Die 50 besten Prog-Alben aller Zeiten
Vom Court des Crimson Kings bis zum Comatorium: Das sind die besten Prog-Alben aller Zeiten.
Fast ein halbes Jahrhundert lang war der Prog der Nährboden für die ausgefallensten, überdimensionalsten und skurrilsten Ideen des Rock: Unglaublich dicke Konzeptalben, eine frühe Umarmung von Synthesizern, übermäßig komplizierte Zeitsignaturen, tolkieneske Fantasien, Mühen aus zukünftigen Tagen und Szenen aus einer Erinnerung. Zur Feier der ersten ROLLING-STONE-Coverstory von Rush hier das Beste aus dem köstlich dekadenten Genre, das die Punks nicht töten konnten.
Happy the Man - „Happy the Man“
Die in Washington, D.C., ansässige Band Happy the Man wurde in einem Schlafsaal der James Madison University gegründet und nahm Ende der 1970er Jahre drei gefeierte, größtenteils instrumentale Prog-Alben auf, die einen verführerischen Mittelweg zwischen saxofonlastigem Jazz-Fusion-Wahnsinn etwa im Stil von Zappas „One Size Fits All“ und synthielastigem meditativem Gezwitscher fanden. Nach einem Showcase soll Clive Davis der Band gesagt haben: Wow. Ich verstehe diese Musik nicht wirklich. Sie ist mir zu hoch. Dennoch nahm er sie bei Arista unter Vertrag. Ihr Debütalbum ist die dynamischste Phase der Band, die durch ein komplexes instrumentales Zusammenspiel hervorgehoben wird, das so weit geht wie die Songtitel „Stumpy Meets the Firecracker in Stencil Forest“, „Knee Bitten Nymphs in Limbo“ - R.R..
Ruins - „Hyderomastgroningem“
Dieses japanische Schlagzeug- und Bass-Duo, das aus den Weiten der Prog-Rock-Galaxie herabstrahlt, lässt mathematisch unwahrscheinliche Metren und dissonante Rhythmusausbrüche mit unsinnigem Wehklagen oder dämonischem Knurren aufeinanderprallen. Das fünfte Album der Band ist besonders faszinierend, da Ruins in ihre sich schnell verändernden Songs Ausschnitte aus Vokalmelodien, dröhnendem Doom, Punk-Tempi und akribischem Crimson-ähnlichem Prog einfließen lassen. Der offensichtlichste Einfluss auf Ruins’ Anführer Yoshida Tatsuya ist Magmas ikonoklastischer Christian Vander – wie Vander hat auch Yoshida seine eigene Sprache für die Band entwickelt – aber es gibt auch Spuren des experimentellen Freaks Frank Zappa und des Avant-Jazz-Terroristen John Zorn, der das Album auf seinem Label Tzadik veröffentlichte. Einige haben „Hyderomastgroningem“ als unhörbar bezeichnet, und zweifellos könnte es die meisten Fans von King Crimson oder Yes verrückt machen. Aber vielleicht macht das Ruins eher zu Prog als zu Prog. - J.W.
FM - „Black Noise“
Oberflächlich betrachtet sprach vieles gegen die in Toronto ansässige Band FM: Abgesehen von Rush war Kanada nie eine Brutstätte für Prog-Rock, und die Band veröffentlichte ihr Debütalbum 1977, als viele der Begründer des Genres bereits im Abseits standen. Dennoch war „Black Noise“ eines der originellsten Alben des Prog der Spätzeit – eine hypnotische Mischung aus symphonischen Synthesizer-Effekten und glatten New-Wave-Melodien, dazu ein exotischer Wirbel aus elektrischer Mandoline und Geige von Nash the Slash, auch bekannt als Jeff Plewman, der mit einem durch chirurgische Verbände völlig verdeckten Gesicht auf der Bühne stand. Der Opener „Phasors on Stun“ wurde zu einem kleinen Hit im AM-Radio, angetrieben von einem sehnsuchtsvollen Hook von Frontmann, Bassist und Keyboarder Cameron Hawkins, und die Band hat im Laufe der Jahre mehrere weitere Alben veröffentlicht, aber FM hat es nie geschafft, die tiefe Magie ihres Debüts zu erreichen. Diese Platte hat eine zeitlose Qualität, sagte Hawkins 2014 gegenüber The Music Express. - R.R.
Crack the Sky - „Crack the Sky“
Amerikanische Rocker sind nicht für ihre Prog-Ambitionen bekannt, und die Bands, die die Grenzen ausloteten, fielen in der Regel durch die kommerziellen Raster. Ein typisches Beispiel dafür sind die Klugscheißer aus West Virginia, Crack the Sky, die mit ihrem kaleidoskopischen Debüt einen echten Klassiker schufen. Unter der Leitung von Sänger und Mastermind John Palumbo navigierte die Band gekonnt durch klobige Hardrock-Riffs („Hold On“), bissigen Art-Pop („Surf City“), Fusion-Funk (der abgefahrene Breakdown in „She’s a Dancer“) und ausladende Balladen („Sea Epic“). Dennoch erreichten sie nie mehr als eine treue regionale Fangemeinde, trotz einer begeisterten Rezension im Rolling Stone: Wie die ersten Alben von Steely Dan, 10cc und den Tubes stellt das Debütalbum von Crack the Sky eine Gruppe vor, deren Vision der Langeweile Mitte der 70er Jahre originell, humorvoll und ausgefeilt ist. Mit der Unterstützung ihrer Fans haben Crack the Sky durchgehalten: Ihr 15. Studioalbum, „Ostrich“, wurde 2012 veröffentlicht. - R.R.
Carmen - „Fandangos in Space“
Flamenco-Prog: eine ziemlich lächerliche Idee, selbst für das Jahr 1973. Aber die in London ansässige Band Carmen machte diese Synthese auf ihrer Debüt-LP revolutionär und verfolgte die Vision des Sängers und Gitarristen David Allen aus Los Angeles (der von seiner Schwester und Keyboarderin Angela Allen unterstützt wurde). Mit glitzerndem Jaulen sang der Frontmann Geschichten von Stierkämpfen und Zigeunern, während die Musik Mellotron, Rockrhythmen und Zapateado-Fußarbeit zu einem kosmischen Kopfkino verband (produziert von David Bowies Kollaborateur Tony Visconti). Aber es konnte nicht von Dauer sein. Nach der Veröffentlichung von zwei weiteren Alben (und Auftritten als Vorgruppe von Santana und Jethro Tull) löste sich Carmen 1975 auf. Auch wenn „Fandangos in Space“ in Vergessenheit geraten ist, hat es eine neue Generation von Musikern erreicht. Es ist erstaunlich, sagte Opeth-Frontmann Mikael Akerfeldt 2012 dem Metal Hammer. Es ist eine verrückte Flamenco-Prog-Rock-Folk-Platte! Sie hatten Stepptanz auf der Platte und auch Kastagnetten! Jeder, dem ich sie vorgespielt habe, war hin und weg davon. - R.R.
Triumvirat - „Illusions on a Double Dimple“
Dieses deutsche Trio wird oft als Klon von Emerson, Lake and Palmer abgestempelt, was eine unfaire, wenn auch verständliche Abwertung ist. Angetrieben von Jürgen Fritz’ Keyboard-Arsenal aus Flügel, Hammond-Orgel und Moog-Synthesizer war die Band eindeutig mit der Wissenschaft der „Brain Salad Surgery“ vertraut. Aber was ihnen an Originalität fehlte, machten sie mit umwerfendem Können wett. Triumvirats zweite LP, „Illusions on a Double Dimple“ aus dem Jahr 1974, ist ein Meisterwerk des Prog-Rock, das Opernchöre und Ausbrüche von Pop-Leichtigkeit in zwei nahtlose, seitenübergreifende Epen einbindet. Später im Jahrzehnt schwächten sie ihren Ansatz auf der Suche nach kommerzieller Stabilität ab – und scheiterten kläglich. Aber dank „Illusions“ war Triumvirats Vermächtnis am Prog-Himmel gesichert. - R.R.
Strawbs - „Hero and Heroine“
Unter der Leitung des ehrgeizigen Prosaisten und ungezähmten Trillers Dave Cousins begannen Strawbs als Bluegrass-Band namens Strawberry Hill Boys, arbeiteten kurz mit der zukünftigen Fairport-Convention-Sängerin Sandy Denny zusammen und entwickelten sich schließlich Mitte der 1970er Jahre zu einer vollwertigen Prog-Band. „Hero and Heroine“ ist das härteste und symphonischste Album der Band, das von John Hawkens gespenstischem Mellotron und der stechenden Verzerrung des Gitarristen Dave Lambert getragen wird. Strawbs hatten ihre akustische Seite nicht aufgegeben – „Midnight Sun“ ist eine der überzeugendsten Balladen von Cousins. Aber die neu gewonnene Kraft und Energie vergrößerte ihre Anziehungskraft: Der mehrteilige Opener „Autumn“ ist der majestätischste Moment der Band, ein melancholisches Epos für die Prog-Zeitkapsel. Bonus-Fakt: Das Produktionsteam Sid Roams sampelte den Titeltrack für den 2008er Track „Bang Bang“ des Rappers Papoose. - R.R.
Electric Light Orchestra - „Eldorado“
Unter dem Titel „A Symphony by the Electric Light Orchestra“ war ELOs vierte Studio-LP die erste, auf der ein echtes Orchester zu hören war, im Gegensatz zu nur überlagerten Streichern. Als Konzeptalbum über die einsamen, romantischen Tagträume eines Mannes, der verzweifelt versucht, der Plackerei seines Alltags zu entkommen, verwebt „Eldorado“ seine Lieder zu einem dichten, atmosphärischen Klangteppich, der im Wesentlichen Pop-Prog ist. Trotz einiger typisch brillanter Jeff-Lynne-Melodien – „Can’t Get It Out of My Head“, der erste Top-10-Hit der Band, war so eingängig, wie der Titel vermuten lässt – sollte das Album als Gesamtwerk genossen werden. „Eldorado“ wurde damals vom Rolling Stone als „so etwas wie ein Triumph“ bezeichnet und später vom Experimentalfilmer Kenneth Anger als Soundtrack für die Neuveröffentlichung seines surrealen Films „Inauguration of the Pleasure Dome“ aus dem Jahr 1954 im Jahr 1978 verwendet, was sicherlich für die mitreißenden, filmischen Qualitäten des Albums spricht. - D.E.
Meshuggah - „Destroy Erase Improve“
Es ist einer dieser grandiosen Albumtitel, wie Ornette Colemans „The Shape of Jazz to Come“, der seinem Namen tatsächlich gerecht wurde. Das zweite Album des schwedischen Giganten zerstörte, löschte und verbesserte den Archetyp des Prog-Metal, als es 1995 auf den Markt kam. Einige nannten die Mischung aus hirnverbrannten Polyrhythmen, stotternden Riffs und frippschen Soli „Math Metal“, die Jugend nannte es „Djent“. Der Begriff, eine Lautmalerei für ihren heruntergestimmten und hyperverzerrten Gitarrensound, wurde ursprünglich von Fredrik Thordendal, dem Lead-Gitarristen der Band, geprägt und steht heute stellvertretend für eine Generation junger progressiver Headbanger wie Periphery, Animals as Leaders und TesseracT. Aber so sehr sie sich auch bemühen, wird keiner von ihnen jemals einen Song schreiben, der so aggressiv, aber auch so clever und eingängig ist wie „Future Breed Machine“ – nach eigenen Angaben der Band sind dies die drei am häufigsten wiederholten Worte bei jedem Meshuggah-Konzert. - B.G.
Amon Düül II - „Yeti“
Amon Düül II, von Lester Bangs im Rolling Stone als „Deutschlands großartige Psyche-Overload-Band“ bezeichnet, sorgten auf ihrem ausufernden zweiten Album für einen echten Mind-Fry. Die Band war härter und haariger als die meisten ihrer Krautrock-Zeitgenossen und verschmolz Elemente von Velvet Underground, Jimi Hendrix, Frank Zappa, Jefferson Airplane, Pink Floyd und Quicksilver Messenger Service mit afrikanischen, asiatischen und indischen Einflüssen, um etwas zutiefst Persönliches und noch tiefer Seltsames zu schaffen. Die Hälfte von „Yeti“ wurde im Studio komplett improvisiert, aber es ist schwer zu sagen, welche Hälfte; vorgefertigte Stücke wie die Eröffnungssuite „Soap Shop Rock“ und der mitreißende Rocker „Archangel Thunderbird“ scheinen ihrem eigenen inneren Urkompass zu folgen, während der improvisierte neunminütige Abschluss „Sandoz in the Rain“ (angeblich aufgenommen, während die gesamte Band auf Acid war) in seiner kristallklaren Schönheit hinreißend ist. „Yeti“ ist nicht nur eines der besten Krautrock-Alben, sondern zählt zu den besten Platten der gesamten psychedelischen Ära. - D.E.
