10 Albenklassiker, bei denen ROLLING STONE krass danebenlag
Vom Debütalbum von Led Zeppelin bis zu „Nevermind“ von Nirvana. 10 Klassikeralben, bei denen die Meinung unserer Kritiker nicht ganz mit der Geschichte übereinstimmte
Musikkritiker zu sein ist nicht immer einfach. Manchmal hat man nur wenige Stunden Zeit, um sich eine neue Platte anzuhören. Sie zu verdauen. Und eine Rezension zu schreiben, die für die Ewigkeit ist. Aber manche Alben muss man sich viele, viele Male anhören, um sie wirklich zu verstehen.
Stellen Sie sich vor, Sie hören eine Gruppe wie AC/DC oder die Ramones zum ersten Mal ohne jeglichen Kontext. Die Musik mag lächerlich und kindisch erscheinen. Und selbst wenn Sie die betreffende Gruppe später verehren, ist Ihr erster Eindruck das Einzige, woran sich jemand erinnern wird. Seit der ersten Ausgabe im Jahr 1967 veröffentlichen wir Rezensionen im Rolling Stone. Das sind Tausende und Abertausende von Rezensionen. Und mehr als ein paar Mal haben wir ein Album verrissen, das später zu einem beliebten Klassiker wurde. Hier sind 10 der berüchtigtsten Fälle. Zusammen mit unseren überarbeiteten Einschätzungen, die von verschiedenen Autoren später veröffentlicht wurden.
Jimi Hendrix, „Are You Experienced“ (1967)
In der allerersten Ausgabe von Rolling Stone drückte Jon Landau seine tiefe Unzufriedenheit mit dem neuen Album einer jungen Band namens Jimi Hendrix Experience aus.
„Alles andere ist verrückt und einfach eine Frage, ob man es mag oder nicht. Im Grunde mag ich es aus mehreren Gründen nicht. Trotz Jimis musikalischer Brillanz und der absoluten Präzision der Gruppe stehen die schlechte Qualität der Songs und die Sinnlosigkeit der Texte zu oft im Weg. Jimi steht sehr auf Texte, die die Gefühlslage beschreiben. Aber selbst dann sind Zeilen wie „Manische Depression ist ein frustrierendes Chaos“ einfach nicht gut genug. Es ist eine Sache, wenn Jimi arrogant und ohne jegliche künstlerische Ambitionen redet.
Aber eine andere, wenn er Texte auf diese Weise schreibt. In diesem Zusammenhang kann „I Don’t Live Today“ sowohl als der beste als auch als der schlechteste Song des Albums angesehen werden. Das Beste daran ist, dass es mit solch exquisiter Präzision und Kontrolle vorgetragen wird. Und das Schlechteste daran ist, dass das, was Jimi zu vermitteln versucht, so langweilig ist: „There’s no life nowhere … Dig it if you can, but as for me, I’d rather hear Jimi play the blues.“ –Jon Landau
Zweite Aufnahme: Fünf Sterne (2004 Rolling Stone Album Guide)
„Are You Experienced?„ war der Sommer der Liebe, das Debütalbum, und es klang wie göttlicher Wahnsinn – ‚Purple Haze‘, ‚I Don’t Live Today‘, ‚Manic Depression‘ und ‚Fire‘ – wir alle mit Feedback-Finesse und arroganter Virtuosität, umhüllt von Texten, die aus ursprünglicher Verwunderung, Lust und Angst entstanden sind.“ – Paul Evans
Led Zeppelin, „Led Zeppelin“ (1969)
Led Zeppelin waren eine brandneue Blues-Rock-Band, die für Bands wie Vanilla Fudge und Iron Butterfly eröffnete, als Rolling Stone eine so vernichtende Kritik über ihr Debütalbum veröffentlichte, dass die Gruppe jahrzehntelang einen Groll hegte.
„Die neueste der so konzipierten britischen Bluesgruppen bietet wenig, was ihr Zwilling, die Jeff Beck Group, nicht schon vor drei Monaten genauso gut oder besser gesagt hätte, und die Exzesse des Albums Truth der Beck Group (vor allem die Selbstgefälligkeit und Beschränktheit) sind auf dem Debütalbum von Led Zeppelin voll und ganz zu erkennen.
Jimmy Page, um den sich alles bei Led Zeppelin dreht, ist zugegebenermaßen ein außerordentlich versierter Bluesgitarrist. Und ein Erforscher der elektronischen Möglichkeiten seines Instruments. Leider ist er auch ein sehr begrenzter Produzent und ein Verfasser schwacher, einfallsloser Songs, und das Zeppelin-Album leidet darunter, dass er es sowohl produziert als auch größtenteils geschrieben hat (allein oder in Zusammenarbeit mit seinen Komplizen in der Gruppe).“ –John Mendelsohn
Zweite Meinung: Fünf Sterne (2001 Rolling Stone)
„Das Cover von Led Zeppelin, dem seismischen Debüt des britischen Quartetts von 1969, zeigt das Luftschiff Hindenburg in seiner ganzen phallischen Pracht, wie es in Flammen aufgeht. Das Bild hat die Musik im Inneren ziemlich gut eingefangen: Sex, Katastrophen und Dinge, die in die Luft gehen. Der Stolz ist von Anfang an da, in „Good Times Bad Times“: Jimmy Pages Gitarre stürzt sich bedrohlich aus den Lautsprechern; John Bonhams Kick-Drum schwingt mit Ambosskraft; Robert Plant schwafelt über die Gefahren des Mannseins. Hard Rock wäre nie mehr derselbe. Es mag bessere, raffiniertere Zep-Alben geben als Led Zeppelin – auch bekannt als Led Zeppelin I – aber keines klingt so erfreulich roh oder definiert die Absichten der Band so umfassend.“ –Greg Kot
Black Sabbath, „Black Sabbath“ (1970)
Lester Bangs ist einer der angesehensten Rockautoren der Geschichte, aber selbst er verstand Black Sabbath nicht ganz, als er 1970 ihre erste Platte hörte.
„Auf der anderen Seite der Gleise im Industriegebiet von Cream Country liegen ungelernte Arbeiter wie Black Sabbath, die als rockige rituelle Zelebration der satanischen Messe oder so etwas ähnlich wie Englands Antwort auf Coven hochgejubelt wurden.
Nun, so schlecht sind sie nicht, aber das ist auch schon alles, was man ihnen zugutehalten kann. Das ganze Album ist eine Mogelpackung – trotz der düsteren Songtitel und einiger alberner Texte, die klingen, als würden Vanilla Fudge Aleister Crowley in Versform Tribut zollen, hat das Album nichts mit Spiritualismus, Okkultismus oder Ähnlichem zu tun, außer steifen Rezitationen von Cream-Klischees, die klingen, als hätten die Musiker sie aus einem Buch gelernt und würden sie mit verbissener Beharrlichkeit immer weiter vor sich hinsagen.
Der Gesang ist spärlich, der Großteil des Albums besteht aus schleppenden Basslinien, über die die Leadgitarre hölzerne Claptonismen aus den müden Cream-Tagen des Meisters tröpfelt. Es gibt sogar disharmonische Jams, bei denen Bass und Gitarre wie beschleunigte Speedfreaks über die musikalischen Grenzen des jeweils anderen taumeln, aber nie ganz synchron sind – genau wie bei Cream! Aber noch schlimmer.“ –Lester Bangs
Zweite Meinung: Fünf Sterne (2004 Rolling Stone Album Guide)
„Sie haben den Blues aus dem Bluesrock entfernt und ihn durch Wagner ersetzt, und so epische Kampfrhythmen geschaffen, die von einer Spannung und Entspannung erfüllt sind, die jeder heranwachsende Junge aus erster Hand kennt. Dank der Produktion von Rodger Bain klingen Black Sabbath wirklich groß und wirklich ungesund. Es ist ein Album, das Hippies zum Frühstück verspeist; außerdem wurde statistisch ermittelt, dass, wenn eine Gehirnzelle die Größe eines Sandkorns hätte, die Menge, die beim Hören dieser Platte im ersten Jahr ihrer Veröffentlichung verloren ginge, leicht den Grand Canyon füllen könnte.
Was die Leute bei Black Sabbath vergessen – und das ist angesichts ihrer dämonischen Bilder und der Stimmung am Vorabend von Allerheiligen verständlich – ist, dass es sich um eine der gottgetriebensten, puritanischsten Rockbands der Geschichte handelte. Ihre These, dass die Menschheit böse ist und für ihre bösen Taten Buße tun muss, sollte fast alle zukünftigen Barden der metallischen Künste beeinflussen.“ –Scott Seward.
Neil Young, „Harvest“ (1972)
Drei Jahre nachdem er die ersten beiden Alben von Led Zeppelin auseinandergenommen hatte, ließ John Mendelsohn seinem Zorn auf Neil Youngs Harvest freien Lauf.
„Harvest, ein quälend langes Jahr in der Entstehung (oder, scheinbar passender, Zusammenstellung), zeigt Neil Young, wie er die meisten der ermüdendsten Klischees der Superstars in L.A. heraufbeschwört, um seine Unfähigkeit zu verschleiern, eine gute Imitation seines früheren Selbst zu sein. …
Um ehrlich zu sein, habe ich mir Harvest mindestens ein Dutzend Mal komplett angehört, bevor ich die Schreibmaschine in die Hand nahm, und am Ende kann ich nur eine positive Sache dazu sagen: Neil Young singt immer noch schrecklich schön und oft sogar rührend. Aber zum größten Teil hat er anscheinend aus den Augen verloren, was seine Musik einst so einzigartig fesselnd und bewegend machte, und ist zu einem weiteren hübsch singenden Solo-Superstar geworden. Das kann mich nur deprimieren.“ –John Mendelsohn
Zweite Meinung: 2003 wurde es vom Rolling Stone auf Platz 82 der besten Alben aller Zeiten gewählt.
„Harvest brachte Neil Youngs einzigen Nummer-eins-Hit ‚Heart of Gold‘ hervor und bereitete den Weg für die Soft-Rock-Explosion der Siebziger – sowohl James Taylor als auch Linda Ronstadt singen auf dem Album. Zusammen mit Young waren sie in Nashville, um in Johnny Cashs ABC-TV-Varieté-Show aufzutreten, am ersten Wochenende, an dem Harvest mit einer ungewöhnlichen Gruppe versierter Studiomusiker aufgenommen wurde, darunter der Bassist Tim Drummond, der mit James Brown gespielt hatte (Youngs Bandkollegen Crosby, Stills und Nash traten ebenfalls auf dem Album auf).
Der Sound auf Titeln wie „Old Man“ und „The Needle and the Damage Done“ war Americana (Steel-Gitarre, Slide-Gitarre, Banjo), reduziert und neu aufgebaut, wobei jede scharfe Kante freigelegt wurde.“
The Rolling Stones, „Exile on Main Street“ (1972)
Patti Smiths Gitarrist Lenny Kaye ist ein brillanter Autor und das Genie hinter Nuggets. Wahrscheinlich hat er für Exile on Main Street mehr Respekt erhalten als 1972, als er diese Rezension verfasste.
„Exile on Main Street scheint dort weiterzumachen, wo Sticky Fingers aufgehört hat, wobei die Stones versuchen, ihre Probleme zu bewältigen, und wieder einmal knapp am Ziel vorbeischießen. Sie sind auf die andere Seite des Extrems vorgedrungen und haben eine Reihe von Lösungen zunichte gemacht, nur um mit einer anderen konfrontiert zu werden.
Mit wenigen Ausnahmen bedeutet dies, dass sie sich an ihre Wurzeln halten und die Art von Dingen tun, die ihnen natürlich erscheinen, und nicht aus dem Bereich herausgehen, in dem sie sich am wohlsten fühlen. Unbestreitbar ist das Musik vom Feinsten, und es ist sicherlich ein gutes Zeichen, dass sie wieder so produktiv aufnehmen; aber ich denke immer noch, dass das große Stones-Album ihrer reifen Phase noch kommen wird. Hoffentlich gibt ihnen „Exile on Main Street“ den nötigen Halt, um sich zu öffnen, und mit ein wenig Horizonterweiterung (vielleicht durch zwei Monate auf Tournee) könnten sie es uns beim nächsten Mal sogar liefern.“ –Lenny Kaye
Zweite Meinung: Fünf Sterne (Rolling Stone Album Guide 2004)
„Es ist ihr physisch mitreißendstes Album und letztendlich ihr emotional inspirierendstes. Micks Gesang ist nur ein weiteres Instrument in einem glorreichen Rausch aus hochgeschwindigkeits-elektrischem Lärm, seine Texte sind kaum wahrnehmbar bei all den Gitarren, Saxophonen und Mundharmonikas; was auch immer er sagt, er will einfach nur einstöpseln und ausspülen und kämpfen und ficken und füttern. Keith kanalisiert all seine fiesen Angewohnheiten und sein inneres Chaos in die Gitarren, vom krampfhaften Opener „Rocks Off“ bis zum müden akustischen Stampfen von „Sweet Virginia“. Charlie Watts‘ zurückhaltende Darbietung in „Shake Your Hips“ verdient eine Art Nobelpreis.“ –Rob Sheffield
Bob Dylan, „Blood on the Tracks“ (1975)
Etwa zur gleichen Zeit, als er mit Bruce Springsteen zusammenarbeitete, der von vielen als der „neue Dylan“ bezeichnet wurde, hörte sich Jon Landau das neueste Album des alten Dylan an und mochte nicht, was er hörte. Manchmal dauerte es Jahrzehnte, bis das Magazin eine fragwürdige Rezension überarbeitete, aber in diesem Fall wurde auf derselben Seite ein gegensätzlicher Standpunkt vertreten. Jonathan Cott’s Meinung zu dem Album war deutlich positiver.
„Wenn es in Dylans Welt der Extreme Platz für einen Mittelweg gibt, dann ordne ich Blood on the Tracks dort ein. Es ist sein bestes Album seit Blonde on Blonde, aber bei weitem nicht so gut. Wenn es nichts so Schlechtes wie die zweite Version von ‚Forever Young‘ enthält, kommt nur ‚Tangled Up in Blue‘ ‚One of Us Must Know (Sooner or Later)‘ auch nur annähernd nahe.“ Das neue Album überhaupt mit Blonde on Blonde zu vergleichen, bedeutet zu implizieren, dass die Menschen es genauso sehr und genauso lange schätzen werden. Das werden sie nicht.“ –Jon Landau
Zweite Meinung: (Auch diese Meinung erschien in derselben Ausgabe wie die erste.)
„Selten wirkte Dylans Präsenz so voll und bewegend wie auf Blood on the Tracks. Egal, in welcher Stimmung, Dylans Stimme klingt so reich, sanft, geisterhaft oder verschärft, wie es der jeweilige Song erfordert. … Ihr klarer, glänzender, unpersönlicher Klang eignet sich perfekt als funktionale Unterstützung für Dylans glühende und wunderbar phrasierte Mundharmonika-, Mandolinen- und Gitarrenarbeit und für seine wunderschön artikulierten und glühenden Texte – deren Stärken denen des Gedichts aus dem 13. Jahrhundert ähneln, dessen Versbuch er in „Tangled Up in Blue“ liest („Und jedes einzelne Wort klang wahr/Und glühte wie brennende Kohle/Goss von jeder Seite/Als wäre es in meiner Seele geschrieben/Von mir für dich/Verwirrt in Blau“).“ –Jonathan Cott
AC/DC, „High Voltage“ (1976)
Stellen Sie sich vor, es ist 1976 und Sie bekommen ein neues Album mit Songs wie „She’s Got Balls“ von einer Gruppe dreister Australier auf den Tisch geworfen, von denen sich einer wie ein verrückter Schuljunge verkleidet. Sie würden wahrscheinlich nicht vermuten, dass sie zu einer der größten Hard-Rock-Bands aller Zeiten werden würden, die selbst nach dem Verlust von zwei legendären Leadsängern noch Stadien füllen kann. Sie könnten sogar eine Rezension wie diese schreiben.
„Diejenigen, die sich um die Zukunft des Hard Rock sorgen, können sich damit trösten, dass das Genre mit der Veröffentlichung des ersten US-Albums dieser australischen Meister des Ekels zweifellos seinen absoluten Tiefpunkt erreicht hat. Es kann nur noch besser werden (zumindest hoffe ich das). Eine Band, deren Live-Act einen Leadgitarristen (Angus Young) umfasst, der in Schuljungenmütze und Unterhose bedrohlich lächelt, hat musikalisch nichts zu sagen (zwei Gitarren, Bass und Schlagzeug marschieren alle im Stechschritt in sinnlosen Dreiklangformationen).
Textlich beginnt und endet ihr Universum mit den Worten „ich“, „mir“ und „mein“. Der Leadsänger Bon Scott spuckt seine Vocals mit einer wirklich nervigen Aggressivität aus, die, so vermute ich, die einzige Möglichkeit ist, wenn man nur daran interessiert zu sein scheint, ein Star zu sein, um jede Nacht flachgelegt zu werden. Und das, Freunde, ist die Gesamtsumme der auf dieser Platte behandelten Themen. Dummheit stört mich. Kalkulierte Dummheit beleidigt mich.“ –Billy Altman
Zweite Aufnahme: Zwei Sterne (1983 Rolling Stone Record Guide)
„Vernichtende, oft verleumderische Kritiken sind für diese australische Molten-Boogie-Band seit ihrem Debüt in diesem Land mit High Voltage (einer Zusammenstellung von zwei früheren australischen LPs) an der Tagesordnung. Aber was die Kritiker nicht wissen, verstehen die Heavy-Metal-Kids. Unter der Leitung der hartnäckigen, mit der Axt schwingenden, in Schottland geborenen Brüder Angus und Malcolm Young sind AC/DC nichts anderes als Rock’n’Roll-Party-Donner, 110-Dezibel-Eskapismus, angeheizt von Riffs und Rhythmen einer Panzerdivision, Angus‘ wilder Blick in verschwitzter Schuluniform und das lüsterne Knurren des Originalsängers Bon Scott.“ –David Fricke
Queen, „Jazz“ (1979)
Manchmal scheint ein Rezensent eine wirklich, wirklich schlechte Meinung von einer Band zu haben, was bei Dave Marsh und Queen der Fall zu sein scheint. Jahre später erhielt ihr Album Jazz im Album Guide nur eine geringfügig bessere Bewertung, obwohl sie diesmal nicht als „Faschisten“ bezeichnet wurden.
„Auf dem neuen Album von Queen gibt es keinen Jazz, falls Fans von beidem sich Sorgen über die Schändung einer Ikone machen sollten. Queen hat nicht die Fantasie, Jazz zu spielen – Queen hat nicht die Fantasie, Rock ’n‘ Roll zu spielen. Jazz ist nur eine weitere dieser langweiligen Pastiches, die das gesamte Werk dieser britischen Supergroup dominiert: straffe Gitarren-/Bass-/Schlagzeug-Heavy-Metal-Klischees, leicht klassische Pianistik, vierstimmige Harmonien, die die Four Freshmen funky klingen lassen, und Freddie Mercurys heiserer Leadgesang. …
Was auch immer sie behaupten, Queen ist nicht nur zum Spaß da. Diese Gruppe ist gekommen, um klarzustellen, wer überlegen und wer unterlegen ist. Ihre Hymne „We Will Rock You“ ist ein Marschbefehl: Ihr werdet uns nicht rocken, wir werden euch rocken. In der Tat könnte Queen die erste wirklich faschistische Rockband sein. Das Ganze lässt mich fragen, warum sich jemand diesen Widerlingen und ihren umweltschädlichen Ideen hingeben sollte.“ –Dave Marsh
Zweite Meinung: Zwei Sterne (2004 Rolling Stone Album Guide)
„Der Niedergang beginnt mit Jazz Jazz, das die schnelle Operette „Bicycle Race“ enthält, aber ansonsten nur Quatsch ist.“ –Mark Coleman
Nirvana, „Nevermind“ (1991)
Ira Robbins‘ Drei-Sterne-Rezension von Nevermind ist vielleicht die berüchtigtste Rolling Stone-Rezension der 1990er Jahre, aber wenn man sie jetzt liest, wird klar, dass Robbins das Album wirklich genossen hat. Sie liest sich fast wie eine Vier-Sterne-Rezension. Er hat ihre Einflüsse wirklich verstanden und sie in den Kontext ihrer Zeit gestellt. Wie hätte er ahnen können, dass dieses kleine Album die Welt verändern würde?
„Mit einer dynamischen Mischung aus knisternden Powerchords, manischer Energie und klanglicher Zurückhaltung errichtet Nirvana stabile melodische Strukturen – Mitsing-Hardrock, wie er von Gruppen wie den Replacements, Pixies und Sonic Youth definiert wird – und greift sie dann mit rasendem Geschrei und Gitarren-Chaos an. …
Zu oft verschwenden Underground-Bands ihr Talent auf Platten, für die sie noch nicht bereit sind, und verbrauchen dann ihre Energie und Inspiration bei anstrengenden Tourneen. „Nevermind„ zeigt Nirvana an einem Scheideweg – rauflustige Garagen-Krieger, die ihr Augenmerk auf ein Land der Riesen richten.“ –Ira Robbins
Zweite Meinung: Fünf Sterne (Rolling Stone Album Guide, 2004)
„Der Killer-Hook ist eine stotternde Akkordfolge, die der stotternden Akkordfolge in Bostons „More Than a Feeling“ ähnelt, einem Hit, der 15 Jahre zuvor erschien und durch Nirvanas Markenzeichen, die laute/leise Dynamik und die dunkle, surreale Stimmung, völlig verwandelt wurde. Nach Ezra Pounds Aufruf zu den Waffen machte Cobain daraus etwas Neues. Nach dem Diktum der Talking Heads hörte er auf, Sinn zu machen. Und er hörte auf, es auf eine Weise zu tun, die für diejenigen, die seine Entfremdung teilten, absolut Sinn machte.
Es war, als wären der James Dean aus „… denn sie wissen nicht, was sie tun“, der Bob Dylan aus „Subterranean Homesick Blues“, der Eddie Cochran aus „Summertime Blues“ und der Johnny Rotten aus „Pretty Vacant“ in einem schüchternen Kind mit schönen Augen und ungewaschenem blondem Haar vereint worden. Und wenn es noch irgendwelche Zweifel an der Bedeutung des Unsinns Mulatte/Albino/Moskito/Libido gab, dann gab es das Video, die fesselndsten drei Minuten in der Geschichte von MTV. Endlich wurde die Highschool als die Pep-Rallye in der Hölle dargestellt, die sie ist. Millionen von Überlebenden der post-schulischen Stress-Störung konnten sich sofort damit identifizieren.
Der Rest des Albums ist eine unerbittliche Abfolge von Monster-Riffs und monströsen Bildern, die alle von der wohl besten Rock-Rhythmusgruppe seit Led Zeppelin begleitet werden.“ –Charles M. Young
Weezer, „Pinkerton“ (1996)
Die Kritikerumfrage von Rolling Stone 1996 bezeichnete Pinkerton als eines der schlechtesten Alben des Jahres, obwohl die ursprüngliche Rezension von Rob O’Connor deutlich weniger bissig war.
„Weezer verlassen sich zu sehr auf eingängige Melodien, um alle Wunden von Cuomo zu heilen. In ‚El Scorcho‘ erweist sich der ansteckende Refrain des Songs als magere Belohnung. ‚Tired of Sex‘, ein Blick auf das leere Sexleben eines grüblerischen Hengstes, ist so ziellos wie die nächtliche Routine des Subjekts. Aber „Butterfly“ ist ein echter Leckerbissen, eine sanfte Akustiknummer, die an die klassische, herzzerreißende Schönheit von Big Star erinnert.
Cuomos Stimme bricht, als er das zerbrechliche Wesen in der Lyrik ungewollt niederschmettert, was darauf hindeutet, dass sich unter der nerdigen Teenager-Pose ein Künstler verbirgt, der auf dem besten Weg zur Reife ist.“ –Rob O’Connor
Zweite Aufnahme: Fünf Sterne (2004 Rolling Stone Hall of Fame)
„Das selbstproduzierte Album klingt so roh wie Cuomos Texte, ohne den Glanz, den Ric Ocasek auf dem Debüt der Band hinzufügte. Aber was Pinkerton zu mehr als einem Blogeintrag macht, ist Cuomos unerschöpfliches Talent für Power-Pop. „Across the Sea“ – das so viel aus dem Brief der japanischen Fanin zitierte, dass Cuomo ihr einen Teil des Songwriting-Geldes gab – ist das Meisterwerk, das sich zu immer größerer Intensität steigert, während Cuomo über das entfernteste aller seiner unerreichbaren Mädchen jammert.
Am Ende schwillt der Refrain an: „Ich habe deinen Brief/Du hast mein Lied.“ Eine unerfüllte Fantasie ist für jeden Menschen Glück genug, sagt Cuomo – und er singt es mit genug Leidenschaft, um auch Sie davon überzeugen zu können.“ – Gavin Edwards
