Die 250 besten Alben des 21. Jahrhunderts
Mit 25 Jahren dieses Jahrhunderts im Rückblick: Diese Alben haben unsere Zeit geprägt.
The Strokes, „Is This It“ (2001)
Mit ihrem reichen, verwöhnten Gassenjungen-Stil und ihren unverschämt lustigen Neo-New-Wave-Songs gaben die Strokes der Rockszene eine dringend benötigte Frischekur und ritten auf einer riesigen Welle des Hypes in ihr Debütalbum. Alle ihre Moves waren gestohlen – von Lou Reed, Tom Petty, den Cars, Television, den Psychedelic Furs und anderen, aber sie mischten und kombinierten sie mit einem Genie, das sich akribisch und lässig zugleich fühlte. Von „Last Night“ über „Soma“ und „Hard to Explain“ bis hin zu „Trying Your Luck“ – ihr Album Is This It enthält keinen einzigen nicht eingängigen Song auf der Titelliste und zählt damit zu den besten New-York-Gitarrenalben, die je aufgenommen wurden. Is This It spielte eine große Rolle dabei, in den 2000er Jahren eine ganze „Rock is back“-Cool-Band-Lawine ins Rollen zu bringen. –J.D.
Bad Bunny, „Un Verano Sin Ti“ (2022)
Als Bad Bunny Un Verano Sin Ti aufnahm, wollte er seine Erinnerungen an die heißen Sommer in Puerto Rico festhalten und diese Nostalgie – und seine tiefe Liebe für die Insel – in einem Lied verarbeiten. Das ist ihm gelungen: In der verträumten Melodie von „Otro Atardecer“ gibt es warme Sonnenuntergänge, und in den Mambo-Zeilen von „Después de la Playa“ gibt es Feierlaune nach dem Strand. Aber nicht einmal er hätte erwartet, wie sehr dieses riskante, politisch aufgeladene Album die Musikgeschichte verändern würde: Un Verano Sin Ti wurde 2022 zum weltweit meistgestreamten Album und die erste spanischsprachige LP, die bei den Grammys als Album des Jahres nominiert wurde. Über die Auszeichnungen und Rekorde hinaus wurde Un Verano Sin Ti jedoch für Puerto Rico gemacht. Wenn er mit dem Album auf Tour war, beendete er seine Konzerte mit „El Apagón“, in dem er die kolonialen Kräfte anspricht, die zu den Kämpfen in Puerto Rico beitragen, während er jeden Aspekt der Kultur seines Heimatlandes feiert. –J.L.
Kanye West, „My Beautiful Dark Twisted Fantasy“ (2010)
Das großartigste, glorreichste und verschwenderischste Hip-Hop-Album der Geschichte, Kanye Wests Opus Magnum, wird wahrscheinlich nie in Größe, Ehrgeiz, Umfang oder – vor allem – Budget übertroffen werden: Welche anderen Alben können Elton John, Charlie Wilson und Alicia Keys als Hintergrund-Sänger vorweisen? Vom provokativen Cover-Artwork des Künstlers George Condo bis hin zur stimmungsvollen, aber dennoch für die Arena geeigneten Koproduktion von Mike Dean und Jeff Bhasker ist MBDTF gleichermaßen dekadent und nachdenklich, und die Liste der Höhepunkte könnte so lang sein wie die Liste der Mitwirkenden: der bühnenreife Durchbruch der jungen Nicki Minaj („Monster“), die Headbanger-Rekontextualisierung des King-Crimson-Samples („Power“), die Verwandlung des Indie-Fol Bon Iver vom introvertierten Sensiblen zum feiernden Partystarter („Lost In the World“) und das traurigste dreiminütige Vocoder-Solo der Welt („Runaway“). –C.W.
SZA, „SOS“ (2022)
SZA ließ die Welt fünf Jahre auf SOS warten, nach ihrem bahnbrechenden Debüt CTRL von 2017. Die Erwartungen waren hoch, aber niemand war auf die musikalische und emotionale Kraft von SOS vorbereitet. Solána Rowe erwies sich als eine der furchtlosesten und originellsten Künstlerinnen im Musikgeschäft, die in ihren kathartischen R&B-Bekenntnissen Herzschmerz, Einsamkeit und den Kampf um Selbstbestimmung erforscht. Sie trotzt allen Genre-Klischees und mischt Hip-Hop und Rock mit seelenvollen Balladen wie „Snooze“. In „Kill Bill“ versucht sie sich sogar an einer Country-Mörderballade, die zu einem der überraschendsten Nummer-eins-Hits der Ära wurde. Diese Songs sind voller komplexer poetischer Emotionen, von intimem Schmerz („I don’t wanna be your girlfriend / I’m just tryna be your person“) bis hin zu Aussagen wie „Now that I’ve ruined everything I’m so fucking free“. „Ich gebe nicht einmal einen Scheiß auf Kohärenz“, sagte sie dem Rolling Stone. „Wenn du wie du klingst, wird dein Scheiß kohärent sein. Punkt.“ Aber „SOS“ ist das Album, mit dem SZA bewiesen hat, dass sie alles kann.–R.S.
Kendrick Lamar, „good kid, m.A.A.d city“ (2012)
Mehr als ein Jahrzehnt nach seiner Veröffentlichung im Jahr 2012 wird Kendrick Lamars Major-Label-Debüt weithin als eines der größten Hip-Hop-Alben aller Zeiten gefeiert. Es ist ein konzeptionelles Meisterwerk, in dem der Protagonist, der sich seiner Verletzlichkeit schmerzlich bewusst ist, Bedrohungen durch Nachbarschaftsbanden, Strafverfolgungsbehörden und sogar durch sich selbst abwehrt. „Kendrick a.k.a. Comptons menschliches Opfer“, schreit er. Er stellt sich als eigensinniger Sohn der Stadt vor, der entschlossen ist zu überleben, und vermittelt seine jugendlichen Eskapaden mit Alkohol und Opiaten in dicht lyrischen und metaphorischen Versen sowie in gesungenen Harmonien. Eine Phalanx von Gästen, von den Rap-Sängern Pharrell Williams und MC Eiht bis hin zu Backgroundsängerinnen wie Anna Wise, hilft Lamar dabei, eine komplexe und opernhafte Geschichte über das Erwachsenwerden zu schaffen, die zum wiederholten Hören einlädt. Ganz gleich, wie sehr er sich seitdem verändert hat, Lamars Ruf wird immer davon abhängen, ob er dem Anspruch des „guten Jungen“, der sich durch eine chaotische Stadt kämpft, gerecht wird. –M.R.
Taylor Swift, „Folklore“ (2020)
„Alles, was ich tue, ist versuchen, versuchen, versuchen“, singt Taylor Swift in dem unerwartet an Mazzy Star erinnernden Song ‚Mirrorball‘, einem der vielen Höhepunkte ihres besten Albums. Aber „Folklore“ klingt alles andere als angestrengt, das Werk einer Künstlerin, die es nur sich selbst recht machen will. Mit der Unterstützung von Aaron Dessner von The National und ihrem langjährigen Kollaborateur Jack Antonoff hat sich Swift während des Lockdowns eingeschlossen, um ihre witzigsten und eindringlichsten Geschichten zu erzählen und kristallklare Miniaturen zu schaffen, die sich manchmal gen Himmel schrauben. Insgesamt weist das Album den Weg zum nächsten Abschnitt einer bereits langen Karriere, während sie sich in den sinnlichen unteren Bereich ihrer Gesangsstimme lehnt und sich von der Autobiografie wegbewegt und sich der reinen Fiktion zuwendet, insbesondere in der ineinander verschachtelten Highschool-Geheimnis-Erzählung von „Cardigan“, „August“ (mit seinem erhabenen „Meet me behind the mall“-Refrain) und „Betty“. Die Bon-Iver-Kollaboration „Exile“ war bei Weitem ihr bestes Duett, während das exquisit melancholische „The 1“ ein Album-Opener für die Ewigkeit ist. –B.H.
OutKast, „Stankonia“ (2000)
In den Neunzigern brachen OutKast ihre eigenen kreativen Rekorde, jedes Album war tiefgründiger und gewagter als das vorherige. Als die Uhr ins neue Jahrtausend wechselte, gelang ihnen mit Stankonia – dem wildesten, ausgefallensten Hip-Hop-Blockbuster, der je gemacht wurde – ihr atemberaubendster Befreiungsschlag. „B.O.B.“ verbindet Drum-and-Bass, Gospel und ein Gitarrensolo im Stil von Jimi Hendrix; „Ms. Jackson“ ist ein sofortiger Soul-Klassiker mit Blick auf die Ewigkeit; selbst die derberen Momente, wie „We Luv Deez Hoez“, halten all das hochfliegende Genie fest auf der Erde verankert. André 3000s unfassbare Entwicklung weg von Genrekonzepten war ein großer Teil dessen, was Stankonia so lebendig machte. Innerhalb weniger Jahre hatten sich die Visionen von Big Boi und André zu weit voneinander entfernt, um nebeneinander bestehen zu können. Dies ist das letzte Mal, dass ihre Visionen auf einer einzigen CD wirklich miteinander verbunden waren und ein Meisterwerk hervorbrachten, das seither nur wenige übertreffen konnten. – S.V.L.
