Die 250 besten Alben des 21. Jahrhunderts
Mit 25 Jahren dieses Jahrhunderts im Rückblick: Diese Alben haben unsere Zeit geprägt.
Wilco, „Yankee Hotel Foxtrot“ (2002)
In der Hoffnung auf ein radiofreundliches Album im Alternative-Country-Stil lehnte das ursprüngliche Label der Band Yankee Hotel Foxtrot ab, nur um es dann von Wilco kostenlos streamen zu lassen und anschließend bei einem Schwesterlabel zu unterzeichnen, was es zu einem Hit machte. Yankee Hotel Foxtrot, das zu Recht als American Kid A bezeichnet wird, setzt Jeff Tweedys wunderschön gedämpftes Songwriting in Arrangements um, die die erwarteten Wurzeln des Rock mit dem Summen, Kreischen und Piepen des Krautrock verbinden. Selbst als Tweedy mit der Kontrolle seiner psychischen Schäden zu kämpfen hatte („There is something wrong with me/My mind is filled with radio cures/Electronica surgical words“, singt er in „Radio Cure“), befreiten er und Wilco sich von der Roots-Rock-Weide und zeigten, an welch aufregend exzentrischen Orten sich der Rock ’n’ Roll im neuen Jahrhundert hinwenden könnte. – D.B.
SZA, „Ctrl“ (2017)
SZA hat mit ihrem Album „Ctrl“ eine Schar von Fans dazu gebracht, sich mit ihren schrulligen und herzergreifenden Betrachtungen über das Erwachsenwerden gesehen zu fühlen, und widerspricht dabei der Vorstellung, dass Intimität und Privatsphäre ein und dasselbe sind. Live und direkt aus ihrer Erwachsenen-Jugend, mitten in dem Wissen, was das Beste für einen ist, und der Gewohnheit, das zu wählen, was vielleicht das Schlimmste ist, zerstreute SZA sofort jeden Eindruck, dass sie auch nur ein konventioneller R&B-Star sein wollte, und läutete damit die Ära ein, in der das Genre ständig nach dem Bild seines Trägers neu erfunden wird. Mit „Ctrl“ stellte sich SZA als Kind der Neunziger vor, das mit Alternative Rock, Hip-Hop und vielem mehr aufgewachsen ist – hier, um alles und nichts zu sein. –M. C.
Lil Wayne, „Tha Carter III“ (2008)
Du bist also Lil Wayne im Jahr 2008. In den letzten ein oder zwei Jahren hast du dich selbst als den besten Rapper der Welt bezeichnet und dies auf Mixtapes und durchgesickerten Studioaufnahmen bewiesen, die vor unkontrollierbarem Witz und lyrischem Wahnsinn nur so sprühen. Jetzt ist es an der Zeit, diesen legendären Lauf mit einem Album mit großem Budget zu übertreffen. Zögerst du? Auf keinen Fall. Du rufst die angesagtesten Produzenten (Swizz Beatz, Cool and Dre, einen Kanye West vor der Blamage) und einige Newcomer an; du machst einen sirupartigen Pop-Hit („Lollipop“) und einen Song über eine Verhaftung auf heiße Art („Mrs. Officer“); du siehst zu, wie die Platinverkäufe eintrudeln; und du machst weiter so. Jahre später sagte er Rolling Stone, er wisse kaum noch, welches Tha Carter III war, aber die Welt wusste es ganz genau. – S.V.L.
Yeah Yeah Yeahs, „Fever to Tell“ (2003)
Die Yeah Yeah Yeahs waren ein wahr gewordener New Yorker Punkrock-Traum, drei Kids, die ihren eigenen Stil sexbesessener Garagen-Kicks raushauten. Sie stürzten sich in die Flaute der Rockszene der frühen 2000er Jahre und verwandelten sie in eine wilde Party. Sängerin Karen O stakste in zerrissenen Netzstrümpfen und mit verschmiertem Lippenstift über die Bühne, ein furchteinflößendes Dämonenmädchen mit wildem Geheul. Die YYYs wurden mit ihrem Debütalbum Fever to Tell, mit dem wilden Stolzieren von „Y Control“ („Ich wünschte, ich könnte die Frau zurückkaufen, die du gestohlen hast“) und „Black Tongue“ zu einer weltweiten Sensation. Ihre schmerzvolle Liebesballade „Maps“ ist zu einem zeitlosen Klassiker geworden, in dem Karen über Nick Zinners mutierter Gitarre und Brian Chases donnerndem Schlagzeug „Warte, sie lieben dich nicht so wie ich“ singt. – R.S.
Amy Winehouse, „Back to Black“ (2006)
Amy Winehouse war eine Künstlerin, die mit überbordendem Charisma und Persönlichkeit auftrat und mitreißende – und manchmal berauschende – Geschichten von heißen Affären („You Know I’m No Good“) und resigniertem Herzschmerz („Love Is a Losing Game“ und „Tears Dry on Their Own“) erzählte. Ihr unverwechselbares Timbre war einer der am schnellsten wiedererkennbaren Klänge in der modernen Musik, und sie hatte die unerschütterliche Fähigkeit als Songwriterin, einen auf ihre Seite zu ziehen, wie in dem sich entfaltenden Trennungsklassiker „Back to Black“ und dem von Motown inspirierten „Rehab“. Winehouse brachte Schmerz und Verlust sowohl in ihrer Stimme als auch in ihren Texten zum Ausdruck, als wäre sie damit in einem Boxring eingesperrt. Sie landete immer einen Hit – und lieferte auch eine verdammt gute Show ab. –L.P.
Lorde, „Melodrama“ (2017)
Mit ihrem noch besseren Nachfolger ihres bereits rekordverdächtigen Debüts lud Lorde die Zuhörer zu der Party ein, die ihre Teenagerzeit beendete, und ließ sie sogar bis in die aufschlussreiche Morgendämmerung hinein bleiben. Das Ergebnis war ein pulsierendes Album, das von dem Herzschmerz und der Begeisterung des Eintritts ins Erwachsenenalter geprägt ist, während es von tränenreichen Taxifahrten zu mit Drogen gefüllten Tanzflächen springt. Aber als Lorde sich schließlich im Licht des nächsten Morgens mit sich selbst auseinandersetzt und den Popstar-Poeten akzeptiert, der sie ist, erschließt sie sich die anhaltende Magie von Melodrama. Trotz all der verwirrenden Emotionen strotzt das Album vor einer Pop-Produktion, die groß genug ist, um das Gewicht zu tragen – und die einen zum Weinen und Tanzen bringt. –M.G.
David Bowie, „Black Star“ (2016)
David Bowie wusste, dass er an Leberkrebs sterben würde, als er Anfang 2015 mit seinem langjährigen Produzenten Tony Visconti mit den Aufnahmen zu Blackstar begann. In Zusammenarbeit mit einer Gruppe von New Yorker Jazzmusikern unter der Leitung des Saxophonisten Donny McCaslin schuf er, wie Visconti es nannte, ein „Abschiedsgeschenk“ für seine Fans. Das eindringliche „Lazarus“ („Look up here, I’m in Heaven/I’ve got scars that can’t be healed“) ist der emotionale Höhepunkt, während der zehnminütige Titeltrack eine atemberaubende Fusion aus Prog-Rock und Avantgarde-Jazz ist, die es mit jedem der besten Werke Bowies aus den Siebzigern aufnehmen kann. Die Fans hatten nur ein Wochenende Zeit, um das Album zu verarbeiten, bevor am Montag die Nachricht vom Tod Bowies eintraf. Es war einer der größten letzten Akte in der Geschichte des Rock. –A. Greene
Drake, „Take Care“ (2011)
Take Care
Drake überschwemmte mit seinem zweiten Album, das die Grenze zwischen Rap-Prahlerei und R&B-Sensibilität, zwischen Angeberei und Selbstmitleid verwischte, den Weg an die Spitze des Pop-Pantheons und brachte eine ganz neue Ebene der vergoldeten Selbstgefälligkeit in den Hip-Hop. Drizzy tut sich mit seinem Kollegen aus Toronto, dem „Sad Boy“ The Weeknd, zusammen und arbeitet für den ergreifend süßen Titelsong mit Rihanna zusammen. Mit „Marvin’s Room“ hinterlässt er einen herzzerreißenden betrunkenen Anruf für die Ewigkeit. Der luxuriöse, höhlenartige Klang des Albums (gemeinsam mit dem ausführenden Produzenten 40 und einer Reihe von A-Promi-Gaststars geschaffen) und Drakes Fähigkeit, viele Stimmungen – Arroganz, Traurigkeit, Zärtlichkeit und Selbstmitleid – zu einer einzigen ozeanischen Masse emotionalen Breis zu verdichten, machen ihn zu einem einzigartigen Künstler. Im Laufe der 2010er Jahre sollte sich daraus eine Superautobahn entwickeln. –J.D.
Rosalía, „El Mal Querer“ (2018)
Rosalía war gerade Studentin und studierte Flamenco-Gesangsinterpretation in Barcelona, als sie mit der Arbeit an ihrem radikalen Durchbruchsalbum El Mal Querer begann. Inspiriert von dem okzitanischen Roman Flamenca aus dem 13. Jahrhundert gestaltete Rosalía das Projekt als eine Reise einer Frau von toxischer, verdrehter Liebe in die Unabhängigkeit, während sie moderne Klänge mit Flamenco-Traditionen verband. Bulería und Palmas treffen auf Hip-Hop-Beats und sogar auf eine Justin-Timberlake-Einlage und schaffen so einen atemberaubenden, einzigartigen Sound. Sie präsentierte das Album als ihre Abschlussarbeit – und teilte es dann mit der Welt, brachte den Flamenco in die Zukunft und etablierte sich als erfinderische, kompromisslose Pop-Autorin. –J.L.
Rihanna, „Anti“ (2016)
Bis 2016 war Rihanna in ihrer Beständigkeit als Hitmacherin weitgehend konkurrenzlos. Aber erst mit „Anti“ glänzte sie als echte Albumkünstlerin. Sie schaffte den Aufstieg, ohne die bestimmenden Merkmale ihrer Größe zu opfern. Die breitere, genreübergreifende Vision, die Rihanna auf „Consideration“ mit SZA konzeptualisiert, nimmt in „Desperado“ und „Woo“ Gestalt an und schwelgt dann in „Higher“ im Blues. „Work“ und ‚Needed Me‘ haben die Popmusik zweifellos auf den Kopf gestellt, während ‚Kiss It Better‘ und ‚Love on the Brain‘ eine entscheidende Entwicklung für die Künstlerin als Sängerin markierten. Selbst wenn Rihanna nie wieder ein Album veröffentlichen sollte, hat sie ihre Diskografie zumindest mit einem der meisterhaftesten und selbstbewusstesten Alben der modernen Musikgeschichte abgeschlossen. –L.P.
