Heal the World: Die 20 besten Songs für einen guten Zweck
Hier sind 20 Charity-Songs, deren Interpreten Bestes gegeben haben, um die Welt zu heilen. Mit U2, George Harrison und Michael Jackson
„Musik drückt das aus, was man nicht sagen kann und worüber man nicht schweigen kann“, schrieb Victor Hugo 1864. Etwa 120 Jahre bevor Band Aid ins Leben gerufen wurde. Songs sind seit langem ein wirkungsvolles Mittel für sozialen Wandel. Sei es durch die Botschaften in ihren Texten oder als hochkarätige Benefizveranstaltungen von Prominenten. Frühe Volkslieder hatten rebellische Untertöne, die die Zuhörer zum Handeln (oder zumindest zum Festhalten an ihren Überzeugungen) aufrufen sollten. Spätere Songs von Künstlern wie Woody Guthrie und Bob Dylan waren vom Klang des Wandels durchdrungen.
Als sich die Musik von einem performativen Medium zu einem vorwiegend aufgenommenen Medium entwickelte, wurden groß produzierte Benefiz-Singles zum auffälligsten Mittel, um mit einem Song ein Zeichen zu setzen. Einige wurden sofort zu Ohrwürmern. Andere zeichnen sich durch den Gesangsstil von Jean-Claude Van Damme aus. Hey, es ist alles für einen guten Zweck.
„Bangla Desh“ von George Harrison (1971)
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Während der gemeinsamen Arbeit an dem Dokumentarfilm „Raga“ im Sommer 1971 informierte George Harrisons langjähriger Freund und Mentor Ravi Shankar den ehemaligen Beatle über eine humanitäre Krise, die sich auf der anderen Seite der Welt abspielte. Die Nation Ostpakistan (ehemals Ostbengalen) war im November zuvor von einem verheerenden Zyklon heimgesucht worden, der mehr als 300.000 Menschen das Leben gekostet hatte.
Die Untätigkeit und allgemeine Apathie der westpakistanischen Regierung lösten einen Befreiungsdrang aus. Und die Bevölkerung Ostpakistans erklärte sich zum unabhängigen Staat Bangladesch. Dies führte zu einem blutigen Krieg, in dem westpakistanische Truppen Völkermord an den Bürgern Bangladeschs verübten. Zu der Katastrophe kam hinzu, dass Flüchtlinge auf ihrem Weg in sichere Häfen im Nordosten Indiens durch heftige Regenfälle und Überschwemmungen behindert wurden. Shankar, der aus Bengalen stammte, drängte Harrison, seinen weltweiten Einfluss zu nutzen, um Hilfe zu leisten. „Ich war sehr traurig, als ich all diese Nachrichten las“, erzählte Shankar dem Rolling Stone. Ich sagte: ‘George, das ist die Lage. Ich weiß, dass dich das nicht betrifft. Weiß, dass du das unmöglich nachempfinden. kannst. Aber während ich mit George sprach, war er sehr bewegt. Er sagte: ‘Ja, ich glaube, ich kann etwas tun.’“
Erschütterndes UPI-Foto einer Mutter mit ihrem hungernden Kind
Innerhalb von sechs Wochen stellte er hastig ein Staraufgebot für zwei Benefizkonzerte im New Yorker Madison Square Garden zusammen, die für den 1. August geplant waren. Eric Clapton, Ringo Starr, Bob Dylan, Billy Preston, Leon Russell und die Band Badfinger sagten alle bereitwillig zu. Aber Harrison brauchte noch etwas mehr, um im Vorfeld für Aufsehen zu sorgen. Und Geld zu sammeln. „Ich war es leid, dass die Leute immer fragten: ‚Aber was kann ich tun?‘ Außerdem musste ich die Aufmerksamkeit auf das Thema lenken. Weil die Presse nicht bereit war, über alle Details zu berichten“, schrieb er 1979 in seinen Memoiren ‚I Me Mine‘. „Also schrieb ich den Song ‘Bangla Desh‘, um vor dem Konzert auf den Krieg aufmerksam zu machen.“
Der Anfang Juli in den Record Plant Studios in Los Angeles unter der Mitwirkung von Phil Spector aufgenommene Song beginnt mit Harrisons Einführung in die Krise („Mein Freund kam mit traurigen Augen zu mir / Und sagte mir, er brauche Hilfe, bevor sein Land stirbt“). Und ruft die Zuhörer dazu auf, „uns zu helfen, Leben zu retten“. Der Titel wurde eilig veröffentlicht und kam nur wenige Tage vor den Konzertterminen in New York in die Läden. Das auffällige Cover zeigte ein erschütterndes UPI-Foto einer Mutter mit ihrem hungernden Kind sowie Zeitungsausschnitte, die über die Gräueltaten berichteten. Und Informationen darüber, wie man für den Nothilfefonds spenden konnte.
„Er macht das nur, um nett zu sein“
Der Song war ein Highlight der „Concert for Bangladesh“-Konzerte und erreichte Platz 23 der Billboard-Charts. Zusammen mit den Ticketverkäufen und dem begleitenden Dreifach-Livealbum brachte „Bengla Desh“ Millionen für die Hilfe in Bangladesch ein. Ebenso wichtig war, dass damit ein Konzept für Rock-Charity-Singles und groß angelegte Benefizkonzerte geschaffen wurde.
„Das Concert for Bangladesh war einfach eine moralische Haltung“, sagte Harrison später. „Solche Dinge haben sich im Laufe der Jahre entwickelt. Aber was wir getan haben, hat gezeigt, dass Musiker und Menschen humaner sind als Politiker. Heute akzeptieren die Menschen das Engagement von Rockmusikern, wenn sie für einen guten Zweck auftreten. Als ich das tat, sagten sie Dinge wie: ‚Er macht das nur, um nett zu sein.’“
„Don’t Drive Drunk“ von Stevie Wonder (1984)
Stevie Wonder nutzt seine Musik seit langem für sozialen Wandel. Angefangen mit seiner schmerzlich ernsten Version von Bob Dylans „Blowin‘ in the Wind“ aus dem Jahr 1966. Die Single „Happy Birthday“ des Motown-Wunderkinds aus dem Jahr 1981 wurde zur Hymne der Kampagne, den Geburtstag von Dr. Martin Luther King zum nationalen Feiertag zu machen, und ist bis heute ein beliebter Song zum Feiern.
Das Gleiche kann man von „Don’t Drive Drunk“ nicht behaupten. Der gut gemeinte Song, einer der direktesten Aktivismus-Songs der Popmusik, war auf dem von Wonder produzierten Soundtrack zu „The Woman in Red“ zu finden. Und wurde als Kernstück einer Kampagne des US-Verkehrsministeriums verwendet. Neben einem Musikvideo und einem 30-sekündigen Fernsehspot umfasste die Kampagne auch ein Poster, das in 16.000 High Schools aufgehängt wurde und auf dem Wonders Bild über den Worten „Bevor ich mit einem Betrunkenen mitfahre, fahre ich lieber selbst“ zu sehen war.
„Do They Know It’s Christmas?“ von Band Aid (1984)
Das Zeitalter der Charity-Singles von Promi-Supergroups begann im Oktober 1984, als Bob Geldof, Sänger der Boomtown Rats, entsetzt die Bilder der sich verschlimmernden Hungersnot in Äthiopien in einer BBC-Nachrichtensendung sah. Eine Woche später, als er zufällig einen alten Freund traf, den Ultravox-Frontmann Midge Ure, der ebenso erschüttert war von dem, was er in der Reportage gesehen hatte, waren die Bilder noch immer in seinem Kopf. Die beiden beschlossen, ihre Empörung in eine neue Charity-Single zu kanalisieren.
Der Plan nahm erheblich an Umfang zu, nachdem Geldof einige Anrufe in der britischen Pop-Szene getätigt hatte. „Ich rief Sting an. Er sagte: ‚Ja, ich bin dabei.‘ Dann rief ich [Simon] Le Bon an. Er sagte sofort: ‚Sag mir das Datum und wir halten uns den Termin frei.’“, erzählte Geldof 1984 dem Magazin Melody Maker.
„Am selben Tag kam ich an einem Antiquitätenladen vorbei. Und wer stand da: Gary Kemp von [Spandau Ballet], der gerade auf Tour nach Japan gehen wollte. Er sagte, er sei auch total begeistert. Ich solle 10 Tage warten, bis sie wieder im Land seien. Da wurde mir plötzlich klar: ‚Mein Gott, wir haben die ganz Großen hier. Alle großen Namen der Popmusik sind plötzlich bereit und willens, das zu machen …‘ Da wusste ich, dass wir es schaffen würden. Und ich beschloss, alle anderen anzusprechen. Ich fing an, alle anzurufen und sie zu fragen, ob sie mitmachen würden.“
Jetzt brauchten sie einen Song. Die Aufnahme eines alten Standards hätte Lizenzgebühren gekostet, die die Einnahmen geschmälert hätten. Also adaptierten sie einen halbfertigen Song, den Geldof für die Boomtown Rats geschrieben hatte und der vorläufig den Titel „It’s My World“ trug. Nach einer weihnachtlichen Überarbeitung durch die beiden entstand „Do They Know It’s Christmas?“. Ein Song, der, wie Ure es ausdrückte, „die Herzen der Menschen berühren und ihre Geldbörsen öffnen“ sollte.
Bono, der nicht begeistert davon war, die bissige Passage „Tonight, thank God, it’s them instead of you“ singen zu müssen
Die Gruppe, die sich am 25. November 1984 in den Sarm West Studios versammelte, war eine illustre Auswahl der aktuellen britischen Chartstürmer. Die Strophen wurden von Paul Young, Boy George, George Michael, Le Bon und Bono gesungen. Der Refrain „Feed the world“ von Geldof, Ure, David Bowie, Phil Collins, Paul McCartney, Status Quo, Bananarama, Paul Weller und vielen anderen. Die Sänger hatten den Song zuvor noch nicht gehört. Und lernten ihre Parts vor Ort mit Hilfe einer von Ure vorbereiteten Demokassette. Dies führte zu einem kleinen Zwischenfall mit Bono, der nicht begeistert davon war, die bissige Passage „Tonight, thank God, it’s them instead of you“ singen zu müssen.
„Ich sagte [Geldof], dass ich diese Zeile nicht singen wolle“, erinnert sich Bono in dem Buch „U2 by U2“. „Er sagte: ‚Es geht hier nicht darum, was du willst, OK? Es geht darum, was diese Menschen brauchen.‘ Ich war zu jung, um zu sagen: ‚Es geht darum, was du willst.‘ Aber es war seine Show. Und ich war froh, dabei zu sein.“ Trotz Bonos Bedenken wurde diese Zeile zu einer von Ures Lieblingsstellen des Songs. ‚Ich hatte sie ursprünglich auf der Gesangsbegleitung eine Oktave tiefer gesungen. Er beschloss einfach, sie so zu lassen. Und es war phänomenal‘, erzählte er Songfacts im Jahr 2015. „Elektrisierend. Es war einfach sensationell.“
„Der Song war zweitrangig. Fast irrelevant“
Der Gesang wurde in einer 24-stündigen Marathon-Session aufgenommen und – erstaunlicherweise – nur wenige Tage später in den Läden unter dem Namen „Band Aid“ veröffentlicht. Dank einer massiven Werbekampagne und stündlicher Ausstrahlung im BBC-Radio schoss „Do They Know It’s Christmas?“ auf Platz eins der britischen Charts. Und blieb dort bis zum Erscheinen von Elton Johns „Candle in the Wind 1997“ die meistverkaufte Single. Der Song brachte nicht nur weltweit mehrere zehn Millionen Dollar für die Hungersnot in Äthiopien ein. Sondern legte auch den Grundstein für das Live Aid-Konzert von Geldof und Ure im folgenden Jahr.
Obwohl einige die musikalischen Mängel des Songs kritisierten, blieb Geldof unbeeindruckt. „Bitte, es ist ein Popsong. Entspannen Sie sich“, sagte er 2014 in einem Interview mit The Telegraph. „Es ist keine Doktorarbeit.“ Ure schloss sich dieser Meinung in seiner Autobiografie von 2004 an. „Eher ein Song, der nichts mit Musik zu tun hat. Es ging nur darum, Geld zu verdienen. Der Song war egal. Der Song war zweitrangig. Fast irrelevant.“
„We Are the World“ von USA for Africa (1985)
Quincy Jones gilt traditionell als der Mastermind hinter dem Höhepunkt aller Charity-Singles. Aber tatsächlich war es Harry Belafonte, der die Idee nach dem Erfolg von Band Aid’s „Do They Know It’s Christmas?“ hatte. Um ein mit Stars gespicktes Pendant für die USA zu schaffen, das die Hungersnot in Äthiopien lindern sollte, kontaktierte Belafonte den Entertainment-Manager und Mitaktivisten Ken Kragen, der seine Klienten Lionel Richie und Kenny Rogers sowie Stevie Wonder für das Projekt gewann.
Doch die Produktion eskalierte, als Jones und sein umfangreiches Netzwerk ins Spiel kamen. Er holte Michael Jackson hinzu, um gemeinsam mit Richie und Wonder den Song zu schreiben. Und die Nachricht von der Zusammenarbeit verbreitete sich schnell in den höchsten Kreisen der Musikindustrie. Als Wonder aufgrund anderer Verpflichtungen absagen musste, zogen sich die beiden Übrigen auf das Anwesen der Familie Jackson in Encino zurück, um eine Hymne zu schreiben.
Am 28. Januar 1985 trafen die größten Stars der Musikwelt in den A&M Studios in Hollywood ein
Allerdings nicht schnell genug für Jones‘ Geschmack. „[Michael] und Lionel hingen dort rum, saßen zusammen und redeten über Motown und alte Zeiten“, erinnert sich der Produzent in seinem Buch „The Complete Quincy Jones: My Journey & Passions“. „Ich sagte: ‚Meine lieben Brüder, in weniger als drei Wochen kommen 46 Stars, und wir brauchen einen verdammten Song!’“ Noch in der Nacht vor Beginn der ersten Sessions wurden die letzten Worte für ‚We Are the World‘ fertiggestellt.
Am 28. Januar 1985 trafen die größten Stars der Musikwelt in den A&M Studios in Hollywood ein. Viele von ihnen kamen direkt von den American Music Awards, die am selben Abend in der Stadt stattfanden. Da Jones sich bewusst war, dass eine Charity-Platte in Abendgarderobe das falsche Signal senden würde, drängte er auf legere Kleidung. Und gab allen Beteiligten die berühmte freundliche Warnung mit auf den Weg: „Lasst euer Ego an der Tür.“
Backgroundchor der Extraklasse
Jackson nahm seinen Part als Erster gegen 21 Uhr auf. Um 22:30 Uhr war die gesamte Session in vollem Gange. Neben Richie, Wonder, Rogers und Jackson waren unter den Solisten Paul Simon, James Ingram, Tina Turner, Billy Joel, Diana Ross, Dionne Warwick, Willie Nelson, Al Jarreau, Bruce Springsteen, Kenny Loggins, Steve Perry, Daryl Hall, Huey Lewis, Cyndi Lauper, Kim Carnes, Bob Dylan und Ray Charles. Ein 20-köpfiger Backgroundchor der Extraklasse wurde von Bette Midler, Smokey Robinson, den Pointer Sisters, LaToya Jackson, Waylon Jennings und Band Aid-Architekt Bob Geldof vervollständigt.
Obwohl die Prominenten erschienen waren, gab es im Studio dennoch einige Meinungsverschiedenheiten über den Song, den einige als etwas zu zuckersüß empfanden. „Die meisten von uns, die dabei waren, mochten den Song nicht. Aber niemand wollte das sagen“, erzählte Billy Joel 2005 dem Rolling Stone. „Ich glaube, Cyndi Lauper beugte sich zu mir herüber und sagte: ‚Das klingt wie eine Pepsi-Werbung.‘ Und ich konnte ihr nicht widersprechen.“ Prince ging sogar so weit, seine Teilnahme an dem Projekt abzulehnen, obwohl seine Gründe dafür umstritten sind. Letztendlich steuerte er einen Track zum Album bei, das die Single begleitete. Aber Huey Lewis übernahm seinen Solo-Part in „We Are the World“.
Die Sessions dauerten fast 12 Stunden. Am nächsten Morgen um 8 Uhr waren nur noch Jones und Richie im Studio. Was sie da geschaffen hatten, sollte alle Rekorde brechen. Der Song wurde am 7. März 1985 veröffentlicht und war bis dahin die am schnellsten verkaufte US-Pop-Single aller Zeiten. Innerhalb von drei Tagen nach seiner Veröffentlichung wurden 800.000 Exemplare verkauft, und schließlich verkaufte sich der Song weltweit über 20 Millionen Mal. Damit war er die meistverkaufte Single des Jahrzehnts.
„Ich kenne und glaube an die Kraft der Musik“
Insgesamt kamen über 63 Millionen Dollar für humanitäre Hilfe in Afrika und den Vereinigten Staaten zusammen. Für Jones bleibt dies ein Höhepunkt seiner gefeierten Karriere. „Da waren 46 der größten Stars der Musikwelt in einem Raum versammelt, um Menschen in einer weit entfernten Region zu helfen, die dringend Hilfe brauchten“, erinnert er sich in einem 2015 USA Today Interview. „Ich glaube nicht, dass diese Nacht, diese Erfahrung jemals wiederholt werden kann. Ich kenne und glaube an die Kraft der Musik, Menschen zum Wohle der Menschheit zusammenzubringen. Und es gibt wohl kein besseres Beispiel dafür als das Kollektiv „We Are the World“.
„Tears Are Not Enough“ von Northern Lights (1985)
Nachdem Quincy Jones „We Are the World“ fertiggestellt hatte, rief er den kanadischen Superproduzenten David Foster an. Und bat ihn, einen ähnlichen Song mit Musikern aus dem hohen Norden aufzunehmen. Jones wollte den Titel auf seinem Album „We Are the World“ veröffentlichen. Aber die Zeit drängte. Foster hatte zusammen mit seinem Manager Bruce Allen nur neun Tage Zeit, um das Projekt zu realisieren.
Allen machte sich daran, die Talente zu sichern, während Foster begann, einen Song von Paul Hyde und Bob Rock von den Payolas, einer New-Wave-Band aus Vancouver, die er zu dieser Zeit produzierte, zu adaptieren. Ausgehend von ihrem Titel „Tears Are Not Enough“ komponierte Foster seine eigene Melodie, bevor er sie an Bryan Adams und Jim Vallance für den Text weitergab. Vallances Frau, die Musikerin Rachel Paiement, steuerte einen französischen Vers bei, um dem Song einen authentischen Québécois-Flair zu verleihen.
„Das ist mein Sound, Mann“, antwortete Young.
Am 10. Februar 1985 versammelte sich eine Gruppe von über 50 der größten Entertainer Kanadas – darunter Adams, Gordon Lightfoot, Joni Mitchell, Neil Young, Geddy Lee, Anne Murray und Dan Hill – in den Manta Studios in Toronto für die Session. „Die West- und Ostküste Kanadas standen musikalisch nicht gerade auf bestem Fuß“, erzählte Foster später dem CBC. „Wir haben sie zum ersten Mal zusammengebracht.“
Ironischerweise kam Mitchell angesichts des Themas des Songs mit starken Hungerattacken aufgrund von Magenproblemen ins Studio. „Wir kommen ins Studio, und der Toningenieur sagt, er kann nicht aufnehmen, weil er ein seltsames Grollen aus meiner Richtung hört“, erzählte sie 1985 der Chicago Tribune. Das war nicht die einzige Verzögerung im Studio. Foster bat Young bekanntlich, eine Zeile noch einmal aufzunehmen. Weil er fand, dass der Godfather of Grunge etwas flach klang. „Das ist mein Sound, Mann“, antwortete Young.
Die endgültige Version von „Tears Are Not Alone“ wurde im Mai als Single veröffentlicht. Und brachte 3,1 Millionen Dollar für Hungerhilfe-Projekte und kanadische Tafeln ein.
„Sun City“ von Artists United Against Apartheid (1985)
Mit „Sun City“ nahm Steven Van Zandt sowohl die Apartheidpolitik Südafrikas als auch Künstler ins Visier, die den von der UNO verhängten Kulturboykott gegen das Land brachen, indem sie in dem titelgebenden Ferienort in Bophuthatswana auftraten. Einem nominell unabhängigen Staat, der von der segregationistischen Afrikaaner-Regierung gegründet worden war, um verarmte Schwarze unterzubringen, die gewaltsam umgesiedelt worden waren.
Kampflied für die schwächelnde Anti-Apartheid-Bewegung
Der Gitarrist reiste 1984 während seiner Trennung von der E Street Band in das Land, um mehr über die Bedingungen zu erfahren, über die die amerikanischen Medien nur Andeutungen machten. „Ich konnte damals nicht viel über Südafrika herausfinden. Ich hörte nur, dass dort Regierungsreformen durchgeführt wurden und sich die Lage verbesserte“, sagte er 2013 gegenüber dem Hollywood Reporter. „Also bin ich 1984 zweimal dorthin gereist, nur um zu recherchieren. Natürlich stellte ich fest, dass es keine wirklichen Reformen gab. Die Apartheid war nichts, was man reformieren konnte. Sie musste vollständig abgeschafft werden. Und so beschloss ich damals, mich hinzusetzen und eine Strategie zu entwickeln, wie dies erreicht werden könnte.“ Mit Hilfe des Journalisten Danny Schechter begann er, einen Song zu schreiben, der als Kampflied für die schwächelnde Anti-Apartheid-Bewegung dienen sollte.
Der Song, der kurzzeitig für sein 1987 erschienenes Soloalbum Freedom — No Compromise in Betracht gezogen wurde, entwickelte sich schnell zu einem wesentlich größeren Projekt. Zusammen mit Schechter und dem Produzenten Arthur Baker wandte sich Van Zandt an eine Reihe von Künstlern, um sie für die Aufnahme zu gewinnen. „Ich wollte vielleicht fünf oder sechs Künstler dabei haben. Dann wurden es 50“, sagte Van Zandt später. „Sun City“ wurde nach und nach in vier verschiedenen Städten aufgenommen, sobald die Künstler Zeit hatten. Und entwickelte sich schließlich zu einem sechseinhalbminütigen Epos, das Rock mit Jazz und dem aufkommenden Hip-Hop verband.
„I, I, I, I, I, I ain’t gonna play Sun City!“
‚Achtundfünfzig Stars haben sich bereit erklärt, mitzumachen. Und tatsächlich wollten noch viel mehr dabei sein, als sie davon erfahren haben‘, sagte Schechter 2013 in einem Radiointerview mit WBUR. „Es gab keine Zeilen mehr zum Singen.“ Berühmtheiten wie Bob Dylan, Bruce Springsteen, Run DMC, George Clinton, Grandmaster Melle Mel, DJ Kool Herc, Jackson Browne, Bono, Lou Reed, Pete Townshend, Keith Richards, Ringo Starr, Herbie Hancock, Miles Davis, Bonnie Raitt, Joey Ramone und Pat Benatar sagten alle ihre Teilnahme zu. Und verliehen dem trotzigen Refrain zusätzliche Kraft: „I, I, I, I, I, I ain’t gonna play Sun City!“ Es beteiligten sich so viele Künstler, dass aus dem Song ein sieben Titel umfassendes, 45-minütiges Album mit Songs von Bono und Peter Gabriel wurde.
Aufgrund seiner ungewöhnlichen Genre-Mischung und seiner Länge war es für einen Radiohit zu sperrig. Aber die Verkäufe des Projekts brachten über 1 Million Dollar für die Anti-Apartheid-Bewegung ein. Und die regelmäßige Ausstrahlung des Videos auf MTV trug dazu bei, dass die Apartheid in den Vereinigten Staaten zu einem Thema der breiten Öffentlichkeit wurde. „Es hat die gesamte Bewegung wiederbelebt, was sie zu dieser Zeit wirklich dringend nötig hatte“, erklärte Van Zandt 2013. „Mit dieser Art von Feuerkraft hatten wir diese Möglichkeit. Sie wollen dich ignorieren. Nur wenn du ihnen direkt ins Gesicht trittst und sie dich nicht ignorieren können, kannst du etwas erreichen.“
Die Apartheid-Politik in Südafrika wurde nach einer Reihe von Verhandlungen Anfang der 90er Jahre abgeschafft. Die ersten wirklich freien Wahlen, an denen alle Südafrikaner nach Jahrzehnten der Herrschaft einer weißen Minderheit teilnehmen konnten, führten zur Ernennung von Nelson Mandela zum ersten schwarzen Staatschef des Landes.
„Dancing in the Street“ von Mick Jagger und David Bowie (1985)
Dieses oft geschmähte Duett des Motown-Krachers war ursprünglich auf Wunsch von Bob Geldof als kontinentübergreifende Zusammenarbeit während der Live Aid-Übertragung 1985 geplant, bei der Jagger im John F. Kennedy Stadium in Philadelphia und Bowie im Londoner Wembley-Stadion auftreten sollten. Als sich herausstellte, dass die winzige Verzögerung der Satellitenverbindung den Gesangsaustausch unmöglich machte, wurde die Konzertidee verworfen. Und man beschloss, den Song in einem traditionellen Studio als Charity-Single aufzunehmen.
Jagger gesellte sich zu Bowie in die Abbey Road Studios, wo dieser gerade intensiv an dem Soundtrack zu „Absolute Beginners“ arbeitete. Gemeinsam vollendeten sie in vier Stunden die synthlastige Neuauflage des Martha & the Vandellas-Hits. „Wir haben es in nur zwei Takes hingekriegt“, erzählte Jagger Rolling Stone im Jahr 2007. „Es war eine interessante Übung, wie man etwas machen kann, ohne sich zu viele Gedanken zu machen.“
Alle Stilverstöße können vergeben werden, da der Song Millionen für die Hungersnot in Afrika einbrachte
Am selben Tag fuhren sie in die Londoner Docklands, um mit Regisseur David Mallet das Musikvideo zu drehen, das während der Live Aid-Übertragung zweimal gezeigt werden sollte. Es hatte eine lange Lebensdauer auf YouTube, wo die enthusiastischen Sprünge und übertriebenen Tanzbewegungen des Duos – ganz zu schweigen von Bowies Leoparden-Jumpsuit und Jaggers elektrisch grünem Hemd – dazu beitrugen, dass der Clip in der Welt der viralen Videos Berühmtheit erlangte. „Es war fantastisch 80er!“, schwärmte ROLLING STONE später. Alle Stilverstöße können vergeben werden, da der Song Millionen für die Hungersnot in Afrika einbrachte.
„That’s What Friends Are For“ von Dionne & Friends (1985)
Bevor Pop-Maestro Burt Bacharach und seine langjährige Muse Dionne Warwick wieder zusammenkamen, wurde „That’s What Friends Are For“ ursprünglich von Rod Stewart für den Soundtrack zu „Night Shift“ aufgenommen. Ron Howards Komödie aus dem Jahr 1982 über zwei Freunde, die einen eigenen Prostitutionsring betreiben. Bacharach und seine Co-Autorin und Ehefrau Carole Bayer Sager waren der Meinung, dass dieser Song ein glanzvolleres Schicksal verdient hatte als die Schlussmusik eines Films.
„Die Plattenfirma wollte ihn nicht als Single für Rod in Betracht ziehen. Weil sie ihn für zu sanft hielt“, erzählt Bayer Sager in „The Billboard Book of Number One Hits“. „Der Song geriet still und leise in Vergessenheit.“ Wie er schließlich als Charity-Hit wiederbelebt wurde, ist umstritten. Warwick sagte, sie habe den Song gehört, als sie eines Abends vor dem Fernseher eingeschlafen sei, während Bayer Sager behauptet, sie habe ihn zusammen mit einer Reihe neuer Songs vorgestellt, als sie mit den Aufnahmen zu ihrem Album „Friends“ begannen.
Millionen für AmFAR
Wie auch immer, Warwick beschloss, Stevie Wonder einzuladen, um einen Gesangspart für ein Duett aufzunehmen. Bayer Sager erschien zur Session mit der Schauspielerin Elizabeth Taylor, die damals intensiv daran beteiligt war, die AIDS-Forschungsorganisation AmFAR ins Leben zu rufen. Im Laufe ihres Gesprächs entstand die Idee für eine Benefizaktion. Elton John, der Wonder bereits 1982 gebeten hatte, in seinem Song „I Guess That’s Why They Call it the Blues“ Mundharmonika zu spielen, wurde auf Anraten von Arista-Records-Chef Clive Davis engagiert, ebenso wie Gladys Knight.
Nachdem alle Parts separat aufgenommen worden waren, arbeiteten Bayer Sager und Bacharach daran, das Stück zu einem stimmigen Ganzen zusammenzufügen. Der fertige Titel stieg innerhalb weniger Wochen nach seiner Veröffentlichung im November 1985 an die Spitze der Charts. „That’s What Friends Are For“ wurde nicht nur mit Grammys für die beste Darbietung eines Duos oder einer Gruppe und für den Song des Jahres ausgezeichnet. Sondern brachte auch Millionen für AmFAR ein. Und trug wesentlich dazu bei, das Stigma zu beseitigen, das noch immer mit der Krankheit verbunden war. „Für diejenigen, die sich nicht damit beschäftigen wollten – die nicht gesehen werden wollten, wie sie Geld spendeten oder über die Krise sprachen –, war dieser Song eine Möglichkeit, sich zu engagieren„, reflektierte Warwick später.
„Stars“ von Hear ‚N Aid (1986)
Die Dio-Bandmitglieder Jimmy Bain und Vivian Campbell nahmen an einem 48-stündigen Charity-„Radiothon“ beim L.A.-Sender KLOS teil, als ihnen etwas Erstaunliches auffiel. Sie waren praktisch die einzigen Heavy-Metal-Musiker dort. Sie erwähnten dies gegenüber ihrem Bandleader, dem mehrstimmigen Shouter und Pionier der Devil-Horn-Geste Ronnie James Dio. Gemeinsam schmiedeten sie einen Plan, um dieses gravierende Unrecht zu korrigieren. Und eine Charity-Platte aufzunehmen, die wirklich rockte. Das Ergebnis, das vom Trio geschrieben wurde, hieß „Stars“.
Heavy-Metal-Gipfeltreffen
Am 20. Mai 1985 fand im A&M Records Studio in Los Angeles – dem gleichen Studio, in dem nur wenige Monate zuvor „We Are the World“ aufgenommen worden war – ein Heavy-Metal-Gipfeltreffen statt, das bis heute seinesgleichen sucht. Dio teilte sich den Gesang mit Eric Bloom, Don Dokken, Kevin DuBrow, Rob Halford, Dave Meniketti, Paul Shortino und Geoff Tate. Unterstützt von 30 weiteren Musikern, darunter Yngwie Malmsteen, Vince Neil, Mick Mars, Neal Schon und sogar Harry Shearer in voller Spinal Tap-Montur.
„Ich kann mir vorstellen, dass die meisten Fans dachten, wir würden uns alle kennen“, sagte Halford in einem Interview mit Louder Sound. „Das taten wir überhaupt nicht. Tatsächlich glaube ich, dass die meisten von uns sich in den ersten Stunden gegenseitig so ansahen, wie wir in Rockmagazinen dargestellt wurden. Als wir dann unsere Hemmungen etwas abgelegt hatten, war das Gefühl einfach unglaublich. Mit Menschen zusammenzusitzen und zu reden, die ich schon immer bewundert hatte.“
„Wenn ihr mich auf dem Track Gitarre spielen lasst, werden diese Kids nie wieder Hunger leiden!“
Die Gruppe, die sich unter dem Namen Hear ‚N Aid zusammengefunden hatte, nahm sich zunächst den Gesang vor, bevor sie sich am nächsten Tag den neun 12-taktigen Gitarrenpassagen von Campbell, Malmsteen, Schon, Eddie Ojeda, George Lynch, Craig Goldy, Brad Gillis, Buck Dharma und Carlos Cavaz widmete. Es versteht sich von selbst, dass die Egos die Session etwas angespannt machten. „Wenn man eine Gruppe von Gitarristen aus den Achtzigern in einen Raum steckt, gibt es natürlich einen Wettstreit um die Vorherrschaft“, erinnert sich Campbell. ‚Sie stritten sich sogar darüber, wer die meisten Haare hatte.‘ Ted Nugent, der verärgert war, dass er nicht zum Gitarren-Wettstreit eingeladen worden war, soll laut Berichten geschrien haben: „Wenn ihr mich auf dem Track Gitarre spielen lasst, werden diese Kids nie wieder Hunger leiden!“
Vertragliche Probleme verzögerten die Veröffentlichung des Songs um Monate, bevor er schließlich im Januar 1986 erschien. Die Single und das dazugehörige Album brachten im ersten Jahr angeblich 1 Million Dollar für die Hungersnot in Afrika ein, wobei die Gelder für landwirtschaftliche Maschinen vorgesehen waren.
„We’re All in the Same Gang“ von West Coast Rap All-Stars (1990)
In den späten Achtzigern kam es landesweit zu einer alarmierenden Zunahme von Bandenkriegen. Was die Hip-Hop-Community dazu veranlasste, sich zu Wort zu melden. KRS-One versammelte seine Bandkollegen von Boogie Down Production und eine Gruppe von MCs der Ostküste (darunter Kool Moe Dee, Heavy D und Public Enemy), um die Single „Self Destruction“ aufzunehmen, die 1989 die Rap-Charts anführte.
Die Westküste reagierte im folgenden Jahr mit „We’re All in the Same Gang“. Einem Song, der die zunehmend blutigen Fehden zwischen den rivalisierenden Gangs Crips und Bloods in Los Angeles verurteilte. Vierzehn der einflussreichsten Hip-Hop-Acts der Westküste trugen Verse zu dem siebeneinhalbminütigen Track bei. Darunter Tone Loc, Young M.C., M.C. Hammer, Ice-T und Dr. Dre (der auch als Produzent fungierte). Das Stück wurde von Michael Concepcion konzipiert, einem ehemaligen Crips-Mitglied, das bei einer Schießerei zwischen Gangs gelähmt worden war. „Ich wollte diese Kids davon abhalten, dieselben Fehler zu machen, die ich gemacht habe“, sagte er 1990 gegenüber der Washington Post.
Ein Jahr nach seiner Veröffentlichung wurde „We’re All in the Same Gang“ bei den 33. Grammy Awards für die beste Rap-Performance nominiert
Die Reime warnten schwarze Jugendliche davor, sich untereinander zu bekämpfen. Insbesondere angesichts der rassistischen Spannungen, die in der amerikanischen Gesellschaft herrschten. „Yo, Kugeln fliegen, Mütter weinen, Brüder sterben“, rappte Dr. Dre zusammen mit MC Ren. „Wir liegen auf der Straße, deshalb versuchen wir / Zu verhindern, dass alles auseinanderfällt und verloren geht / Und dass die Weißen sich nicht über uns freuen können.“
Ein Musikvideo, das vor Ort in der Nickerson Gardens Sozialbausiedlung in Watts – dem Gangland Grand Zero – gedreht wurde, verhalf dem Song zu Mainstream-Präsenz auf MTV. Ein Jahr nach seiner Veröffentlichung wurde „We’re All in the Same Gang“ bei den 33. Grammy Awards für die beste Rap-Performance nominiert.
„The Star Spangled Banner“ gesungen von Whitney Houston (1991)
Die USA starteten die Operation Desert Storm nur zehn Tage bevor Whitney Houston das Feld im Tampa Stadium betrat, um den Super Bowl XXV mit der Nationalhymne zu eröffnen. Die Befürchtung, Saddam Hussein könnte dieses amerikanischste aller Sportereignisse angreifen, führte zu Sicherheitsvorkehrungen wie nie zuvor. Black-Hawk-Hubschrauber nahmen den üblichen Platz des Goodyear-Zeppelins am Himmel über dem Stadion ein. SWAT-Teams lagen auf dem Dach auf der Lauer. „Es war eine intensive Zeit für ein Land“, erinnerte sich Houston im Jahr 2000. „Viele unserer Töchter und Söhne kämpften in Übersee. Im Stadion konnte ich die Angst, die Hoffnung, die Intensität und die Gebete spüren. Und ich dachte nur: ‚Das ist der Moment.’“ Sie nahm ihren Platz an der 50-Yard-Linie ein und lieferte eine Leistung, die viele als den Höhepunkt ihrer Karriere betrachten.
Oder etwa nicht? In späteren Jahren wurde bekannt, dass die NFL eine sogenannte „Schutzkopie“ oder vorab aufgezeichnete Version verlangt, um sich gegen Krankheit, Wetter und andere mögliche Katastrophen zu schützen, die am großen Tag eintreten können. Houston hatte ihre Version, begleitet vom Florida Orchestra, zwei Wochen vor dem Super Bowl in nur einem Take aufgenommen.
„Es war, als könnte ich in ihren Gesichtern die Hoffnungen, Gebete und Ängste des ganzen Landes sehen“
Das war es, was schätzungsweise 115 Millionen Menschen im Fernsehen hörten, während eine Handvoll Soldaten und Soldatinnen auf dem Spielfeld Houston zuhörten, die ihre Seele in ein totes Mikrofon schüttelte. „Es war eine Zeit, in der die Amerikaner an unser Land glauben mussten“, reflektierte sie kurz nach dem Ereignis in einem Interview mit dem People Magazine. „Ich erinnere mich, wie ich dort stand und all diese Menschen ansah. Und es war, als könnte ich in ihren Gesichtern die Hoffnungen, Gebete und Ängste des ganzen Landes sehen.“
Aufgrund der überwältigenden Resonanz in der Öffentlichkeit veröffentlichte Arista Records Houstons Interpretation von „The Star Spangled Banner“ einige Wochen später, am 12. Februar 1991. Es wurde die bis dahin meistverkaufte Single des Labels und erreichte Platz 20 der Billboard-Charts. Der Erlös aus dem Song – rund 531.650 Dollar – wurde dem Gulf Crisis Fund des Amerikanischen Roten Kreuzes gespendet, um US-Soldaten und ihren Familien Hilfe und finanzielle Unterstützung zu leisten. Die Single wurde ein Jahrzehnt später nach den Anschlägen vom 11. September erneut veröffentlicht. Wobei der Erlös an den New York Firefighters 9/11 Disaster Relief Fund und die New York Fraternal Order of Police ging.
„Voices That Care“ von Voices That Care (1991)
Während der Golfkrieg tobte, wollten David Foster und seine damalige Frau Linda Thompson einen Song schreiben, der die Moral der Soldaten im Einsatz stärken sollte. Zusammen mit dem ehemaligen Frontmann von Chicago, Peter Cetera, schufen sie etwas, von dem sie hofften, es würde eine Art „We Are the World“ 2.0 werden. Stattdessen bleibt „Voices That Care“ eines der ungewöhnlicheren musikalischen Kuriositäten des Jahrzehnts.
Fiebertraum der Popkultur der frühen Neunzigerjahre
Die Gesangsbesetzung liest sich wie ein Fiebertraum der Popkultur der frühen Neunzigerjahre. Softrocker wie Michael Bolton, Celine Dion und Amy Grant standen neben echten Rockern wie Jani Lane, den Country-Stars Garth Brooks und Randy Travis sowie Bobby Brown und Will Smith. Für zusätzliche Schlagkraft beim Refrain „Stand tall! Stand proud! / Voices that care are crying out loud“ einen mehr als 70-köpfigen Chor, der nicht nur Sänger, sondern auch Schauspieler (unter anderem Ted Danson, Richard Gere, Brooke Shields, Jean-Claude Van Damme und Dudley Moore), Comedians (Billy Crystal, Jon Lovitz, Whoopi Goldberg), Sportler (Magic Johnson, Michael Jordan, Wayne Gretzky) und andere umfasste, die offenbar gerade Zeit hatten.
Unglücklicherweise für diese wohlmeinende Gruppe von Prominenten – aber glücklicherweise im weiteren Sinne – war der aktive Golfkrieg zum Zeitpunkt der Veröffentlichung des Songs im März bereits beendet.
„One“ von U2 (1992)
Entgegen seiner Botschaft der Solidarität war der Hit aus dem Album „Achtung Baby“ teilweise von den disharmonischen Beziehungen innerhalb der Band inspiriert. Die Entscheidung, in den Hansa Studios im gerade wiedervereinigten Berlin aufzunehmen, verschärfte die Meinungsverschiedenheiten über die musikalische Ausrichtung von U2. Adam Clayton und Larry Mullen Jr. bevorzugten ihren traditionellen Rock-Sound, während Bono und The Edge eher auf Industrial-Sounds und frühe Electro-Dance-Platten setzten, die damals auf dem Kontinent en vogue waren.
Die Band befand sich in einer kreativen Sackgasse. Mullen gab später zu, dass er „dachte, dies könnte das Ende“ von U2 sein. Aber als sie an einer frühen Version von „Mysterious Ways“ jammten, kam ein markanter Riff aus der Gitarre von The Edge. „Plötzlich passierte etwas sehr Kraftvolles in dem Raum“, erinnerte er sich 2011 in der Dokumentation „From the Sky Down“. „Alle erkannten, dass es ein besonderes Stück war. Es war, als hätten wir einen Blick auf das geworfen, was der Song werden könnte.“ Innerhalb von 15 Minuten hatte die neu fokussierte Gruppe die musikalische Struktur fertiggestellt. „Es war ein entscheidender Song für die Aufnahme des Albums. Der erste Durchbruch in einer extrem schwierigen Session-Phase“, sagte Edge 2005 gegenüber Q.
„Es ist eine Vater-Sohn-Geschichte“
Seit der Veröffentlichung des Songs im Jahr 1992 wurden die Texte auf vielfältige Weise interpretiert. Einige sahen den Song als zutiefst autobiografisch an, als Chronik des Versuchs der Band, ihre musikalische Verbindung wiederherzustellen, nachdem sie künstlerisch aneinandergeraten waren. Andere empfanden ihn eher als gesellschaftspolitischen Kommentar zum Berlin nach dem Fall der Mauer.
Bono selbst äußerte sich jedoch im Gespräch mit Rolling Stone im Jahr 2005 etwas differenzierter. „Es ist eine Vater-Sohn-Geschichte. Ich habe versucht, über jemanden zu schreiben, den ich kannte, der sich outete und Angst hatte, es seinem Vater zu sagen. Es handelt sich um einen religiösen Vater und Sohn. Ich habe viele schwule Freunde. Und ich habe gesehen, wie sie durch lieblose Familienverhältnisse kaputt gegangen sind, die einfach völlig unchristlich sind. Wenn wir etwas über Gott wissen, dann ist es, dass Gott Liebe ist. Das ist Teil des Songs. Und dann geht es auch um Menschen, die darum kämpfen, zusammen zu sein. Und wie schwer es ist, in dieser Welt zusammenzubleiben. Egal ob man in einer Band ist oder in einer Beziehung.“
Tantiemen an globale AIDS-Hilfsorganisationen
Die Entstehungsgeschichte des Songs trug wahrscheinlich dazu bei, dass die Band beschloss, ihn im Februar 1992 als Benefiz-Single zu veröffentlichen und die Tantiemen an globale AIDS-Hilfsorganisationen zu spenden. „Die Band ist der Meinung, dass dies das drängendste Problem unserer Zeit ist und wir die Aufmerksamkeit der Menschen wirklich auf die AIDS-Seuche lenken müssen, die uns seit 10 Jahren begleitet“, erklärte U2-Manager Paul McGuinness damals in einer Stellungnahme. Für das Cover der Single wählte die Band ein Foto von David Wojnarowicz, einem New Yorker Künstler und Aktivisten, der im Juli desselben Jahres an den Folgen einer AIDS-Erkrankung starb.
„Heal the World“ von Michael Jackson (1992)
In einem Internet-Chat mit Fans im Jahr 2001 bezeichnete der „King of Pop“ diesen Song aus dem Album „Dangerous“ als den Song, auf den er am meisten stolz war. Geschrieben in seinem „Giving Tree“, einem Lieblingsort zum Songschreiben auf der Neverland Ranch, zeigten die einfache Melodie und die noch einfachere utopische Botschaft von „Heal the World“ Michael Jacksons Wunsch für die Menschheit. Und gaben auch einen ergreifenden Einblick in seine eigenen seelischen Narben aus seiner (gut dokumentierten) turbulenten Kindheit.
„Lebensbedingungen von Kindern auf der ganzen Welt verbessern“
Nach Jacksons früheren sozialkritischen Werken wie „We Are the World“, „Man in the Mirror“ und „Black or White“ war „Heal the World“ in seinen humanitären Zielen noch expliziter. Mit einem Video, das sein eigenes Superstar-Image zugunsten von Aufnahmen von Waisenkindern im kriegsgeschüttelten Burundi vermied. Der Song gab auch seiner Wohltätigkeitsorganisation den Namen, mit der er sich bemühte, die altruistische Botschaft des Textes in die Tat umzusetzen.
Die Heal the World Foundation wurde nach der Veröffentlichung des Songs 1992 mit dem Ziel gegründet, „die Lebensbedingungen von Kindern auf der ganzen Welt zu verbessern“. Und sammelte Millionen aus Jacksons Einnahmen aus der „Dangerous“-Tournee und den Gagen für seinen Auftritt in der Halbzeitpause des Super Bowl XXVII – sowie kleinere Spenden von Fans.
„Candle in the Wind 1997“ von Elton John (1997)
Der plötzliche Tod von Prinzessin Diana bei einem Verkehrsunfall in Paris am 31. August 1997 erschütterte die Welt. Aber kaum jemand war so niedergeschlagen wie Elton John, der über ein Jahrzehnt lang ihr Vertrauter gewesen war. Nur wenige Wochen zuvor hatten sie sich bei der Beerdigung ihres ermordeten Freundes, dem Designer Gianni Versace, gegenseitig getröstet. Nun wurde er gebeten, bei ihrer Beerdigung aufzutreten.
Als John bemerkte, dass in der britischen Presse häufig auf seinen Song „Candle in the Wind“ aus dem Jahr 1973 Bezug genommen wurde, kontaktierte er seinen langjährigen Texter Bernie Taupin, um den Tribut an Marilyn Monroe als Nachruf für die „People’s Princess“ umzuschreiben. Taupin ersetzte die bekannte Einleitung „Goodbye Norma Jean“ durch „Goodbye England’s Rose“. Innerhalb weniger Stunden waren die neuen Texte fertig. „Ich hielt es für sehr wichtig, dies aus der Perspektive einer Nation zu vermitteln“, sagte er gegenüber Billboard. „Ich wollte, dass es sich so anhört, als würde ein Land es singen.“
„Bei der Beerdigung zu spielen, war eine der surrealsten Erfahrungen, die ich je gemacht habe“
Am 6. September sang John den Song zum ersten Mal während der Beerdigung von Diana vor 2.000 Menschen, die sich in der Westminster Abbey drängten. Und vor einer Milliarde Menschen, die das Ereignis im Fernsehen verfolgten. „Bei der Beerdigung zu spielen, war eine der surrealsten Erfahrungen, die ich je gemacht habe“, erinnerte sich John in einer VH1-Dokumentation. ‚Ich dachte nur: ‘Sing keine falsche Note. Bleib stoisch. Brich nicht zusammen und gib einfach dein Bestes, ohne irgendwelche Emotionen zu zeigen.‘ Ich muss zugeben, dass mein Herz ziemlich schnell schlug.“
Nach der Beerdigung nahm John eine Studioversion des Songs auf. Mit einem Streich- und Oboenarrangement von Produzent George Martin. Die Studioaufnahme wurde am 12. September in Großbritannien und zehn Tage später in den Vereinigten Staaten als Benefiz-Single veröffentlicht. Alle Tantiemen und Gewinne der Plattenfirma gingen an den Diana, Princess of Wales Memorial Fund. Der gegründet wurde, um ihr humanitäres Engagement für ihre Lieblingswohltätigkeitsorganisationen fortzusetzen.
Die Reaktion auf den Song war überwältigend. „Candle in the Wind 1997“ stieg auf Platz eins der Billboard-Charts ein. Und blieb dort 14 Wochen lang. Ein Rekord für einen männlichen Solokünstler. Letztendlich wurde es die meistverkaufte Single in der Geschichte der Charts. Und verkaufte sich weltweit über 33 Millionen Mal. Womit es nur noch von „White Christmas“ auf der Liste der meistverkauften Singles aller Zeiten übertroffen wurde. Während seines unglaublichen Erfolgs brachte es über 38 Millionen Pfund für den Fonds ein.
Trotz des überwältigenden Erfolgs spielte John den Song nie wieder live. Nach der Beerdigung schwor er, ihn nur noch auf Wunsch von Dianas Söhnen, den Prinzen William und Harry, zu spielen.
„Sing“ von Annie Lennox, feat. Various Artists (2007)
Der Titel „Sing“ aus ihrem 2007 erschienenen Album „Songs of Mass Destruction“ wurde von Annie Lennox‘ erster Begegnung mit dem südafrikanischen Aktivisten Zackie Achmat bei Nelson Mandelas 46664-HIV/AIDS-Kampagne im Jahr 2003 inspiriert. Achmat, selbst HIV-positiv, war Mitbegründer der Treatment Action Campaign. Einer Organisation, die sich für den Zugang zu AIDS-Behandlung und Prävention einsetzt.
„Wir brauchen Menschen wie [Achmat], er kämpft für die Sache“, sagte Lennox 2007 gegenüber der BBC. „Er weigerte sich, seine antiretroviralen Medikamente einzunehmen, solange sie nicht für alle erschwinglich und verfügbar waren. Eine äußerst mutige Entscheidung. Vorher war ich frustriert, weil ich mich mehr engagieren wollte. Ich habe einfach das Gefühl, dass die TAC das tut, was getan werden muss. Das musste wirklich unterstützt werden. Und ich dachte, dass ich vielleicht gut dafür geeignet wäre.“ Ermutigt durch Achmats Arbeit begann sie, einen Song zu schreiben, der auch eine Melodie namens ‚Jikelele‘ enthielt, die ihr von einer Gruppe südafrikanischer Aktivisten namens Generics gegeben worden war.
„Madonnas Track kam zurück und sie hatte den zweiten Vers gesungen, was ein riesiger Bonus war“
Nachdem sie den Grundtrack fertiggestellt hatte, wandte sich Lennox an bekannte Frauen aus der Musikbranche. Und bat sie, ihr eine Aufnahme zu schicken, auf der sie den Refrain „Sing my sister Sing! / Let your voice be heard“ singen. „Ich schrieb ein Leitbild. Und schickte einen Brief an eine Liste von Frauen, die ich für wirklich gute Kandidatinnen hielt“, erzählte sie der New York Times. Fast alle antworteten. Sodass schließlich ein Chor aus 23 Sängerinnen entstand. Darunter Celine Dion, Gladys Knight, Pink, Faith Kill, k.d. lang, Sarah McLachlan, Shakira, Bonnie Raitt, Joss Stone und Madonna. Die noch etwas Besonderes beisteuerte.
„Und siehe da. Madonnas Track kam zurück. Und sie hatte den zweiten Vers gesungen, was ein riesiger Bonus war“, fuhr Lennox fort. „Ich war wirklich gerührt. Denn Madonna ist sehr streng, wenn es um Dinge geht, für die sie sich engagiert. Und dass sie das für mich getan hat, hat mich total begeistert.“
Die Single-Version wurde am 1. Dezember 2007, dem Welt-Aids-Tag, veröffentlicht. Wobei der Erlös an TAC ging. Das Cover zierte ein Manifest der Künstlerin mit den Worten: „Vor einigen Jahren habe ich Nelson Mandela persönlich gesehen, wie er vor seiner ehemaligen Gefängniszelle auf Robben Island stand. Und sich an die Weltpresse wandte. Seine Botschaft war, dass die HIV/AIDS-Pandemie in Afrika in Wirklichkeit ein Völkermord sei. Seitdem habe ich mir vorgenommen, alles in meiner Macht Stehende zu tun, um auf die HIV/AIDS-Krise aufmerksam zu machen.“
„Just Stand Up!“ von Artists Stand Up to Cancer (2008)
Ein Jahr nach der Veröffentlichung von Annie Lennox‘ „Sing“ versammelten die Produzenten L.A. Reid und Babyface ein weiteres Pop-Diva-Gipfeltreffen unter dem Banner „Artists Stand Up to Cancer“ zusammen. Fünfzehn megatalentierte Frauen, darunter Beyoncé, Rihanna, Mariah Carey, Miley Cyrus, Fergie, Mary J. Blige, Ciara und Carrie Underwood, kamen zusammen, um den von Babyface und Ronnie Walton geschriebenen Song „Just Stand Up!“ zu singen, um Geld und Aufmerksamkeit für die Stiftung „Stand Up to Cancer“ zu sammeln.
Nach der Veröffentlichung am 2. September 2008 kamen fast alle Stars drei Tage später wieder zusammen. Um den Song live in der einstündigen Multisender-Sondersendung „Stand Up to Cancer“ zu performen. Die Single verfehlte knapp die Top 10. Und erreichte Platz 11 der Billboard-Charts. Die Kampagne und die Sondersendung haben seitdem über 100 Millionen Dollar für die Krebsforschung gesammelt.
„Ronan“ von Taylor Swift (2012)
Maya Thompson begann mit dem Bloggen, um ihre Trauer zu verarbeiten, nachdem bei ihrem kleinen Sohn Ronan im Sommer 2010 Neuroblastom im Stadium IV diagnostiziert worden war. Auf der Website „Rockstar Ronan“ informierte sie Familie und Freunde über den sich verschlechternden Zustand des kleinen Jungen. „Ich erinnere mich, dass ich nach ein paar Wochen schrieb, dass ich das Gefühl hatte, dieser Blog würde düster, hässlich und beängstigend werden. Weil es eine schreckliche Erfahrung ist“, erzählte Thompson der New York Times.
„Ich wollte nichts beschönigen. Ich glaube, ein großer Teil des Problems bei Krebserkrankungen im Kindesalter ist, dass alle das mit einer niedlichen kleinen Schleife umwickeln wollen. Mit süßen kleinen kahlköpfigen Kindern. Aber es ist so traurig.“ Sie schrieb auch nach Ronans Tod im folgenden Mai – drei Tage vor seinem vierten Geburtstag – weiter. Und verfasste unverfälschte, herzzerreißende offene Briefe an ihren verstorbenen Sohn.
Ohne dass Thompson davon wusste, gehörte Taylor Swift zu den Millionen Menschen, die Ronans Geschichte verfolgten. Im November 2011 erhielt sie einen Anruf von dem Superstar. Der sie zu seinem bevorstehenden Konzert in Phoenix hinter die Bühne einlud. „Sie erzählte mir, dass sie unseren Blog seit über einem Jahr las. Und dass auch ihre Eltern ihn lasen. Und dass sie alle erschüttert und berührt waren“, erinnert sich Thompson an ihr Gespräch. „Ich weiß noch, dass ich weinte. Und sie auch weinte.“
Swift spendete ihre Einnahmen an Krebs-Hilfsorganisationen
Im folgenden September meldete sich Swift erneut. Und teilte mit, dass sie einen Song für Ronan geschrieben habe, dessen Text aus dem Blog stamme. Nachdem sie Thompsons Einverständnis eingeholt hatte, stellte Swift das Lied in der folgenden Woche bei der Stand Up to Cancer-Telethon 2012 vor. Die Single-Version wurde kurze Zeit später auf iTunes veröffentlicht. Und wurde mit mehr als 220.000 Downloads in der ersten Woche schnell zum Nummer-1-Hit auf der Plattform. Swift spendete ihre Einnahmen an Krebs-Hilfsorganisationen. Während Thompson – die als Co-Autorin genannt wurde – ihren Anteil einer Stiftung widmete, die im Namen ihres Sohnes gegründet wurde.
Bis heute hat Swift den Song nur ein einziges Mal live performt. Am 17. August 2015 in Glendale, Arizona, im Rahmen ihrer „1989 World Tour“, wobei Thompson im Publikum saß.
„This Is for My Girls“ von Kelly Clarkson, Chloe x Halle, Missy Elliott, Jadagrace, Lea Michele, Janelle Monae, Kelly Rowland & Zendaya (2016)
First Lady Michelle Obama beauftragte die legendäre Songwriterin Diane Warren, diesen „globalen Aufruf zum Handeln“ zu verfassen. Um Spenden für die Initiative „Let Girls Learn“ und die Kampagne „#62MillionGirls“ zu sammeln, die sich für die Bildung von Frauen weltweit einsetzen. Warren schrieb „This Is for My Girls“. Und holte eine Reihe von Powerfrauen mit ins Boot, um den Song zu singen.
„Es ist eine Art Mischung aus ‚We Are the World‘ und ‚Lady Marmalade‘
Kelly Clarkson und Kelly Rowland wechselten sich an der Spitze der Gruppe ab. Zu der auch Janelle Monae, Zendaya, Lea Michele, Jadagace und Chloe x Halle gehörten. Sie sangen den kraftvollen Refrain. „This is for my girls, all around the world / Stand up, put your head up, don’t take nothing from nobody / This is for my girls, stand up and be heard/ This is for my ladies, my sisters all over, this is for my girls.“ Missy Elliott übernahm den letzten Vers. Und forderte junge Frauen mit ihren Reimen auf, sich zu behaupten.
„Es ist eine Art Mischung aus ‚We Are the World‘ und ‚Lady Marmalade‘. Mit diesen starken Stimmen und starken Frauen“, sagte Warren damals gegenüber Billboard. „Wann haben Sie das letzte Mal einen Song wie diesen oder eine Platte mit so vielen fantastischen Diven gehört? Ich bin wirklich stolz.“ Der Track wurde kurz vor Obamas Grundsatzrede beim South by Southwest Musikfestival im März 2016 vorgestellt. Wo sie eine Podiumsdiskussion mit Warren, Elliott und der Schauspielerin Sophia Bush moderierte.
Viele der beteiligten Künstler drückten ihren Stolz auf Twitter aus. Darunter auch Clarkson, die schrieb: „#This IsForMyGirls Bildung ist der Schlüssel, um den Horizont zu erweitern. Und Türen zu Möglichkeiten zu öffnen, die absolut real sind!“
„1-800-273-8255“ von Logic, feat. Alessia Cara und Khalid (2017)
Als Logic die unscheinbare 800er-Nummer der National Suicide Prevention Lifeline zum Titel seines Songs machte, trug er dazu bei, diese lebensrettende Nummer im Bewusstsein der Öffentlichkeit zu verankern. Aufgewachsen bei Eltern, die mit Suchtproblemen zu kämpfen hatten, kämpfte Logic (geb. Sir Robert Bryson Hall II) jahrelang mit Angstzuständen. Bevor er beschloss, einen Song zu schreiben, der sich speziell mit psychischer Gesundheit befasst.
„Ich habe sechsstellige Summen aus meiner eigenen Tasche bezahlt, um einen Tourbus zu mieten. Und eine Fan-Tour für mein zweites Album zu machen“, erklärte er Rolling Stone im Jahr 2017. ‚Ich habe Fans zu Hause überrascht. Wir haben zusammen gegessen und Videospiele gespielt. Die Leute sagten mir immer wieder: ‘Deine Musik hat mir das Leben gerettet.‚ Ich dachte nur: ‘Was zum Teufel?‚ Und dann dachte ich: ‘Was wäre, wenn ich versuchen würde, mit einem Song ein Leben zu retten?’“
„1-800-273-8255“ wurde zum Herzstück von Logics drittem Album „Everybody“
Der Track beginnt mit Logic, der aus der Perspektive eines Anrufers bei einer Hotline rappt. Bevor Alessia Cara und Khalid mit ihren Texten Unterstützung bieten. „1-800-273-8255“ wurde zum Herzstück von Logics drittem Album „Everybody“. Einem emotional aufgeladenen Werk, das sich auch mit einer Vielzahl von soziologischen Themen auseinandersetzt.
Innerhalb von drei Wochen nach der Veröffentlichung des Songs im April stieg die Zahl der Anrufe bei der NSPL um 27 %. Nach Logics Auftritt mit Cara und Khalid bei den MTV Video Music Awards 2017 stieg diese Zahl auf über 50 %. Als er die Statistiken der NSPL auf Twitter teilte, bezeichnete der Künstler den Song als „den wichtigsten Song, den ich je geschrieben habe“.
