt war, die sich direkt mit Cuomos persönlichen und sexuellen Frustrationen während der, wie er es nannte, „zwei sehr seltsamen Jahre“ befassten. Dies geht aus Cuomos Notiz über die Platte an seinen Fanclub hervor, in der er auch festhält, dass er „wirklich wollte, dass diese Songs eine Erkundung meiner ‚dunklen Seite‘ sind. All der Teile meiner selbst, über die ich vorher entweder Angst hatte. Oder über die nachzudenken mir peinlich war.“
Anfänglich waren die Zuhörer von dieser Reise in Cuomos tiefere Bewusstseinsschichten nicht begeistert. Die Leser des Rolling Stone wählten Pinkerton zum drittschlechtesten Album des Jahres 1996. Und obwohl das Debütalbum von Weezer etwas mehr als ein Jahr nach seiner Veröffentlichung mit Doppelplatin ausgezeichnet wurde, erhielt Pinkerton erst 2001 eine Gold-Zertifizierung.
