Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
ROLLING STONE diese Alben schon vor 50 Jahren gelobt – und Sie sollten ihnen heute zuhören!
Manche Alben lassen sich nicht eindeutig einer Kategorie zuordnen. Sie sind experimentell. Spoken Word. Eine Fusion aus Jazz und Oper. Oder sogar Aufnahmen von Walgesängen. Dennoch haben diese 10 Alben aus den 70er Jahren etwas gemeinsam. Sie waren seltsam. Sie verkauften sich nicht. Wir fanden sie großartig. Ja, in einigen Fällen waren vielleicht Drogen im Spiel.
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
Various Artists, „Songs of the Humpback Whale“
Wir lobten dieses Album mit Feldaufnahmen von Walen, das zur Unterstützung des New York Zoological Society Whale Fund per Versand erhältlich war, nicht nur als interessante Platte. Sondern als wirklich gute Platte. Besonders spät in der Nacht. „Man sollte es zwischen Music From Big Pink und Moondance einsortieren“, sagten wir. „Die Kids können dazu nicht tanzen. Aber zu Satie können sie auch nicht tanzen.“ Die Population der Buckelwale hat sich in den letzten vier Jahrzehnten etwas erholt und beträgt nun etwa 80.000 Tiere.
Was wir damals sagten: „Walgesänge sind Lieder in dem Sinne, dass sie in vollständigen Sequenzen auftreten, die sich wiederholen. … Es ist schwer, einem Wal Fragen über seine Wahrnehmung zu stellen. Das interessiert sie nicht besonders. … Buckelwale, seit langem als die verspieltesten der riesigen Meeressäuger bekannt, werden bis zu 17 Meter lang und sind damit größer als Grauwale und Schwertwale. Aber deutlich kleiner als Blauwale. Kann ein Blauwal die Blacks singen? Unzureichende Datenlage.“ – Jon Carroll, RS 64 (6. August 1970)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
The Art Ensemble of Chicago With Fontella Bass, „The Art Ensemble of Chicago With Fontella Bass“
Diese avantgardistische Free-Jazz-Band war unglaublich produktiv. Dieses Album war eines von sechs, die sie allein 1970 bei verschiedenen Labels veröffentlichten. Die Gruppe strebte nach multi-instrumentaler Anarchie. Aber mit dem großartigen Lester Bowie an der Trompete und seiner Frau Fontella Bass am Gesang und Klavier gelang ihnen dennoch ein funkiger Groove. Bass starb 2012, Bowie 1999. Die Gruppe spielte ihre letzten Konzerte um 2006.
Was wir damals sagten: „Es dauert ein oder zwei Stunden, bis die Einheit aus Saxophonen, Flöte, Blechbläsern, Schlagzeug, Gongs, Banjo, Xylophonen, E-Gitarre, Bass, Sirene, Mundharmonika, Zither, Klarinette und Oboe zusammengestellt ist. Oft erscheint die Gruppe mit Kriegsbemalung und mit nacktem Oberkörper. Die Musiker wechseln von Instrument zu Instrument. Beginnen eine Phrase auf der Trompete. Setzen sie auf der Bassdrum fort und beenden sie mit einem heiseren Schrei.“ – Robert Palmer, RS 125 (4. Januar 1973)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
David Ackles, „American Gothic“
Ackles, ein ehemaliger Kinderschauspieler, stammte aus einer Vaudeville-Familie. Eine Zeit lang war er als Songwriter bei Elektra Records tätig. Aber als keiner der Künstler des Labels seine theatralischen Songs aufnehmen wollte, tat er es selbst. American Gothic, sein drittes Album, produziert von Bernie Taupin, klingt wie Neil Diamond in einem obskuren Brecht-Weill-Musical. Highlight: der elfminütige „Montana Song“. Ackles starb 1999. Aber als Elvis Costello vier Jahre später in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen wurde, nannte er Ackles in seiner Dankesrede als einen wesentlichen Einfluss.
Was wir damals sagten: „Ackles ist ein wichtiger Künstler, dessen Werk sich jeder Kategorisierung entzieht. Es hat fast nichts mit Rock ’n‘ Roll zu tun, sondern viel mehr mit Musiktheater. Das musikalische Material des Albums ist brillant eklektisch und mit einer solchen formalen Präzision angeordnet, dass es eine Konzertaufführung des Songzyklus genau so, wie er auf der Platte zu hören ist, rechtfertigt. Zu den wichtigsten Einflüssen auf Ackles‘ Musik zählen Kurt Weill und Aaron Copland, die für Ackles jeweils für unverblümte Aktualität und mythische Suche stehen.“ – Stephen Holden, RS 117 (14. September 1972)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
Terry Melcher, „Terry Melcher“
Melcher, der Sohn von Doris Day und Produzent mehrerer Byrds-Alben, war auch dafür bekannt, dass er beinahe Charles Manson aufgenommen hätte. Uund aus dem Haus auszog, in dem Sharon Tate ermordet wurde. Auf diesem Album sang er wie ein Tier, das mit einem Bein in einer Falle steckt. Er sang sogar ein Duett mit seiner Mutter zu Jackson Brownes „These Days“ und klang dabei völlig niedergeschlagen. „Dieses Album ist definitiv nicht für jedermann“, warnten wir. Und es stellte sich heraus, dass es tatsächlich kaum jemandem gefiel. Melcher war Co-Autor des Nummer-1-Hits „Kokomo“ der Beach Boys, bevor er 2004 verstarb.
Was wir damals schrieben: „Melcher … hat ein exzentrisches Werk veröffentlicht, das den Eindruck vermittelt, er habe nicht nur den Optimismus, sondern sogar die Verzweiflung aufgegeben. Mit einer Stimme, die irgendwo zwischen sarkastischem Heulen und verwundetem Stöhnen liegt, dringt er in zwei aufeinanderfolgenden Stücken zum Kern seiner trostlosen Gefühle vor. Seinem eigenen existentialistischen Klagelied „Beverly Hills“ und dem Penn-Oldham-Country-Song „These Bars Have Made a Prisoner out of Me“. – Bud Scoppa, RS 162 (6. Juni 1974)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
John Cale und Terry Riley, „Church of Anthrax“
Diese ungewöhnliche Zusammenarbeit zwischen dem Violisten der Velvet Underground und dem minimalistischen Komponisten, der vor allem für sein Werk „In C“ bekannt ist, klang nicht wirklich nach einem der beiden. Das Album bestand größtenteils aus langgezogenen, orgellastigen Improvisationen, einem Freak-out in Zeitlupe. Wir beklagten, dass die Welt „eines der besten Alben des Jahres“ ignoriert hatte. Cale veröffentlichte anschließend viele hervorragende Soloalben, während Riley, ebenso produktiv, auch The Who zu „Baba O’Riley“ inspirierte. Und im Titel erwähnt wurde.
Was wir damals sagten: „’The Hall of Mirrors in the Palace at Versailles‘ ist der perfekte Titel für ein Musikstück, dessen Klavierintro eine Einführung in die reflektierten Wunder der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft ist. Rileys Saxophon hallt in unendlichen Hallen wider, die nur Götter zu betreten wagen, einer eisigen Umgebung, die zum Nachdenken über den Kosmos einlädt. Diese Musik entführt den Geist und das Herz des Zuhörers in andere Welten.“ – W. H. Fuller III, RS 91 (16. September 1971)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
Andy Pratt, „Resolution“
Der Harvard-Absolvent verschmolz klassische Musik und Rock. Versuchte, beide Genres zu transzendieren. Und beeindruckte uns mit seinem Ehrgeiz und seinen Leistungen. Wir sagten, dass Mick Jagger „nach Pratt manieriert und abgestumpft klingt“ und dass Pratt „das Gesicht des Rock für immer verändert hat“. Vier Jahrzehnte später klingt „Resolution“ einfach wie ein wirklich gutes Singer-Songwriter-Album mit ungewöhnlichen Orchestrierungen. Aber daran ist nichts auszusetzen. Pratt konvertierte einige Jahre später zum Christentum und machte explizit spirituellere Musik, wobei er schließlich über 20 Alben veröffentlichte.
Was wir damals sagten: „Die Instrumentaltexturen sind immer emotional aufgeladen und evozieren in einem Stück vulkanische Erotik, in einem anderen schmerzliche Zärtlichkeit. Die Songs tragen die Rockharmonie einen Schritt weiter als die Beach Boys und die Stones. Da sie so häufig und unerwartet modulieren, erfordern sie Konzentration. Wie die romantischen Komponisten des späten 19. Jahrhunderts, insbesondere Skrjabin und Mahler, nutzt Pratt chromatische Unruhe, um extreme emotionale Schwankungen hervorzurufen.“ – Stephen Holden, RS 216 (1. Juli 1976)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
Tonto’s Expanding Head Band, „Zero Time“
Zu Beginn des Synthesizer-Zeitalters war das Instrument so neu, dass ganze LPs aufgenommen wurden, nur um seine Möglichkeiten zu demonstrieren. Während viele davon wenig Charme hatten, war dieses Album wunderschön und kontemplativ. Es wurde von einem britischen Duo mit einem speziell angefertigten Moog-Setup aufgenommen, das auch bei Sessions für Stevie Wonder und andere Acts zum Einsatz kam. Wir dachten, dass selbst wenn man andere elektronische Platten besitzt, diese Platte „die Sammlung in zwei Teile teilt. Zero Time und alles andere“.
Was wir damals sagten: „Schließlich kann ein Moog theoretisch jeden Ton erzeugen, und zwar sofort, sodass eine Klarinette drei sanft ansteigende Töne spielen und dann beim vierten Ton den Klang des Meeres spielen kann, das seine Toten freigibt. Es ist wie wenn man LSD nimmt und entdeckt, dass der eigene Verstand die Kraft hat, das Herz zum Stillstand zu bringen. Die Erkenntnis, dass dieses Instrument alles Mögliche mit einem machen kann, jetzt, wo es einen in seiner Gewalt hat, ist beunruhigend.“ – Timothy Crouse, RS 88 (5. August 1971)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
Allen Ginsberg, „Songs of Innocence and Experience“
Der große amerikanische Dichter Allen Ginsberg (Howl) adaptierte einige der berühmtesten Gedichte von William Blake, vertonte sie mit einfachen Melodien und sang sie selbst. Das Ergebnis war eher literarisch als musikalisch, aber wenn man ihm zuhörte, konnte man sich der Flut von Worten und Bildern nicht entziehen. Jahre später, als einige junge Musiker Ginsberg fragten, wie sie ihre Band nennen sollten, antwortete er ihnen: „The Blake Babies“. Ginsberg starb 1997; U2 übernahm Blakes Titel für ihr letztes Album.
Was wir damals sagten: „Ginsberg ist kein Sänger, aber die unverwechselbare Schmeichelhaftigkeit seiner rauen Stimme ist eine der überzeugendsten Eigenschaften des Albums. Nichts hier klingt angestrengt oder prätentiös, was es zum Nonplusultra unter den Konzeptalben machen dürfte. Es klingt vielmehr wie ein Werk der Liebe, eine Hommage eines jungen Visionärs an einen alten Weisen, ausgeführt mit Feingefühl und Charme in einem Gesangsstil, der an einen angloamerikanischen Muezzin erinnert.“ – Lester Bangs, RS 60 (11. Juni 1970)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
Carla Bley und Paul Haines, „Escalator Over the Hill“
Eine Jazz-Rock-Oper auf drei LPs mit einer All-Star-Besetzung. Darunter Jack Bruce, John McLaughlin, Don Cherry und Linda Ronstadt. Angeblich gibt es eine Handlung, die von Auswanderern und einem Hotel in Pakistan handelt. Aber der springende Punkt war die wahnsinnig ambitionierte Mischung verschiedener Genres, von Cream-artigem Rock bis hin zu dröhnendem Free Jazz. Carla Bley schlug eine lange Karriere als Jazzkomponistin und Bandleaderin ein. Der Texter Paul Haines ist heute vor allem als Vater von Emily Haines, der Leadsängerin von Metric, bekannt.
Was wir damals sagten: „Escalator Over the Hill mit seiner schicken, goldbeschrifteten Hülle, dem reich illustrierten Libretto und der internationalen Besetzung wirkt wie ein DeMille-Epos. Hinterlässt aber beim Zuhörer ein Gefühl großer Zufriedenheit. Ein komplexes, labyrinthisches Werk, das aber sofort Spaß macht.“ – Bob Palmer, RS 114 (3. August 1972)
Zehn unbekannte Alben aus den 1970er-Jahren, von denen Sie noch nie gehört haben
Joseph Byrd, „Yankee Transcendoodle: Electronic Fantasies for Patriotic Synthesizer“
Byrd, ehemaliger Frontmann der einflussreichen Avantgarde-Band The United States of America, nahm ein ganzes Album mit Marschmusik und patriotischen Melodien auf, die er auf modernen Synthesizern spielte. Obwohl das Konzept unglaublich gewagt erscheint, fanden wir es „fröhlich, lebhaft, temperamentvoll und voller Charme“. Und es brachte die Zuhörer dazu, die Hintergrundmusik ihres Lebens neu zu überdenken. Byrd komponierte schließlich die Filmmusik für einen Robert-Altman-Film, wurde Musikprofessor und arbeitete als Food-Kolumnist in Humboldt County, Kalifornien.
Was wir damals sagten: „Byrd gestaltet alles neu, von ‚Yankee Doodle Dandy‘ über ‚John Brown’s Body‘ bis hin zur ‚Internationale‘ (hier getarnt als „Grand Centennial Hymn“) zu einer warmen und lässig-humorvollen Textur, die sehr an eine der langen Orgelintros von Garth Hudson zu „Chest Fever“ erinnert. Wie Hudson in seiner kreativsten und witzigsten Phase spielt Byrd Musik, die viele Menschen vor allem auf Karussells und bei Paraden gehört haben.“ – Greil Marcus, RS 227 (2. Dezember 1976)
