Die 20 besten Songs von Chuck Berry
„Johnny B. Goode“, „Roll Over Beethoven“ und andere Meisterwerke von Chuck Berry, die den Grundstein für den Rock 'n' Roll legten, wie wir ihn heute kennen.
Wenn man sich die Berichte von Rockgrößen über ihre prägenden Begegnungen mit der Musik von Chuck Berry ansieht, entdeckt man einen roten Faden. Alle lesen sich wie die Geschichte einer wahren, fast religiösen Erleuchtung. Für Paul McCartney und seine Beatles-Kollegen waren die Songs des verstorbenen Berry „wie ein Blitzschlag“. Joe Perry von Aerosmith würdigte Berrys Genialität in der Liste der 100 größten Künstler des ROLLING STONE. Er sagte: „Dieses Gefühl der Aufregung in der Magengrube, in den Haaren im Nacken. Das habe ich von Chuck Berry mehr gespürt als von jedem anderen.“
Elvis Presley wird für immer als König des Rock ’n‘ Roll bekannt bleiben. Aber nur wenige würden Chuck Berrys Status als wahrer Godfather des Genres bestreiten. Als denjenigen, der am unmittelbarsten für dessen unendlich anpassungsfähige Blaupause verantwortlich ist. „Chuck hatte den Swing“, sagte Keith Richards RS. „Es gibt Rock, aber es ist der Roll, der zählt.“
„Maybellene“ (1955)
Hier beginnt die Rock-’n‘-Roll-Gitarre. Die Mischung aus Hillbilly-Country, urbanem Blues und heißem Jazz in Chuck Berrys elektrischem Twang ist die Ursprache der Popmusik-Gitarre. Und sie ist auf seiner ersten Single perfektioniert. Der gesamte Song ist eine zweiminütige Verfolgungsjagd voller Auto-Slang und Berrys Hipster-Ausdrücken („As I was motorvatin‘ over the hill …“).
Der Groove stammt von „Ida Red“, einer Aufnahme von Bob Wills and His Texas Playboys aus dem Jahr 1938. Ein Song, der bis ins 19. Jahrhundert zurückreicht. Zum Zeitpunkt der Session am 21. Mai 1955 spielte Berry bereits seit einigen Jahren Country-Songs für ein schwarzes Publikum. „Nachdem sie mich ein paar Mal ausgelacht hatten, begannen sie, Hillbilly-Songs zu verlangen“, sagte er später. Leonard Chess kam auf den Titel. Inspiriert von einer Maybelline-Mascara-Schachtel, die im Chess-Studio auf dem Boden lag. DJ Alan Freed hatte nichts mit dem Schreiben von „Maybellene“ zu tun, erhielt jedoch jahrelang Co-Credits und Tantiemen als Gegenleistung für die Ausstrahlung im Radio. Payola, wie es im Buche steht.
„Thirty Days“ (1955)
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Berrys fröhlicher Aufruf an seine Geliebte, in einem Monat nach Hause zu kommen, zeigt sowohl seinen geschickten Solo-Stil, bei dem er während des gesamten Lead-Breaks Akkorde (!) spielt, als auch seinen Sinn für Humor. „Ich werde dich falsch beschuldigen“, singt er. „Das wird dich dann aus der Stadt jagen“. Und er schreckt sogar davor nicht zurück, vor die Vereinten Nationen zu ziehen, wenn er dadurch seine Liebste zurückbekommt.
In seiner Autobiografie schrieb er, dass der Song teilweise auf einer wahren Begebenheit beruhte. Und auf etwas, das er in einem Film gesehen hatte, in dem ein Richter einen Angeklagten milde bestrafte. Bis dieser ihn daran erinnerte, dass er ihm seine Frau vorgestellt hatte. „Das zeigt, dass ich in keiner Verbindung, die mit Vorschriften und Bräuchen verbunden war, Glück gefunden habe“, schrieb er. „Die Geschichte des Richters hat mich inspiriert. Und ich fand etwas Ähnliches, aber doch in anderer Form, für meine eigene Kreation.“
„Wee Wee Hours“ (1955)
Berry brauchte nach eigener Schätzung nur etwa eine Stunde, um „Wee Wee Hours“ zu schreiben, die bluesige B-Seite von „Maybellene“. Inspiriert wurde er dazu von dem Bluesmusiker Big Joe Turner und dessen sanftem „Wee Baby Blues“. Einer romantischen Liebeserklärung auf den ersten Blick. „I was in love with you, baby/ Way before I learned to call your name“ („Ich war in dich verliebt, Baby/ Lange bevor ich deinen Namen sagen konnte“), sang Turner. In ähnlicher Weise ist Berrys Song eine Hommage an eine Frau namens Margie, die er als Teenager kennenlernte. Und in die er sich verliebte, als er für die USO Musik spielte.
„In einem winzigen Zimmer sitze ich allein und denke an dich“, singt er. ‚Blues ist einfach und scheint nur die Texte einer einsamen Beichte zu brauchen, um vertont zu werden‘, schrieb er in seiner Autobiografie über den Song. „Ich brauchte die Erinnerung an einen der Abende, an denen ich Margie nicht an ihrem Fenster sehen konnte, um die Worte zusammenzufügen. Und die Melodie ist jedermanns Schrei nach Gesellschaft.“
„Down Bound Train“ (1955)
„Down Bound Train“ ist eine bluesige Allegorie auf die Sünde mit einer rhythmischen Gitarrenlinie, die an eine Lokomotive erinnert, und spiegelt Berrys tief verwurzelte religiöse Überzeugungen wider. Der Text beschreibt einen Menschen, der so viel getrunken hat, dass er ohnmächtig wurde. Und in einem Zug aufwachte, der von einer Schwefellampe beleuchtet wurde und durch schwefelhaltigen Rauch raste. Der Lokführer war ‚der Teufel persönlich‘.
„Ich könnte sagen, dass mein Vater in vielerlei Hinsicht den Grundstein für ‚Down Bound Train‘ gelegt hat, indem er ständig von den Schrecken der Hölle predigte, die einen erwarten, wenn man die Segnungen der Erlösung und des Himmels verpasst hat“, schrieb Berry in seiner Autobiografie. „Lasst also alle wissen, dass ich nicht allein bin, der wegen seiner eigenen schlechten Eigenschaften, die er gezeigt hat, die Früchte seiner Taten in Feuer und Schwefel ernten muss.“ Er fügte hinzu, dass er immer noch eine Gänsehaut bekomme, wenn er den Song höre.
„Roll Over Beethoven“ (1956)
„Ich wollte Blues spielen“, sagte Chuck Berry gegenüber Rolling Stone. „Aber ich war nicht traurig genug. Wir hatten immer genug zu essen.“ Berry schrieb diesen Gitarrenhit ursprünglich als liebevolle Stichelei gegen seine Schwester Lucy, die so viel Zeit damit verbrachte, auf dem Klavier der Familie klassische Musik zu spielen, dass der junge Chuck nicht an die Reihe kam.
Aber „Roll Over Beethoven“ wurde zum ultimativen Rock’n’Roll-Aufruf, der eine neue Ära einläutete. „Roll over, Beethoven/And tell Tchaikovsky the news.“ Berry verkündete diesen musikalischen Generationswechsel mit einem flammenden Gitarrenriff und dem hämmernden Klavier seines Sidekicks Johnnie Johnson.
„Too Much Monkey Business“ (1956)
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Berry war nicht nur zu cool für die Schule. Er stand über fast allem, wie er in den Texten zu „Too Much Monkey Business“ schrieb. In seinen Augen war alles lästig. Arbeit, Einkaufen, Verabredungen, Schule, Krieg, wieder Arbeit. Und er legte jede dieser Belästigungen geschickt in prägnanten Proto-Raps dar, bevor er in den einprägsamen Refrain des Songs einstieg. „Mir wurde klar, dass ich über hundert Strophen brauchte, um die wichtigsten Bereiche zu beschreiben, die die Leute am meisten nerven“, schrieb er in seiner Autobiografie.
„Ich habe damals sogar Wörter wie ‚botheration‘ erfunden, um die Ärgernisse zu betonen, die die Leute störten. Ich hatte keine negativen Reaktionen auf die Verwendung von ‚motorvating‘ in ‚Maybellene‘ bekommen. Also warum nicht wieder mit Noah Webster konkurrieren?„ Sein Wortschatz lebte in Coverversionen von Elvis Presley, den Beatles, den Hollies und den Yardbirds weiter.
„Brown Eyed Handsome Man“ (1956)
Berry wurde zu diesem Song inspiriert, als er durch stark von Schwarzen und Latinos geprägte Gegenden Kaliforniens tourte. Wie Berry es ausdrückte: „Ich habe nicht allzu viele blaue Augen gesehen.“ Er sah jedoch einen gutaussehenden Chicano, der wegen Herumlungerns festgenommen wurde. Bis „eine Frau herankam und den Polizisten anschrie, er solle ihn laufen lassen“. Zu einem manischen Gitarrenriff erzählt der Song eine wilde Geschichte über einen dunkeläugigen Liebhaber.
„Havana Moon“ (1956)
Berrys Geschichte über eine kubanische Frau, die eine Amerikanerin vermisst, entstand, als er Nat King Coles „Calypso Blues“ spielte. Als Berry noch im Cosmopolitan Club in St. Louis auftrat, zu einer Zeit, als lateinamerikanische Rhythmen populär waren. Er beschloss, seinen eigenen Song zu schreiben, nachdem er in New York City aufgetreten war, wo er zum ersten Mal Kubaner traf. „Ich glaube, dass es die Unterschiede zwischen den Menschen sind, die mir eine enorme Vorstellungskraft geben, um eine Geschichte für einen Songtext zu entwickeln“, schrieb er in seiner Autobiografie.
„Ich hatte alle Situationen in der Havanna-Geschichte in irgendeiner Form gelesen, gesehen oder gehört. Das Verpassen des Bootes und sicherlich auch das Verpassen der Frau hatte ich selbst schon oft erlebt.“ Die Rolling Stones würdigten den Song, indem sie einen in Kuba gedrehten Konzertfilm nach ihm benannten.
„Rock and Roll Music“ (1957)
Berrys Hommage an die Musik, die er 1957 am meisten liebte, mit ihrem swingenden Klavier und der kraftvollen Gitarre, ist bis heute eine der leidenschaftlichsten Bekenntnisse zur Kraft des Rock. Er stichelte spielerisch gegen Jazz, Mambo und Tango. Stile, die damals populär waren. Er umriss klar, was Rock war. Vom Backbeat bis zu den klagenden Saxophonen. „Ich war schon damals total begeistert vom Rock ’n‘ Roll. Und musste etwas schaffen, das ohne Frage ins Schwarze traf“, schrieb er in seiner Autobiografie. „Ich wollte, dass der Text jeden Aspekt des Songs definiert. Und habe ihn so formuliert, dass er das tut.“ Der Song war so treffend, dass er 1964 von den Beatles und 1976 von den Beach Boys gecovert wurde.
„School Days“ (1957)
Chuck Berry war 30 Jahre alt, als er sich hinsetzte, um „School Days“, auch bekannt als „School Day (Ring! Ring! Goes the Bell)“, zu schreiben. Doch das würde man angesichts der lebhaften Beschreibungen des Alltags an einer amerikanischen Highschool kaum vermuten. Von fiesen Lehrern bis hin zu überfüllten Kantinen, in denen man „von Glück reden kann, wenn man Zeit zum Essen hat!“
Der abgehackte Rhythmus des Songs, unterbrochen von Berrys frechen Gitarrenriffs, wurde zu einem Sound, zu dem er immer wieder zurückkehrte. In dieser Aufnahme wird er begleitet von einigen der gleichen Musiker, die auch auf Howlin’ Wolfs überirdischen Singles zu hören sind. Darunter der Gitarrist Hubert Sumlin.
Der Text des Songs trug maßgeblich dazu bei, den Rock ’n’ Roll als direkten Chronisten der amerikanischen Teenagererfahrung zu etablieren. Insbesondere durch eine der berühmtesten Zeilen der Rockgeschichte. „Hail, hail rock & roll, deliver me from the days of old.“ Die Details im Song stammen direkt aus Chuck Berrys eigenem Leben. In seiner Autobiografie schrieb er: „Der Text beschreibt, wie es zu meiner Zeit war. Die Phrasen kamen mir spontan in den Sinn. Und das Reimen nahm den größten Teil der Zeit in Anspruch, die ich mit dem Song verbrachte.“
Auch die rhythmischen Breaks im Song hatten eine konkrete Bedeutung. Sie sollten „die Sprünge und Veränderungen betonen, die ich im Unterricht in der Highschool im Vergleich zu dem einzigen Raum und dem einzigen Lehrer, die ich in der Grundschule hatte, erlebt hatte.“
„Johnny B. Goode“ (1958)
„Johnny B. Goode“ war der erste Rock-‚n‘-Roll-Hit über den Rock-‚n‘-Roll-Ruhm. Er ist bis heute der größte Rock-‚n‘-Roll-Song über die Demokratie des Ruhms in der Popmusik. Und ‚Johnny B. Goode‘ basiert auf einer wahren Begebenheit. Die Titelfigur ist Chuck Berry. ‚Mehr oder weniger‘, wie er 1972 dem Rolling Stone erzählte. ‚Der ursprüngliche Text lautete natürlich „That little colored boy could play‘. Ich habe es in ‚country boy‘ geändert. Sonst wäre es nicht im Radio gespielt worden.“ Berry nahm sich weitere narrative Freiheiten. Johnny kam nicht aus Berrys Heimatstadt St. Louis. Sondern ‚aus dem tiefsten Louisiana, in der Nähe von New Orleans‘. Und Johnny ‚hat nie richtig lesen und schreiben gelernt‘, während Berry eine Ausbildung zum Friseur und Kosmetiker absolvierte.
Aber die Essenz von Berrys Geschichte – ein Gitarrist, der nichts als sein Können hat, in die Großstadt geht und berühmt wird – ist autobiografisch. 1955 arbeitete Berry als Friseur in St. Louis, als er den größten Star von Chess Records, Muddy Waters, traf. Der ihn zum Mitbegründer des Labels, Leonard Chess, schickte. 1958 war Berry nach Elvis Presley der beständigste Hitmacher des Rock ’n‘ Roll. Im Gegensatz zu Presley schrieb Berry seine Klassiker selbst. „Ich wünschte, ich könnte meine Gefühle so ausdrücken wie Chuck Berry“, gestand Presley einmal.
„Johnny B. Goode“ ist das beste Beispiel für Berrys Poesie in Bewegung. Die Rhythmusgruppe rollt mit der Wucht eines Güterzugs, während Berrys stechende Einzeltöne im Refrain, wie er selbst sagte, ‚wie eine Glocke läuten‘. Eine perfekte Beschreibung dafür, wie man sich mit einer Rock-‚n‘-Roll-Gitarre fühlen kann. Wenn man sich auf dem Gipfel der Welt befindet.
„Sweet Little Sixteen“ (1958)
„Sweet Little Sixteen“ feierte Kinder, Amerika und die Kraft des Rock ’n‘ Roll. Eine Ode an eine minderjährige Rockfan in High Heels, die eine Aufzählung von US-Städten enthielt. Die Beach Boys versahen den Song mit einem neuen Text. Und nannten ihn ‚Surfin‘ U.S.A.“; Berry drohte mit einer Klage und erhielt schließlich einen Mitautoreneintrag.
„Carol“ (1958)
Berry vermischt in diesem groovigen Juwel aus dem Jahr 1958, das von der highschool-alter Tochter einer Frau inspiriert war, mit der der Singer-Songwriter eine Affäre hatte, beschützende Ratschläge („Oh, Carol, lass ihn dir nicht dein Herz stehlen“) mit gutmütigen Anspielungen („Komm in mein Auto, damit wir loscruisen können“). Berrys Assistentin Francine Gillium kümmerte sich um das Mädchen. Und wie er in seiner Autobiografie schrieb, half ihm diese Situation sehr beim Schreiben des Songs. „Mit Francine über ihr Teenagerleben zu sprechen, war eine große Hilfe beim Schreiben von ‚Carol‘“, schrieb er. „Details aus meiner Schulzeit, wie Hackbraten und Kartoffeln für nur 5 Cent und ein Notizbuch für 12 Cent, waren längst überholt. Dagegen hatte sich die Tatsache, dass ein Mann einem anderen Mann die Freundin wegnahm, nicht geändert.“
„Around and Around“ (1958)
Die swingende B-Seite von „Johnny B. Goode“ erzählt die Geschichte einer rauschenden Party, die Berry und seine Band die ganze Nacht lang feierten. Und die schließlich von der Polizei beendet werden musste. Der Song hat einen swingenden Rhythmus mit den Stop-Start-Pausen, die Berry damals so liebte. Und einem funkigen, bluesigen Gitarrensolo, das aus einer Jam-Session mit seiner Band vor einem unvergesslichen Auftritt entstand.
„Manchmal habe ich vor einem Konzert nicht gejammt. Aber diese Jungs waren sehr versierte Musiker. Und an diesem Abend hatten wir fast schon ein Konzert, bevor es überhaupt losging“, erinnert er sich in seiner Autobiografie. „Fast zwei Stunden lang jammten wir und spielten bekannte Songs. Von sanften Balladen bis hin zu Rock und Boogie. Einer der Riffs, die uns dabei einfielen, blieb mir für immer im Gedächtnis. Und ich verfasste einen Text über einen Tanzlokal, der etwas länger geöffnet blieb. Es sei angemerkt, dass die Polizei damals nicht an die Tür geklopft hat.“ Dennoch hatte die Geschichte Erfolg. Die Rolling Stones spielten den Song in der Ed Sullivan Show. Und die Grateful Dead spielten ihn anschließend hunderte Male.
„Little Queenie“ (1959)
Mit einem Gitarrenintro, das an „Johnny B. Goode“ erinnert, und einem weiteren „Go! Go!“-Refrain zeigt „Little Queenie“ – ein Jahr nach „Johnny“ veröffentlicht – wie geschickt Berry Variationen eines Themas entwickeln konnte. Denn er singt die zweite Strophe („Meanwhile, I was thinkin’/If she’s in the mood no need to break it“) mit einer ganz neuen Selbstsicherheit. In seiner Autobiografie schrieb er, dass der Song ein getreues Abbild seiner Teenagerzeit sei.
„Das war typisch für mich in der Highschool. Herumzustehen und nachzudenken, anstatt zu handeln, wenn ich die Gelegenheit hatte, durch Tanzen mit einem Mädchen in Kontakt zu kommen“, schrieb er. „Es ist auch heute noch typisch für mich, zu warten, bis es zu spät ist, um die Chance zu ergreifen, jemanden kennenzulernen, den ich mag.“ Der Song wurde zu einem der meistgecoverten Songs von Berry. Von den Beatles und den Stones bis hin zu Bruce Springsteen und Velvet Underground. Obwohl er nur Platz 80 der Charts erreichte.
„Back in the U.S.A.“ (1959)
Was auch immer Berry für gemischte Gefühle für sein Heimatland gehabt haben mochte. Sie wurden zumindest vorübergehend ausgelöscht, als er im Januar und Februar 1969 zum ersten Mal Australien bereiste und Konzerte in Melbourne und Sydney gab. Die Misshandlung der Aborigines, die er mit eigenen Augen sah, erschütterte Berry sichtlich. Denn zehn Tage nach seiner Rückkehr in die Staaten nahm er diese unverhohlen dankbare Hommage an die Vereinigten Staaten auf. Begleitet unter anderem von Johnnie Johnson am Klavier und Willie Dixon am Bass, lobt Berry Wolkenkratzer, Drive-Ins, Burger, Autobahnen und Großstädte von New York über L.A. bis Baton Rouge. Es ist das, was Berry jemals einer Nationalhymne am nächsten kam. Sogar die nicht genannten Backgroundsänger klingen begeistert.
Der Song wurde im Juni 1959 als Single veröffentlicht. Und erreichte nur Platz 37 der Charts. Blieb aber der nächsten Generation von Rockern nicht verborgen. Die MC5 und Linda Ronstadt nahmen jeweils originalgetreue Coverversionen auf. Ronstadts Version war erfolgreicher als die von Berry. Und natürlich war der Song die Inspiration für den frechen Beatles-Hit „Back in the USSR“. „Chuck Berry hat einmal einen Song namens ‚Back in the U.S.A.‘ geschrieben, der sehr amerikanisch ist, sehr Chuck Berry“, sagte Paul McCartney 1968. „Es geht darum, dass man in der Armee dient und wenn man nach Hause kommt, den Boden küssen will. Das ist etwas sehr Amerikanisches, habe ich immer gedacht. In meiner Vorstellung handelt [der Beatles-Song] einfach von einem Spion, der schon sehr lange in Amerika ist.Es geht um die Eigenschaften russischer Frauen.“
„You Never Can Tell“
Chuck Berry schrieb „You Never Can Tell“ zusammen mit „No Particular Place to Go“ und „Nadine“, während er im Federal Medical Center in Springfield, Missouri, eine Haftstrafe verbüßte, weil er angeblich eine 14-Jährige mit unlauteren Absichten über die Staatsgrenze gebracht hatte. Was ihn jedoch nicht davon abhielt, sein Lied über eine „Teenagerhochzeit“ und skeptische alte Leute zu schreiben. Noch interessanter ist vielleicht die Tatsache, dass der große Gitarrenheld des Rock in dieser Single aus dem Jahr 1964 kaum Gitarre spielt, die stattdessen mit einer ordentlichen Portion Boogie-Woogie-Piano und Saxophon-Soli aufwartet.
„No Particular Place to Go“ (1964)
Ein weiterer Beweis für die mitreißende Kraft von Chuck Berrys Fantasie. Er schrieb diese Comeback-Single aus dem Jahr 1964, eine bezaubernde Geschichte über Teenageridylle, Freiheit und sexuelle Frustration, während er im Gefängnis saß. Weil er eine 14-Jährige über die Staatsgrenze gebracht hatte, aber das ist eine andere Geschichte.
Der Song war der erste seiner eigenen Aufnahmen, der von seiner Bekanntheit nach der British Invasion profitierte, als die Beatles und die Rolling Stones seine Songs coverten und sein Genie priesen. Musikalisch ist er fast identisch mit „School Days“ aus dem Jahr 1957. Aber die Rhythmusgruppe schlägt härter zu. Und Berry findet einen angenehmen neuen Gesangsstil. Und dann sind da noch seine Gitarrensoli, die regelrecht knistern. Der schneidende zweite Break wirkt geradezu wütend. Als würde Berry seine wahren Gefühle nach der Haft durch seinen Verstärker herauslassen.
„Tulane“ (1970)
Nach Jahren bei Mercury kehrte Berry 1970 mit seinem Album „Back Home“ zu Chess Records zurück, dessen herausragender Titel einer seiner großartigen späteren Juwelen ist. Mit einem straffen, ausgelassenen Riff ist „Tulane“ ein witziger, detailreicher Song mit zeitgemäßen Texten über zwei Hippie-Freunde, die einen „Neuheitenladen“ betreiben, der sich auf „die Crème de la Crème“ spezialisiert hat. Als der Laden hochgenommen wird und einer von ihnen in einem „miesen, stinkenden Knast“ landet, können sie einen „Anwalt aus der Politclique“ anrufen, der die ganze Sache regelt. In zweieinhalb einfachen, unterhaltsamen Minuten macht sich Berry liebevoll über die Gegenkultur lustig, die er mitbegründet hat. Und zeigt dabei die Heuchelei der amerikanischen Klassenunterschiede auf.
„Reelin‚ and Rockin‘“ (1972)
„Reelin‘ and Rockin’“, einer von Berrys großartigen Boogie-Woogie-Songs, ist mit seinen kaskadenartigen Klavierläufen und seinen präzisen Versen eine einfache Ode an das Tanzen zu Rock ‚n‘ Roll-Musik bis zum Morgengrauen. „I’m gonna keep on dancin‘ ‚til I get my kicks“, singt Berry auf der ursprünglichen B-Seite von ‚Sweet Little Sixteen‘.
In seiner Autobiografie erinnert er sich daran, wie er als Teenager in einen Club in Chicago schlich und Big Joe Turner ‚Rock Around the Clock‘ singen sah. „Wenn mich als Teenager jemals etwas inspiriert hat, dann war es dieser Moment“, schrieb er. ‚Was ich damals hörte und fühlte, versuchte ich in dem Song wiederzugeben, den ich damals ‘Reelin‚ and Rockin‘ nannte.“ Er fing ein Gefühl mit Durchhaltevermögen ein. Der Song wurde 1972 als A-Seite neu veröffentlicht. Und schaffte es in die Top 30.
