„Leviticus“: Der neue Meilenstein des LGBTQ+-Horrors ist da
Der australische Sozialhorror „Leviticus“ nutzt eine direkte Metapher – einen Dämon in Gestalt des Begehrten – für eine erschütternde Abrechnung mit Konversionstherapie.
Im dritten Buch Mose gibt es viele Verse, doch ein einziger wird seit Ewigkeiten immer wieder aus der Schublade gezogen. Nicht das Gebot der Nächstenliebe. Sie wissen schon, welcher gemeint ist. Das mit dem „Du sollst nicht bei einem Mann liegen wie bei einer Frau.“ Ein alttestamentarisches Gebot, das als Knüppel von Menschen eingesetzt wird, die die Kernlehren des Neuen Testaments konsequent ignorieren – und das jahrhundertelang Homophobie, Hass und Leid befeuert hat. Writer-Director Adrian Chiarella hat diesen Vers zweifellos schon zitiert bekommen, ihn von Anti-Pride-Demonstranten brüllen gehört und die Konsequenzen eines Satzes am eigenen Leib erfahren, der dazu benutzt wurde, eine ganze Gemeinschaft zu verfolgen.
Ursprünglich spielte der australische Filmemacher mit dem Gedanken, einen Film über jene pseudoreligiösen Feuer-und-Schwefel-Exorzismen zu drehen, die fälschlicherweise als „Heilung“ queerer Jugendlicher gelten. Dann hatte Chiarella eine Idee: Was wäre, wenn jemand die Begierden junger Männer und Frauen nicht durch zeremonielle Austreibung bekämpfte, sondern durch Besessenheit?
Von Anfang an als Genre-Provokation konzipiert, nutzt „Leviticus“ diese einfache konzeptuelle Umkehrung als Ausgangspunkt für brandaktuellen Gesprächsstoff und Sozialhorror-Schockmomente. Es ist die Art von Regiedebüt, bei dem man sagt: „Den Namen merken“ – ein filmisches Statement, das durch ein ausgeprägtes Gespür für Bildkomposition und zwei Performances getragen wird, die den Grat zwischen glühender Leidenschaft und blankem Schrecken abschreiten. Gleichzeitig markiert der Film einen Wendepunkt im queeren Horrorgenre: Er weckt echte Angst um seine Protagonisten und tiefen Abscheu vor seinen übernatürlichen wie menschlichen Monstern. Die Metapher für das reale Gruselkabinett namens Konversionstherapie ist alles andere als zurückhaltend. Aber sie ist bemerkenswert wirkungsvoll und fühlt sich wie ein kleiner Meilenstein an – in der Repräsentation und Reflexion einer Gemeinschaft, die eine lange, bedeutsame und äußerst komplizierte Geschichte mit dem Horrorfilm verbindet.
Ankunft im Nirgendwo
In die ländliche Peripherie Australiens umzuziehen hat nicht viele Vorzüge für Naim (Joe Bird, bekannt aus „Talk to Me“). Das Einzige, was dieser Umzug ins Nichts zu bieten hat: Ryan (Stacy Clausen) wohnt dort. Ein einheimischer Junge mit Surfer-Vibe und Ringerphysique, der den Neuankömmling in die lokalen Freizeitvergnügen einweiht: Schlangen beim Froschjagen zusehen, ziellos durch endlose Sackgassen streifen, in eine verlassene Mühle einbrechen und begeistert alles kurz und klein schlagen, was sich darin findet. Als aus ausgelassenem Herumtollen eine spontane Annäherung wird, sperren sich beide nicht dagegen. Die Anziehung ist spürbar – auch wenn das unausgesprochene Gebot, die Sache diskret zu halten, von beiden verstanden wird.
Denn die Kirche hat in diesem Kaff erheblichen Einfluss, und solche Verbindungen stoßen bei der erzkonservativen, engstirnigen Bevölkerung erwartungsgemäß auf Ablehnung. (Siehe Filmtitel.) Besonders angetan scheint davon Naims Mutter (Mia Wasikowska) zu sein – weniger eine fanatische Gläubige als eine verlorene Seele, die nach ihrer Scheidung verzweifelt nach einem Halt sucht. Es stellt sich außerdem heraus, dass Ryan auch eine körperliche Beziehung mit dem Sohn des Pastors unterhält. Bald taucht ein „Befreiungsheiler“ auf – Nicholas Hope, Star von „Bad Boy Bubby“ und eine Legende des australischen Kinos –, der an dem Sohn und Ryan eine Art… Ritual vollzieht. „All eure Lust, all eure Schamlosigkeit, all eure Begierden – das muss jetzt weichen“, intoniert er. Rätselhafte Worte werden gesprochen. Ein Feuerzeug wird vor die Gesichter der Jungen gehalten. Dann: Krämpfe und Schmerzensschreie.
Wenige Tage später beobachtet Naim, wie der Sohn des Pastors von einer unsichtbaren Kraft brutal angegriffen wird. Auch Ryan hat unerklärliche Vorfälle mit einer nicht sichtbaren, bösartigen Macht erlebt. Dann beauftragt Naims Mutter diesen selbsternannten Heiler damit, auch ihrem Sohn zu „helfen“ – und es dauert nicht lange, bis Naim sich gegen dieselbe paranormale Erscheinung zur Wehr setzen muss, die Ryan bedroht. Etwa an diesem Punkt führt der Film einige Spielregeln bezüglich seines hausgemachten Bösen ein: Das Ding ist auf eine Reihe anderer Jugendlicher in der Gegend losgelassen worden. Es greift nur an, wenn man allein ist. Und es erscheint in Gestalt der Person, nach der man am meisten begehrt – umso besser, um die eigene Anziehung mörderisch gegen einen zu wenden. Schwer zu erkennen, ob man einem Dämon begegnet, wenn er wie das leibhaftige Abbild der großen Liebe aussieht.
Mehr als nur eine Metapher
Wie gesagt: nicht gerade subtil. Zum Glück versteht „Leviticus“ es, dieses Konzept sowohl für Schockmomente zu nutzen als auch Punkte über die Heimtücke zu machen, die entsteht, wenn man Hass mit Erlösung verwechselt. Lust war im Horrorfilm schon immer ein Katalysator für Monster und Massaker – doch den Film schlicht als „‚It Follows‘, aber für gleichgeschlechtliche Beziehungen“ abzustempeln wäre oberflächlich und würde ihm nicht gerecht. Chiarellas Geschichte greift ein sehr reales Vorurteil auf und eine sehr echte Angst. Die Spannung hinter jedem „Ist das der echte Ryan, oder ein Höllenspawn in Ryans Gestalt, der Naim den Kopf abreißen will?“-Moment – und davon gibt es mehrere, choreografiert für maximale Nervenbelastung – wird stets mit dem Hinweis gepaart, dass die Kirche des Ortes diese paranormalen Anti-LGBTQ-Maßnahmen abgesegnet hat. Was ist heimtückischer, als wenn jemand die eigene Sexualität als Waffe gegen einen einsetzt und behauptet, es geschehe zur „Rettung“ der Seele? Der Dämon ist schlicht die Manifestation von etwas weniger Bizarrem und weit Hässlicherem.
Wer Filme bevorzugt, bei denen die Metaphern etwas leichter dosiert sind, könnte diesen queeren Horrorfilm als ein wenig zu schwerfällig empfinden. „Leviticus“ hat jedoch mehr im Sinn, als reale Missstände in Genre-Futter zu übersetzen. Er kommt nicht, um seine Schwulen zu begraben, sondern um zu zeigen, wie Seelenverwandte einen Weg finden, ihre Liebe auch angesichts von Leben und Tod zu bewahren. An einer Stelle erklärt Ryan, dass er, wenn er den Rest seiner Tage damit verbringen muss, gegen etwas zu kämpfen, das die Gestalt des Menschen annimmt, der sein Herz höherschlagen lässt, will, dass dieses Etwas wie Naim aussieht. Der Satz klingt albern, wenn man ihn liest. Das schwärmerische Gefühl dahinter kommt durch, wenn man Clausen ihn sprechen hört und sieht, welche Reaktion er in Birds Figur auslöst. Den Großteil des Films über glaubt man, einen Horrorfilm zu sehen, unter dessen Oberfläche eine Liebesgeschichte brodelt. Gegen Ende begreift man, dass es genau umgekehrt ist: eine Liebesgeschichte, die untrennbar mit dem Horrorfilm um sie herum verwoben ist – ohne ihm jedoch zu gehören.
