10 Blues-Alben, die ROLLING STONE in den 1970ern liebte – die du aber nie gehört hast
ROLLING STONE lobte sie vor rund 50 Jahren – und du solltest sie heute hören!
Johnny Shines, „Too Wet to Plow“
Shines war ein lebendiges Bindeglied zu Robert Johnson, mit dem er in den 1930er-Jahren durchs Land tourte, um Musik zu machen. Auf diesem Album schöpfte er aus derselben tiefen Quelle des Mississippi Blues. Nur mit dem Vorteil eines modernen Tonstudios. Mit Jahrzehnten Lebenserfahrung im Rücken machte Shines Musik nicht der „Rebellion, sondern der Akzeptanz“. Er nutzte den Blues nicht, um gegen die Ungerechtigkeit der Welt zu wüten. Sondern um Mitgefühl für ihre widerwilligen Bewohner zu zeigen. Dieses wunderschöne Album war der Höhepunkt seiner Karriere. Zwei Jahre später erlitt Shines einen Schlaganfall und starb 1992.
Was wir damals sagten:
„Bei ‚The Wind Is Blowin‘, ‚Moanin‘ the Blues“ und – mit einer Anmut, nicht von Gott empfangen, sondern Ihm entrissen – „You Better Turn Around“ spielt Shines die sparsamsten, sanft nachhallenden Noten, die man sich vorstellen kann. Die Gitarre scheint vor den Aussagen des Sängers zurückzuschrecken. Wie bei Robert Johnsons „Come on in My Kitchen‘“. Sie weicht zurück und kehrt dann wieder. Mal drohend, mal tröstlich. Dieser Blues erzeugt eine Stille, die nach Unterbrechung verlangt.“ – Greil Marcus, RS 264 (4. Mai 1978)
Duster Bennett, „Smiling Like I’m Happy“
Als er in London auftrat, war der Brite Bennett eine Ein-Mann-Blues-Band, der gleichzeitig Gitarre, Bassdrum und Mundharmonika spielte. Doch auf seinem Debütalbum arbeitete Bennett mit der Peter-Green-Ära von Fleetwood Mac zusammen – und schuf so eine frische Variante des Country Blues, nicht so schwer wie die aufgeheizten Versionen von Cream und Led Zeppelin: musikalisch versiert, aber traurig und aufrichtig. Bennett starb 1976 bei einem Autounfall.
Was wir damals sagten:
„Bennett ist ein großartiger Harpspieler, und sein Stil – sein schnelles Spiel, sein hektisches Blasen – erinnert mich an Coltrane in einem anderen Medium, wunderbar kontrastierend zur Band. Das Album ist nahezu maßgebend für britischen Blues. Britischer Blues im Allgemeinen und Bennett im Besonderen erreichen selten die melodisch-lyrische Intensität des ursprünglichen schwarzen Blues, aber sie sind mit ihren harten, intensiven Rhythmen mehr als erfolgreich, was den Engländern ihren eigenen unverwechselbaren Stil verleiht.“ – Frank Gruber, RS 59 (28. Mai 1970)
Bobby Rush, „Rush Hour“
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Bobby Rush war ein erfahrener Blues-Sänger. Vor allem bekannt für den Novelty-Hit „Chicken Heads“. Auf diesem Album jedoch nutzte er seine jahrzehntelange Erfahrung und seine genaue Kenntnis von Howlin’ Wolf und schuf ein Urban-Blues-Album seiner Zeit. Mit Anklängen an Philadelphia Soul, Straßenharmonien und den Rhythmen der Kanzel. Er thematisierte moderne Ungerechtigkeit („Evil Is“) ebenso wie die sexuellen Sitten der 70er („I Can’t Find My Keys“). „Rush Hour“ war das erste in einer Reihe zunehmend eigenwilliger „Folk-Funk“-Experimente.
Was wir damals sagten:
„Rush Hour ist so verrückt, dass es ein Wunder ist, dass George Clinton nicht selbst draufgekommen ist. … Was daraus entsteht, ist schamlos und verblüffend. … In einer Zeit, in der die meiste schwarze Popmusik wie maschinell gefertigt klingt, ist dieses Album mehr als eine Anomalie. ‚Rush Hour‘ ist eine Hommage an die Widerstandskraft. Ein Zeichen dafür, dass die Lektionen von Howlin’ Wolf und seinen Kollegen weder verloren noch vergessen wurden. Du wirst etwas wie das hier brauchen, um durch die Achtziger zu kommen.“ – Dave Marsh, RS 305 (29. November 1979)
Mississippi Fred McDowell, „I Do Not Play No Rock ‘n’ Roll“
McDowell mag keinen Rock ’n’ Roll gespielt haben. Aber die Rolling Stones coverten trotzdem sein „You Gotta Move“ auf „Sticky Fingers“. Der Motor dieses Albums ist McDowells Bottleneck-Slide auf der E-Gitarre. Ein unerbittlicher Antrieb, der ihn durch hypnotische Versionen von „Baby Please Don’t Go“ und „Jesus Is on the Mainline“ trägt. Mit knochentiefem Rhythmus und rohen Lebenswunden. McDowell starb 1972 im Alter von 68 Jahren an Krebs.
Was wir damals sagten:
„McDowell spielt den Blues. Spielt ihn offen und voller Inbrunst, spielt ihn, weil er muss. … Ein unbezahlbares, alle zwanzig Jahre vorkommendes Wunder von einem Musiker, der sich über den elektrischen Müll erhebt, der aus Studios und Radiosendern quillt. … Der Beat kommt aus tiefstem Inneren und hat eine unglaubliche Kraft. Eine Kraft, die McDowells Songs beinahe zerreißt.“ – Michael Goodwin, RS 61 (25. Juni 1970)
Larry Johnson, „Fast and Funky“
Larry Johnson, im selben Jahr geboren, in dem Robert Johnson starb, repräsentierte eine zweite Generation von Country-Blues-Musikern. In einem jahrzehntealten Stil zu arbeiten machte ihn um 1970 zu einem Anachronismus, und in den folgenden Jahrzehnten nahm er nur sporadisch auf – aber ein „fehlerfreies Album“ wie Fast and Funky fegte jegliche Kritik hinweg. Höhepunkte: seine Versionen von „Pick Poor Robin Clean“ und ein überirdisches „Two White Horses“.
Was wir damals sagten:
„Johnson hat den Vorteil seiner Jugend, seiner fein nuancierten Stimme und seines erstaunlichen, fast interpunktionsartigen Gitarrenspiels. Fließend und feinfühlig – das sind wohl die besten Adjektive für seine Arbeit auf diesem Album. … Johnson entfaltet eine frei schwingende Funkigkeit, die bestechend direkt ist. Larry Johnson hat eine Ein-Mann-Kampagne gestartet, um den Country Blues zu revitalisieren und zu elektrisieren – und mit diesem überwältigenden Album einen gewaltigen ersten Schritt getan.“ – Gary Von Tersch, RS 69 (29. Oktober 1970)
The Allstars, „Tip Your Waitress“
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Wir zählten die Allstars (aus Charlottesville, Virginia) zu den drei weißen Bluesbands des Landes, die sich zu hören lohnten: Delbert McClinton wurde später bekannter, ebenso die Thunderbirds (später The Fabulous Thunderbirds) – aber 1981 hatten sich die Allstars aufgelöst. Ihre Debütplatte (die auch ihre einzige blieb) litt unter ungleichmäßiger Produktion, doch sie deckten alles ab – von Koko Taylors „Voodoo Woman“ bis Bruce Springsteens „The Fever“ – mit Kreativität und Elan. (2008 gab es sogar ein Reunion-Konzert.)
Was wir damals sagten:
„[Diese] Truppe ist so ziemlich die beste Bluesband im Südosten. Ihr Repertoire zeigt ein Wissen und Verständnis des Blues-Kanons, das unter Musikern der letzten Jahre selten ist. Muddy Waters’ ‚Forty Days and Forty Nights‘ wird nicht als Klassiker von 1956 behandelt, sondern als Ausdruck der Verzweiflung, durchdrungen von biblischem Zorn.“ – Nick Tosches, RS 277 (2. November 1978)
Junior Wells, „Southside Blues Jam“
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Sänger und Harpspieler Junior Wells ist vielleicht durch seine Zusammenarbeit mit dem Rock & Roll Hall of Fame-Gitarristen Buddy Guy bekannt – ihre Vinylkarriere war oft enttäuschend, aber dies war ihr gemeinsames Debüt und „einer der besten Blues-Momente Chicagos“. Höhepunkte waren zwei scheinbar improvisierte autobiografische Songs: „I Could Have Had Religion“ und „Blues for Mayor Daley“. Auch der große Pianist Otis Spann ist hier zu hören – in seinen letzten Aufnahmen vor seinem Tod an Leberkrebs; Wells starb 1998 an einem Herzinfarkt, Buddy Guy lebt und spielt noch.
Was wir damals sagten:
„Wells … schreit vor Frustration und Verwirrung, dass er manchmal kämpfen muss, um überhaupt schlafen zu können: Er will nicht kämpfen müssen – weder für die Liebe noch, weil er schwarz ist und du weiß bist. Dann singt er leise: ‚A little bit of love. That’s all I want. That’s all I need.‘ Die Band kommt bald holprig zum Stillstand. Das ist Musik von unglaublicher Ehrlichkeit und Emotion; selten werden solche Momente auf Band festgehalten.“ – Michael Cuscuna, RS 68 (15. Oktober 1970)
Edgar Winter’s White Trash, „Edgar Winter’s White Trash“
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Bevor er mit „Frankenstein“ und „Free Ride“ bekannt wurde, leitete der albino Multiinstrumentalist Edgar Winter eine siebenköpfige Band mit Co-Sänger Jerry LaCroix, die dem Blues eine Stax-ähnliche Note verlieh. Ihr zweites Album, produziert von Rick Derringer, war intensiv wie ein Flammenmeer – mit Bläsern und Rhythmusgruppe, die perfekt ineinandergriffen, auf einem „offenbarenden und aufregenden Album“.
Was wir damals sagten:
„Beim ersten Hören war ich mir nicht sicher, ob Edgar Winter ein zum Mod gewordener Gospelsänger oder ein aus dem Zirkus entlaufener Feuerschlucker ist. Beim zweiten Mal war ich sicher, dass er beides ist. Und ein Meister beider Künste. … Er vermittelt einen so starken persönlichen Stil wie kaum ein anderer weißer Bluesmusiker heute. … Auf dem Höhepunkt ihres Rausches überschreiten Winter und LaCroix die Grenze zum Gospel und landen im reinen Kreischen. In den kontrollierten Dosen, wie sie es hier tun, ist das sehr kraftvoll.“ – Jon Landau, RS 83 (27. Mai 1971)
Charlie Musselwhite, „Takin’ My Time“
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Der Mundharmonika-Meister Musselwhite nahm – zwischen zwei Plattenverträgen – für das kleine Label Arhoolie schnell ein Album auf, das sich als eines seiner besten entpuppte: Er blies sich durch Stücke wie „Finger Lickin’ Good“ und „Highway Blues“, bis sich die Welt ganz auf seine Harp zu konzentrieren schien. Musselwhite veröffentlichte viele weitere Alben; 2019 gewann er einen Grammy für Get Up!, seine Zusammenarbeit mit Ben Harper.
Was wir damals sagten:
„Seit den frühen Tagen von Butterfield, den Stones oder Mayall waren Blues- und R&B-Echos nicht mehr so durchdringend, berauschend oder direkt wie auf dieser Platte. … Alles kommt zusammen im Titelstück, einem zehnminütigen Opus namens ‚Takin’ My Time‘, das mit einem ausgedehnten Harp-Solo beginnt und sich zu einer Serie bluesiger Soli auf Gitarre und Klavier entwickelt. Es sollte als Zwei-Teil-Single aus diesem großartigen Album erscheinen.“ – Gary Von Tersch, RS 87 (22. Juli 1971)
Memphis Slim, „Blue Memphis“
Barrelhouse-Pianist Memphis Slim widmete die erste Seite dieses Albums einer epischen Autobiografie in Musikform: ein Blues-Magnum-Opus, das ihn von Memphis, Tennessee (seiner Geburtsstadt) nach Paris, Frankreich (wo er 1962 dauerhaft hinzog) führt. Der Umzug nach Europa belebte Slims Musik – mit einem dankbaren Publikum schuf er einige seiner besten Werke seit seinen Durchbruch-Hits der 1940er. Slim starb 1988 in Paris.
Was wir damals sagten:
„Der Sound ist durchgehend perfekt, Slims Piano und Stimme so klar wie die Botschaft seiner Musik, der Einsatz der Bläser ist gut durchdacht, und Green und Bennett fügen dieser exzellenten Platte besonders viel Blues-Sensibilität und Selbsterkenntnis hinzu. Ich hoffe nur, dass noch viele weitere Perlen von diesem Mann mit Überzeugung und Vision, Memphis Slim, folgen.“ – Gary Von Tersch, RS 89 (19. August 1971)
