Die 250 besten Alben des 21. Jahrhunderts
Mit 25 Jahren dieses Jahrhunderts im Rückblick: Diese Alben haben unsere Zeit geprägt.
Destiny’s Child, „Survivor“ (2001)
2001
Nachdem Besetzungswechsel sie zu gefährden schienen, lieferten Beyoncé, Kelly und Michelle ein glorioses Comeback-Album voller feministischer Hymnen, überraschender Beats, gospelartiger Ausflüge und passender Bikinis mit Ausschnitten. „Independent Women, Part 1“, „Survivor“ und „Bootylicious“ schrieben Geschichte als eines der wenigen, wenn nicht das erfolgreichste Album, das der weiblichen Freundschaft gewidmet war. Doch Beyoncés Solo-Auftritt in „Dangerously in Love“ wirkt heute prophetisch. Es war abzusehen, dass dies zu einem One-Woman-Show werden würde – eine Vorahnung auf die nächsten zwei Jahrzehnte der Popmusik. Im Nachhinein ist Survivor einzigartig, da es sowohl den Höhepunkt der TRL-Girlgroups als auch den Moment vor ihrem Niedergang einfing. —S.G.
Bob Dylan, „Rough and Rowdy Ways“ (2020)
2020
Nur wenige Tage nach dem Covid-Lockdown 2020 veröffentlichte Bob Dylan „Murder Most Foul“, ein 17-minütiges Epos, das sich um das Attentat auf John F. Kennedy dreht und alles vom Birdman of Alcatraz bis zu The Who’s Tommy und die kollektive Kraft der Kunst, uns bei der Bewältigung von Traumata zu helfen, behandelt. Es war ein verlockender erster Blick auf Rough and Rowdy Ways, das zwei Monate später mit anderen Highlights wie „I Contain Multitudes“ („Ich bin wie Anne Frank, wie Indiana Jones/Und diese britischen Bad Boys, The Rolling Stones“) und „Key West“ („Mit zwölf Jahren steckten sie mich in einen Anzug/Zwangen mich, eine Prostituierte zu heiraten“) erschien, die bewiesen, dass Dylan auch mit fast 80 Jahren ein unvergleichlicher Songwriter blieb. —A. Greene
Tame Impala, „Currents“ (2015)
2015
„Alles, was ich tue, ist eine mutierte Mischung aus Herausforderung und etwas, das mir in den Schoß fällt“, sagte Kevin Parker einmal zu Rolling Stone. Eine passende Aussage für das Eröffnungsstück von Currents, eine fast achtminütige Dance-Odyssee mit dem Titel „Let It Happen“. Und das ist erst der Anfang. Currents zeigte, wie das australische Genie sich vom psychedelischen Rock der ersten beiden Tame-Impala-Alben in Richtung zugänglichem Synth-Pop entwickelte. Es ist der perfekte Hintergrund für seinen Falsettgesang, mit Texten, die sich mit Lebensübergängen, Herzschmerz und Selbstreflexion auseinandersetzen („Yes I’m Changing“, „The Less I Know the Better“, „Cause I’m a Man“). Das Album brachte ihm Mainstream-Erfolg; sogar Rihanna coverte „New Person, Same Old Mistakes“ für Anti. —A.M.
Kanye West, „Yeezus“ (2013)
2013
Mit der Zeit begann die Welt, die Kanye West auf Yeezus erschuf – voller gutturaler und chaotischer Emotionen, kombiniert mit so viel Lärm –, sich wie die Welt um uns herum anzufühlen und anzuhören. Wests Album von 2013 bleibt eine der radikalsten klanglichen Abweichungen eines Künstlers, eine komplette Kehrtwende von der melodischen, sample-basierten Ethik seiner ersten Alben und eine vollständige Hinwendung zum Chaos. Die Mitwirkenden auf dem Album, von Indie-Electronic-Musikern wie Arca und Hudson Mohawke bis zu Ikonen wie Daft Punk und Rick Rubin, halfen West, eine Blaupause für die Zukunft der populären Musik zu schaffen, und wie sich herausstellte, lagen sie goldrichtig. —J.I.
Animal Collective, „Merriweather Post Pavilion“ (2009)
Ein Höhepunkt des Indie-Rocks der 2000er Jahre, Animal Collectives Merriweather Post Pavilion ist ein leuchtendes Beispiel dafür, wie man das Avantgardistische mit genau der richtigen Portion Zugänglichkeit versieht. Die Songs wurden aus komplexen Synth- und Sampler-Arbeiten aufgebaut, mit einem PA-System aufgenommen, um die Energie eines Live-Konzerts einzufangen, und dann mit Panda Bears und Avey Tares überströmenden Vocals und psychedelischen Harmonien versehen. Themen wie Trauer und Elternschaft vermischen sich mit Sommerliebe und Fragen zu Ruhelosigkeit und Routine. Alles gipfelt in „My Girls“, einer Feier und Sehnsucht nach den einfachsten Freuden des Lebens. Animal Collective haben kein weiteres Album wie Merriweather gemacht, noch hat es viele Nachahmer gefunden – ein Beweis für seine einzigartige Größe. —J. Blistein
J. Cole, „The Off-Season“ (2021)
J. Cole reiste mit einer ausgedehnten Basketball-Metapher von seinen Mixtapes The Warm Up und Friday Night Lights zu seinem Debütalbum Cole World: The Sideline Story zum Ruhm. Nachdem er sich mit vier weiteren Alben als einer der elitärsten und engagiertesten Profis des Hip-Hops etabliert hatte, kehrte er mit The Off-Season zu seiner Ball-ist-Leben-Ethik zurück, das einige seiner athletischsten Raps enthielt. Zusammen mit Top-Produzenten perfektionierte er den reichen und düsteren Sound, den er als eigener Beatmaker begonnen hatte. Darüber hinaus beherrscht Cole ein dickes Playbook an Flows, einige der interessantesten Stimmverzerrungen seiner Diskografie und klare Reflexionen über das Leben im und außerhalb des Rampenlichts. —M.C.
Playboi Carti, „Die Lit“ (2018)
Man könnte sagen, dass Playboi Carti auf seinem Studio-Debüt Die Lit von 2018 „Aura“ erfunden hat – dieses übernatürliche Gefühl von Coolness, das die aktuelle Generation von Musikliebhabern leitet. Das Album bereitete die Bühne für Cartis unerbittlichen Einfluss auf junge Hörer und führte die SoundCloud-Rap-Ära in den Mainstream. Lange vor Cartis vampirischem Auftritt auf Whole Lotta Red legte das Album die Grundlage für den dominierenden Sound im Hip-Hop der letzten Jahre. Nenne es Mumble-Rap, Baby-Stimme oder was auch immer – Die Lit war die Blaupause für den Rap der Moderne. —J.I.
Waxahatchee, „St. Cloud“ (2020)
Nachdem sie sich als wichtige Kraft im Indie-Rock etabliert hatte, veröffentlichte Katie Crutchfield als Waxahatchee – benannt nach dem Bach in Alabama, in dessen Nähe sie aufwuchs – vier exzellente Alben. Dann fing sie neu an. Sie wurde clean und änderte ihren Sound komplett, was zu dem entspannten Americana-Klassiker St. Cloud führte. Inspiriert von ihren südlichen Wurzeln und ihrer Heldin Lucinda Williams schuf Crutchfield 11 Tracks voller scharfer Songwriting-Kunst („Lilacs“, „Arkadelphia“) und sanfter Melodien („Oxbow“, „Fire“). Jeder davon ist ideal für einen Nachmittag auf der Veranda – was gut passte, da das Album auf dem Höhepunkt der Pandemie veröffentlicht wurde. —A.M.
Asake, „Mr. Money With the Vibe“ (2022)
Asake wurde Anfang der 2020er Jahre zu einem der größten Durchbruchsstars Nigerias, dank eines Street-Pop-Sounds, der lokale Stile mit großen, mutigen Hooks und lebendigen Berichten aus dem Leben in Lagos mischt. Mr. Money With the Vibe wurde das am höchsten platzierte nigerianische Debüt in den Billboard 200, und das aus gutem Grund: Lang anhaltender Genuss und Präsenz bieten alles von einem Burna Boy-Gastauftritt (das Remix von „Sungba“) bis hin zu hypnotisch groovenden Burnern („Joha“) und beschwörend langsamen Songs („Dull“, über die Weigerung, sich zu fügen) und lassen nie nach. Alles in allem ein Debüt, das man nicht verpassen sollte. —C.H.
Mariah Carey, „The Emancipation of Mimi“ (2005)
Mariah Careys zehntes Album zeigt die Sängerin vollkommen in ihrem Element, umrahmt von perlenden Grooves und simmernden Basslines, während sie ihr Herz ausschüttet (der am Rande der Tränen stehende „We Belong Together“) und den Charme einschaltet (das flirtende Duett mit Snoop Dogg „Say Somethin‘“). Emancipation ist ein Porträt von Carey, die sich vollkommen entspannt und der Welt ihre Klugheit und Kunstfertigkeit zeigt. „Das Lustige ist, ich wusste immer, dass das, was ich wirklich liebe, kommerziell erfolgreich sein würde“, sagte Carey 2006 zu Rolling Stone, als Emancipation Hits produzierte. Diese Instinkte resultierten auch in einem standhaften R&B-Album, das den Beginn von Careys triumphierendem zweiten Akt markierte – und das zwei Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung immer noch Schlafzimmer heizen kann. —M.J.
Juanes, „Un Día Normal“ (2002)
Für den kolumbianischen Sänger, Songwriter und Gitarristen Juanes war der Umzug nach Los Angeles ein Sprung ins Ungewisse, der leicht ins Nichts hätte führen können. Nachdem er den Latin-Alternative-Czar Gustavo Santaolalla als seinen langjährigen Produzenten gewonnen hatte, fand Juanes ein sicheres Rezept für eingängige Popsongs mit sandigen Rock-Texturen und gelegentlichen Anklängen von Cumbia und Reggae. Kein Wunder, dass dieses zweite Werk die Fans begeisterte: Die lateinische Frechheit von „La Paga“ könnte Tote wecken, und der spiralförmige Refrain von „Es Por Ti“ rechtfertigt seinen Millionenverkauf. Juanes hält die Dinge mit „Fotografía“ (einem soulvollen Duett mit Nelly Furtado) und einem mitreißenden Cover von Joe Arroyos tropischem Hit „La Noche“ in Bewegung. —E.L.
Rilo Kiley, „More Adventurous“ (2004)
Mitte der 2000er Jahre hatte man das Gefühl, man könnte den Fernseher oder das Kino nicht einschalten, ohne einen Song von Rilo Kileys drittem Album More Adventurous zu hören – sei es „Portions for Foxes“ in Grey’s Anatomy oder der Titelsong in Wedding Crashers. Es ist ein Meisterwerk des Indie-Rocks, das komplexe Themen in zugängliche Melodien verpackt. Mike Mogis’ Produktion mischt Rock, Folk, Country und Pop-Einflüsse. Doch Jenny Lewis’ Stimme ist das Herzstück des Albums, die eine Mischung aus Stärke, Zerbrechlichkeit und Charisma einfängt und mühelos von vollständiger Verletzlichkeit zu gebieterischer Kraft wechselt, während sie Themen wie Liebe, Herzschmerz, existenzielle Sehnsucht und Gesellschaftskritik mit scharfem Witz und Poignanz erforscht. —Alison Weinflash
Franz Ferdinand, „Franz Ferdinand“ (2004)
Die modischen schottischen Jungs von Franz Ferdinand kamen mit einer einfachen Mission an: „Musik, zu der Mädchen tanzen können.“ Das war für Rockbands zu dieser Zeit unmodern, aber diese Jungs hatten die teuflisch brillanten Melodien, um es zu schaffen. Ihr Debüt von 2004 ist vollgepackt mit art-glamigen Rhythmus-Gitarren-Hymnen wie „Take Me Out“, „Michael“ und „Darts of Pleasure“, in denen Alex Kapranos witzige Anmachsprüche wie „You can feel my lips undress your eyes“ flüstert. Die Mischung aus Gitarren-Flash und Disco-Drama der Franz-Jungs war perfekt für das Zeitalter der Strokes und der Killers. Kanye West nannte sie „weiße Crunk-Musik“, Lil Wayne coverte „This Fire“, und Mädchen tanzten weiterhin in schäbigen Rockbars rund um den Globus. —R.S.
Pistol Annies, „Interstate Gospel“ (2018)
Die Kunst, Joints zu drehen, Ehemänner zu verlassen und das wahre Selbst zu finden, gehörte zu den Predigten, die die Pistol Annies auf Interstate Gospel, dem dritten Album der Supergroup von Miranda Lambert, Angaleena Presley und Ashley Monroe, hielten. Verwurzelt in Bergmusik-Arrangements (Bluegrass-Vibes sind überall, besonders im Titeltrack und im post-scheidungsstolzen „Got My Name Changed Back“), ist das Album ein Wunder an Dreistimmengesang und schonungslosem Songwriting, bei dem jede Künstlerin offenlegt, was sie bedrückt. Meistens war es ein Typ. Doch in „5 Acres of Turnips“ war es ein ganzer Familienstammbaum – eine Erinnerung daran, dass, wie Wurzeln selbst, vieles unter der Oberfläche verborgen liegt. —J.H.
Migos, „Culture“ (2017)
Bis 2017 hatte das atemberaubende Trap-Trio Migos aus Atlanta bereits die ganze Welt dazu gebracht, in Triolen zu rappen, doch ihr zweites Album Culture machte sie zu Popstars, komplett mit einer Nummer-eins-Single (dem lässig-explosiven „Bad & Boujee“), einem viralen Meme („raindrop, drop top“) und einem Vorgeschmack auf die „Flöten-Rap“-Welle von 2017 („Get Right Witcha“). Selbst ein subtiler Moment wie die Art, wie Quavo „Yeah, that way“ sagt, konnte ein zweites Leben als Teil von Ayo und Teos Hit „Rolex“ bekommen. Ein Höhepunkt des Trap der 2010er Jahre, Migos‘ Mischung aus geometrischen Bars, melodischem Gespür, ungezügelter Begeisterung, unbestreitbarer Star-Power und der Fähigkeit, über einen Track zu fließen wie ein Segway, machte Culture zu einem einflussreichen Teil der Kultur selbst. —C.W.
Fall Out Boy, „From Under the Cork Tree“ (2005)
Als sich Fall Out Boy der Masse als die Pop-Punk-Poeten ihrer Generation vorstellten, sorgten sie dafür, dass sie mit viel dramatischem Flair, einer Tracklist voller frecher Sprüche und der Art von lyrischer Meisterschaft ankamen, die später Taylor Swifts „Blank Space“ inspirieren sollte. FOBs Major-Label-Debüt bestand aus dem poppigsten Punk, der je aus der Chicago-Hardcore-Szene kam, zwei Megahits und genügend skandalösen Geschichten, um die Fans immer wieder zurückzuholen. Pete Wentz wird oft als der Lyriker der Band gewürdigt, aber es ist Patrick Stumps stimmliche Präzision, die Spöttereien wie „I’ll keep singing this lie if you keep believing it“ unwiderstehlich macht. —M.G.
Katy Perry, „Teenage Dream“ (2010)
Katy Perrys Teenage Dream ist zweifellos eines der erfolgreichsten Pop-Alben aller Zeiten. Ihr zweites Album, das von Zuckerwatte-Pop durchdrungen ist, enthielt fünf Nummer-eins-Singles, darunter der Snoop-Dogg-gestützte „California Gurls“, der Dubstep-beeinflusste „E.T.“ und der titelgebende Track, der ein Konzept schuf. (Perry stellte damit einen Rekord von Michael Jacksons Bad ein.) Teenage Dream definierte die Pop-Szene der frühen 2010er Jahre, dank der mitreißenden Produktion von Dr. Luke und Max Martin sowie der von Bonnie McKee mitgeschriebenen Texte. Das Album inspirierte eine neue Generation von Popstars. Halsey brachte es 2021 auf den Punkt: „Jeder, der versucht, ein perfektes Pop-Album zu machen, verschwendet seine Zeit, weil Katy es bereits mit Teenage Dream getan hat.“ —T.M.
Sufjan Stevens, „Illinois“ (2005)
Sufjan Stevens hatte sich einmal vorgenommen, 50 Alben zu schreiben, die jeweils einem US-Bundesstaat gewidmet waren. Das zweite in der Serie war Illinois von 2005, und wie das Schicksal der meisten hoch ambitionierten Projekte war es auch das letzte. Die 22-Track-Sammlung von exzentrisch benannten Songs bleibt ein genreübergreifendes Meisterwerk in instrumentaler Experimentierfreude und Lyrik. Stevens‘ Geschichtenerzählen ist hier auf seinem Höhepunkt, von dem gruseligen „John Wayne Gacy, Jr.“ bis zum triumphierenden „Chicago“. Und seine musikalischen Arrangements sind so gewaltig wie eh und je, während er üppige Orchesterkompositionen und laute Bläsersätze verwendet, um eine wilde, zärtliche, filmische Reise zu schaffen. Das Album wurde 2023 sogar für Broadway adaptiert, ein Beweis für seine Brillanz – und Langlebigkeit. —Leah Lu.
BTS, „Map of the Soul: 7“ (2020)
BTS explodierte zu einer ganz neuen Art von globalem Phänomen. Die K-Pop-Könige brachten den Sound von Seoul in den Rest der Welt, ohne Kompromisse bei ihrem eigenen Sound oder Stil einzugehen. Sie schafften es sogar, Amerika auf ihre eigenen Bedingungen zu erobern, indem sie auf Koreanisch sangen, während sie komplexe Konzeptalben schufen, die von Nietzsche und Jung inspiriert waren. Map of the Soul: 7 basiert auf der Jungschen Psychologie und erschien, als die sieben Bulletproof Boy Scouts seit sieben Jahren zusammen waren. Die Highlights umfassen Suga’s Rap „Interlude: Shadow“, RM’s emo Hip-Hop-Hit „Black Swan“, das V-Jimin-Duett „Friends“ und Jin’s Liebeslied an das Publikum, „Moon“. —R.S.
Disclosure, „Settle“ (2013)
Aus den Überresten des frühen 2010er EDM-Ballasts tauchten die geschmeidigen, scharfen, sexy Grooves der Londoner Brüder Guy und Howard Lawrence auf. Das Debüt von Disclosure war sowohl ein Schuss vor den Bug als auch eine liebevolle Rückbesinnung, insbesondere auf den UK-Garage der Jahrtausendwende. Die flüssigen Basslines und einfachen, dringenden Keyboard-Riffs waren nicht nur ein Gegenmittel zum Mainroom-Gebrüll, sondern auch eine echte Einstiegsrampe für den Pop-Crossover – und das nicht nur für die Lawrences. Wenige Dance-Alben – wenige Alben überhaupt – waren so großzügig mit vielversprechenden Gastvokalisten, insbesondere Jessie Ware und Sam Smith, dessen geschmeidiger Gesang „Latch“ (und ihn selbst) in die Stratosphäre katapultierte. —M.M.
Brandi Carlile, „By the Way, I Forgive You“ (2018)
„Ich war im Kino, ich habe gesehen, wie es endet“, brüllt Singer-Songwriterin Brandi Carlile auf dem kathartischen Herzstück dieses Albums, der queeren Hymne „The Joke“, immer noch ihre größte Gesangsdarbietung. „Und der Witz ist auf sie.“ Joni Mitchell und Elton John haben Carlile als geschätzte Kollegin umarmt, und die musikalische und emotionale Bandbreite von By the Way, I Forgive You erklärt, warum: „The Mother“ ist eines der besten Lieder über Elternschaft, die je geschrieben wurden, und „Fulton County Jane“ ist eine herzzerreißende Ode an ein reales Mordopfer. Es ist ein durch und durch erwachsenes Album, voller Heilung, Erlösung und Neubewertung: „Ich liebe die Lieder, die ich in meiner Jugend hasste“, singt sie auf dem trügerisch fröhlichen „Harder to Forgive“. —B.H.
Justin Timberlake, „FutureSex/LoveSounds“ (2006)
In dieser klanglichen Verbindung zwischen den beiden Tims (Justin Timberlake und seinem langjährigen Mitarbeiter Timbaland) halfen erfinderische Produktion, sanfte Vocals und eingängige Hooks dabei, einen der Meilensteine der frühen 2000er Popmusiklandschaft zu schaffen. Voller Sexappeal, wie der Titel verspricht, balanciert das Album gekonnt Retro-Vibes mit zukunftsweisendem Sound und schafft eine abstrakte, aber funky Landschaft, die sowohl traumhaft als auch zugänglich wirkt. Tracks wie „SexyBack“ und „My Love“ zeigten Timberlakes Entwicklung vom Boyband-Herzbeben zu einem ernsthaften Solo-Künstler, der mühelos Pop, Funk und elektronische Stile miteinander verschmilzt. —J.J.
Solange, „A Seat at the Table“ (2016)
Diese tiefgründige Feier der Schwarzen Kultur – insbesondere der vielfältigen Narrative Schwarzer Frauen – ermöglichte es Solange Knowles, sich als eigenständige Künstlerin zu etablieren. Verankert durch den Grammy-prämierten „Cranes in the Sky“, verwebt ihr drittes Studioalbum nostalgische Klänge mit zeitgenössischem R&B, Psychedelic und Neo-Soul und lädt die Fans ein, sich an der Kreuzung von Tradition und Innovation zu verbinden. Der definierende Aspekt des 2016er Albums liegt in seinem nuancierten, nachvollziehbaren emotionalen Spektrum. Resonante Zwischenspiele über die Schwarze Erfahrung sowie Songs über Groll (das Lil-Wayne-gestützte „Mad“) und Verletzlichkeit (der soulvolle „Weary“) treiben nicht nur die Themen des Albums voran, sondern bieten auch Trost und Gemeinschaft. —J.J.
Big Thief, „U.F.O.F.“ (2019)
Adrianne Lenker hatte sich bereits als beeindruckende Singer-Songwriterin mit Songs wie „Shark Smile“ und „Paul“ etabliert, als ihre Band 2019 ihr 4AD-Debüt veröffentlichte. Doch U.F.O.F. kristallisierte Big Thief zur einflussreichsten und verehrtesten Indie-Folk-Band ihrer Generation. Das Album enthielt nichts, was einem Single-Hit ähnelte, aber seine Mischung aus ätherischen und mystischen Betrachtungen (der Titeltrack, „Century“) und Lennkers verwurzelten, altmodischen Folk-Melodien („Orange“, „Cattails“) machten es zur definitiven Aussage der Band. „Es fühlte sich wichtig an“, sagte Lenker zu Rolling Stone, „eine Brücke zwischen den irdischen, rohen, physischen Formen … und dieser ganzen anderen himmlischen Sphäre zu schlagen.“ —J. Bernstein
Beyoncé, „Cowboy Carter“ (2024)
Als Beyoncé ihre Feier der Tanzmusik, Renaissance, mit einem Country-Album fortsetzte, hatte sie nicht weit zu gehen: Die Texanerin war schon immer Country. Sie illustrierte das perfekt auf Cowboy Carter, indem sie nicht nur ihre eigene Geschichte als Schwarze Frau im Süden erzählte, sondern auch die Geschichten von Pionierinnen wie Linda Martell und Newcomern wie Tanner Adell und Shaboozey. „Wir sind alle Country“, sagte sie im Wesentlichen über eine klangliche Landschaft aus Line-Dance-Twang („Texas Hold ‘Em“), Hinterhof-Saitenjams („Alligator Tears“) und ungezügeltem Country-Soul („Ya Ya“). Gastauftritte von Miley Cyrus und Post Malone, ganz zu schweigen von Dolly Parton und Willie Nelson, waren nicht nur eine Demonstration von Star-Power, sondern auch verbindendes Gewebe, eine hochkarätige Art zu zeigen, wie viele Fäden es im Country gibt. —J.H.
