Die 50 besten Bassisten aller Zeiten

5. Carol Kaye

Kaye sammelte erste Erfahrungen in Jazzclubs der 1950er Jahre und machte sich als Studiogitarristin für Hitmacher wie Sam Cooke einen Namen. Später wurde sie mit mehr als 10.000 Titeln die meistaufgenommene Bassistin aller Zeiten. Vom sonnigen Swing des Beach-Boys-Songs „Help Me, Rhonda“ aus dem Jahr 1965 über Richie Valens‘ mittlerweile klassischen Version von „La Bamba“ aus dem Jahr 1958 bis hin zu Frank und Nancy Sinatras romantischer Interpretation von „Somethin‘ Stupid“ aus dem Jahr 1967 – Kayes Fingerabdrücke sind überall in der Geschichte der modernen Popmusik zu finden.

Und dabei sind ihre unzähligen Film- und Fernsehserien-Titelsongs noch nicht einmal mitgezählt. Sie verlieh Titelsongs für alles von Batman bis Mission Impossible ihre einzigartig groovige Grundlage. „Ich war Gitarristin und dachte: ‚Gott, das ist eine ziemlich einfache Basslinie‘“, erzählte sie For Bass Players Only über die Intuition, die ihr beim Spielen half. „Ich dachte, der Bass könnte sich mehr bewegen. Dann würde die Musik besser klingen.“

Ihre prominenten Mitstreiter waren offensichtlich derselben Meinung. „Er hat meinen Basssound in den Mixes ganz nach vorne gebracht“, sagte sie 2011 über Brian Wilson. „Bei einem Song wie ‚California Girls‘ hört man manchmal kaum etwas anderes. Er mochte einfach meinen Sound und die Art, wie ich mich auf dem Griffbrett bewegte.“

4. Bootsy Collins

Bootsy Collins – oder „Bootzilla“, „Casper the Friendly Ghost“ oder „The World’s Only Rhinestone Rock Star Doll, Baba“, je nach Song – definierte in den 70er Jahren das Soul- und Funk-Bassspiel neu und damit auch den Rap und Pop in den 80er und 90er Jahren. Collins schloss sich 1970 James Browns Begleitband, den J.B.’s, an. Er übernahm sofort das Konzept von „The One“ des Soul Brother No. 1, bei dem der erste Schlag eines Takts so hart wie möglich gespielt und der Rest mit Funkiness gefüllt wird.

Später entwickelte er dieses Konzept zu einem psychedelischen Wunderland weiter, als er sich George Clintons Clique anschloss und in Parliament und Funkadelic einen matschigen Wah-Wah-Bass spielte, bevor er als Solostar mit seiner eigenen Band Rubber Band auftrat, eine sternförmige Sonnenbrille trug, einen sternförmigen Bass spielte und mit comicartiger Begeisterung cartoonhafte Liebeslieder sang.

Sein Einfluss ist bei praktisch jedem Bassisten seitdem zu hören. Von Flea von den Red Hot Chili Peppers bis hin zu den Platten, die Dr. Dre großzügig sampelte, um den G-Funk-Sound zu kreieren. „Bootsy kam dazu. Alles, was er hinzufügte, war die Betonung des ersten Taktschlags“, sagte einmal George Clinton. „Man konnte das zu ‚The ABC’s‘ hinzufügen und schon war es in zwei Sekunden Funk. Und von da an war alles, was wir machten, wirklich funky. Egal wie sehr wir versuchten, poppig zu sein.“

3. John Entwistle

John Entwistle von The Who hatte viele Spitznamen. Darunter „The Ox“ (der Ochse) aufgrund seiner imposanten Statur und seines unersättlichen Appetits und „The Quiet One“ (der Stille) wegen seines stoischen Auftretens. Am treffendsten war jedoch „Thunderfingers“, ein Name, der ihm gegeben wurde, weil jedes Mal, wenn er eine Note auf dem Bass spielte, es klang, als würde ein heftiger Sturm über den Horizont hereinbrechen.

Es war ein Stil, den er entwickelte, um auf derselben Bühne wie die extravaganten Showmen Keith Moon und Pete Townshend gehört zu werden. Aber er brachte eine bemerkenswerte Fluidität und Anmut in seine Rolle ein, die anders war als alles, was man zuvor gehört hatte. Einfach ausgedrückt, behandelte er den Bass wie ein Lead-Instrument und ließ ihn genauso hervorstechen wie jede Gitarre.

Sein kräftiges Solo in „My Generation“ inspirierte unzählige Teenager dazu, den Bass in die Hand zu nehmen. Obwohl es fast unmöglich war, sein Spiel nachzuahmen. „Entwistle war wohl der größte Rock-Bassist von allen”, sagte Geddy Lee von Rush. „Er wagte es, die Rolle und den Klang der Bassgitarre aus den dunklen Tiefen zu holen und sie mit seinen erstaunlichen Fähigkeiten zur Geltung zu bringen.”

2. Charles Mingus

Charles Mingus war so viel mehr als nur ein Bassist. Er war Komponist, Konzeptkünstler, klassisch ausgebildeter Cellist und Gesellschaftskritiker. Manchmal vergisst man, wie beeindruckend er auf seinem Instrument war. Aber im Zentrum seiner üppigen, kaleidoskopischen Stücke stand ein unerbittlicher rhythmischer Drive, der von seinen Fingern über die Saiten direkt in seine Bands floss und es so klingen ließ, als würden die Solisten auf einem riesigen Trampolin springen.

Hören Sie sich an, wie er klassische Kompositionen wie „II B.S.“ und „Better Get Hit in Your Soul“ spielt, im Einklang mit dem Schlagzeuger und musikalischen Seelenverwandten Dannie Richmond, und Sie werden ein Gefühl für die Kraft und Anmut seines Spiels bekommen. Für die Art und Weise, wie er eine Walking-Line sowohl wuchtig als auch flink klingen lassen konnte.

Mingus‘ Karriere umfasste mehrere Epochen des Jazz, und seine Beherrschung des Instruments ließ stilistische Unterschiede irrelevant erscheinen: Deshalb klingt er gleichermaßen zu Hause, wenn er Ende der vierziger Jahre mit Lionel Hamptons Big Band swingt (auf seinem eigenen „Mingus Fingers“), mit anderen Bebop-Größen in den Fünfzigern jammt (auf dem berühmten Album Jazz at Massey Hall, auf dem die Bassparts im Studio von dem für seine Genauigkeit bekannten Mingus nachvertont wurden) und in den Sechzigern einen lebhaften, perkussiven Dialog mit seinem musikalischen Idol Duke Ellington führt (auf dem unsterblichen Money Jungle).

Obwohl er vor allem für seinen Beitrag zum Jazz bekannt war, war er nie daran gebunden, wie seine Zusammenarbeit mit Joni Mitchell und sein Einfluss auf Rockgrößen der 60er Jahre wie Jack Bruce und Charlie Watts zeigen. Zeit seines Lebens sprach sich Mingus immer wieder gegen diejenigen aus, die versuchten, seine Kunst zu beschränken oder zu unterschätzen. In einem Kommentar zur Ungerechtigkeit der Umfragen von Jazzkritikern sagte er einmal: „Ich will keine dieser verdammten Umfragen. Ich weiß, was für ein Bassist ich bin.“

1.  James Jamerson

James Jamerson war das Herzstück der Rhythmusgruppe von Motown und erweiterte mit einem Hit nach dem anderen die Möglichkeiten für Bassisten, blieb dabei jedoch weitgehend unbekannt, da Session-Musiker auf den Motown-Aufnahmen der 1960er Jahre selten namentlich genannt wurden. „James Jamerson wurde mein Held“, sagte Paul McCartney einmal, „obwohl ich seinen Namen bis vor kurzem gar nicht kannte.“ Als Jamerson seine Karriere begann, wurde der Bass weitgehend als zweckmäßiges Begleitinstrument angesehen.

Die meisten Bassisten hielten sich an „stagnierende Zwei-Takt-Muster, Grundton-Quint-Muster und klischeehafte Basslinien nach dem Vorbild von ‚Under the Boardwalk‘“, so steht es in Standing in the Shadows of Motown: The Life and Music of Legendary Bassist James Jamerson. Jamerson trug dazu bei, dieses Gebiet zu revolutionieren, indem er seine Parts mit zusätzlichen Synkopen, zusätzlichen Akkorden, die melodische Tiefe und Komplexität verliehen, und Klangfarben, die an Gospel-Harmonien erinnerten, aufpeppte. Seine Beiträge zu legendären Platten lassen sich unmöglich schnell zusammenfassen. Aber zu seinen wichtigsten Motown-Aufnahmen gehören „My Girl“ von den Temptations, das sicherlich einen der bekanntesten und sofort begeisternden Bassparts in der gesamten Popmusik hat. „I Heard It Through the Grapevine“ von Gladys Knight, wo er einen sanften, sprudelnden Kontrapunkt zum nervösen Klavier spielt, und „What’s Going On“ von Marvin Gaye, wo Jamerson seine hypermelodische Bestform zeigt.

„James ging einen Schritt über das hinaus, was Bassisten normalerweise tun“, erklärte Bob Babbitt, der ebenfalls auf mehreren Tracks von „What’s Going On“ Bass spielte. „Zuerst ging er Risiken ein und ließ sich gehen, dann wurde es für ihn ganz natürlich, und dabei veränderte er den Verlauf des Bassspiels.“