Die 10 besten Songs des Bob Dylan
„Jeder Songwriter nach ihm trägt sein Gepäck mit sich“, schreibt Bono über Bob Dylan. „Dieser bescheidene irische Barde würde sein Gepäck mit Stolz tragen. Jeden Tag.“
Von den Protestliedern der Sechzigerjahre, die Bob Dylan zum Star machten, bis hin zu seinen noirartigen Meisterwerken der Neunzigerjahre und darüber hinaus hat kein anderer zeitgenössischer Songwriter ein so umfangreiches und tiefgründiges Werk geschaffen. Songs, die gleichzeitig unglaublich alt und doch unglaublich modern wirken.
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Die 10 besten Songs des Bob Dylan
10. „Every Grain of Sand“
Shot of Love, 1981
„Es ist wie einer der großen Psalmen Davids“, sagt Bono über „Every Grain of Sand“. Die bezaubernde Ballade aus Shot of Love, die Dylans offen christliche Songwriting-Phase abschließt. Der Song, der zu gleichen Teilen von Blake’scher Mystik und biblischen Anklängen geprägt ist, verzichtet auf die Selbstgerechtigkeit, die Dylans religiöse Werke geprägt hat. Und ist stattdessen ein verzweifeltes Gebet um Erlösung. Dylan wird gesanglich von der Gospel-Größe (und Dylan-Flamme) Clydie King begleitet. „Ich bekomme Gänsehaut, wenn ich sie nur atmen höre“, sagte Dylan. „Every Grain of Sand“ zeugt von einer bewegenden Demut („Manchmal drehe ich mich um, und da ist jemand, manchmal bin ich allein“, singt er). Wie Bono es ausdrückt: „Dylan hört auf, gegen die Welt zu klagen. Wendet sich sich selbst zu. Und sinkt auf die Knie.“
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Dylan beschrieb „Every Grain of Sand“ später als „einen inspirierten Song, der mir einfach so eingefallen ist. Ich hatte das Gefühl, ich schrieb einfach Worte auf, die von irgendwo anders kamen.“
Die 10 besten Songs des Bob Dylan
9. „Visions of Johanna“
Blonde On Blonde, 1966
„Visions of Johanna“ ist eine Meisterleistung. Ein Durchbruch nicht nur für den Songwriter. Sondern für die Möglichkeiten des Songwritings an sich. Die fünf langen Strophen sind eine ausgedehnte, impressionistische Schilderung einer rauschhaften Nacht in New York City. Reich an bildhaften Details und erotischer Sehnsucht. Sie zickzacken zwischen Dylans scharfsinniger Analyse einer Frau, der greifbaren und verfügbaren Louise, und seiner Sehnsucht nach einem abwesenden Ideal. Johanna existiert vielleicht gar nicht. Aber sie ist eine Sucht. „Es ist außergewöhnlich“, sagte Bono einmal. „Er schreibt diesen ganzen Song scheinbar über dieses eine Mädchen. Mit diesen bemerkenswerten Beschreibungen von ihr. Aber das ist nicht das Mädchen, an das er denkt! Es ist jemand anderes!“
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Dylans Meisterwerk der Obsession – ironischerweise kurz nach seiner Heirat 1965 geschrieben – war eine Leidenschaft für sich. Er spielte den Song erstmals im Dezember 1965 vor einem Publikum, zu dem auch seine ehemalige Geliebte Joan Baez und der Dichter Allen Ginsberg gehörten. Und spielte ihn dann jeden Abend auf seiner Welttournee 1966. Vor allem in den akustischen Solo-Sets. Ein Versuch im November 1965, mit den Hawks eine elektrische Version von „Johanna“ aufzunehmen (unter dem explizit bitteren Titel „Seems Like a Freeze Out“), war nach 14 Takes gescheitert. Die Hawks waren noch zu sehr eine Bar-Band. Die komplexe Bekenntnischarakteristik des Songs erforderte sowohl Ausdruckskraft als auch Kraft.
„Ich singe diesen Song immer noch ab und zu“, sagte Dylan 1985
Im Gegensatz dazu gelang Dylan „Johanna“ in Nashville beim ersten Take. Die lokalen Session-Profis, ergänzt durch Robbie Robertsons weinende Gitarre, brachten die richtige, gemächliche Empathie für Dylans Stimmungswechsel. Vom Flüstern bis zum Heulen zum Mond im selben Vers.
„Ich singe diesen Song immer noch ab und zu“, sagte Dylan 1985. „Er ist heute noch genauso aktuell wie damals. Vielleicht sogar noch mehr, auf eine seltsame Art und Weise.“
8. „Mr. Tambourine Man“
Bringing It All Back Home, 1965
„Soweit ich weiß, war die Aufnahme von „Mr. Tambourine Man“ durch die Byrds das erste Mal, dass wirklich gute Poesie im Radio zu hören war“, sagt Bono. „Die Beatles hatten „Eleanor Rigby“ oder „A Day in the Life“ noch nicht geschrieben. Sie schrieben noch „Ooh, baby“.
Aber Bobs Texte waren exquisit. „To dance beneath the diamond sky with one hand waving free“. Diese Zeile hat mich umgehauen. Zur Zeit von „Mr. Tambourine Man“ war er meiner Meinung nach dabei, sich selbst als Dichter zu finden. Er lernte, schön zu sein.
„Ich hatte Bob Jahre zuvor im Gerde’s Folk City in New York gesehen. Alle redeten über ihn. Ich sah ihn spielen und dachte: ‚Scheiße, ich kann besser singen als der. Warum machen alle so einen Wirbel um ihn?‘ Dann fing ich an, wirklich zuzuhören. Und ich hätte fast aufgehört, genau dort. Ehrlich gesagt glaube ich, dass die Byrds Bobs beste Übersetzer waren. Bob hatte sich diesen Song nicht so vorgestellt, wie wir ihn umgesetzt haben. Als er in das Studio kam, in dem wir probten, und uns „Mr. Tambourine Man“ spielen hörte, war er begeistert. Ich glaube, unsere Version hat Dylan dazu gebracht, sich zum Rocker zu entwickeln. Er dachte: ‚Moment mal, das ist mein Song‘. Und er hörte, wie anders er sein könnte.
7. „It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)“
Bringing It All Back Home, 1965
„Ich weiß nicht, wie ich diese Songs geschrieben habe“, sagte Dylan 2004 über „It’s Alright, Ma“. „Versuchen Sie mal, sich hinzusetzen und so etwas zu schreiben. Ich habe es einmal geschafft. Und jetzt kann ich andere Dinge tun. Aber das kann ich nicht.“
„It’s Alright, Ma“ wurde im Sommer 1964 in Woodstock geschrieben, als seine Folk-Kollegen Joan Baez und Mimi und Richard Fariña bei Dylan zu Gast waren. Der Song markiert einen Übergang von den politisch geprägten Texten, die kurzzeitig Dylans Markenzeichen waren, zu einer umfassenderen Sicht auf „das Leben und nur das Leben“: Anstatt mit dem Finger auf einen bestimmten Makel der Kultur zu zeigen, reißt der Song das gesamte verfallene Gebilde ein. Und erklärt, dass alles Eitelkeit, Heuchelei und falsche Propaganda ist.
Rein technisch gesehen ist „It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)“ mit seinem unglaublich komplizierten Reimschema und einer Melodie, die sich auf zwei Noten entlangschlängelt, bis sie am Ende jeder Strophe in einem Schwung ausklingt, einfach umwerfend. Der Text enthält Anspielungen auf Arthur Koestler (Autor von „Darkness at Noon“) und sogar auf Dylans geliebten Elvis Presley. Der Titel ist nur einen Hauch entfernt von Presleys Zeile „That’s all right, now, Mama“. Für Dylan war es immer ein schwieriger Song. Eine Momentaufnahme einer bestimmten Phase seiner künstlerischen Entwicklung. Ein Juwel, das er glücklicherweise besitzt, anstatt eine Maschine, deren Funktionsweise er versteht, weil er sie gebaut hat. Als er 1980 über „It’s Alright, Ma“ sprach, beschrieb er die Schwierigkeit, „mit der Person in Kontakt zu kommen, die man war, als man die Songs geschrieben hat. Aber ich kann sie immer noch singen. Und ich bin froh, dass ich sie geschrieben habe.“
6. „I Shall Be Released“
Bob Dylan’s Greatest Hits, Vol. 2, 1971
Mit seiner einfachen, bewegenden Geschichte eines Gefangenen, der sich nach Freiheit sehnt, war dieser Rocksong Teil eines bewussten Versuchs von Dylan, sich von den ausufernden Bildern seiner Meisterwerke aus der Mitte der 1960er Jahre zu lösen. „1968 erzählte mir Dylan, dass er kürzere Zeilen schrieb, in denen jede Zeile eine Bedeutung hatte“, sagte Allen Ginsberg einmal. „Und aus dieser Zeit stammen einige der Stücke … wie ‚I Shall Be Released‘. Es sollte keine verschwendeten Worte geben. Keinen verschwendeten Atemzug.“
Das Ergebnis war einer von Dylans beliebtesten Songs, der erstmals während der 1967er Basement Tapes-Sessions mit The Band aufgenommen wurde. Die raue Kirche aus Orgel und Gitarre umrahmt Dylans eindringliches, nasales Gebet. Bis Richard Manuels klagende Harmonie den Refrain erhellt wie Sonnenlicht, das durch ein Buntglasfenster fällt. Jahre später, Mitte der 1980er Jahre, sang David Crosby diesen Refrain für sich selbst – „Any day now, any day now/I shall be released“ – in seiner Gefängniszelle in Texas, wo er eine neunmonatige Haftstrafe wegen Drogen- und Waffenbesitzes verbüßte. „Ich habe es an die Wand geschrieben“, erinnert er sich. „Ich habe Stunden dafür gebraucht. Aber ich habe es geschafft. Und ich weiß noch, wie mir das Mut gemacht hat.“
5. „All Along the Watchtower“
John Wesley Harding, 1967
Man könnte sagen, dass Witze und Diebstahl die beiden Pole von Dylans Kunst sind, und dieses 12-zeilige Meisterwerk über einen Witzbold (der glaubt, ausgeraubt zu werden) und einen Dieb (der alles für einen Witz hält) dringt direkt zum Kern seines Schaffens vor. Watchtower“ gehört zu Dylans eindringlichsten Melodien. Aufgebaut um ein schlichtes Arrangement und Dylans gespenstischen Gesang, beginnt es wie eine Ballade, die noch lange weitergehen wird. Doch sobald der Witzbold und der Dieb ihre ersten Sätze gesagt haben, endet der Song mit einem bedrohlichen Bild – zwei Reiter nähern sich – und lässt den Zuhörer die Lücken füllen.
Jimi Hendrixs definitive Interpretation von „Watchtower“ ist eine der wenigen Dylan-Coverversionen, die Dylan selbst nachhaltig beeinflusst haben. Hendrix begann innerhalb weniger Wochen nach der Veröffentlichung von John Wesley Harding mit den Aufnahmen zu seiner Coverversion. Und verwandelte den Song in etwas atemberaubend Intensives. „Er spielte [meine Songs] so, wie ich sie gespielt hätte, wenn ich er gewesen wäre“, sagte Dylan später über Hendrix.
4. „Just Like a Woman“
Blonde On Blonde, 1966
Dylans schönste Ballade ist kein Liebeslied. „Just Like a Woman“ ist ein komplexes Porträt von Verehrung und Enttäuschung. Geschrieben als Rache. Gesungen als Bedauern. Dylan hat nie eine konkrete Inspiration für die angeklagte Frau preisgegeben. Dylanologen verweisen oft auf Andy Warhols unglückselige Protegé Edie Sedgwick.
Aber der Song handelt eher von seinen eigenen turbulenten Erfahrungen in der Liebe. Vom Geben, Nehmen und Verlassen. Es ist auch Dylans erste große Country-Rock-Performance. Dylan sorgte mit den Hawks für Furore und Schlagzeilen. Aber er nahm diesen Song mit Session-Musikern aus Nashville auf, die sein Gewirr aus Ekstase und Verzweiflung hörten. Und noch verstärkten. „In diesen Details steckt ein ganzes Leben“, sagte Songwriter Jimmy Webb. „Ich staune immer noch darüber, was für ein absolut atemberaubendes Stück Musik das ist.“
3. „Tangled Up in Blue“
Blood On the Tracks, 1975
„[Dieser Song] hat mich 10 Jahre gelebt und zwei Jahre geschrieben“, sagte Dylan oft, bevor er „Tangled Up in Blue“ bei Konzerten spielte. Seine Ehe zerbrach 1974, als er den Song schrieb, der zum Opener von Blood on the Tracks und zu seiner persönlichsten Auseinandersetzung mit Schmerz und Nostalgie werden sollte.
Dylans lyrischer Perspektivwechsel zwischen Bekenntnis und Kritik und seine pointierten Verweise auf die Erfahrungen der Sechzigerjahre beschworen ein Jahrzehnt voller utopischer Träume und gebrochener Versprechen herauf. Sein klagender Gesang und das frische Picking der von seinem Bruder David Zimmerman zusammengestellten Session-Musiker aus Minneapolis erinnerten an einen früheren Pathos. Die ehrliche Herzensqual und spirituelle Erneuerung in den Balladen der Appalachen. Dylan hat diesen Song live auf viele verschiedene Arten gespielt. Aber er weicht selten von der perfekten Mischung dieser Aufnahme ab, in der emotionale Wahrheiten auf den ewigen Trost der amerikanischen Folksongs treffen.
2. „A Hard Rain’s A-Gonna Fall“
The Freewheelin‘ Bob Dylan, 1963
Der größte Protestsong des größten Protestsongwriters seiner Zeit. Ein siebenminütiges Epos, das vor einer bevorstehenden Apokalypse warnt und dabei schreckliche Visionen – bewaffnete Kinder, ein blutüberströmter Baum – mit der kindlichen Inbrunst des Johannes des Offenbarers auflistet. „Jede Zeile darin ist eigentlich der Anfang eines ganzen Songs“, sagte Dylan damals. „Aber als ich es schrieb, dachte ich, ich würde nicht genug Zeit haben, um all diese Songs zu schreiben. Also habe ich alles, was ich konnte, in diesen einen gesteckt.“
Die Gefahr eines Atomkrieges lag damals in der Luft, wie andere Songs aus den „Freewheelin’“-Sessions – darunter „Talkin‘ World War III Blues“ und die Anti-Atombunker-Tirade „Let Me Die in My Footsteps“ – deutlich machen. Aber dieser Regen war eher abstrakt als wörtlich zu verstehen. „Es ist nicht der Fallout-Regen“, sagte Dylan. „Ich meine nur eine Art Ende, das einfach kommen muss.“
‚Was soll ich machen? Einer meiner Songs ist 10 Minuten lang‘“
„A Hard Rain’s A-Gonna Fall“ – dieses „a-gonna“ war ein erneuter Ausdruck der Faszination des jungen Dylan für Woody Guthrie – entstand ursprünglich als Gedicht, das Dylan wahrscheinlich auf der Schreibmaschine seines Kumpels (und Mitbewohners in Greenwich Village) Wavy Gravy niederschrieb. Dylan spielte den Song zum ersten Mal im September 1962 in der Carnegie Hall. Wo er Teil eines folklastigen Programms war, bei dem jeder Act 10 Minuten Zeit hatte: „Bob hob die Hand und sagte: ‚Was soll ich machen? Einer meiner Songs ist 10 Minuten lang‘“, erzählte Pete Seeger, der Organisator des Konzerts.
„A Hard Rain“ ist das erste öffentliche Beispiel dafür, dass Dylan sich mit dem Ende der Welt auseinandersetzt. Einem Thema, das sein Werk prägen sollte. Aber die taumelnden Verse von „A Hard Rain“ gipfeln nicht in einer Katastrophe. Sondern darin, dass Dylan seine Aufgabe als Künstler beschreibt. Gegen die Dunkelheit anzusingen, wo immer er sie sieht. „Es zu sagen und zu denken und auszusprechen und zu atmen“, bis seine Lungen platzen. „Das ist mehr als genial“, sagt Bob Weir von den Grateful Dead. „Ich glaube, der Himmel öffnete sich. Und etwas floss durch ihn hindurch.“
1. „Like a Rolling Stone“
Highway 61 Revisited, 1965
Dieser spöttische Gesichtsausdruck – das ist etwas, das man gesehen haben muss. Elvis hatte natürlich auch einen spöttischen Gesichtsausdruck. Und die Rolling Stones hatten einen spöttischen Gesichtsausdruck. Den Bob, wenn man den Titel des Songs beachtet, durchaus kannte. Aber Bob Dylans spöttischer Gesichtsausdruck in „Like a Rolling Stone“ verwandelt den Wein in Essig.
Es ist das blaue Auge eines Popsongs. Der verbale Faustkampf, der hier zur Schau gestellt wird, bricht das Songwriting einer ganzen Generation auf. Und lässt den Zuhörer auf der Matte liegen. „Like a Rolling Stone“ ist die Geburt eines Bilderstürmers, der der Rockära ihre größte Stimme und ihren größten Vandalen schenken wird. Das ist Bob Dylan als Jeremia des Herzens, der romantische Verse und „das Mädchen“ mit einem Feuersturm gnadenloser Worte in Brand setzt.
Nachdem er gegen die Heuchelei der Politik gewettert hat, nimmt er nun Feinde ins Visier, die ihm etwas vertrauter sind. Die Szene, die High Society, die „hübschen Leute“, die glauben, sie hätten es geschafft. Seine eigene Heuchelei hat er noch nicht erreicht. Das sollte erst später kommen. Aber „wir“ und „sie“ sind nicht mehr so klar definiert wie auf früheren Alben. Hier zeigt er den Hipstern, der Eitelkeit jener Zeit und der Vorstellung, dass man ein besseres Wertesystem habe, wenn man die richtigen Stiefel trage, die Zähne.
Vielleicht ist es ein Blick in die Zukunft, vielleicht ist es nur Fiktion
Für manche waren die Sechziger eine Revolution. Aber es gab auch andere, die in Greenwich Village eine Guillotine aufstellten. Nicht für ihre politischen Feinde. Sondern für die Spießer. Bob wandte sich bereits von dieser Idee ab, obwohl er sie selbst am besten verkörperte, mit seiner Korkenzieherfrisur, die Jimi Hendrix später zugab, von ihm kopiert zu haben. Der Wirbelwind aus Worten, Bildern, Wut und Spleen in „Rolling Stone“ verwandelt sich mühelos in Musikformen, die 10 oder 20 Jahre später auftauchen. Wie Punk, Grunge oder Hip-Hop. Wenn man die Figur in den Texten betrachtet, fragt man sich: „Wie schnell konnte sie aus der High Society abstürzen und um ihre nächste Mahlzeit betteln?“ Vielleicht ist es ein Blick in die Zukunft, vielleicht ist es nur Fiktion, ein Drehbuch, das zu einem Song verdichtet wurde.
Es muss schwer gewesen sein, damals Dylan zu sein oder in seiner Nähe zu sein. Sein unerschrockener Blick richtete sich auf alle und alles. Aber trotz aller Tiraden liegt der wahre Streich in seinem bissigen Humor. „Wenn du nichts hast, hast du nichts zu verlieren“, steht auf dem T-Shirt. Aber die Zeile, die mir am besten gefällt, ist: „Du hast dich nie umgedreht, um die finsteren Blicke der Jongleure und Clowns zu sehen, als sie alle ihre Kunststücke für dich vorführten. Du hast nie verstanden, dass das nicht gut ist. Du solltest nicht zulassen, dass andere Leute dir deinen Spaß verderben.“
