Die 25 besten Bob-Dylan-Songs des 21. Jahrhunderts

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Im Oktober 2014 beendete Bob Dylan einen dreitägigen Auftritt im Dolby Theatre in Hollywood, Kalifornien, dem Austragungsort der Oscar-Verleihung, als er „Blowin’ in the Wind“ aus seiner Setliste strich und stattdessen mit Frank Sinatras Song „Stay With Me“ aus dem Jahr 1964 abschloss.

Niemand wusste es an diesem Abend, aber es war der erste Einblick der Öffentlichkeit in eine neue Ära von Dylans Karriere, in der er drei Alben in Folge (2015 „Shadows in the Night“, 2016 Fallen Angels und 2017 Triplicate) den mit Sinatra verbundenen Standards widmen würde. Eine seiner erfolgreichsten Interpretationen war diese erste, in der er eine Geschichte von Hilflosigkeit und Trauer aufgreift. Und sie irgendwie noch verzweifelter klingen lässt als das Original. Die meisten Menschen im Publikum an diesem Abend in L.A. hätten wahrscheinlich „Blowin’ in the Wind“ vorgezogen. Aber Dylan war noch nie jemand, der seinem Publikum genau das gab, was es wollte. A.G.

24. „Must Be Santa“

Gerade als wir dachten, Dylan könne uns mit keinen Überraschungen mehr überraschen, veröffentlichte er ein Weihnachtsalbum. Im Mittelpunkt von „Christmas in the Heart“ aus dem Jahr 2009 steht eine Polka-meets-Klezmer-Version von „Must Be Santa“, die ihre verrückte Inspiration aus einem früheren Cover der texanischen Band Brave Combo bezieht. In einem verrückten Video unter der Regie von Nash Edgerton erscheint Dylan auf einer ausgelassenen Weihnachtsfeier. Gekleidet in eine silberne Perücke und eine Melone, während er die Namen einiger ehemaliger Präsidenten mit denen der Rentiere des Weihnachtsmanns vermischt.

„Dasher, Dancer, Prancer, Vixen/Eisenhower, Kennedy, Johnson, Nixon!“ Der Rest von „Christmas in the Heart“ ist überraschend großartig. Eine Sammlung von Klassikern, die so warm und fröhlich sind, dass Kritiker dachten, dahinter müsse eine gewisse Ironie stecken. „Kritiker wie diese betrachten das Ganze von außen“, sagte Dylan zu Bill Flanagan. „Sie sind definitiv keine Fans oder das Publikum, für das ich spiele. Sie haben kein tiefes Verständnis für mich und meine Arbeit. Für das, was ich kann und was ich nicht kann. Für den gesamten Umfang. Selbst zum jetzigen Zeitpunkt wissen sie immer noch nicht, was sie von mir halten sollen.“ A.M.

23. „Workingman’s Blues #2“

Dylan tourte 2005 mit Merle Haggard. Was vielleicht der Grund dafür war, dass er sich entschloss, im folgenden Jahr eine Fortsetzung zu Haggards fröhlichem Blues-Stomper von 1969 für Modern Times zu schreiben. Während Haggard über einen Familienvater aus der Arbeiterklasse schrieb, der die Woche übersteht, indem er am Wochenende in der Kneipe Dampf ablässt, singt Dylan über jemanden, der keine Optionen mehr hat. „Sie haben meine Scheune niedergebrannt, mein Pferd gestohlen, ich kann keinen Cent sparen.“

Stattdessen blickt die Figur in diesem versteckten Juwel auf zerbrochene Beziehungen und verlorene Kämpfe zurück. Am Ende des Songs beginnt sich das Leben der Figur aufzuhellen, doch seine Verbitterung bleibt. „Ich habe einen brandneuen Anzug und eine brandneue Frau/Ich kann von Reis und Bohnen leben“, singt Dylan. „Manche Menschen haben noch nie in ihrem Leben gearbeitet/Sie wissen nicht einmal, was Arbeit bedeutet.“ P.D.

22. „Autumn Leaves“

Die romantische Ballade „Autumn Leaves“ wurde von Frank Sinatra über Bing Crosby bis hin zu Nat King Cole und Doris Day von allen aufgenommen. Aber alle diese Künstler haben sich vor ihrem 50. Lebensjahr mit dem Song beschäftigt. Als Dylan ihn 2015 für Shadows in the Night aufnahm, bekam er eine ganz neue Bedeutung. Hier blickt ein 74-jähriger Crooner mit Nostalgie und mehr als nur ein wenig Bedauern auf sein Leben zurück.

Begleitet von einer wirbelnden Pedal-Steel-Gitarre sehnt er sich nach der Vergangenheit. „ Seit du weg bist, werden die Tage lang/Und bald werde ich das alte Winterlied hören.“ Dylan veröffentlichte noch zwei weitere Sammlungen von Standards. Aber es gibt einen Grund, warum er „Autumn Leaves“ in den letzten fünf Jahren 237 Mal aufgeführt hat. Es passt besser zu seinen Originalen als fast alles andere aus dieser Zeit. A.M.

21. „It’s All Good“

Dylan war schon immer ein Hip-Hop-Fan. Seit er in den Achtzigern auf dem Old-School-Rap-Klassiker „Street Rock“ von Kurtis Blow

rappte. In seinen Memoiren „Chronicles“ schwärmt er davon, wie sehr ihn N.W.A, Public Enemy und Ice-T beeindruckt haben. „Diese Jungs standen nicht herum und redeten nur Unsinn“, schrieb Dylan. „Sie schlugen auf Trommeln, rissen alles nieder, warfen Pferde über Klippen. Sie waren alle Poeten und wussten, was los war.“

„It’s All Good“ verwandelt den Rap-Slogan in einen Akkordeon-Blues-Rant, dessen Ton irgendwo zwischen „Gangsta Gangsta“ und „Groom Still Waiting at the Altar“ liegt. “ Dylan singt davon, dass die ganze Welt in Flammen aufgeht. Lügende Politiker. Betrügerische Liebhaber. Polizisten auf der Jagd. Gewalt. Blut. Sünde. Elend. Aber er kichert wild, während er singt: „It’s aaaaaaaall good!“ R.S.

20. „Lonesome Day Blues“

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Bis 2001 hatte Dylan bereits seit rund 40 Jahren mit Blues-Formen experimentiert. Aber selten klang er so, als hätte er mehr Spaß an diesem Genre als bei „Lonesome Day Blues“, einem lockeren und rauen 12-taktigen Shuffle im Stil von Klassikern wie „ „Leopard-Skin Pill-Box Hat“, in dem er die Erzählung über Bord wirft und einfach nur riffelt. Selbst wenn er im ersten Vers über seinen „traurigen und einsamen Tag“ singt – eine Anspielung auf Leroy Carr und Scrapper Blackwells Melodie „Blues Before Sunrise“ aus dem Jahr 1934 – und seine Worte mit einer Stimme herauskrächzt, die Rob Sheffield in seiner ursprünglichen Rolling Stone-Rezension von „Love and Theft“ mit dem Knurren einer „eines Bärenkatzen, die seit den Achtzigern nichts mehr gefressen hat“ vergleicht – wirkt Dylan verschmitzt und ein wenig verwegen.

Im vierten Vers erzählt er von einer Frau namens Samantha Brown. Und sagt, dass sie „vier oder fünf Monate“ zusammengelebt haben, während er bestreitet, jemals „auch nur einmal mit ihr geschlafen“ zu haben. (Seltsamerweise hat Dylan diesen Teil wahrscheinlich aus Confessions of a Yakuza übernommen. Einem obskuren Sachbuch des japanischen Arztes Junichi Saga aus dem Jahr 1989. ) Was dem Song an Kohärenz fehlt, macht er durch Charisma wett, wobei Dylan jede Pointe – „Du wirst meine Hilfe brauchen, Schatz/Du kannst nicht ganz allein Liebe machen“ – wie der

verkauft, als der er sich immer bezeichnet hat. H.S.

19. „Why Was I Born“

Für viele Fans wirkte das dreiteilige CD-Set mit Standards Triplicate nach zwei vorherigen Alben, die dasselbe Terrain abdeckten, wie eine absurde Übertreibung. Aber es hat viele faszinierende Momente. Dylan beendet seine lange Reise mit einem düsteren, suchenden Torch-Song, der ursprünglich 1929 von Jerome Kern und Oscar Hammerstein geschrieben und unter anderem von Frank Sinatra, Billie Holiday und Ella Fitzgerald aufgenommen wurde. „Warum wurde ich geboren? / Warum lebe ich? / Was bekomme ich? / Und was gebe ich?“ Dylan singt mit rauer Stimme. Er verleiht diesen liebeskranken Rätseln eine existenzielle Schwere. Als würde er sich mit über 70 Jahren dringender denn je fragen, wie er seinem Leben Bedeutung verleihen kann. Wie immer macht er sich die Geschichte zu eigen. J.D.

18. „Soon After Midnight“

Bei vielen seiner Konzerte in den 2010er Jahren spielte Dylan diesen Song auf der Bühne vor einem Hintergrund, der wie Van Goghs Sternennacht aussah. Das passte gut zu diesem gefühlvollen Titel, der an den Doo-Wop der 50er Jahre erinnert, bevor er sich in eine Murder Ballad verwandelt. (Fans ist aufgefallen, dass der Song Bobby Fullers „A New Shade of Blue“ sehr ähnlich klingt. Und dass Charlie Sextons Gitarrensolo an die Melodie von „Blue Moon“ erinnert.

Am Ende wird klar, dass Dylan sich nicht um die Hure Charlotte, Mary in Grün oder die Feenkönigin schert. Er hat nur eine Geliebte im Kopf, und Two-Timing Slim wird sie nicht auseinanderbringen. „Wer hat schon jemals von ihm gehört?“, fragt Dylan. „Ich werde seine Leiche durch den Schlamm zerren.“ P.D.

17. „Spirit on the Water“

„Ich würde diese Platte aufnehmen, egal was in der Welt passiert“, sagte Dylan 2006 gegenüber Rolling Stone über Modern Times. „Ich habe diese Songs nicht in einem meditativen Zustand geschrieben. Sondern eher in einem tranceartigen, hypnotischen Zustand.“ Dieses tranceartige Gefühl prägt „Spirit on the Water“, ein fast achtminütiges Liebeslied, in dem Dylan die Bibel und Sonny Boy Williamson zitiert.

Dylan singt von der Freude, die ihm seine Geliebte bereitet. Und wartet bis zum Ende, um eine grausame und einfache Wendung des Schicksals zu offenbaren. „Ich möchte mit dir im Paradies sein/Und es scheint so unfair/Ich kann nicht mehr ins Paradies gehen/Ich habe dort einen Mann getötet.“ P.D.

16. „Beyond Here Lies Nothin’“

Wie die meisten Songs auf dem 2009 erschienenen Album Together Through Life wurde auch „Beyond Here Lies Nothin’“ gemeinsam mit dem Grateful-Dead-Texter Robert Hunter geschrieben. Der Song eröffnet das Album mit einem düsteren Bild einer letzten Romanze als Schutz und Leitfaden in einer öden Welt.

Mit Mike Campbells Gitarre, die gegen dröhnende Trommeln peitscht, und der melancholischen Stimmung von Donnie Herrons Trompete und David Hidalgos Akkordeon vermittelt der Song ein geheimnisvolles Noir-Feeling. Als würde der Erzähler fast die gesamte Geschichte darüber auslassen, wie er seine Geliebte an einen Ort gebracht hat, an dem nur sie, der Mond, die Sterne und die leeren Boulevards sind. Man hat das Gefühl, dass alles, was er als Nächstes geplant hat, die Dinge nur noch schlimmer machen wird. Aber man kann nicht umhin, von seiner zum Scheitern verurteilten Widerstandsfähigkeit beeindruckt zu sein. J.D.

15. „Tell Ol’ Bill“

Dylan schrieb eine Reihe von Soundtrack-Songs für Filme zwischen Love and Theft und Modern Times. Der vielleicht beste davon ist „Tell Ol’ Bill”, den er für den Film North Country mit Charlize Theron in der Hauptrolle schrieb. Mit einem Titel, der bis ins Jahr 1927 zurückreicht, und einer Melodie, die möglicherweise von der Carter Family inspiriert wurde, erzählt Dylan die Geschichte eines umherziehenden Einzelgängers. Der versucht, zu überleben, während der Tag des Jüngsten Gerichts näher rückt. („ Du hast mich mit Füßen getreten, als du vorbeigegangen bist/Hast mir den kältesten Kuss auf die Stirn gedrückt”, singt Dylan in einer umwerfenden Zeile. „All meine Zweifel und Ängste sind endlich verschwunden/Ich habe dir jetzt nichts mehr zu sagen.”)

„Tell Ol’ Bill” ist ein Favorit unter eingefleischten Dylan-Fans wie Tony Attwood von Untold Dylan. Der es als „eines der beiden größten Werke Dylans aller Zeiten” bezeichnete und einen faszinierenden Artikel schrieb, in dem er seine Ursprünge anhand mehrerer Bootleg-Versionen nachzeichnete. Wie dort dokumentiert, probierte der Sänger verschiedene Ansätze aus. Von einer Version, die den Groove von „Thunder on the Mountain“ widerspiegelt, bis zu einer anderen, die eher an „It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry“ erinnert. „Allmählich“, schreibt Attwood, „bewegt sich Dylan auf das Meisterwerk zu, das wir heute kennen.“ P.D.

14. „Long and Wasted Years“

Über einer absteigenden Akkordfolge, die immer intensiver wird, betrachtet Dylan die Trümmer seines chaotischen Lebens. Er hat einiges zu bereuen. Die Liebe, die er mit jemand anderem teilte, ist längst vergangen. Seine Nächsten sind nicht mehr da. Sogar seine Feinde sind tot. Das klingt sehr nach The Irishman.

Es sind die kleinen Details, die diesen Song ausmachen. Wie zum Beispiel, wenn Dylan sagt: „Ich habe meine Familie seit 20 Jahren nicht mehr gesehen/Das ist nicht leicht zu verstehen, vielleicht sind sie inzwischen tot/Ich habe den Kontakt zu ihnen verloren, nachdem sie ihr Land verloren hatten.“ P.D.

13. „I Contain Multitudes“

Als eine Art Gegenstück zu „Murder Most Foul“ ist der kontemplative Song, der „Rough and Rowdy Ways“ eröffnet, ein weiterer Song, in dem Dylan über seinen Platz in der Konstellation großer Musiker und Künstler aller Zeiten nachzudenken scheint. Diesmal ist der Mann mit den vielen Stimmungen eher verspielt. Er ruft William Blake und Edgar Allan Poe. Zitiert verschmitzt Bowie und die Eagles und bringt einige scharfsinnige Einzeiler (der Titel reimt sich auf „I paint landscapes, and I paint nudes“ und „I drive fast cars, and I eat fast foods“). Einige seiner bons mots sind absurd und grenzen an Wahnsinn, wie zum Beispiel, wenn er sich mit Anne Frank, Indiana Jones und „den britischen Bad Boys, den Rolling Stones“ vergleicht.

Als ein Interviewer höflich nachfragte, was er mit dieser Zeile bezwecken wolle, parierte Dylan. „Jede Zeile hat einen bestimmten Zweck. Irgendwo im Universum müssen diese drei Namen einen Preis für das bezahlt haben, wofür sie stehen, und sie sind miteinander verbunden. Und ich kann das kaum erklären.” Mit anderen Worten: Hau ab, Mr. Jones. Was er eigentlich in „I Contain Multitudes” sagt. Walt Whitman plädierte in seiner berühmten Zeile für die befreienden Möglichkeiten des Widerspruchs. Dylan nutzt sie, um allen, die an seinem Genie zweifeln (vielleicht sogar ihm selbst), zu sagen, sie sollen sich entspannen und ein bisschen Spaß haben. S.V.L.

12. „Narrow Way“

„Seit die Briten das Weiße Haus niedergebrannt haben“ – das war im Krieg von 1812, für die Geschichtsinteressierten unter Ihnen – „gibt es eine blutende Wunde im Herzen der Stadt.“ Dort ansiedelt Dylan „Narrow Way“, ein Highlight aus Tempest. Der Song hat die Schärfe seiner bissigsten Verrisse aus den Sechzigern, als seine Vorstellung von Spaß darin bestand, in „She’s Your Lover Now“ oder „ Ballad of a Thin Man“ oder „Positively 4th Street“ zu singen.

Nur dass „Narrow Way“ zusätzlich 50 Jahre voller Gift enthält. Dylan lässt biblische Drohungen und Flüche auf seine Feinde niederprasseln, zitiert die Mississippi Sheiks und das Buch Daniel, begleitet von einem siebenminütigen, rasanten Blues-Shuffle aus Gitarre und Geige. „Dein Vater hat dich verlassen, deine Mutter auch“, knurrt Dylan. „Selbst der Tod hat seine Hände von dir abgewaschen.” Es ist der herrlich gemeinste Moment auf Tempest, einem seiner gemeinsten Alben. R.S.

11. „Huck’s Tune”

Man muss nichts über den Kinoflop Lucky You aus dem Jahr 2007 wissen, um sich von der schmerzlichen Schönheit von „Huck’s Tune“ verzaubern zu lassen. Auch wenn Dylan den Song speziell für den Film geschrieben hat und er explizite Bezüge zu Figuren und Handlungsentwicklungen enthält. Losgelöst von diesem Kontext handelt der üppige, verträumte Song von der Tragödie, die Liebe zu opfern, um einen unmöglichen Traum zu verfolgen.

„Von meinen Zehenspitzen bis zu meinem Kopf, du haust mich um“, singt Dylan. „Ich werde dich für eine Weile aus meinem Leben verbannen müssen.“ Ähnlich wie sieben Jahre zuvor bei „Things Have Changed“ schrieb Dylan den Song für Regisseur Curtis Hanson, nachdem er eine frühe Version von Hansons Film gesehen hatte. Es ist Dylans bester Liebes-Song der 2000er Jahre und hätte ihm leicht einen zweiten Oscar einbringen können. Wenn der Film erfolgreich gewesen wäre. A.G.

10. „Duquesne Whistle“

Hörst du nicht, wie die Duquesne-Pfeife ertönt – und was sie dir damit sagen will? Der trügerisch fröhliche Song, den Robert Hunter mitgeschrieben hat und der Tempest eröffnet, tanzt um alle möglichen hochgeistigen und niederträchtigen Bedeutungen herum, die das zentrale Bild haben könnte, ohne sich auf eine Antwort festzulegen. Die Hälfte der Zeit klingt die Pfeife wie die letzte Posaune der Apokalypse. „Blowing like it’s gonna sweep my world away“.

Genauso oft hat sie einen eher fleischlichen Unterton („Rotes Licht leuchtet/Bläst, als stünde sie vor meiner Kammertür”). Die Pfeife könnte ein Symbol für die erlösende Kraft der Musik sein („Bläst, als würde sie meinen Blues wegblasen”). Eine Drohung des Sensenmanns („Blowing like it’s gonna kill me dead”). Oder ein Zeichen eines Heiligen in der Höhe („I can hear a sweet voice steadily calling/Must be the mother of our Lord”).

Einige Interpretationen gehen davon aus, dass es sich um den Klang eines verheerenden Tornados aus dem Jahr 2011 in Duquesne, Missouri, handelt. Andere haben eine Ähnlichkeit mit

aus dem Jahr 1930 des New Orleans Jazz-Größen Jelly Roll Morton festgestellt. Vielleicht ist es all das zugleich. Ein gespenstisches Echo all der Wünsche und Ängste, die spät in der Nacht im Kopf unseres Sängers herumschwirren. Oder vielleicht ist es nur ein Zug, der über die Gleise in die Ewigkeit oder zur nächsten Station rast. S.V.L.

9. „Thunder on the Mountain“

Als Dylan die Kontrolle über seine Musik zurückeroberte, strebte er einen Sound an, der in seinem Kopf auf die vierziger und fünfziger Jahre zurückging. Eine Band, die live in einem Raum spielt. Idealerweise alle in dasselbe Mikrofon. „Thunder on the Mountain” beginnt mit einem unverkennbaren Live-Auftakt aus spritzenden Becken und Blues-Licks, bevor es in einen Song übergeht, der irgendwo zwischen Rockabilly und Western Swing angesiedelt ist.

Gemäß dem Buch Exodus ist „Thunder on the Mountain” die Art und Weise, wie Gott sich gerne ankündigt. Und der Song hat einige nicht untypische Untertöne vom bevorstehenden Tag des Jüngsten Gerichts und vom Wehe der Menschheit. Aber dieses Mal scheint Dylan ziemlich fröhlich darüber zu sein. Eines Tages, ja, hofft er, „neben meinem König zu stehen”. Aber in der Zwischenzeit hat er seine Heugabel an den Nagel gehängt und widmet sich eher weltlichen Angelegenheiten. „ Ich habe die Milch von tausend Kühen getrunken“, prahlt er.

Er fügt auch eine beiläufige Hommage an Alicia Keys ein („Als sie in Hell’s Kitchen geboren wurde, lebte ich weiter unten an der Straße…“), die Memphis Minnies Hommage an einen anderen Blues-Pionier nachempfunden ist. „Ich habe an Ma Rainey gedacht“, sang sie 66 Jahre vor Dylan. „Ich frage mich, wo Ma Rainey sein könnte/Ich habe nach ihr gesucht/Sogar im alten Tennessee.“ A.G.

8. „Nettie Moore“

Die Müdigkeit, von der Dylan in dem düsteren Folk-Blues „Nettie Moore“ singt, ist archetypisch und bezieht sich auf Marshall S. Pike und James Lord Piermonts Lied „Gentle Nettie Moore“ aus dem Jahr 1857 sowie auf das traditionelle Volkslied „Moonshiner“.

Aber es trifft den Nerv, weil es sich so persönlich anfühlt. Er singt davon, Sänger „in einer Cowboy-Band“ zu sein, durch eine Welt zu wandern, die „vor meinen Augen schwarz geworden ist“, mit nur dem schwachen Bild seiner Geliebten, die zu Hause auf ihn wartet, um ihn durch die Trümmer zu führen. „Ich würde durch ein loderndes Feuer gehen, Baby“, singt er. „Wenn ich wüsste, dass du auf der anderen Seite bist.“ J.D.

7. „Key West (Philosopher Pirate)“

Dylan fühlt sich normalerweise in der Dunkelheit zu Hause. Aber in „Key West (Philosopher Pirate)“ begibt er sich für die neunminütige Akkordeonballade über einen grauhaarigen Gesetzlosen, der sich in Florida versteckt und von seinen Erinnerungen verfolgt wird, ganz ins „Land des Lichts“. Es ist ein Knaller. Und eine von Dylans stillsten, erschütterndsten Betrachtungen.

Er befindet sich im gelobten Land des Sonnenscheins – wie er singt: „Key West ist der richtige Ort, wenn du nach Unsterblichkeit suchst.“ Aber er ist allein, abgesehen von seinem Radio. Und gesteht: „Ich suche nach Liebe, nach Inspiration, auf diesem Piratensender.“ Und er wird immer noch von Sehnsucht geplagt. Selbst inmitten von Hibiskusblüten und Fischschwanzpalmen. Er knurrt: „Ich spiele Gumbo-Limbo-Spirituals/Ich kenne alle hinduistischen Rituale.“

In Dylans Songs ist Florida normalerweise nur ein Ort, an den man flüchtet, wenn man sich vor dem Gesetz verstecken muss, wie in „Po’ Boy“ oder „Tweeter and the Monkey Man“. Aber „Key West“ ist etwas Neues. Wenn er fleht: „Radiosignal, spiel ‚Rescue Me‘/Ich bin so tief verliebt, dass ich kaum noch sehen kann“, klingt er wirklich in Blau verstrickt. R.S.

6. „Pay in Blood“

Das unerbittlich bösartige „Pay in Blood“ war bei seiner Veröffentlichung schockierend. Ein Jahrzehnt später zählt es zu Dylans eindringlichsten prophetischen Momenten. Ein Bild von stummer, böser Macht, die ihre amoralische Stärke gegenüber den Schwachen ausspielt. „Ich bezahle mit Blut, aber nicht mit meinem eigenen“, knurrt er und leckt sich die Lippen, während der seltsam optimistisch anmutende Drive des Songs eine weitere Ebene grausiger Ironie hinzufügt. Als ob sein hymnischer Auftrieb dazu da wäre, die Menschen zu verspotten, die der Erzähler vernichtet hat.

Im Jahr 2012 schien der Text Jahrhunderte amerikanischer Gewalt zu evozieren, von der Sklaverei bis zu katastrophalen Invasionen im Ausland. Heute klingt er noch tragischer und dringlicher. Wenn man ihn hört, kann man fast sehen, wie Donald Trump über den Lafayette Square stapft und die Gouverneure der republikanisch regierten Bundesstaaten sich beeilen, die Wirtschaft wieder zu öffnen, während die Zahl der Todesopfer steigt. Wenn dieser Song irrelevant wird, werden wir befreit sein. J.D.