Die 50 besten Grunge-Alben aller Zeiten
Von Mudhoney bis Mother Love Bone und darüber hinaus – die besten Grunge-Alben der unangepassten neuen Generation, die den Rock neu erfunden hat.
25. Melvins, „Bullhead“ (1991)
Es ist unmöglich, einer einzigen Band die Erfindung des für Grunge typischen düsteren Sound zuzuschreiben. Aber viele Stars des Genres haben die Melvins als die frühen Oberherren des langsamen und düsteren Sounds im Pazifischen Nordwesten bezeichnet. „Die Melvins haben sich von der schnellsten Band der Stadt zur langsamsten Band der Stadt entwickelt“, sagte Kim Thayil von Soundgarden gegenüber Guitar World. „Das war ein ziemlich erstaunlicher und mutiger Schritt. Alle versuchten, Punkrock zu sein. Eine Art Art-Damage-Sache, und die Melvins beschlossen, die härteste Band der Welt zu sein.“
Mit ‚Bullhead‘ sicherte sich das Trio diesen Titel. Obwohl ihre vorherigen LPs mit kurzen, verwirrenden Ausbrüchen vollgepackt waren, zeigte sich die Band auf ihrem dritten Album entspannter und flirtete mit konventionellem Metal, während sie gleichzeitig ihre ganz eigene Interpretation des Genres zur Schau stellte.
Der Album-Opener „Boris“ – im Wesentlichen ein achteinhalbminütiger akustischer Blickduell – verwandelt gewaltige Riffs in tranceartigen Minimalismus, während Tracks wie „Anaconda“ und „Zodiac“ sich zu atemberaubenden Doom-Blues-Höhepunkten winden und schlängeln. Dale Crovers brutale, aber präzise Attacke und Buzz Osbornes wildes Brüllen erreichen dabei eine fast rituelle Kraft, die sich nicht nur vom „Seattle-Sound“, sondern von der Rockmusik selbst völlig abhebt. Gerade als Grunge mainstreamtauglich wurde, gruben sich die Melvins immer tiefer in ihre eigene verdrehte Unterwelt. H.S.
24. Stone Temple Pilots, „Purple“ (1994)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
STP hatten viel zu beweisen, als sie sich ins Studio begaben, um mit der Arbeit an ihrem Nachfolger von „Core“ zu beginnen. Es schien, als würden sie umso mehr Kritik dafür einstecken, dass sie irgendwie nicht authentisch grungy seien, je mehr Alben sie verkauften und je öfter MTV ihre Videos spielte. Aber sie gingen mit Produzent Brendan O’Brien ins Southern Tracks Recording Studio in Atlanta, bewaffnet mit neuen Songs wie „Interstate Love Song“ und „Empty“, die unbestreitbar brillant und für MTV und die Top 40 des Radios prädestiniert waren. Außerdem klangen sie anders als alles, was ihre Kollegen zu dieser Zeit machten, und beendeten damit für immer die nervigen Vergleiche mit Pearl Jam. „Wir achten sehr darauf, uns nicht in eine Schublade stecken zu lassen“, sagte Scott Weiland gegenüber Rolling Stone. „Nicht, um ein Statement zu setzen, sondern um nicht langweilig zu werden.“ A.G.
23. Soundgarden, „Ultramega OK“ (1988)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Als Soundgarden 1986 „All Your Lies“ für die Compilation „Deep Six“ aufnahmen, war der Track eine chaotische, ruckartige Gitarrenexplosion. Chris Cornell knurrte darauf wie eine rollige Katze. Er fügte sogar ein kleines teuflisches Lachen hinzu. Die Band überarbeitete den Song für ihr erstes Album, das zwei Jahre später erschien und für einen Grammy nominiert wurde, „Ultramega OK“. Und verwandelte ihn in einen bulldozerartigen Punk-Metal-Kracher mit schnellerem Tempo und schärferen Vocals.
„Wir waren unklassifizierbar“, sagte Cornell kurz vor seinem Tod. „Aber wir waren beim Songwriting ganz unbefangen. Also haben wir nichts künstlich hergestellt.“ Diese unbeschwerte aggressive Sensibilität schwingt auch in dem anzüglichen, an Led Zeppelin erinnernden „Flower“, dem schwerfälligen „Incessant Mace“, dem lokomotivartigen „Mood for Trouble“ (das den Riff aus „Long Train Runnin’“ von den Doobie Brothers auf den Kopf stellt) und dem Konzertknaller „Beyond the Wheel“ mit, in dem Cornell seine Stimmbänder über drei Oktaven spannt und Gitarrist Kim Thayil und Bassist Hiro Yamomoto „Long Train Runnin’“ auf den Kopf stellt) und dem Konzertknaller ‚Beyond the Wheel‘, in dem Cornell seine Stimmbänder über drei Oktaven spannt und Gitarrist Kim Thayil und Bassist Hiro Yamomoto ihre Instrumente zum Flirren bringen.
„Ich habe versucht, die Intensität zu steigern“, sagte Cornell in einem bisher unveröffentlichten Interview mit Rolling Stone über den letztgenannten Song. „Ich erinnere mich, dass ich dachte: ‚Wird das wie eine Art Geek-Trick wirken, dass ich in drei Oktaven singen kann?‘ Das wollte ich vermeiden. Letztendlich wurde es einer dieser Songs, die niemals eine Radio-Single werden konnten. Er war auf einem Indie-Album. Aber die Leute reagieren immer darauf, als wäre es ein Hit aus dem Radio.“ K.G.
22. Verschiedene Künstler, „Deep Six“ (1986)
Blättern Sie durch die Seiten des Jahrbuchs der ersten Generation des Seattle Grunge. Auch bekannt als das Booklet, das der 1986 erschienenen Multi-Band-Compilation „Deep Six“ beilag. Und Sie sehen Melvins‘ Buzz Osborne, der die Augen verdreht, während er sein Plektrum in seine Gitarre rammt. Chris Cornell von Soundgarden, mit nacktem Oberkörper und muskulös, der Iggy Pop nacheifert. Und Andy Wood von Malfunkshun, der Grimassen schneidet wie ein New York Doll.
Die Compilation ist ein unschätzbares Dokument darüber, wo alles begann. Die Platte, die auf dem Seattle-Label C/Z erschien, versammelt 14 rasante Songs von Soundgarden, Melvins, Green River (aus denen Pearl Jam und Mudhoney hervorgingen), Skin Yard (mit dem Gitarristen und späteren Produzenten Jack Endino), Malfunkshun (der ersten Band von Mother Love Bone-Sänger Andy Wood) und den U-Men. Die Aufnahmen sind roh und heavy. Zu den Höhepunkten von „Deep Six“ gehören Soundgardens Devo-artiger „All Your Lies“, Melvins wütender „Blessing the Operation“ und Green Rivers brodelnder „10,000 Things“. Aber diese rohe Vitalität ist Teil ihres Charmes.
Im Grunde genommen ist dies eine Ultraschallaufnahme des Grunge im Mutterleib. Als Melvins Chris Cornell Tribut zollten, nahmen sie Malfunkshuns mitreißenden Song „With Yo‚ Heart (Not Yo‘ Hands)“ in ihr Set auf. Offenbar als Hommage an Woods Einfluss auf Cornell und die gesamte Szene. „Die Compilation Deep Six war für uns wirklich wichtig“, sagte Green-River-Schlagzeuger Alex Shumway gegenüber Rolling Stone. ‚Es war das erste Mal, dass wir in einem ‘richtigen Studio‘ waren. Das war ein unglaubliches Gefühl. Und es ist so, als wären alle, die auf Deep Six zu hören sind, berühmt geworden. Oder als gäbe es in jeder Band jemanden, der in der Branche weitergekommen ist.“ K.G.
21. Jerry Cantrell, „Degradation Trip“ (2002)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Aufgenommen zu einer Zeit, als Alice in Chains-Hauptsongwriter Jerry Cantrell „einfach total am Arsch“ war und nur wenige Monate nach Layne Staleys Tod veröffentlicht, ist „Degradation Trip“ ein erschreckender Einblick in die Abgründe des Sängers und Gitarristen. Es beginnt mit einem düsteren, vernichtenden Gitarrenakkord und dem Klang von Stöhnen in „Psychotic Break“, während er in zahnknirschenden Harmonien singt: „Thinking ‚bout my dead friends/Whose voices ring on“ (Ich denke an meine toten Freunde, deren Stimmen noch nachhallen).
Von da an wird es nur noch düsterer. „Ich habe mich schon immer zu Musik hingezogen gefühlt, die traurige Geschichten erzählt. Und die tiefere, wahrere Geschichten erzählt, die manchmal sehr düster sein können“, sagte Cantrell, als das Album herauskam. „Ich schöpfe aus dem, was ich sehe und erlebe. Und ich weiß nur eine einzige Art, wie ich das machen kann.“ Er nahm das Album mit Ozzy Osbournes damaliger Rhythmusgruppe auf. Dem Bassisten Robert Trujillo (heute bei Metallica) und dem Schlagzeuger Mike Bordin (ebenfalls von Faith No More), und füllte es mit Anspielungen auf Drogen – man muss sich nur das Cover ansehen – und knackigen, düsteren Riffs.
Sie nahmen so viel Musik auf, dass er es später im Jahr 2002 zu einem Doppelalbum erweiterte. Tracks wie das schlüpfrige „Bargain Basement Howard Hughes“, das vernichtende „Hellbound“ und sogar das poppigere „She Was My Girl“ stehen in krassem Gegensatz zu Cantrells leichterem, experimentellerem Solo-Debüt Boggy Depot. Es ist eine heftige Reise, die man nicht so leicht abschütteln kann. K.G.
20. Green River, „Dry as a Bone“ (1987)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Nach einigen Jahren mit Auftritten und vereinzelten Aufnahmesessions fanden Green River 1987 mit „Dry as a Bone“ ihren Groove. Während „Come On Down“ noch roh und ungeschliffen war, ist „Dry as a Bone“ ein komplettes Statement. Eine nahtlose Kombination aus Punk und Metal, reduziert auf drei- bis vierminütige Ausbrüche.
„Dry as a Bone“ ist mein Lieblingsalbum von Green River“, sagte Gitarrist Stone Gossard gegenüber Rolling Stone. „Damals hat es noch am meisten Spaß gemacht. Wir waren erfolgreich und haben nicht viel Zeit damit verbracht, darüber nachzudenken.“ Die Band nahm das Album in nur wenigen Tagen mit dem Produzenten und Skin-Yard-Gitarristen Jack Endino auf, der „Dry as a Bone“ einen raffinierten Touch verlieh, der Tracks wie das raue „This Town“ („I’ve been driven to the end of my rope“, singt Mark Arm und zerreißt dabei seine Stimmbänder) und den Aerosmith-artigen Boogie „Unwind“ von der Vinylplatte springen lässt.
In einer Anzeige beschrieb Sub Pop die Veröffentlichung bedeutungsschwer als „ultra-lockeren Grunge, der die Moral einer Generation zerstörte“. Es war die erste Platte, die jemals mit dem Wort „Grunge“ vermarktet wurde. Einige Jahre später sollten die Bandmitglieder diese generationenprägende Prophezeiung in Mudhoney, Pearl Jam, Love Battery, Mother Love Bone und Temple of the Dog erfüllen. K.G.
19. „Singles: Original Motion Picture Soundtrack“ (1992)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Mit Cameron Crowe als Autor und Regisseur und Matt Dillon und Bridget Fonda in den Hauptrollen symbolisierte die Flanellhemd-Romantikkomödie „Singles“ den kulturellen Crossover-Moment des Grunge. Aber angefangen damit, dass Crowe bereits vor „Nevermind“ mit der Arbeit daran begonnen hatte und dass er eine persönliche Verbindung zu Seattle hatte (seine damalige Frau, Nancy Wilson von Heart, lebte dort seit langem), war „Singles“ alles andere als ein krasser Geldschneiderei. Und der begleitende Soundtrack, der einige Monate zuvor veröffentlicht wurde, war eine perfekte Einführung in die Szene, dank neuer, direkt für „Singles“ geschriebener Beiträge von vielen ihrer führenden Köpfe.
Einige dieser Tracks – Pearl Jams wildes „Breath“ und „State of Love and Trust“, Screaming Trees‘ kraftvolles „Nearly Lost You“ und Alice in Chains‘ Hommage an Andrew Wood „Would?“ – waren Höhepunkte des Grunge, und Chris Cornells akustisches „Seasons“ fing die weniger bekannte Psych-Folk-Seite der Szene ein. (Tracks von Jimi Hendrix und Ann und Nancy Wilsons Nebenprojekt Lovemongers erinnerten außerdem daran, dass der Seattle-Rock nicht mit Grunge begann.) Crowe, ein Fan davon, wie Regisseur Mike Nichols Songs von Simon and Garfunkel in „The Graduate“ verwendete, bezeichnete den „Singles“-Soundtrack als „wie einen kleinen ‚Graduate‘-Moment, der sich ereignete. ‚Singles‘ fühlte sich wie eine Gelegenheit an, sich wirklich in die Arme dieses Gefühls zu stürzen.“ D.B.
18. Mad Season, „Above“ (1995)
Das inzestuöse Musikklima in Seattle Mitte der 1990er Jahre führte zu zahlreichen One-Hit-Wundern und Supergroups mit unterschiedlichem Bekanntheitsgrad (Hallo, Monkeywrench!). Obwohl sie 1995 nur ein Album aufnahmen, festigten Mad Season – Alice-in-Chains-Frontmann Layne Staley, Pearl Jam-Gitarrist Mike McCready, Screaming Trees-Schlagzeuger Barrett Martin und Bassist John Baker Saunders – ihr Vermächtnis mit einer Reihe von Songs, die McCready im selben Jahr gegenüber Guitar World als „ein bisschen Jazz, ein bisschen Blues, ein bisschen Arena-Rock“ beschrieb.
Die Band entstand als eine Art musikalisches Therapieexperiment. McCready und Saunders lernten sich in einer Entzugsklinik für Drogen- und Alkoholabhängige kennen und rekrutierten die anderen teilweise, um sich gegenseitig clean zu halten. „Dieses ganze Projekt wäre nie zustande gekommen, wenn ich nicht clean gewesen wäre“, sagte McCready damals. „Wir haben das Album schnell aufgenommen. Weil wir nicht viel Ballast aus unseren jeweiligen Bands mitbrachten. Wir sind einfach hingegangen, um Musik zu machen. Es war eine wirklich freie Umgebung.“
Staleys unnachahmlicher Gesang, gemischt mit schlammigen und schwebenden Gitarren, verleiht Above den Charakter einer perfekten Mischung aus Alice in Chains und Pearl Jam. Wobei Schnörkel wie das seltsame Saxophon-Solo in „Long Gone Day“ und das spanische Gitarrensolo in „I’m Above“ verhindern, dass das Album langweilig klingt. J.N.
17. Screaming Trees, „Sweet Oblivion“ (1992)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Als die Screaming Trees aus Washington ihr sechstes Album aufnahmen, glaubten sie, es würde ihr letztes sein. Sie hatten gerade ihr Major-Label-Debüt „Uncle Anesthesia“ aus dem Jahr 1991 veröffentlicht. Aber interne Spannungen drohten, sie auseinanderzureißen.
Wie Bassist Van Conner 1993 gegenüber „Spin“ erklärte, hatte die Band beschlossen, die Streitigkeiten beizulegen und „zusammenzuhalten, so kitschig das auch klingen mag“. Sie schafften es gerade noch rechtzeitig, sich wieder zusammenzuraufen, um mit „Sweet Oblivion“ auf der Mainstream-Welle des Grunge mitzureiten. Das Album mischte harten Rock mit einem Hauch von Retro-Psychedelia („Butterfly“, „For Celebrations Past“) und bittersüßem Folk („Dollar Bill“). Diese Retro-Anklänge und Mark Lanegans tiefe, wunderschön verwitterte Stimme ergaben ein Album, das erwachsener klang als die rauen, angstgeladenen Werke ihrer Zeitgenossen.
Dennoch schaffte es der Ohrwurm „Nearly Lost You“ – der später im selben Jahr in Cameron Crowes Liebesbrief an Seattle, Singles, prominent zu hören war – während der Blütezeit des Grunge in die Mainstream Rock Top 20. B.S.
16. Melvins, „Houdini“ (1993)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Die 90er Jahre nach „Nevermind“ waren so seltsam, dass eine kompromisslose Band wie Melvins, die gerade ein halbstündiges Drone-Doom-Opus veröffentlicht hatte, beim selben Label unter Vertrag genommen wurde wie Phil Collins und Bette Midler. Die Band, die seit langem mit Kurt Cobain befreundet war, holte ihn als Co-Produzenten für ihr Atlantic-Debüt. Obwohl er bei einigen Tracks mitwirkte, war die Zusammenarbeit alles andere als fruchtbar.
„Leider war Cobain nicht in der Verfassung, irgendetwas zu produzieren“, erinnerte sich Frontmann Buzz Osborne 2009 gegenüber The Stranger. Das fünfte Album der Band enthielt einige ihrer stärksten und ausgereiftesten Songs bis dato. Darunter den Opener „Hooch“. Ein absurd heavy, unwahrscheinlich eingängiges Riff-Fest mit Texten, die ausschließlich aus unsinnigen Silben bestehen. Den schwerfälligen Rocker „Night Goat“, der nach seiner Veröffentlichung auf einer Single aus dem Jahr 1992 überarbeitet wurde. Und eine monolithische Coverversion des Kiss-Oddities „Goin‘ Bind“, die das leichtgewichtige Original von „Hotter Than Hell“ alt aussehen ließ.
Aber es gab auch viel Raum für die typische zeitliche Dehnung der Band. Wie zum Beispiel in dem gewaltigen, langsamen „Hag Me“ und „Spread Eagle Beagle“, einem abschließenden Schlagzeugsolo von Dale Crover, das eher an „Ionisation“ als an „Moby Dick“ erinnert. „Das habe ich in den letzten 20 Jahren schon oft gehört. „Es muss toll sein, nicht bei einem Major-Label zu sein, wo dir niemand vorschreibt, was du zu tun hast, und so weiter“, erzählte Frontmann Osborne dem Nashville Scene im Jahr 2012. „Meine Antwort lautet immer: ‚Hast du dir die Alben angehört, die wir für sie gemacht haben?‘ [lacht]. Wenn das Einmischung der Plattenfirma ist, dann gut für sie.“ H.S.
15. L7, „Bricks Are Heavy“ (1992)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
L7 erreichten ihren kommerziellen Höhepunkt mit ihrem dritten Album „Bricks Are Heavy“. Produzent Butch Vig half der Band dabei, Melodien und mitreißende Refrains zu entwickeln, die robust genug waren für ihre dichten Riffs, an denen es ihnen nie mangelte. Die Verfeinerung zahlte sich aus. Das Album stieg auf Platz eins der „Billboard Heatseakers“-Charts in den USA. Und war in Großbritannien und Australien sogar noch erfolgreicher. „Sie waren eine typische Band der Neunziger. Albern, selbstbewusst, wild, völlig ungehemmt“, sagte Lunachicks-Gitarristin Gina Volpe gegenüber RS.
„Sie nahmen uns mit auf Tour. Und wir machten uns Notizen.“ Ein Großteil des Ruhmes kam von der Single „Pretend We’re Dead“ und ihrem Video, das ununterbrochen auf MTV lief. Der Song war ein Einstieg in die frecheren Freuden des Albums, wie Suzi Gardners raue Klagelieder „Slide“ und „Monster“ oder die Metal-Power von „Everglade“ und die trockene Wut von „One More Thing“. Beide mit seltenen Gesangseinlagen von Bassistin Jennifer Finch.
Aber wenn Vig irgendwo Erfolg hatte, dann darin, in den Songs Raum für die ironischen, seltsamen Gedanken von Donita Sparks zu schaffen, die alles ansprach. Von einem Skinhead, der in der Garage ihrer Freundin Farbe schnüffelte, bevor er einer Sekte beitrat (wahre Geschichte!), bis zu einer Frau, die ihren nichtsnutzigen Mann in ein Bett nähte und ihn mit einer Bratpfanne verprügelte, bevor sie mit den Kindern davonlief (vielleicht wahr!). Aber keine reale oder imaginäre Abweichung ist auch nur annähernd so freakig wie Sparks in dem anderen herausragenden Track des Albums – für immer verewigt in „Natural Born Killers“ – „Shitlist“. S.G.
14. Alice in Chains, „Facelift“ (1990)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Nirvanas „Nevermind“ mag den Grunge zu einem nationalen Phänomen gemacht haben. Aber es war „Facelift“ von Alice in Chains, das ein ganzes Jahr vor „Nevermind“ veröffentlicht wurde, das begann, die Kernzielgruppe des Genres aufzubauen. Das Geheimnis des Albums? Es sprach Heavy-Metal-Fans an, die den langsamen, tiefen Sound von Black Sabbath mochten. Sogar Ozzy Osbourne war ein Fan. Er engagierte Alice in Chains als Vorgruppe für seine Tournee und nahm „Facelift“ letztes Jahr in seine Liste der Lieblings-Metal-Alben auf.
Aber es steht außer Frage, dass „Facelift“ durch und durch Grunge ist. Hören Sie sich den bekanntesten Titel des Albums an, den für einen Grammy nominierten „Man in the Box“. Der einfache, stampfende Riff von Gitarrist Jerry Cantrell steht in krassem Gegensatz zu den himmelhohen Gitarrenklängen und der Theatralik der Pop-Metal-Bands dieser Zeit wie Poison, mit denen AiC aus unerklärlichen Gründen auch auf Tournee ging. Und Staleys gequälte Stimme – voller Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit – war das genaue Gegenteil der partyfreundlichen Hair-Metal-Theatralik.
„Ich bin mir sicher, dass ich nie zu 100 Prozent mit mir selbst und der Welt im Reinen sein werde“, sagte der Sänger, der 2002 an einer Überdosis starb, 1992 gegenüber Rolling Stone. ‚Ich werde immer über irgendetwas meckern und jammern.‘ Ergänzt durch die Singles ‚We Die Young‘, „Sea of Sorrow“ und ‚Bleed the Freak‘ (alle Kompositionen stammen von Cantrell, der den Großteil des Albums geschrieben hat), steht Facelift als erste Welle des kommenden Seattle-Typhoons da. Bemerkenswert ist auch, dass es das erste Grunge-Album war, das mit Gold ausgezeichnet wurde – das zweite war Nevermind. J.H.
13. Nirvana, „Bleach“ (1989)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Mit „Bleach“ präsentierte sich Nirvana der Indie-Rock-Welt als Seattles neuester Vertreter des chaotischen, schweren und düsteren Hardrock. Die damals erst zwei Jahre alte Band produzierte für nur 600 Dollar ein Album, das den gnadenlos trostlosen Sound der aufkeimenden Grunge-Szene perfekt zusammenfasste. „Es gab diesen Druck von Sub Pop und der Szene, ‚Rockmusik‘ zu spielen“, sagte Kurt Cobain in der Biografie Come as You Are. „Wir wollten zunächst versuchen, den Leuten zu gefallen, um zu sehen, was passiert.“ Das Ergebnis waren harte Riff-Workouts wie „Floyd the Barber“ und „Paper Cuts“. Tracks, die nicht nur Cobains leidenschaftliche Begeisterung für die Melvins widerspiegelten. Sondern bei denen auch der Schlagzeuger dieser Band, Dale Crover, hinter dem Schlagzeug saß.
Doch während die LP keinen Hehl aus ihren Underground-Einflüssen machte, zeugen Cobains Texte und Melodien von ernsthaftem Pop-Know-how. Zwischen dem süßen, aber temperamentvollen Punk-Beatles-Flow von „About a Girl“, Krist Novoselics hypnotischem Bass in „Love Buzz“ (einem Shocking Blue-Cover) und dem frenetischen Tempo und der Eingängigkeit von „Negative Creep“ war Bleach ein Album, das seine oberflächliche Aggression zur Schau stellt. Aber mit jedem Hören mehr Nuancen offenbart.
„Es war so: ‚Ich bin sauer. Ich weiß nicht, worüber. Lasst uns einfach negative Texte schreien, solange sie nicht sexistisch sind und nicht zu peinlich werden, ist es okay’“, erklärte Cobain 1993 gegenüber Spin über die Absichten hinter Nirvanas Debüt. „Keiner dieser Texte liegt mir besonders am Herzen.“ So beiläufig er das Album auch klingen ließ, Bleach war Nirvanas erster Schritt zu Szene-Glaubwürdigkeit und einer frühen Kult-Anhängerschaft. Und bereitete den Weg für ihre Welteroberung nur wenige Jahre später. B.S.
12. Smashing Pumpkins, „Siamese Dream“ (1993)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Obwohl „Siamese Dream“ in nur vier Monaten aufgenommen wurde, war es der Höhepunkt einer fünfjährigen Arbeit von Billy Corgan und seinen Bandkollegen. Ihr Debütalbum „Gish“ hatte ihnen Kritikerlob, eine treue Fangemeinde und einen Vertrag mit einem Major-Label eingebracht. Nun wollte Corgan ein Massenpublikum erreichen. Wie schon bei „Gish“ sicherte sich Corgan die vollständige kreative Kontrolle, indem er alle Songs schrieb und die Gitarren- und Bassparts spielte, was seine Bandkollegen verärgerte.
Diese Spannungen – gepaart mit Drogenabhängigkeit, zerbrochenen Beziehungen und einem Nervenzusammenbruch – hätten die Pumpkins beinahe zerstört, bevor sie das Album veröffentlichen konnten. Glücklicherweise zahlte sich ihre kollektive Angst aus, und mit Hilfe von Nevermind-Produzent Butch Vig schuf die Band einen Grunge-Klassiker. Ein Album, das dank seiner kraftvollen, shoegazeartigen, hooklastigen Songs wie „Cherub Rock“, „Disarm“ und dem herzzerreißenden „Mayonaise“ durch die Lüfte flog.
Der Höhepunkt war natürlich das vernichtend ironische „Today“. Eine verträumte, optimistische Ballade voller Selbstzweifel. „Wirf ich das in den Müll und versuche, einem Ideal nachzujagen, dem ich nicht gerecht werden kann. Oder akzeptiere ich, was ich bin, nämlich ein kitschiger Junge aus dem verdammten Chicago?“, reflektierte RS Corgan 1995 über den Song. „Der Song kommt aus einem Ort der Wahrheit.“ A.M.
11. Stone Temple Pilots, „Core“ (1992)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
„Ist das Pearl Jam?“, fragte Beavis, als das Video zu ‚Plush‘ von STP im Fernsehen lief. „Ja“, sagte Butt-Head. „Eddie Vedder hat sich die Haare rot gefärbt.“ Die meisten Leute reagierten 1992 nicht ganz so dumm auf das Auftauchen von Stone Temple Pilots. Aber es gab tatsächlich viele, die die Rockband aus San Diego dafür kritisierten, dass sie auf den Grunge-Zug aufgesprungen war.
Was sie dabei übersahen, war, wie viele großartige Songs die Band auf ihrem Debütalbum „Core“ geschrieben hatte, das den Sound der 70er-Jahre-Glam-Rock mit der modernen Alternative-Rock-Szene verband. In Songs wie „Creep“, „Wicked Garden“ und „Sex Type Thing“ entwickelte sich ein ganz eigener Stil. Auch wenn „Plush“ tatsächlich ein wenig wie ein Outtake aus „Ten“ klang. „Ich glaube nicht, dass es irgendwelche Ähnlichkeiten zwischen unseren Bands gibt“, sagte Weiland 1994 gegenüber Rolling Stone. „Ich will Pearl Jam nicht herabsetzen, aber für mich sind sie so etwas wie die Buffalo Springfield der heutigen Zeit. Eine Classic-Rock-Band. Das meine ich nicht abwertend. Wir sind einfach auf einem ganz anderen Trip.“ A.G.
10. Pearl Jam, „Vs.“ (1993)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Pearl Jam wollte ihr zweites Album ursprünglich „Five Against One“ nennen. Was sowohl eine Zeile aus ihrem neuen Song „Animal“ war als auch ein Eingeständnis, dass Frontmann Eddie Vedder mit seinen vier Bandkollegen und ihrem Manager Kelly Curtis zerstritten war. Einfach gesagt, Vedder wollte, dass die Band ihre Ambitionen drastisch zurückschraubt, um eine Überpräsenz zu vermeiden und zu ihren DIY-Wurzeln zurückzukehren, während die anderen gerne weiter Videos drehten und Radiohits landeten.
„Auf dem ersten Album lebten wir in einem Keller“, sagte Eddie Vedder. „Auf dem zweiten Album fühlte ich mich zu weit weg vom Keller. Es war zu diesem Zeitpunkt schwer für mich, ein Album zu schreiben.“ Irgendwie schafften sie es, ihre Differenzen zu überwinden und zusammenzuarbeiten. Sie produzierten Klassiker wie „Go“, „Daughter“, „Dissident“ und „Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town“, die dazu beitrugen, dass das Album in der ersten Woche fast eine Million Mal verkauft wurde. Obwohl sie fast keine Interviews gaben und kein einziges Video drehten. Egal, was Vedder wollte, Pearl Jam waren einfach zu groß – und zu talentiert –, um zu scheitern. A.G.
9. Soundgarden, „Superunknown“ (1994)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
1994 hatte Grunge das Radio, die Festivalwelt (Lollapalooza) und MTV erobert. Aber wie sollte es weitergehen, insbesondere als Kunstform? Soundgarden wusste es. Die Band musste zeigen, dass sie nicht nur die Modeerscheinung des Monats war. Sondern die nächste Phase des Rock selbst. Wie Chris Cornell später gegenüber RS sagte: „Ich hatte das Gefühl, dass wir alle beweisen mussten, dass wir es verdient hatten, auf einer internationalen Bühne zu spielen, Videos im Fernsehen und Songs im Radio zu haben. Und dass es nicht nur eine Modeerscheinung wie die ‚britische Invasion‘ oder die ‚New York Noise Scene‘ war.“
Angesichts dieses Drucks schrieben Cornell und seine Bandkollegen ihre stärksten Songs Von wilden Rocknummern wie „Drown Me“ und „Superunknown“ bis hin zu düsteren Psychedelic-Stücken wie „Black Hole Sun“ und „Fell on Black Days“. Produzent Michael Beinhorn formte die spritzige Wut ihrer frühen Tage zu etwas Kolossalem. Das Ergebnis war ein viertes Album, das zufällig Soundgardens eigenes „Led Zeppelin IV“ war. Ein Album, das neue, oft subtilere Facetten der Band offenbarte. Und sofort als eines der bedeutendsten Hardrock-Alben aller Zeiten galt. D.B.
8. Nirvana, „In Utero“ (1993)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Nirvanas letztes Studioalbum ist ein Schrei. Kein glatter, stilisierter Schrei wie sein mehrfach mit Platin ausgezeichneter Vorgänger. Sondern ein hässlicher Schrei voller Schmerz und Frustration. Der ultimative Akt der Auflehnung gegen eine Plattenindustrie, die diese Band von Anfang an nie verstanden hat. Es ist ein Album voller beißender Ironie („Serve the Servants“, „Radio Friendly Unit Shifter“), reinigender Wut („Scentless Apprentice“, „Milk It“) und blanker Nerven („Pennyroyal Tea“, „Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle“). Kurt Cobains Wut verfehlt manchmal ihr Ziel. Siehe „Rape Me“, das viel zu derb ist, um als feministische Aussage zu funktionieren. Wie er es beabsichtigt hatte. Aber genau diese selbstzerstörerische Intensität macht „In Utero“ zu einem unverzichtbaren Dokument des Grunge.
Als das Album im Herbst 1993 veröffentlicht wurde, war die Mythologie bereits etabliert. Nirvana, das sich noch von seinem unerwarteten Aufstieg zum Ruhm zwei Jahre zuvor erholte, holte den Toningenieur Steve Albini hinzu. Um ein Album aufzunehmen, das so hart und kommerziell unattraktiv war, dass die Plattenfirma es angeblich zunächst nicht veröffentlichen wollte. „Natürlich wollen sie ein weiteres Nevermind. Aber ich würde lieber sterben, als das zu tun“, soll Cobain gesagt haben. Es folgten wochenlange öffentliche Streitigkeiten mit den Managern, denen sie zu Reichtum verholfen hatten.
Wie jeder Mythos erzählt auch dieser nur einen Teil der Wahrheit. Songs wie „Dumb“, „All Apologies“, „Pennyroyal Tea“ und „Heart-Shaped Box“ verfeinern und verkomplizieren die popmusikalischen Durchbrüche von Nevermind, anstatt sie komplett zu verwerfen. Cobain erzählte später dem Rolling Stone, dass er nur einen düsteren Witz gemacht habe, als er davon sprach, das Album I Hate Myself and Want to Die zu nennen. „Ich bin ein viel glücklicherer Mensch, als viele Leute denken“, betonte er. Er sprach davon, als nächstes ein „ätherisches, akustisches“ Album aufzunehmen. Eine der bleibenden Tragödien seines Todes weniger als ein Jahr später ist, dass wir nie hören konnten, wie er die Widersprüche im Herzen von In Utero aufgelöst hätte. S.V.L.
7. Temple of the Dog, „Temple of the Dog“ (1991)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Der Tod des Mother-Love-Bone-Sängers Andy Wood im März 1990 versetzte die Rockgemeinde von Seattle in tiefe Trauer. Der charismatische Frontmann war ein enger Freund und Mitbewohner von Chris Cornell, der seinen ganzen Kummer in neuen Songs wie „Say Hello 2 Heaven“ und „Reach Down“ verarbeitete. Als er sie den überlebenden Mother Love Bone-Mitgliedern Jeff Ament und Stone Gossard vorspielte und erfuhr, dass sie gerade eine neue Band mit einem Typen aus San Diego namens Eddie Vedder gegründet hatten, beschlossen sie alle, sich zusammenzuschließen. Und Wood zu ehren, indem sie die Songs unter dem Namen Temple of the Dog aufnahmen.
Es dauerte nicht lange, bis aus dem Projekt ein komplettes Album wurde. „Es war eine Zeit, in der Alben einen höheren Stellenwert hatten“, sagte Cornell 2016 gegenüber Rolling Stone. „Dann wurde es zu einer Art Katharsis und machte Spaß.“ Nach Cornells schockierendem Tod im Jahr 2018 erhielten die Songs über Verlust und Reue eine ganz neue Bedeutung. A.G.
6. Alice in Chains, „Dirt“ (1992)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Nach dem Erfolg ihres Debütalbums „Facelift“ aus dem Jahr 1990, dem ersten Grunge-Album, das Goldstatus erreichte, waren Alice in Chains bereit, ihre Musik einem breiteren MTV-Publikum vorzustellen, nachdem Nirvana ihnen den Weg geebnet hatte. Ihr Auftritt in „Singles“ – zusammen mit der prominenten Platzierung ihrer Monster-Single „Would?“ auf dem Soundtrack des Films, auf dem auch Soundgarden und Pearl Jam vertreten waren – hatte ihnen bereits einen Vorsprung verschafft. Im Gegensatz zu vielen ihrer Kollegen ließen sich Alice in Chains mehr vom Heavy Metal als vom Punk inspirieren. Was bereits in ihrem Durchbruchsong „Man in the Box“ deutlich wurde.
Auf „Dirt“ gab es auch einen subtileren Einfluss auf ihre neue Musik. Heroin. Mit düsteren, rauen Songs wie „Them Bones“, „Rooster“ und dem treffend benannten „Junkhead“ spiegelte das Album den anhaltenden Drogenmissbrauch von Frontmann Layne Staley wider. „Von Song zu Song wandelt sich das Album von einer Verherrlichung der Drogen zu einer völlig miserablen Stimmung. Und hinterfragt, was ich einst für mich für richtig hielt“, erklärte er RS 1992. ‚Am Ende des Albums wird ziemlich deutlich, dass es nicht so gut funktioniert hat, wie ich gedacht hatte.‘ A.M.
5. Mudhoney, „Superfuzz Bigmuff“ (1990)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Nevermind mag größer gewesen sein. Und Mudhoney mag nicht den Bekanntheitsgrad ihrer Kollegen aus Seattle erreicht haben. Aber Superfuzz Bigmuff ist wohl das einflussreichste Album auf dieser Liste. Die Original-EP, deren Titel ein schmutziges Wortspiel mit den beiden Lieblings-Stompboxen der Band ist, erschien 1988 und erschütterte die Underground-Rockszene dank ihrer unverblümten Direktheit.
Die weinerliche Stimme von Frontmann Mark Arm und Steve Turners Garage-Rock-Gitarrensolo prägten „Need“. Die sprunghaften, dreckigen Bassriffs von „No One Has“ und die kunstvollen Breakdowns von „In ‚n‘ Out of Grace“ zeigten die Bandbreite der Gruppe. Das Label legte die EP 1990 neu auf und fügte die ersten beiden Singles der Band, „Touch Me I’m Sick“ und „You Got It (Keep It Outta My Face)“, hinzu. Superfuzz wurde ein vollständiges Porträt des Sounds, den Nirvana und ihre Zeitgenossen damals anstrebten.
Cameron Crowe verwendete „Touch Me I’m Sick“ in abgewandelter Form. Und zwar als „Touch Me I’m Dick“ für die fiktive Grunge-Band Citizen Dick in Singles. Sonic Youth coverte den Song mit Kim Gordon am Gesang. Und Kurt Cobain kopierte die zentrale Idee von „Sweet Young Thing (Ain’t Sweet No More)“ für „Negative Creep“ auf Bleach. Das Album wurde zu einem der Bestseller von Sub Pop. „Wenn Superfuzz Bigmuff nicht ein Jahr lang in den britischen Charts gewesen wäre. Und Mudhoney keine so große Sensation gewesen wäre. Wer weiß, was dann aus Nirvana geworden wäre“, sagte Sub-Pop-Mitbegründer Bruce Pavitt 1993 gegenüber Spin. Die Songs sind seitdem zu festen Bestandteilen der Mudhoney-Konzerte geworden. „Wir haben einfach nur herumgestümpert. Und versucht, miteinander Schritt zu halten“, sagte Arm 2008 gegenüber Rolling Stone. „In gewisser Weise tun wir das immer noch.“ K.G.
4. Hole, „Live Through This“ (1994)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Live Through This ist der Sound von Courtney Love, die sich selbst in Stücke reißt. Das zweite Album ihrer Band ist eine Achterbahnfahrt durch Co-Abhängigkeit, Mutterschaft und Feminismus. Und auf dem die vulkanische Frontfrau klarstellt, dass sie eher eine Heldin der Popkultur ist. Als die Bösewichtin, als die sie zuvor dargestellt wurde.
Der Zeitpunkt war natürlich tragisch. Das Major-Label-Debüt von Hole erschien nur wenige Tage, nachdem Loves Ehemann Kurt Cobain in ihrem Haus in Seattle tot aufgefunden worden war, nachdem er sich mit einer Schrotflinte das Leben genommen hatte. Der Titel „Live Through This“ wirkte wie eine Prophezeiung. Weil Love plötzlich in die Rolle der prominenten Witwe gedrängt wurde. Doch schon vor dem erschütternden Verlust Cobains hatte Love etwas zu beweisen. Und mit diesem Album hat sie sich selbst übertroffen. Sie spielt mit ihrem öffentlichen Image („Plump“). Neckt die Kids der Washingtoner Szene, mit denen sie groß geworden ist („Rock Star“). Setzt sich mit postnataler Depression auseinander („I Think That I Would Die“). Und wird brutal ehrlich über Beziehungsunsicherheit („Doll Parts“).
All das wird von Loves Bissigkeit getragen. Ihre Stimme springt chaotisch zwischen sanfter, überaus weiblicher Verletzlichkeit und kehligen, markerschütternden Schreien. Die sich anfühlen, als würden sie aus den Tiefen ihres Magens gerissen. Nachdem sie sowohl Cobain als auch die Bassistin Kristen Pfaff, die auf dem Album gespielt hatte und drei Monate nach dessen Veröffentlichung an einer Überdosis starb, betrauert hatte, begab sich Love auf eine umstrittene Tournee. Sie wusste um die anhaltende Wirkung des Albums. Und machte sich daran, sich als eigenständige Ikone zu etablieren. „Ich möchte gerne glauben, dass ich keine Sympathiestimmen bekomme. Und der einzige Weg, das zu erreichen, ist zu beweisen, dass das, was ich habe, echt ist“, sagte Love 1994 gegenüber Rolling Stone. „Das war der Sinn von Live Through This.“ B.S.
3. Pearl Jam, „Ten“ (1991)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Pearl Jam hatten erst drei Monate lang live gespielt, als sie im März 1991 die London Bridge Studios in Seattle betraten, um mit der Arbeit an ihrem ersten Album zu beginnen. Die meiste Zeit verbrachten sie als Vorband von Alice In Chains in kleinen Clubs an der Westküste unter dem Namen Mookie Blaylock. Wo sie brandneue Songs wie „Black“, „Even Flow“, „Alive“ und „Why Go“ einspielten, die schließlich das Rückgrat des Albums bilden sollten. Eddie Vedder war neu in der Seattle-Szene und hatte die anderen Bandmitglieder erst im Oktober zuvor kennengelernt. Aber sein tiefer Growl und seine sehr persönlichen Texte passten perfekt zu ihrer Musik, die viel mehr von dem Punk und Arena-Rock der 1970er Jahre inspiriert war als von allem, was im Jahrzehnt zuvor entstanden war.
Jahre später blickte Vedder auf das Album als einen der wichtigsten Wendepunkte in seinem Leben zurück. „Das war meine erste Chance, eine richtige Platte aufzunehmen. Und ich war verdammt fokussiert“, sagte er Rolling Stone im Jahr 2009. „Ich war in einer neuen Stadt. Also ersetzten diese Songs meine Freunde. Und meine Familie.“ Aber niemand hätte ahnen können, dass dieses Album 13-fach mit Platin ausgezeichnet werden würden. Generationen prägende Hymnen hervorbingt die noch heute im Radio gespielt werden. Und Pearl Jam aus kleinen Clubs in Stadien auf der ganzen Welt katapultieren würde. A.G.
2. Soundgarden, „Badmotorfinger“ (1991)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Chris Cornell hatte während der Arbeit an Temple of the Dog, einem Projekt, das ihn zwang, sein Songwriting auf eingängigere und prägnantere Tracks zu konzentrieren, eine Offenbarung. Er führte Soundgarden mit „Badmotorfinger“, dem kommerziellen Durchbruch der Band, in eine neue Ära. Schlagzeuger Matt Cameron erklärte stolz gegenüber Rolling Stone: „Wir machen keine Pop-Alben“. Aber das Album erschien zu einer Zeit, in der sich der Heavy Rock im Umbruch befand. Und die Band landete mit „Outshined“, „Jesus Christ Pose“ (auch dank des Verbots des Videos durch MTV) und dem rhythmisch ausgefallenen „Rusty Cage“ – das später von Johnny Cash gecovert wurde – drei Hits.
Jeder der Songs hatte einen einzigartig brutalen Riff. Gepaart mit Cornells jenseitigem, immer perfekt intoniertem Gesang, der ihn zu einem Klassiker machte. Gleichzeitig wurden tiefgründigere Stücke wie „Slaves & Bulldozers“ und „Searching With My Good Eye Closed“ zu Live-Klassikern. Weil sie das Publikum mitreißen. „Nach Louder Than Love mussten wir irgendwie zurückrudern“, sagte Gitarrist Kim Thayil einmal. „Die düstere Psychedelia, die auf Louder Than Love durch unsere leicht viszerale Härte ersetzt worden war, kam zurück. Ebenso wie die Skurrilität [auf Badmotorfinger].“
Soundgarden waren heavier als Nirvana und Pearl Jam. Schrieben aber dennoch Hymnen, die ihnen einen Platz in der ersten Welle der Grunge-Superstars sicherten. Das Album schaffte es auf Platz 39 der Billboard 200. Und wurde seitdem mit Doppelplatin ausgezeichnet. Außerdem erhielt es eine Grammy-Nominierung. „Ich liebe Badmotorfinger. Weil es im Auto großartig klingt“, sagte Thayil einmal. „Es hat viele seltsame Eigenheiten. Wie es für Soundgarden typisch ist. Wir haben immer dieses Element des Verrückten und Seltsamen hinzugefügt. Wir hatten die Fähigkeit, uns selbst nicht zu ernst zu nehmen. Während wir uns gleichzeitig der Härte verschrieben haben. Es war so, als würde man lachen, während man dir in den Arsch tritt.‘ K.G.
1. Nirvana, „Nevermind“ (1991)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
In den frühen Neunzigern befand sich die Popmusik in einem desolaten Zustand. Rapper trugen Baggy-Hosen. Rocker schrieben kitschige neunminütige Epen über Novemberregen. Michael Bolton plagiierte die Isley Brothers. Aber Nirvana erschütterte ihre Grundfesten. Im Gegensatz zu ihren Mainstream-Kollegen verzichteten sie auf jeglichen Schnickschnack. Und schrieben vierminütige Ausbrüche roher, unzensierter Ehrlichkeit, die das Gesicht der Hot 100 veränderten. Und für einen Großteil des nächsten Jahrzehnts raue Gitarrenriffs und herzliche Texte in den Vordergrund rückten.
Kurt Cobain sang darüber, sich dumm („Smells Like Teen Spirit“), hässlich („Lithium“) und desillusioniert („Something in the Way“) zu fühlen. Und widersetzte sich den Konventionen des Hardrock, indem er anerkannte, dass Frauen Menschen und keine Objekte sind („Polly“). Das Album war so kraftvoll, dass es innerhalb weniger Monate Michael Jacksons „Dangerous“ vom Platz als meistverkauftes Album in den Vereinigten Staaten verdrängte.
Die Band war seit ihrer Gründung 1987 enorm gereift. Noch wenige Jahre zuvor hatte Cobain über fundamentaldrohende Riffs gegrunzt und gekreischt, die eindeutig Melvins und Mudhoney nachempfunden waren. Aber die Zeit auf Tour und die Unterstützung durch Produzent Butch Vig, der alles härter und klarer klingen ließ als auf „Bleach“, führten dazu, dass sie ein Meisterwerk schufen. „Wenn ich auf die Produktion von Nevermind zurückblicke, schäme ich mich dafür“, sagte Cobain in der offiziellen Bandbiografie Come as You Are. „Es ist näher an einem Mötley Crüe-Album als an einem Punkrock-Album.“
Cobains Texte zeugen von Weltgewandtheit
Aber obwohl er hier und da einige Harmoniegesänge hinzufügte und einige Gitarrenparts doppelte, klingt die Musik auf „Nevermind“ immer noch punkig und rau. Die schweren, aber melodischen Arrangements sind nuancenreich. Mit einigen gut dokumentierten Inspirationen aus der LOUD-quiet-LOUD-Formel der Pixies. Und den harten Attacken des neuen Schlagzeugers Dave Grohl. Und Cobains Texte zeugen von Weltgewandtheit.
Skid Row hätten auf ihrem 1991er Nummer-1-Album „Slave to the Grind“ keine Zeit für einen Text wie „God is gay“ aus „Stay Away“ von „Nevermind“ gehabt. Und Sammy Hagar war zu sehr mit Feiern beschäftigt, um zuzugeben: „I’m so lonely. That’s OK“, wie es in dem düster-schmachtenden „Lithium“ heißt. Und die fast Burroughs-artige Collage aus Texten in „Smells Like Teen Spirit“ läutete eine neue Ära der „Na ja, was soll’s“-Slacker-Rockstars ein. „Weird Al“ parodierte „Teen Spirit“. Patti Smith coverte den Song. Und Cobain wurde zum widerwilligen Sprachrohr einer Generation. Die Wirkung des Albums war überwältigend.
„Ein paar Jahre lang war es in Seattle wie im Summer of Love. Und es war großartig“, sagte Cobain. „Einfach mit meiner Gitarre auf die Menge zu springen. Hochgehoben und nach hinten gedrängt zu werden. Und dann unversehrt zurückgebracht zu werden. Es war eine Feier von etwas, das niemand genau benennen konnte. Aber als es in den Mainstream kam, war es vorbei.“
Nirvana veränderte die Musik für immer
Innerhalb weniger Monate nach der Veröffentlichung von „Nevermind“ stand Pearl Jams „Ten“ auf Platz zwei der Charts. Alice in Chains‘ „Dirt“ schaffte es in die Top 10. Und Soundgardens „Badmotorfinger“ wurde mit Gold ausgezeichnet. Das Album war der Wendepunkt für eine Generation von Musikfans, die von der theatralischen Rockmusik genug hatten. Ob sie sich mit dieser Unterscheidung wohlfühlten oder nicht. Nirvana veränderte die Musik für immer. Wie es in einigen Texten auf „Nevermind“ heißt: „Unsere kleine Gruppe war schon immer und wird bis zum Ende immer zusammenbleiben.“ K.G.
