Die 250 besten Alben des 21. Jahrhunderts
Mit 25 Jahren dieses Jahrhunderts im Rückblick: Diese Alben haben unsere Zeit geprägt.
Lady Gaga, „The Fame Monster“ (2009)
Mit The Fame wurde Lady Gaga zum Star. Mit The Fame Monster begann sie, diesen Status zu leben. Als begleitende 8-Song-LP zu ihrem Debütalbum veröffentlicht, lieferte Gaga eine düstere Dance-Pop-Analyse der Liebe und des Lebens als Prominente. Fame Monster war auch ein visuelles Projekt, das extravagante, zeittypische Bilder lieferte, die zu ihren übertriebenen Texten passten: In „Bad Romance“ schlief sie mit einer Leiche, in „Telephone“ konspirierte und tötete sie mit Beyoncé und in „Alejandro“ brachte sie die katholische Kirche dazu, „Blasphemie!“ zu schreien. (Erinnern Sie sich daran, wie sie einen Rosenkranz verschluckte?) Wenn The Fame Gaga als Star einführte, so festigte Fame Monster ihren Ruf als eine der führenden Popkünstlerinnen ihrer ganzen Generation. –T.M.
Bob Dylan, „Love and Theft“ (2001)
Bob Dylan hat schon viele Überraschungen erlebt, aber mit Love and Theft, dem schroffen Meisterwerk, das er am 11. September 2001 veröffentlichte, schockierte er wirklich alle. Mit 60 Jahren knurrte Dylan mit der Stimme eines ergrauten Herumtreibers, der jeden Winkel Amerikas besucht und aus allen verjagt worden war. Aber noch nie klang er so bedrohlich oder so tief in den Traditionen des amerikanischen Liedguts verwurzelt, mit Delta-Blues, Ragtime, Country, Rockabilly und abgedroschenen Varieté-Witzen. Dylan ließ alles so klingen, als gäbe es diesmal wirklich keine Richtung nach Hause, und knurrte: „Diese Erinnerungen, die ich habe, können einen Mann erwürgen.“ Es ist eines seiner besten, von der zum Scheitern verurteilten Romanze „Mississippi“ bis zum rastlosen Abschied „Sugar Baby“. –R.S.
Missy Elliott, „Under Construction“ (2002)
Missy Elliotts viertes Album ist selbst für ihre Verhältnisse ein avantgardistisches Feuerwerk, bei dem die Königin aus Virginia in die wildesten Winkel ihrer Fantasie vordringt. „Work It“ bringt die Party mit absurden Timbaland-Beats und einem Blondie-Synthiepop-Sample in Schwung. Elliott skandiert ‚I put my thing down, flip it, and reverse it‘, bevor sie ihre Stimme für den Hook rückwärts laufen lässt. Auf dem gesamten Album Under Construction zielt sie auf den spielerischen Geist des Old-School-Raps ab, wie in ‚Back in the Day‘ mit Jay-Z. Elliott gibt mit ihren Freunden an (Beyoncé, Method Man, TLC), redet schmutzig, trauert um ihr Mädchen Aaliyah, singt einen R&B-Slow-Jam mit dem Text „Pussy don‘t fail me now“ und liefert schließlich das umfassendste Album ihrer erstaunlichen Karriere ab. –R.S.
Adele, „21“ (2011)
In einer Ära des glitzernden Pop und Rap traf die Vintage-Soul-Power von Adeles zweitem Album einen Nerv, verkaufte sich weltweit mehr als 30 Millionen Mal und gewann sechs Grammys. Der dunkle Donner in ihrer Stimme und die emotionale Kraft von Songs wie „Rolling in the Deep“, „Set Fire to the Rain“ und „Rumour Has It“, die von Unrecht und Leid handeln, haben nicht im Geringsten nachgelassen. Adeles atemberaubende Gesangsdarbietungen vermischten königliche Gelassenheit mit roher Kraft, ob sie nun einen üppigen Groove in „I’ll Be Waiting“ ausspielte oder mit der Flügelballade „Someone Like You“ zum Schluss alles zum Schweigen brachte. In Zusammenarbeit mit Co-Autoren und Produzenten wie Greg Kurstin, Ryan Tedder und Rick Rubin schuf sie einen polierten R&B-Sound, der an den Soul der Sechziger und den Jazz der Mitte des 20. Jahrhunderts erinnert, sich aber in unserer Zeit absolut präsent anfühlt. –J.D.
Beyoncé, „Beyoncé“ (2013)
Wo waren Sie am 13. Dezember 2013 um Mitternacht, als Beyoncé auf Instagram „Surprise!“ postete und ihr selbstbetiteltes, sexy Meisterwerk mit 14 Songs und 17 Videos direkt auf iTunes veröffentlichte, ohne auch nur einen Hauch von Vorwarnung? Das Album zeichnete sich durch einen eher avantgardistischen musikalischen Ansatz und eine Reihe von Mitwirkenden aus – darunter Ehemann Jay-Z, Timbaland, Sia, Pharrell, Justin Timberlake und die nigerianische Autorin Chimamanda Ngozi Adichie –, die alle die Fähigkeit haben, ein sehr großes Geheimnis zu bewahren. Beyoncé wurde nicht nur von der Kritik gefeiert, sondern war auch ein großer kommerzieller Erfolg, veränderte die Musikindustrie und zeigte, was für ein kreativ abenteuerlustiges Genie Beyoncé ist. Mit einem Wort: makellos. –L.T.
Lana Del Rey, „Norman Fucking Rockwell!“ (2019)
Norman Fucking Rockwell! präsentierte der Welt eine neue Lana Del Rey. Mit ihrem sechsten Album verabschiedete sich Del Rey von den orchestralen, düsteren Popsounds und den toxischen, liebesidealisierenden Texten der Platten, die sie zu einem Kultstar machten. Stattdessen entschied sich der Star für introspektives Storytelling („And if this is it/I had a ball“) und eine nuancierte Betrachtung des amerikanischen Traums, wobei sie Rockwells Kunstperspektive auf den Kopf stellte. Die fließenden, experimentellen Klänge des Albums führten auch zu ihrer synergetischen Partnerschaft mit Jack Antonoff, die bis heute andauert. Zu den vielen beeindruckenden Qualitäten des Albums gehören ein Hauch von Siebzigern, ein Sublime-Cover und die ikonische Zeile „Goddamn, man-child/You fucked me so good that I almost said ‚I love you‘“ –T.M.
The White Stripes, „Elephant“ (2003)
Wenn Chuck Berrys „Johnny B. Goode“ uns den Inbegriff des Gitarrenriffs des 20. Jahrhunderts beschert hat, dann hat „Seven Nation Army“ von den White Stripes dasselbe für dieses Jahrhundert getan. Aufgenommen mit Vintage-Equipment und ohne jegliche Produktionsspielereien, hat die Eröffnungssalve von Elephant – diese metronomische, trockene Basslinie, die auf iPods gespielt wurde und durch Stadien hallte, vom König von England bis zu den Höllenhunden – die Welt nicht nur an die ewige Anziehungskraft der Grundelemente des Rock erinnert. Das Album schuf eine Art Blaupause für Authentizität im digitalen Zeitalter. Der minimalistische Biss des Duos aus Detroit war ein Vorbote für den Erfolg der Garagenrock-Revivalisten von den Black Keys bis zu den Arctic Monkeys und zeigte, wie man die Vergangenheit kanalisieren kann, ohne in Nostalgie zu verfallen. –S.G.
Fiona Apple, „The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do“ (2012)
Nach Verzögerungen und Dramen mit ihrem vorherigen Album, Extraordinary Machine aus dem Jahr 2005, begann Fiona Apple heimlich mit den Aufnahmen zu The Idler Wheel, Jahre bevor es veröffentlicht wurde. In Zusammenarbeit mit ihrem Tour-Schlagzeuger Charley Drayton entschied sie sich für einen minimalistischen Produktionsstil, bei dem sie ungewöhnliche Schlaginstrumente wie Pauken betonte, sogar auf ihre Schenkel schlug und auf den Boden stampfte. Das Ergebnis war eine Art freier Cabaret-Jazz, der gleichzeitig unverschämt ehrlich („Ich fühle nichts, bis ich es zerstöre“, warnt sie in „Daredevil“) und geschickt abstrakt („Ich bin verliebt, aber unerreichbar/Eine Stillleben-Zeichnung eines Pfirsichs“, sang sie in „Valentine“) war. Indem sie traditionelle Songstrukturen in Frage stellte und die tiefsten Abgründe ihres Innenlebens auslotete, schuf Apple ein gewagtes Meisterwerk, das sich dennoch zugänglich anfühlt. –A.W.
Jay-Z, „The Blueprint“ (2001)
„Was Off the Wall für Michael Jackson ist, ist The Blueprint für mich“, sagte Jay-Z 2017 zu Rap Radar. The Blueprint wird von makellosen Beats von Kanye West, Just Blaze, Timbaland und anderen unterstützt und enthält so viele zitierfähige Zeilen, dass es einen eigenen Abschnitt in der Library of Congress haben sollte: „Ich weiß, dass du mich liebst wie gekochtes Essen“, ‚Ich kann Rap nicht in Ruhe lassen, das Spiel braucht mich‘, ‚Mach dich schlau, Nas.‘ Und zwei Jahrzehnte bevor Kendrick Lamar Drake in ihrem kolossalen Battle angriff, machte ‚The Takeover‘ das Thema Jay-Z vs. Nas zum Gesprächsthema in jedem Friseursalon und auf jedem Message Board, als Jays zeitloser Diss dem Handwerk neue Begeisterung verlieh. –W.D.
D’Angelo, „Voodoo“ (2000)
Nach seinem Debütalbum Brown Sugar aus dem Jahr 1995 brauchte D’Angelo fast fünf Jahre, um das radikal innovative Voodoo aufzunehmen. Der Visionär des Virginia Soul ignorierte alle Pop-Trends der damaligen Zeit und setzte auf einen verlangsamten, sexuell-mystischen R&B, der Aufmerksamkeit verlangte, mit Balladen wie dem langsam brennenden, Prince-ähnlichen Hit „Untitled (How Does It Feel)“. Wie er in „Chicken Grease“ bezeugt: „Ich bin wie der alte Eimer mit Crisco, der auf dem Herd steht.“ D’Angelo arbeitete mit Gleichgesinnten aus der Soulquarian-Szene zusammen, darunter die Co-Produzenten DJ Premier und Raphael Saadiq sowie Questlove von den Roots als Schlagzeuger und Mitverschwörer, und vertiefte sich in die alten Grooves von Marvin Gaye und Al Green, um ein zukunftsweisendes Statement abzugeben, das mit jedem Jahr einflussreicher wird. –R.S.
