James Blake hat keine Angst vor dem Chaos unserer Zeit
Der britische Sänger und Produzent verarbeitet die Gegenwart auf seinem siebten Album „Trying Times“ – und klingt dabei so selbstsicher wie nie.
James Blake fühlt sich in London wieder zu Hause. Er und seine langjährige Partnerin Jameela Jamil sind 2025 zurückgekehrt, nach elf Jahren in Los Angeles – ungefähr so lange, wie Blake, 37, einer der wirkungsvollsten Geheimtipps der Musikbranche ist. Er hat mit allen zusammengearbeitet, von Beyoncé bis Bon Iver. Gerade ist er in New York auf Promo-Tour für sein Album „Trying Times“, eine Platte, die ihn musikalisch so selbstsicher wie nie zeigt und einen nachdenklichen Blick auf die Welt wirft, in der wir leben. Klanglich gleitet sie zwischen den Sounds und Instinkten, die Blakes Karriere von Anfang an geprägt haben: von den düsteren, weitläufigen Balladen seines Durchbruchsalbums „Overgrown“ aus dem Jahr 2013 bis zur Ambient-Experimentierfreude von „Playing Robots Into Heaven“ (2023).
Als Partner hat Blakes harmonischer Gesang eine eigene Schwerkraft – er kann jede klangliche Umgebung mit emotionalem Gewicht aufladen. Genreübergreifend, von Hip-Hop und R&B bis Alternative und darüber hinaus, hat er eine ebenso produktive Karriere damit verbracht, die Sounds anderer Künstler zu formen, wie er seine eigene Musik weiterentwickelt hat. Und dennoch lagern noch Stunden von Kollaborationen, die, wie er selbst anmerkt, wohl nie das Licht der Welt erblicken werden. Für Blake gehört das einfach dazu. „Ich denke nicht in Kategorien wie ‚einen Track bei jemandem landen’“, sagt er. „Mir geht es um die Musik, wenn sie gut ist.“
Als siebtes Studioalbum und erste Veröffentlichung auf seinem eigenen Label Good Boy Records ist „Trying Times“ auch ein Statement künstlerischer Selbstbestimmung. Der britische Rap-Schwergewichtler Dave liefert einen lebhaften Flow, der den aktuellen Lauf seines Landsmanns auf „Doesn’t Just Happen“ eindrucksvoll bestätigt, während die Lead-Single „Death of Love“ die melodische Geschmeidigkeit eines samtig-weichen Eighties-Pophits hat. Blakes Vorliebe für elektronische Klanglandschaften hingegen ist in den Hintergrund getreten. „Der Produktionsprozess hat sich so weit in Richtung Automatisierung entwickelt, dass es fast schon rebellisch wirkt, zur Gitarre zu greifen“, sagt er mit einem Schmunzeln.
![Trying Times [Vinyl LP]](https://m.media-amazon.com/images/I/412ny5eXaIL._SL500_.jpg)
Die Entstehung des Albums
Also, „Trying Times“. Erzählen Sie mir vom Entstehungsprozess des Albums.
Das hat ein paar Jahre gebraucht. Einige der Tracks wurden tatsächlich während der Pandemie begonnen. Seitdem ist viel passiert. Ich habe es mit einem sehr kleinen Kreis von Menschen geschrieben, die so etwas wie meine selbst gewählte musikalische Familie sind: Don Maker, Jameela, Bob Mackenzie, Josh Smith. Diese Menschen sind seit Langem feste Größen in meinem musikalischen Schreiben. Und ja, ich versuche einfach, die Welt so zu spiegeln, wie ich sie durch meine eigene Linse sehe.
Der Titel ist auffällig. Wir leben tatsächlich in schwierigen Zeiten. Was hat Sie dazu gebracht, in diese Richtung zu schauen?
„Trying Times“ ist eigentlich eine ziemliche Untertreibung. In England, wenn man durch etwas wirklich Schreckliches geht, sagt man vielleicht: „Trying times.“ Es soll also tatsächlich ein bisschen untertrieben klingen. Ich glaube, jeder wird das so empfinden, wenn er das als Beschreibung sieht.
Ich habe das Gefühl, Ihre Musik ist oft sehr romantisch. Umso interessanter, dass Sie diesen Song „Death of Love“ haben, der das genaue Gegenteil ist.
Nun, es ist kein Trennungssong, auch wenn er vielleicht so klingt. Er wurde zu einer Zeit geschrieben, als ich das Gefühl hatte, dass der Online-Diskurs seinen absoluten Tiefpunkt an Empathie erreicht hatte. Ich glaube, der Wunsch der Menschen, gesehen zu werden, hat ihre Fähigkeit blockiert, andere zu sehen. Ich denke, wir fangen jetzt an zu erkennen, wie viel davon von Bots gesteuert und algorithmisch getrieben ist, und wie viel davon gezielt so gewollt ist. Ich habe eine geleakte E-Mail gelesen, in der jemand innerhalb seines eigenen Unternehmens geschrieben hatte: „Wir wollen maximales Engagement. Wir brauchen maximale Wut. Wir brauchen maximalen Rage-Bait.“ Und das sind Unternehmensanweisungen, oder? Wie weit geht das zurück? Wie viel von dem, was wir gesehen haben, war echt? „Death of Love“ greift diese Idee auf. Ich weiß nicht, ob ich dabei zu irgendwelchen Antworten gelangt bin.
Gitarre statt Elektronik
Ihr vorheriges Album hat sich wieder mehr den elektronischen Wurzeln Ihrer frühen Veröffentlichungen zugewandt. Und jetzt scheint vieles am Songwriting auf Gitarre und traditionelleren Instrumenten zu basieren.
Ich gelte gewissermaßen als elektronisch geprägter Musiker, oder? Ich habe meine Stimme immer bearbeitet, um sie körperlos und fremd klingen zu lassen, aber ich glaube, mittlerweile klingt so viel Musik sowieso so. Selbst wenn Menschen versuchen, natürlich zu klingen, hat viele Musik durch Produktionstechniken ohnehin eine seltsam entrückte, körperlose Qualität. Die Neuheit nutzt sich ab. Der Produktionsprozess hat sich so weit in Richtung Automatisierung, Kompression und Gleichförmigkeit entwickelt – besonders durch KI-Techniken –, dass es sich fast schon wie ein Akt des Widerstands anfühlt, einfach zur Gitarre zu greifen. Komisch, wie sich die Dinge im Kreis drehen. Aber wirklich auf sein Instrument zu fokussieren – nicht nur zur Gitarre zu greifen, sondern es zu meistern. Nicht dass mir das gelungen wäre, aber beim Klavier habe ich das Gefühl, dass das mein Ziel war.
Ich glaube, Sie haben für Ihr letztes Album modulare Synthesizer verwendet, und jetzt machen Sie fast dasselbe, aber sozusagen von Hand, stimmt’s?
Bei dem, was ich auf „Playing Robots Into Heaven“ verwendet habe, waren das viele modulare Synthesizer, und die sind notorisch schwer zu kontrollieren und zu replizieren. Einen Trick zu wiederholen ist sehr schwierig, weil die Art, wie man alles verkabelt hat und wie alles aufeinander reagiert, sich eigentlich nicht reproduzieren lässt. Und wenn es das könnte, wäre es langweilig, und die Leute würden es wahrscheinlich nicht benutzen. Genau das ist der Reiz. Aber auf diesem Album habe ich kaum modulare Synthesizer verwendet. Was ich benutzt habe, war viel merkwürdiges Sequencing-Material auf Songs wie „Rest of Your Life“. Da ist dieses Klavier, das so einen Neunziger-Rave-Stil hat. Es arpeggiiert überall. Das wurde auf einem Sequencer namens Torso T1 gemacht, ein generativer Sequencer, bei dem man im Wesentlichen Parameter festlegt, innerhalb derer er dann … Also, man gibt tatsächlich Parameter ein, die zu einem bestimmten Ergebnis führen sollen, aber weil es so viele Parameter gibt, gerät es sehr schnell außer Kontrolle. Ich saß einfach in einem Flugzeug. Ich habe es mit Kopfhörern im Flugzeug gemacht.
In einer solchen Situation ist es also fast so, als wäre das, was dabei herauskommt, ein spontaner Sound, mit dem Sie dann einfach weitermachen?
Genau. Ich improvisiere fast immer etwas und schneide es dann zusammen oder entwickle daraus etwas. Ich probiere viel verschiedenes Equipment durch. Ich teste verschiedene Sachen. Ich habe wahrscheinlich mindestens ein paar Stunden mit jedem Sequencer auf dem Markt verbracht, einfach um zu sehen, was dabei rauskommt, oder mit etwas Ähnlichem, nur um zu schauen, was ich damit anstellen kann. Und das ist ein Privileg, weil ich das meiste davon nicht verkaufe. Ich kaufe es einfach und dann steht es rum.
Das Hoarding-Lager
Wo lebt das alles?
Das lebt in meinem so einer Art chaotischen Hortungs-Lagerraum. Den ich gerade aufräume.
Sie sind seit einigen Jahren mit Jameela Jamil zusammen. Wie hilft sie Ihnen kreativ?
Sie ist Executive Producer, aber sie produziert auch auf den Tracks mit. Das sind zwei verschiedene Rollen. Vom Job her ist es also im Grunde dasselbe wie bei den anderen Produzenten auf dem Album, aber was Arrangements, Referenzen und das Ausschöpfen des vollen Potenzials angeht: Diese Zusammenarbeit hat damit angefangen, dass sie immer sehr treffsichere Beobachtungen zu Songs hatte, bei denen ich dachte: „Ich weiß nicht, wie ich das dorthin bringe.“ Und sie hat Dinge kreativ aufgeschlossen, schon seit „The Colour in Anything“. Dieses Gespür und dieses Wissen zu haben, das einen dorthin bringt, ist etwas ganz Besonderes. Ich fühle mich glücklich, dass das meine Partnerin ist – Lebenspartnerin, aber auch musikalische Partnerin.
Eine unserer zukünftigen Cover-Stars ist Lola Young, und ich weiß, dass Sie beide zusammengearbeitet haben. Wie war das? Wie haben Sie sich kennengelernt?
Ich bin ziemlich sicher, dass ich mich bei ihr gemeldet habe. Ich habe gesagt, dass ich zusammenarbeiten möchte. Sie ist unglaublich. Sie hat einfach so eine Stimme. Ich habe neulich gesagt, dass ich glaube, es gibt ein Missverständnis über Stimmen – dass man einfach eine Stimme hat. Ich glaube nicht, dass man einfach mit einer Stimme geboren wird und sie dann vielleicht ein bisschen verfeinert; ich glaube, die Stimme wird über die Zeit herausgearbeitet, weil sie etwas Körperliches ist, oder? Die Art, wie die Stimme in Ihrem Schädel resoniert, und da sind noch andere Dinge im Spiel.
Lola Young und die Stimme
Aber ich glaube, die Stimme wird herausgearbeitet und entsteht so, wegen der Botschaft. Ich glaube, um die Botschaft aufzunehmen, die man empfängt oder die man senden will, oder? Und was auch immer man spirituell hier empfängt, es ist irgendwie so, als ob sie sich einfach weiterentwickelt, um diese Botschaft weiterzugeben. Und so habe ich das Gefühl, dass bei Lola ganz offensichtlich genau das passiert. Wenn ich ihre Stimme höre, denke ich: Das ist mehr als die Summe seiner Teile. Es gibt Stimmen, die mehr sind als die Summe ihrer Teile, und das in so jungen Jahren zu haben ist wirklich einzigartig. Ich liebe sie einfach, ich glaube, sie ist ein toller Mensch, und ich wünsche ihr nur das Beste. Ich drücke ihr die Daumen.
Haben Sie auf diesem Album Instrumente oder Techniken in Echtzeit neu erlernt?
Ich lerne eher durch Ausprobieren als durch Studieren. Aber wenn etwas es erfordert, sage ich: „Ok, lass es uns angehen.“ „Just a Little Higher“ ist zum Beispiel so ein Fall. Dieser Abschnitt am Ende, wo die Streicher von diesem sehr euphonischen, primärfarbenen, süßen Harmoniegebilde zu diesem sehr chaotischen, dramatischen Moment mit einigen ziemlich kantigen Akkordwechseln übergehen – das war einer meiner Lieblingsmomente auf dem Album. Es hat viel Arbeit gekostet, aber es war es so wert.
Das ist jetzt auch Ihr siebtes Album.
Verdammt nochmal, ja.
Wie viel Material bleibt auf der Strecke?
Wenn ich darüber nachdenke, werde ich wahrscheinlich weinen. Es gibt mindestens drei Alben mit Menschen, die zu meinen absoluten Lieblingskünstlern aller Zeiten gehören, die nicht erschienen sind.
Unveröffentlichte Kollaborationen
Wie funktioniert das, wenn man den Anruf von irgendjemandem bekommt, dann arbeitet man zusammen, verbringt all diese Stunden damit, und dann geht man nach Hause und hofft das Beste?
Ja. Ich würde sagen, 99 – nicht 99. 95 Prozent der Arbeit, die ich geleistet habe, war unbezahlt.
Unbezahlt?
Ja.
Wie passiert das?
Nun, als Produzent wirft man einfach Farbe an die Wand und schaut, was hängen bleibt. Und manchmal bleiben viele Dinge, die die Leute nicht veröffentlichen, einfach lange auf einer Festplatte liegen. Das gilt übrigens auch für mein eigenes Zeug. Aber wenn ich mein eigenes Zeug einrechnen würde, wäre der Prozentsatz wahrscheinlich noch höher. Aber ja, ich würde sagen, die 10.000 Stunden, von denen wir sprechen, wenn man eine Art Meisterschaft in etwas erlangt – die habe ich wahrscheinlich damit verbracht, Dinge zu machen, die nie erschienen sind. Was eigentlich verrückt ist.
Das ist nicht mal eine Beschwerde. Es ist einfach die Art, wie die Branche nun mal funktioniert: Produzenten werden nicht nach Stunden bezahlt. Wenn man etwas bei jemandem landet – aber ich denke gar nicht in solchen Kategorien, mir geht es um die Musik, wenn sie gut ist. Und es klingt vielleicht nach einer peinlichen Statistik zu sagen, dass sie es nicht mal veröffentlicht haben. Aber eigentlich geht es eher um die aufgewendeten Stunden, oder? Man kann viele Stunden in ein Stück Musik stecken, und dann kann sich die Ausrichtung eines Albums ändern. Das kann mir auch selbst passieren. Ich kann einfach eines Tages aufwachen und merken: „Oh Scheiße, wir sind in die falsche Richtung gegangen.“ Und dann verschwinden einfach fünf bis zehn Songs.
Gott.
Und das passiert ständig. Ich glaube, das gehört einfach zum Musikmachen dazu. Ein Song muss Sie repräsentieren, wenn Sie ihn zuerst machen, aber er muss Sie auch noch repräsentieren, wenn Sie das Album veröffentlichen, und dazwischen kann sich viel verändern. Und dann gibt es einfach riesige Lebensveränderungen, die Menschen durchmachen. Aber ja, es ist eine ungewöhnliche Branche, was die Art und Weise betrifft, wie Dinge vergütet werden, wie Zeit belohnt wird. Ich glaube, um mit diesem Zahlenspiel umzugehen, braucht man eine wirklich echte Obsession fürs Erschaffen, fürs Musikmachen.
ADHS und Promo-Arbeit
Sie haben erwähnt, dass Sie „Death of Love“ 2020 geschrieben oder damit begonnen haben, und in der Zwischenzeit haben Sie so etwa drei Alben rausgebracht. Wie wechseln Sie zwischen Projekten hin und her?
ADHS. Ja. Ich habe einfach eine wirklich gute … Nun, es ist witzig, denn ADHS ermöglicht es einem einerseits, viele Dinge gleichzeitig sehr gut zu erledigen, verhindert aber auch, dass man eine Sache gut und über einen längeren Zeitraum hinweg machen kann, oder? Und tatsächlich ist mein wichtigstes Ziel in diesem Jahr einfach, meinen Kopf in Ordnung zu bringen. Ich bin da wirklich sehr fokussiert, weil ich in der Lage sein will, mich auf Dinge zu konzentrieren. Ich will mich auf dieses Album konzentrieren können. Und ich glaube, ein großer Teil meines Mangels daran – ich sage, ich habe einfach weitergemacht, Musik zu machen. Es ist so, als wäre ich nicht in der Lage gewesen, Dinge zu Ende zu bringen. Ich mache ein Album, bin so aufgeregt davon, und dann sage ich einfach: „Nun, das habe ich jetzt gemacht.“ Und dann bewerbe ich es nicht, was eine verrückte Sache ist, wenn man so viel Geld, Zeit darin gesteckt hat, ehrlich gesagt.
Ich wusste nicht, wie ich mich über einen längeren Zeitraum einbringen sollte. Ich sah einen Clip von Tyler, der sagte: „Ich promote dieses Album noch nach zwei, drei Jahren.“ Und das ist ein fantastischer Ratschlag für Künstler. Man weiß nie, wann die Sache zündet, und wenn man einfach weiter daran arbeitet, es den Leuten immer wieder unter die Nase reibt und sagt: „Hört euch das an, hört euch diese neue Musik an“ – oft geben die Leute zu früh auf, und ich gebe im Grunde am ersten Tag auf. Ich sage mir einfach: „Cool, ich habe ein paar Interviews gegeben. Jetzt lass uns einfach noch einen Song machen.“
Ja. Ich habe das Gefühl, dass Sie in Ihrer ganzen Karriere kein großer Promo-Typ waren.
Nein, das war ich nicht. Abgesehen von heute natürlich, wo ich riesigen Spaß habe, und es ist verdammt nochmal gnadenlos. Es ist absolut gnadenlos. Ich kann verstehen, warum die Leute das nicht machen, aber es ist auch in gewisser Weise befriedigend, weil man weiß, dass man diesen Felsbrocken den Berg hochrollt und den Leuten wirklich dieses Ding zeigen will, das man liebt und auf das man stolz ist. Und deswegen mache ich das diesmal. Und ich denke, es ist buchstäblich so: Wenn ich ein Kind hätte, das von den Wänden abprallt, sich auf nichts konzentrieren kann und dann von allem weitergeht – was würde ich tun? Ich würde sagen, nun, ich würde ihm wahrscheinlich keinen Zucker geben, kein verarbeitetes Essen, und ich würde dafür sorgen, dass es sich bewegt. Also laufe ich jetzt rum und denke: Ich bin fünf, was würde ich tun? Was sollte ich tun? Und das behebt es tatsächlich irgendwie, ehrlich gesagt. Ich glaube, das ist der Trick.
Wenn Sie sich einen Kollaborateur aussuchen könnten, lebendig oder tot – wer wäre das?
Jemand, mit dem ich wirklich zusammenarbeiten wollte und der dann gestorben ist, war Ryuichi Sakamoto.
Es ist fast überraschend, dass es nicht dazu gekommen ist. Ich habe das Gefühl, Sie wären so nah dran gewesen.
Wissen Sie was? Es ist so traurig. Ich dachte einfach, ich hätte mehr Zeit. Ich wollte mich melden, ich dachte einfach, ich hätte mehr Zeit. Man denkt, diese Menschen leben ewig. Also: Wenn jemand mit mir zusammenarbeiten möchte, bitte bald melden.
