Wie Haircut 100 nach 44 Jahren ihren Groove zurückfanden

Haircut 100 sind womöglich die achtzigerste Band der Achtziger. Eine Clique frecher englischer Jungs, kaum dem Teenageralter entwachsen, mit Preppy-Krawatten und Pullovern. Sie funkelten vor Witz und Charme und stürmten die New-Wave-Charts mit MTV-Klassikern wie „Love Plus One“. Mit Sänger Nick Heyward, frisch aus den Londoner Vororten, hatten sie ein Teenie-Idol zum Kreischen. 1982 bezeichnete der ROLLING STONE sie als „den frischesten neuen Sound im Pop“.

Sie hatten auch einen der brillantesten, absurdesten Bandnamen der Geschichte. Wie Heyward heute lachend sagt: „Ich erinnere mich, dass ich dachte: ‚Na ja, wenn wir nichts reißen, haben wir wenigstens einen guten Namen.’“

Aber dank Heyward hatten sie den klügsten Trumpf überhaupt: Songs – weshalb Haircut 100 nie in Vergessenheit gerieten. „Love Plus One“ ist überschwängliche Romantik, voller jungenhafter Sehnsucht über den knalligsten Bongos, Marimbas, jazzigen Bläsern und Cha-Cha-Gitarre. Sie hielten lange genug durch, um ein makelloses Album zu machen – ihr 1982er Debüt „Pelican West“, mit Dancefloor-Hits wie „Favourite Shirts (Boy Meets Girl)“ und „Fantastic Day“. Sie hatten Stil, Humor und ihren eigenen ansteckenden Sound: eine schäumende Mischung aus Pop, Funk, Salsa und Bossa Nova – die Art Band, die es wagt, einen Song „Lemon Firebrigade“ zu nennen.

Aufstieg und Absturz

Und dann? Es waren die Achtziger, nicht vergessen. Alles lief schief. Haircut 100 stürzten ab. Aber genau deshalb verkörpern sie eine großartige Ära der Popgeschichte – sie haben nie etwas getan, das das Erbe ihres einen kurzen, strahlenden Moments beschädigt hätte. Die Jungs zogen mit ihrem Leben weiter; anders als die meisten Bands ihrer Zeit kassierten sie nie bei Achtziger-Nostalgie-Touren ab. Im Laufe der Jahre gab es vereinzelte Reunion-Gigs, am denkwürdigsten in einer 2004er Folge der VH1-Show „Bands Reunited“. Aber was die Welt betraf: Das Buch Haircut 100 war geschlossen.

Nick Heyward trägt mit 65 immer noch das jungenhaft-breite Grinsen und denselben überschwänglichen Charme. Er hat allen Grund zur Freude, denn Haircut 100 grooven wieder – zum ersten Mal seit mehr als vier Jahrzehnten. Für Achtziger-Pop-Kenner ist das ein Traum, der wahr wird: das Comeback, das niemand für möglich gehalten hätte. Noch besser: Es gibt ein hervorragendes neues Album, „Boxing the Compass“.

„Es gab so viele Gelegenheiten, wieder zusammenzukommen“, sagt Heyward. „Wir konnten zusammenkommen, aber wir konnten nicht zusammenbleiben. Diesmal bleiben wir zusammen. Eine Trennung kommt nicht mehr infrage, weil wir zu alt dafür sind.“

Glastonbury und Amerika

Gegen alle Erwartungen gingen Haircut 100 2024 auf ihre erste Tour seit 42 Jahren. Beim Glastonbury Festival im Sommer waren sie ein voller Erfolg. Und sie meinten es ernst – wie sie ankündigten: „We’re coming for your hips.“ Ihre ersten US-Shows seit 1982 waren eine Freude – die Band klang vollkommen revitalisiert. Ihr Headliner-Gig in New York letzten September war ein generationenübergreifendes Tanzfest, mit einem Kontingent feierwütiger junger Hipster. (Der Fan vor mir war ein Ebenbild von Sombr.) Diesen Sommer kehren sie in die USA zurück, auf Tour mit Squeeze und Adam Ant.

„Wir waren immer für unsere Energie bekannt, oder?“, sagt Bassist Les Nemes. „Die haben wir noch – im Kopf und körperlich. Wenn also jemand kommt, um gemütlich zu sitzen, das Kinn zu kratzen und zu denken: ‚Na, was machen die hier?‘ – wir bringen euch trotzdem auf die Beine.“

Auch auf „Boxing the Compass“ klingen Haircut 100 neu aufgeladen – das ist die echte Fortsetzung von „Pelican West“, 44 Jahre später. (Das 1984er Flop-Album „Paint and Paint“ zählt für Fans nicht wirklich, es trug den Namen Haircut 100 nur dem Schein nach und entstand ohne Heyward.) Zum ersten Mal in ihrer Karriere haben sie ein richtiges Management – das Team hinter Wet Leg und Manic Street Preachers.

Harry Styles und die Wurzeln

Sie spielten live bei der BBC und lieferten eine bärenstarke Version von Harry Styles‘ „As It Was“ – ein perfekter Fit, der zwei verschiedene Generationen englischer Glam-Pop-Boys clever miteinander verknüpft. „Wir waren in den frühen Tagen eher Power-Pop“, sagt Gitarrist Graham Jones. „Deshalb war das Harry-Styles-Cover ideal. Es war so ein Gefühl von: ‚Oh, das sind unsere Wurzeln.’“

„Pelican West“ hält sich heute hervorragend, weshalb es ein Klassiker bleibt. Heyward war Songwriter aus der Schule von David Bowie und Marc Bolan, mit seinem eigenen schrägen Sinn für Wortspiele. (Ihr größter Hit hatte den Hook: „Where do we go from here? Is it down to the lake, I fear?“) Den Albumtitel entlehnten sie einem wenig glamourösen Fleck Londons, dem West Pelican Wharf, drehten die Wörter aber um, damit er nach tropischem Sommerromantik-Flair klingt. In Krawattennadeln und Wollpullovern, mit den schlappen Anglerhüten, die die Briten „sou’westers“ nennen, sahen sie aus wie irre Schuljungen der Zwanziger, die sich an der Popstarschaft versuchen.

Sie begannen als drei befreundete Teenager im Londoner Vorort Beckenham. Heyward, Nemes und Jones fingen 1977 an, gemeinsam zu spielen, hingerissen von der Punk-Explosion. „Wir waren beste Kumpels“, sagt Nemes. „Wir lebten zusammen in einem Zimmer in London – fast wie die Monkees in diesen TV-Shows, wo sie zusammenlebten und in einer Band spielten. Nick und ich arbeiteten in Kunststudios, Graham bei einem Fotodrucker, also waren wir immer sehr gut darin, die Band zu bewerben und zu vermarkten.“

Die Londoner Clubszene

London war ein inspirierender Ort, besonders nachts. „Wir gingen in all diese Achtziger-Clubs“, erinnert sich Jones. „Wir waren in der Londoner Clubszene, umgeben von unseren Zeitgenossen. In London hatten wir Spandau Ballet. In Birmingham gab es Duran Duran. Sheffield hatte ABC und Heaven 17. Aber in London lief eine ganze Szene mit den New Romantics und frühen Funk-Bands, da war richtig was los in den Achtzigern. Wir hatten das Glück, Teil dieser Underground-Clubszene zu sein.“

Und dann ist da der Bandname. „Das Dümmste, was uns einfallen konnte“, sagt Nemes stolz. Andere Namen standen zur Debatte: Moving England, Blatant Beavers, Napkin Man, Quick Cereals. Aber dieser hier war ein provokantes Pop-Statement. Wie Heyward sagt: „Es war wie ein Oktopus, der einen neuen Tentakel wachsen lässt.“ Der Name entstand in einer Krise – zuerst schmiss ihr Schlagzeuger hin, dann wurden alle drei von ihren Freundinnen verlassen. „Wir waren also single und ohne Drummer“, sagt Heyward. „Das hat uns wirklich einen Tritt in den Hintern gegeben. Der Namenswechsel war ein bisschen wie das Ende einer Beziehung – man lässt sich die Haare schneiden, oder? Vor allem Frauen. Man trifft sie und sie haben diese tolle Frisur, und man denkt: ‚Warum hattest du die nicht, als wir noch zusammen waren?‘ Aber sie sagt: ‚Ich hab mir die Haare so schneiden lassen, damit ich dich aus meinem Leben streichen und weitermachen kann.’“

Sie merkten, dass es der richtige Name war, weil ihre Freunde ihn hassten. „Haircut 100 – wir haben ihn bei unseren Kumpels ausprobiert. Die meisten sagten: ‚Was? Warum?‘ Und wir bekamen so viele ‚Warums‘, dass er einfach hängen blieb. Er schien die Leute zu verwirren. Aber genau das machte ihn zu einem guten Namen – er hatte ein bisschen ‚Warum?’“

Eklektische Einflüsse

Wie man in ihrer Musik hört, hatten sie eklektische Geschmäcker – Nemes stand auf experimentellen Art-Rock, Jones auf Punk, Heyward auf Indie-Janglers wie die Feelies oder Jonathan Richman and the Modern Lovers. „Wir wuchsen mit den Plattensammlungen unserer Geschwister auf“, erinnert sich Heyward. „Am Anfang war es Glam. Dann traf Punk wie ein Meteor ein, das war unser großer Einfluss. Aber daneben lief immer Stevie Wonder, und immer die Stones. Punk war da, aber man hörte Earth, Wind & Fire und dachte: ‚Wow, so klingen – das ist doch nicht möglich.‘ Nicht mal in unseren kühnsten Träumen. Das klingt, als wäre es von Zauberern aus dem Weltall gemacht. Wie fängt man überhaupt an, einen Song wie ‚September‘ zu schreiben?’“

Ihren Groove fanden sie, als sie mit dem amerikanischen Schlagzeuger Blair Cunningham zusammenkamen, einem Memphiser Session-Musiker aus einer musikalischen Familie von zehn Brüdern – alle Schlagzeuger. Sein Bruder Carl spielte bei den Stax-Soul-Legenden The Bar-Kays. (Wie der Rest der Band kam er tragischerweise beim selben Flugzeugabsturz ums Leben wie Otis Redding.) „Wir haben, Gott, zwei Alben pro Woche in Memphis aufgenommen“, sagt Cunningham, „und bei all den Bands, die durchkamen, wusste man nie, welchen Stil sie wollten, also lernt man sehr, sehr schnell.“ Er veränderte Haircut 100 von Grund auf und brachte den Funk mit. „Seine Authentizität hat alles verändert“, sagt Heyward. „Sobald Blair sich ans Schlagzeug setzte, waren wir plötzlich über Punk hinaus, über New Wave hinaus, über alles hinaus.“

Overnight-Sensationen

In der Underground-Clubszene blieben sie nicht lange. „Favourite Shirts (Boy Meets Girl)“ erschien im Oktober 1981 und machte sie über Nacht zu Sensationen. (Beispiellyrik: „Your favorite shirt is on the bed/Do a somersault on your head.“) „Love Plus One“ war noch größer. Plötzlich waren sie internationale Popstars, lebten den Traum, wurden von Mädchen durch die Straßen gejagt – das volle Programm. Heyward sagt: „Ich stellte mir immer vor, so muss es sich für die Beatles angefühlt haben.“

Sie eroberten sogar die USA, in den frühen Tagen von MTV. „Ich glaube, wir haben bei Amerika Anklang gefunden, weil wir die amerikanische Kultur so liebten“, sagt Heyward. „In den Siebzigern schaute ich mich im Spiegel an und dachte: ‚OK, da bin ich – und dann gibt es Shaft. Shaft sieht wirklich cool aus, ein Magnet für die Frauen, und ich nicht. Ich sehe aus wie ein Junge oder so. Was soll ich bloß machen?‘ Amerika wirkte einfach, als hätte es alles.“

Der Höhepunkt kam im Mai 1982 mit einer riesigen Show im Roxy in L.A. Es war Heywards 21. Geburtstag. „Clive Davis kam zum Gig – der Chef unseres Labels“, erinnert er sich. „Er konnte Karrieren machen oder brechen. Er war mit Simon Potts da, der so eine Art britischer Clive Davis war.“

Im perfekten Moment

Es war ein Krönungsmoment. „Clive überreichte mir eine riesige Geburtstagstorte in Form eines Kamms. Es war so ein Gefühl von: ‚OK, du bist heute 21. Jetzt bist du ein Mann.‘ Es war überwältigend, aber das war der perfekte Zeitpunkt. Es ist wie beim Surfen, wenn man in der Welle ist, genau in der Mitte, dieser selige Moment im Inneren einer Welle, wenn alles still wird. Man ist in der perfekten Welle. Genau so fühlte es sich an. ‚Kann ich diesen Moment einfach festhalten?‘ Die Welle kommt über mich. Ich fahre durch die Welle und sehe das Licht am Ende. Aber ich bin im Moment, und so perfekt wird es wahrscheinlich nie wieder sein. Es wird brechen. Es wird diesen Moment verschlingen.“

Leider brach die Welle tatsächlich. „Wir waren wirklich gute Musiker, aber katastrophale Geschäftsleute“, sagt Heyward. „Unser Manager ging, und dann hatten wir einen ganzen Bus voll Leute – wir wussten nicht mal, wer die alle waren.“ Ohne Management zerfiel die Band unter dem Druck in rivalisierende Lager. Heyward brach zusammen und wurde ins Krankenhaus eingeliefert – Jahrzehnte bevor die Musikbranche anfing, psychische Gesundheit ernst zu nehmen. Haircut 100 zerbrachen. „Es war nur ein Jahr“, sinniert er. „Wie eine Blume, die ein Jahr blüht und dann stirbt. Bei der Eintagsfliege ist es ein Tag. Wir waren eine einjährige Eintagsfliege.“

Heyward startete seine Solokarriere mit dem 1984er Album „North of a Miracle“ und der loungefertigen Hit-Ballade „Whistle Down the Wind“. Sein britischer Hit „Kite“ von 1993 lief auch im US-Modern-Rock-Radio; auf seinem 1998er Juwel „The Apple Bed“ wurde er folkiger, seinen Solohöhepunkt erreichte er mit dem großartigen 2017er Songzyklus „Woodland Echoes“. „Ich strebe nach Künstlern wie Jonathan Richman, die eine Sache wirklich gut machen und dabei bleiben“, sagt er. „Das würde ich gerne tun, aber ich kann es nicht. Ich lasse mich ablenken.“

Verschiedene Wege

Die ganze Band hielt sich irgendwie über Wasser. „Wir haben in den vergangenen Jahren alle unterschiedliche Wege eingeschlagen“, sagt Jones. „In der Zwischenzeit war Les mit Rick Astley unterwegs und hat ein bisschen als Schauspieler gearbeitet, und ich war mit einer Band namens Boy Wonder beschäftigt.“ Nemes erinnert sich: „Für mich hatten die Rick-Astley-Touren all die guten Seiten des Bandlebens, ohne die wirklich öden Teile. Man wurde im Grunde nur informiert, wann man auf der Bühne zu stehen hatte, und dann musste Rick das ganze Popstar-Zeug erledigen.“ Aber alle sehnten sich nach der Magie, die sie als Haircut 100 gehabt hatten. „Ich machte Sessions, aber ich war nicht gut darin, Ideen für andere zu entwickeln. Bei Haircut fühlte ich mich sehr, sehr wohl.“

Aber nicht mal ein eingefleischter Fan hätte vorhersagen können, dass sie mit einem Album so selbstsicherer Qualität wie „Boxing the Compass“ zurückkehren würden – mit Knallern wie „Dynamite“, „Vanishing Point“ und „The Unloving Plum“. „Hoffentlich noch viele mehr“, sagt Heyward. Sie sind bereits begeistert vom nächsten. Wie Nemes sagt: „Ich glaube, es ist höchste Zeit – im besten Sinne –, dass Haircut ein bisschen erwachsen wird. Ich freue mich wirklich auf das nächste Album und hoffe, es ein bisschen experimenteller zu gestalten.“ Statt jedoch all die Jahre zu betrauern, in denen sie das alles nicht gemacht haben, sind sie einfach froh, dass es am Ende doch noch geklappt hat. „Es hat sich einfach ergeben“, gibt Nemes zu. „Es war fast so, als hätte das Universum gesagt: ‚Ich organisiere alles. Ihr müsst nur immer wieder auftauchen.’“

Der „Get Back“-Moment

„Wir sind wirklich neugierig und begeistert, wenn wir zusammen sind“, sagt Heyward. „Als wir uns die Beatles-Doku „Get Back“ [2021] anschauten, waren wir alle gerade ohne Job. Es war plötzlich so ein Gefühl von: ‚Was machen wir jetzt?‘ Also saßen wir alle da und schauten „Get Back“ und dachten: ‚Wow.‘ Sahen sie, wie sie mit Songs spielten wie mit Essen – oder wie ein Killerwal mit einer Robbe spielt –, einfach zusammen spielen. Jeder, der in einer Band ist, dachte dabei wahrscheinlich: ‚Wir machen das auch! Das ist es, was wir auch tun! So findet man den glücklichen Ort im Song.‘ Ich fand es so bewegend anzuschauen. Unbewusst dachte ich einfach: ‚Wenn es eine weitere Chance für unsere Band gibt, hoffe ich wirklich, dass wir beim nächsten Mal zusammenbleiben.’“

Doch die Musik, die sie all die Jahrzehnte zuvor gemacht haben, ist nie verblasst – immer mehr Menschen entdecken „Love Plus One“ mit der Zeit. „Das ist das Wunder der Musik, oder?“, sagt Heyward. „Sie ist eine ewige Blume, oder nicht? Als ich die Beatles entdeckte, waren sie seit zehn Jahren getrennt – aber so mächtig ist die Musik. Wir waren vielleicht ein Jahr lang in voller Blüte, aber die Blume ist noch da. Man hat diese Samen gepflanzt, man hat diese Blume gemacht, und dann können die Menschen sie für immer genießen.“