22 schlechte Songs von großartigen Künstlern
Große Fehler von Bob Dylan, Elvis, Led Zeppelin, The Who und anderen. 22 schlechte Songs von großartigen Künstlern
So sehr wir unsere Lieblingskünstler auch lieben, ist es schwer zu sagen, dass einer von ihnen perfekt ist. Hier sind 22 ikonische Künstler, die kurzzeitig von Drogen, Faulheit, Neuartigkeit, Überproduktion, schlechtem Urteilsvermögen oder, im Fall von Brian Wilson, Rapmusik angezogen wurden.
Elvis Presley, „Confidence“ (1967)
Die Auswahl des schlechtesten Songs, den Elvis für seine erbärmlichen Sixties-Filme aufgenommen hat, ist ein wenig wie die Auswahl der am wenigsten bevorzugten tödlichen Krankheit. Aber während die außergewöhnlich starken Nerven zumindest etwas Spaß an albernen Schrott wie „Yoga Is as Yoga Does“ oder „He’s Your Uncle Not Your Dad“ finden können, ist diese wertlose Neufassung von „High Hopes“ aus Clambake von 1967 ungefähr so unterhaltsam wie eine Tetanusimpfung. Und weniger einprägsam.
Der lahmste der 42 Songs, die Sid Tepper und Roy C. Bennett für den King geschrieben haben, wird durch seinen schrillen Kinderchor noch weiter nach unten gezogen. Dazu eine cartoonartige Begleitmusik. Und Elvis selbst, der singt, als ob er vertraglich verpflichtet wäre, keine menschlichen Emotionen zu zeigen.
David Bowie, „The Laughing Gnome“ (1967)
Das Lachgas wird in dieser neuartigen Nummer mit dem heliumartigen, beschleunigten Gesang des Produzenten Gus Dudgeon und einer schwindelerregenden 19-jährigen Ikone auf Hochtouren gebracht. Mit einer Fagottlinie, die Bowie später in „Speed of Life“ und anderswo verwenden sollte, wird der Titel von einem gnomenhaften Wortwitz durchzogen.
Und zeigt die Hingabe, das Chartleben mit allen Mitteln zu erfassen. Bei seiner Wiederveröffentlichung 1973 erreichte es Platz sechs. 1990 drohte Bowie mit einer „von Velvet Underground beeinflussten“ Live-Version, die er aber nicht ablieferte. „Ich hätte mehr für Gnome tun sollen“, sagte er später dem NME. „Ich hätte wirklich eine neue Sensibilität für den Gartenzwerg in Großbritannien schaffen können.“
Chuck Berry, ‚My Ding-a-Ling‘ (1972)
Der einzige Nummer-eins-Hit, den der größte Rock’n’Roller aller Zeiten jemals landete, war ein Witz über einen Schlappschwanz. Ursprünglich wurde er 1952 von dem großartigen New-Orleans-Musiker Dave Bartholomew als belanglose Novelty-Nummer aufgenommen. Dann überarbeitete Berry den Song 1968 zunächst als „My Tambourine“. Und stellte ihn kurz darauf dem Konzertpublikum vor. Als ob der Mitsing-Hit (aufgenommen beim Lanchester Arts Festival in Coventry) nicht schon zu lang wäre, gibt es auf The London Chuck Berry Sessions eine übermäßig aufgeblähte 11-einhalbminütige Version. Ein Beweis dafür, dass ein größeres Ding nicht immer ein besseres ist.
Neil Young, „There’s a World“ (1972)
Neil Youngs Karriere erreichte 1972 mit der Veröffentlichung von Harvest ihren kommerziellen Höhepunkt. Songs wie „Heart of Gold“, „Old Man“ und „The Needle and the Damage Done“ gehören zu den bekanntesten Kompositionen seiner 50-jährigen Karriere. Und werden immer noch häufig im Radio gespielt. Das Album ist nach wie vor bemerkenswert stark. Mit der sehr bemerkenswerten Ausnahme von „There’s a World“.
Aus irgendeinem Grund dachte Young, dass das London Symphony Orchestra gut zu seinen Songs passen würde. Das Ergebnis war wie ein Cheeseburger mit Schokoladenüberzug. „A Man Needs a Maid“ war irgendwie brillant genug, um den symphonischen Angriff zu überstehen. Aber es versenkt „There’s a World“ völlig. Von den ersten Paukenschlägen bis zu den zuckersüßen Harfenklängen ist es einfach ein überladenes, dreiminütiges Durcheinander. Diesen Song lässt jeder aus, wenn Harvest gespielt wird. Auch wenn nicht alle es zugeben.
Led Zeppelin, „Tea for One“ (1976)
„Ich glaube, dass wir es nur bei „Tea for One“ annähernd geschafft haben, die Stimmung eines unserer anderen Stücke zu reproduzieren“, sagte Jimmy Page 1977 zu Trouser Press. Und bewies damit, dass er ebenso ein Meister der Untertreibung wie der Gitarre ist.
Der Abschlusstrack von Presence ist eine verblasste Fotokopie von Zeps ehemaligem Triumph „Since I’ve Been Loving You“, dem jegliche rhythmische und stimmliche Intensität entzogen wurde. „Am Ende saß ich da und dachte: ‚Ich muss noch dieses Gitarrensolo spielen’“, notierte Page in demselben Interview. Und sein Spiel hier hat in der Tat die Qualität eines nachträglichen Einfalls. Der titelgebende „Tee“ muss Marihuana sein. Denn Robert Plants fahles Stöhnen ist sicher nicht das Werk eines Mannes, der kürzlich etwas Koffeinhaltiges zu sich genommen hat.
The Grateful Dead, „France“ (1978)
Jerry Garcias spanisch angehauchte Akustikgitarre kann diesen Yacht-Rock-Song nicht retten, den die Band nie für würdig befand, auf der Bühne aufgeführt zu werden. Auf die Frage von David Gans, ob es „spektakuläre Fehlurteile“ in der Songwriting-Abteilung gab, gab Bob Weir zu, dass „France“ dazugehöre. Und erklärte: „Ich habe das eigentlich nicht geschrieben. Es ist einfach irgendwie passiert. Aber es ist verdammt nochmal nicht richtig passiert.“
The Who, „Did You Steal My Money“ (1981)
The Who waren nicht in der besten Verfassung, als sie 1981 mit der Arbeit an Face Dances begannen. Sie hatten drei Jahre zuvor ihren Schlagzeuger Keith Moon verloren. Und Kenny Jones hatte die unmögliche Aufgabe, seinen Platz hinter dem Schlagzeug einzunehmen. Pete Townshend nahm extrem starke Drogen. Die Gruppe zerbrach infolgedessen schnell.
Irgendwie gelang es ihnen, ein paar großartige Songs wie „You Better You Bet“ und „Another Tricky Day“ zu schreiben. Aber das Album enthält äußerst peinliche Ausfälle wie „Did You Steal My Money“ (beachten Sie das fehlende Fragezeichen). Wenn Kokain Musik schreiben könnte, würde es vielleicht so klingen: nervös, paranoid, anklagend und letztendlich verrückt. Immer wieder beschuldigen Roger Daltrey und Pete Townshend irgendeinen Außenseiter, sie „auf dem Sofa im kalten Entzug“ völlig ausgenommen zu haben. Das Lied endet mit diesem unvergesslichen Verspaar: „Hast du mein Messing geklaut. Meinen Zaster, du Arschloch?“ Ein Jahr später löste sich die Gruppe auf.
Paul Simon, „Cars Are Cars“ (1983)
Nachdem er Anfang der 1980er-Jahre zwei Jahre lang mit Art Garfunkel auf Tour gewesen war, stand Paul Simon unter enormem Druck, endlich den Nachfolger des Meisterwerks Bridge Over Troubled Water von 1970 aufzunehmen. Sie begannen mit der Arbeit an einer LP mit dem vorläufigen Titel Think Too Much. Und legten sogar einige Harmonien fest, bevor Simon erkannte, dass es einfach nicht funktionieren würde.
„Diese neuen Songs handeln zu sehr von meinem Leben“, sagte er 1984. „Und von Carrie [Fisher].“ Er löschte Garfunkels Gesangsparts und benannte das Album in Hearts and Bones um. Und obwohl viele der Songs sicherlich von seiner kurzlebigen Ehe mit Carrie Fischer handeln, ist dies bei „Cars Are Cars“ ganz sicher nicht der Fall.
Es ist ein erstaunlich unpassender Song, der die Zeile „Autos sind Autos auf der ganzen Welt“ bis zum Erbrechen wiederholt. Und letztendlich darauf hinweist, dass Menschen auf der ganzen Welt unterschiedlich sind. Abgesehen davon, dass das nicht einmal wahr ist (Autos sind bei weitem nicht überall auf der Welt einheitlich), ist es das Schlimmste, was er in seiner langen Karriere getan hat. Garfunkel sollte ihm dafür danken, dass er seine Stimme und seinen Namen aus diesem Lied herausgehalten hat. Stattdessen sprachen sie im nächsten Jahrzehnt kaum miteinander.
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Aerosmith, „My Fist, Your Face“ (1985)
1985 kam „Done With Mirrors“ zu einer Zeit des Wandels für Aerosmith. Die Toxic Twins hatten sich nach Jahren der Trennung gerade wieder zusammengetan. Die Band war in eine Rocklandschaft zurückgekehrt, die stark von MTV und seinen heiklen, imagebetonten Methoden beeinflusst war.
Das Album „Mirrors“, produziert von Van Halens Tastendrücker Ted Templeman, klingt wie ein Zeh, der zu vorsichtig in ein Wasserbecken getaucht wird. Wobei „My Fist, Your Face“ einer dieser Tracks ist, der enttäuscht. Weil einfach nicht alles zusammenpasst. Der Aufruhr erinnert an frühere Aerosmith-Songs wie „Sick as a Dog“. Tylers surrealistische Texte erinnern an die Paranoia von „Bright Light Fright“, während sie direkt auf Erfolge wie „Back in the Saddle“ verweisen. Aber die Band klingt zögerlich und Tylers alberne Anmachsprüche lassen einen stöhnen.
The Clash, „We Are the Clash“ (1985)
Die Politik ist konfus („Rechter Flügel, linker Flügel/Ich will etwas“), die blechernen Gitarren und die tölpelhaften Backing Vocals hallen entfernt wider, als wären sie in einer U-Bahn-Station aufgenommen worden. Und der Titel – nun, das ist einfach eine glatte Lüge. Joe Strummers sture, fehlgeleitete Entschlossenheit, weiterzumachen, nachdem er Mick Jones rausgeschmissen hatte, führte zwar zu einem echten Klassiker der Spätkarriere, „This Is England“. Aber diese Übung in vorgetäuschter Solidarität protestiert zu viel. Weder Manager Bernard Rhodes (der Co-Autor des Tracks) noch die angeheuerten Schützen, die schwerfällig hinter Strummer herpunken, waren The Clash.
Und Joe singt, als wüsste er das. Kein Wunder, dass er später das Jones-lose Cut the Crap ablehnte. Und zugab: „Ich dachte mir nur: ‚Scheiß drauf‘. Ich bin in die Berge Spaniens gefahren, um schluchzend unter einer Palme zu sitzen, während Bernie ein Album abliefern musste.“
Bob Dylan, ‚Driftin‘ Too Far From Shore“ (1986)
Bob Dylans Karriere erlebte in den 1980er Jahren viele Tiefpunkte. Aber der Tiefpunkt war wahrscheinlich die Veröffentlichung von Knocked Out Loaded im Jahr 1986. Der Titel sagt der Welt im Grunde: „Hier ist etwas Scheiße, das ich betrunken zusammengeschustert habe.“
Es ist vollgepackt mit Coverversionen und Liedern, die er zusammen mit Leuten wie Tom Petty, Sam Shepard und Carole Bayer Sager geschrieben hat. Aber „Driftin‘ Too Far From Shore“ hat er ganz allein geschrieben. Obwohl es denselben Titel trägt wie ein Folksong aus den 1920er Jahren von Charles Moody, den Hank Williams gecovert hat.
„Dylan hat [dieses] Lied von Grund auf neu direkt vor meinen Augen geschrieben“, sagt der Schlagzeuger Anton Fig. „Irgendwie wurde meine Snare gelöscht. Und durch ein schweres Sample eines elektrischen Backbeats ersetzt.“ Dieses Sample zieht sich durch den gesamten Song. „Ich hatte keinerlei Inspiration“, schrieb Dylan über diese Zeit in seinen Memoiren „Chronicles“ aus dem Jahr 2004. „Meine eigenen Songs waren mir fremd geworden. Es war nicht mehr meine Zeit. Ich konnte es noch so sehr versuchen. Aber die Motoren wollten nicht anspringen.“
Joni Mitchell, „Dancin‘ Clown“ (1988)
„Ich finde diese Zeiten einfach erbärmlich“, sagte Joni Mitchell dem Rolling Stone über ihre Stimmung während der Aufnahmen zu Chalk Mark in a Rain Storm aus dem Jahr 1988. Also geben Sie Mitchell den Vertrauensvorschuss und tun Sie so, als wären diese keuchenden Synthesizer und kitschigen elektronischen Drum-Sounds nur ein ironischer Kommentar zu allem, was mit den Achtzigern zu tun hat.
Das könnte die Anwesenheit von Billy Idol entmystifizieren, der auf dem Stück, das Teil eines schlecht durchdachten Joni-and-Guests-Albums ist, jault und heult. Neben dem weniger nervigen Gast Tom Petty gehört auch „last-word Suzie“ zur Besetzung des Liedes. Eine „hochgelbe“ Liebschaft, die „das Rauschen von Dschungelblättern/und das Knistern von Nordlandeis“ heraufbeschwört.
Dee Dee King, „German Kid“ (1989)
1989 war Dee Dee Ramone der stärkste Songwriter der Ramones. Der diesjährige Brain Drain wurde mit seinem Klassiker „I Believe in Miracles“ eröffnet. Doch ermutigt durch Schoolly D’s „Gucci Time“ verließ er die Band, um sich auf seinen unwahrscheinlichen Traum zu konzentrieren, der fast 40-jährige weiße Rapper Dee Dee King zu werden.
Während sein „Funky Man“-Video eine Art virale Kuriosität ist, ist der schlechteste Song auf seiner einzigen LP, Standing in the Spotlight, eine gebrochen melodische Hommage an sein „halb amerikanisches, halb deutsches“ Erbe. Mit Deborah Harry am Mikro. In „German Kid“ rappt Dee Dee auf Deutsch – eine der am wenigsten funkigen Sprachen überhaupt – über seine deutsche Hälfte. Diese Tatsache ist bei weitem nicht so interessant, wie er denkt. Und sicherlich nichts, womit man angeben kann, wenn die eigene Band eine seltsame Nazi-Fixierung hatte.
Guns N‘ Roses, „My World“ (1991)
Je näher man dem 1991er-Diptychon „Use Your Illusion“ von Guns N‘ Roses kommt, desto unschuldiger war der Ursprung. „Ich hatte viel Industrial-Musik gehört. Und plötzlich sagte ich: ‚Hey Mann, lass uns etwas machen. Lass uns sehen, was passiert. Lass es uns kurz und bündig machen. Und sehen, was dabei herauskommt‘“, erzählte Rose Musician 1992.
Aber es geht noch weiter. „Ein Freund von mir hatte mir Pilze in den Tee getan, ohne dass ich es gemerkt habe.“ Dieser „soziopathische Glückszustand“ hat diesen paranoiden, pulsierenden Track stark beeinflusst. Im Nachhinein ist „My World“ insofern nützlich, als es die elektronisch geprägte Richtung vorhersagte, die Rose auf dem langwierigen Chinese Democracy einschlagen würde. Aber Roses spätere Experimente in diesem Bereich des Pop würden viel befriedigender sein.
Brian Wilson, „Smart Girls“ (1991)
Ja, „Smart Girls“ enthält den Rap von Brian Wilson, dem Songwriter und Studio-Genie der Beach Boys. 1991 ließ der Mann, der ein Theremin in einem Nummer-eins-Song einsetzte und Sgt. Pepper’s inspirierte, nun Barney-Geröllheimer-artige Wissenschaft vom Stapel: „Mein Name ist Brian und ich bin der Mann, der mit einer Handbewegung Hit-Songs schreibt.“
Man kann ihm diesen Fehltritt jedoch verzeihen. ‚Smart Girls‘ stammt aus dem Album Sweet Insanity, das eigentlich nie veröffentlicht wurde. Es war das letzte Jahr seines Entzugs unter der Leitung des Psychologen Eugene Landy. Wilson sagte später, er habe mit dem Lied „nur Spaß gemacht“. Aber Raubkopien und das Internet haben es uns dennoch ermöglicht, auf die Zeit zurückzublicken, als einer der größten Studioautoren der Welt reimte: „Ich bin nicht anders als die anderen/Ich liebe Hüften, Beine und Brüste.“
Bruce Springsteen, „Real Man“ (1992)
Bruce Springsteen veröffentlichte Human Touch im März 1992. Aber wenn man sich die Produktion ansieht, hat er wohl nicht mitbekommen, dass die 1980er vorbei waren. Die Drums und Synthesizer schreien nach 1984. Sechs Monate nachdem Nirvana Nevermind veröffentlicht hatten, war das nicht mehr angesagt.
Der schlechteste Song auf dem Album ist „Real Man“. Ein banaler Song über einen Mann, der mit seiner Freundin ins Kino geht, um sich einen Rambo-Film anzusehen. Und sich in ihrer liebevollen Gegenwart stark fühlt. „In den frühen 1990er Jahren schrieb ich fröhliche Lieder“, sagte Springsteen, als er 1999 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen wurde. „Es funktionierte nicht. Dem Publikum gefiel es nicht.“ Es scheint, als hätte selbst Springsteen „Real Man“ nicht gemocht. Er spielt regelmäßig verrückte, obskure Songs in seinen Shows. Aber er hat „Real Man“ seit dem Sommer 1992 nur noch für Soundchecks angespielt.
Pearl Jam, „Hey Foxymophandlemama, That’s Me“ (1994)
Das klaustrophobische Schlussstück von Pearl Jams Album Vitalogy ist nicht nur deshalb bemerkenswert, weil es die erste Zusammenarbeit der Band mit dem ehemaligen Red-Hot-Chili-Peppers-Schlagzeuger Jack Irons auf Platte ist. Sondern auch wegen seiner erschütternden Verrücktheit. „Ich hatte mit etwa 17 Jahren etwas vom Fernsehen aufgenommen. Ich glaube, es handelte sich um Menschen mit psychischen Problemen, die vorzeitig aus den Krankenhäusern entlassen wurden, weil die Staaten die Finanzierung für psychiatrische Krankenhäuser strichen“, erzählte Vedder den Besuchern eines Lycos-Chats im Jahr 2000.
„Sie entließen diese Menschen also ohne die notwendige Pflege. Aber es war trotzdem sehr faszinierend, wie ihr Verstand funktionierte und was sie sagten. Wir experimentierten und versuchten, es in unseren bisher emotionalsten und bewegendsten Song einzubauen.“ Emoji gab es im Jahr 2000 noch nicht, sodass wir nicht wissen, ob Vedder das mit einem Grinsen sagte oder nicht.
Run-D.M.C. feat. Sugar Ray, „Here We Go 2001“ (2001)
Das mit Spannung erwartete Comeback-Album von Run-D.M.C., Crown Royal aus dem Jahr 2001, war ein Fiasko. Das Album wollte eindeutig auf der Welle des Rap-Rock von Woodstock ’99 reiten. Es enthält Gastauftritte von Fred Durst, Kid Rock und Everlast. Aber D.M.C., der sich für klassische Rockbands wie die Rolling Stones und Neil Young begeistert, betonte öffentlich: „Ich wollte nicht einmal Teil dieses Albums sein.“
Im Gegenzug ist er darauf kaum zu hören. Einer der Tiefpunkte des Albums ist „Here We Go 2001“. Ein Remake ihrer unglaublichen Single von 1985 mit dem Special Guest Sugar Ray. Ein Song, der ursprünglich ihre kraftvolle Teamarbeit zeigte, war nun größtenteils ein Run-Projekt („jetzt haben wir einen Limp Bizkit und ein Stück Korn“). Und enthält einen völlig unpassenden Refrain. In dem Mark McGrath singt, als wäre er in einen Incubus-Song hineingestolpert.
Metallica, „My World“ (2003)
St. Anger, das zum Teil aus den Turbulenzen um die Jahrtausendwende bei Metallica entstand, sollte laut dem Superproduzenten Bob Rock so klingen, als würde „eine Band zum ersten Mal in einer Garage zusammen jammen, und die Band ist zufällig Metallica“. Aber „My World“ ist der seltene Metallica-Song, der auffällt, weil er absolut generisch klingt. Besonders wenn sich James Hetfields genreprägender Gesang in eine unbeholfene Rap-Metal-Hocke verzieht. „It’s my world, you can’t have it“, knurrt Hetfield, während seine Bandkollegen durch den Nü-Metal-nach-Zahlen-Schlamm torkeln. Und das ist noch vor dem galoppierenden Zusammenbruch, der nur noch deutlicher macht, wie sehr sich dieser freudlose, launische Track vom Rest des Metallica-Katalogs abhebt.
Nas, „Who Killed It“ (2006)
Nas hatte 2006 mit „Who Killed It“ eine bewundernswerte Idee. Er untersuchte den Abstieg des Hip-Hop vom Soundtrack für soziale Gerechtigkeit zur Champagner-und-Juwelen-Grandiosität aus der Sicht eines Detektivs, der versucht, ein Verbrechen aufzuklären.
Aber in dem von will.i.am produzierten Track „Hip Hop Is Dead“ klingt Nas‘ bizarrer Versuch, Edward G. Robinson und James Cagney einen ganzen Song lang nachzuahmen, eher wie Chief Wiggum bei seinem ersten Fall in der Abteilung Sedgwick Avenue. „[Cagney] ist einer meiner absoluten Lieblingsfiguren“, sagte Nas 2014 zu Rolling Stone. „Also habe ich im Studio einfach zum Spaß so geredet wie er. Wir hatten nicht vor, daraus einen Song zu machen. Aber das ist einfach passiert.“ Sehen Sie, Gimmicks treffen nicht immer ins Schwarze.
Jay Z, „Young Forever“ (2009)
Jay Z holte Kanye West und G.O.O.D. Music-Benchrider Mr Hudson an Bord, um Alphavilles zuckersüßen Hit „Forever Young“ aus dem Jahr 1984 für eine weitere seiner unzähligen Oden an die Unsterblichkeit und die Festigung des Erbes umzudrehen. Jay hat sich nie vor Sentimentalität gescheut. Siehe den herzergreifenden Abschluss des Black Album, „My 1st Song“.
Aber „Young Forever“, der letzte Song (in der Reihenfolge und auch sonst) auf The Blueprint 3 aus dem Jahr 2010, unterstreicht die gelegentliche Tendenz des Rappers, das Süßliche mit dem Tiefgründigen zu verwechseln. Auf die Frage, was ihm an Hudson und anderen neuen Musikern, die in die S. Carter-Dynastie aufgenommen wurden, gefalle, sagte Jay 2009 der Associated Press: „Diese neue Energie. Und das, was sie haben, ist roh und unerschlossen.“ Und nichts sagt mehr „roh und unerschlossen“ als das Samplen eines zuckersüßen, 25 Jahre alten Synthie-Pop-Songs.
Tom Petty & the Heartbreakers, „Don’t Pull Me Over“ (2010)
Das Album „Mojo“ von Tom Petty & the Heartbreakers aus dem Jahr 2010 ist der tiefste Tauchgang der Gruppe in den Blues-Rock, mit dem sie alle aufgewachsen sind. Und den sie lieben. Aber nach elf Songs machen sie einen sehr bizarren und unerwarteten Abstecher in den Reggae.
Sechzigjährige weiße Millionäre haben in diesem Genre keine großartige Erfolgsbilanz vorzuweisen. Insbesondere wenn sie sich über das Potenzial von Polizeimisshandlungen beschweren. „Was ich zu tun habe, wird niemandem wehtun“, singt Petty. „Wohin ich muss, wird niemandem wehtun/Halten Sie mich nicht an, ich muss Münder stopfen. Halten Sie mich nicht an, das sollte legalisiert werden.“
Wir verstehen schon. Du rauchst gerne Gras. Auch wenn du Auto fährst. Aber wenn sie dich anhalten, werden sie dich um ein Autogramm bitten. Und dich dann weiterfahren lassen. Dieses Lied verdient es jedoch, zur Befragung aufs Revier geschleppt zu werden. „Es passt nicht auf die Platte“, schrieb Pettys Tochter Adria in der Huffington Post, als sie ihr Video zu dem Song vorstellte. „Aber in gewisser Weise ist es der herausragende Moment auf der Platte. Es ist die komische Erleichterung.“
