Don Cheadle über Kreativität, Vermächtnis und sein Broadway-Debüt in „Proof“

An dem Freitag, bevor die New York Knicks die NBA Finals gewinnen – ihr erster Titel seit 53 Jahren –, spreche ich per Zoom mit Don Cheadle. Zwischen Knicks-Fans, die die Straßen fluten, internationalen Besuchern in Fußballtrikots zur Weltmeisterschaft und Gerüchten über die Hochzeit von Taylor Swift und Travis Kelce im Madison Square Garden steht die Stadt unter Strom. Cheadle aber, obwohl mittendrin mit einer Hauptrolle in der Broadway-Wiederaufnahme von „Proof“, hat sich vom Lärm ferngehalten. Der Broadway-Spielplan lässt schlicht keine Zeit für all die Festivitäten. „Ich weiß nicht mehr, wie viele Vorstellungen wir schon gespielt haben, aber diese acht Shows pro Woche summieren sich“, sagt Cheadle, 61. „Man muss auf sich achten.“

Die aktuelle Produktion von David Auburns Pulitzer- und Tony-prämiertem Stück „Proof“, an der Seite von Ayo Edebiri aus „The Bear“, läuft seit Mitte April am Booth Theater. Es ist das erste Mal seit der Uraufführung im Mai 2000, dass das Stück – das am 19. Juli schließt – neu inszeniert wird. Außerdem ist es Cheadales Broadway-Debüt. „Proof“ spielt in Chicago und dreht sich um Catherine (Edebiri), ein mathematisches Genie, das mit psychischer Erkrankung kämpft – genau wie ihr Vater Robert (Cheadle), ebenfalls ein brillanter Mathematiker, es vor seinem Tod tat. Catherines Schwester Claire (Kara Young, später Adrienne Warren) reist nach dem Tod des Vaters aus New York City an und wirbelt Catherines Welt durcheinander. Robert hinterlässt ein letztes Rätsel: Wer ist der Autor einer außergewöhnlichen mathematischen Gleichung, die in einem seiner alten Notizbücher gefunden wird – er selbst oder die treue Tochter, die ihn bis zuletzt gepflegt hat? Auch wenn er einen Geist spielt, zieht Cheadales Bühnenpräsenz das Publikum in Roberts Welt aus Verzweiflung und Verheißung hinein.

Cheadales umfangreiches Werk reicht bis ins Jahr 1985 zurück, als er sein Filmdebüt in „Moving Violations“ gab. Zehn Jahre später gelang ihm mit dem Neo-Noir „Devil in a Blue Dress“ an der Seite von Denzel Washington der Durchbruch. Er hat mit Steven Soderbergh, Paul Thomas Anderson und Warren Beatty gearbeitet, in Oscar-Gewinnern mitgespielt („Crash“) und das MCU als War Machine bereichert. Er wurde für einen Academy Award nominiert (für seine Rolle in „Hotel Rwanda“), erhielt zahlreiche Emmy-Nominierungen und gewann zwei Grammys – für den Soundtrack zu seinem Miles-Davis-Biopic „Miles Ahead“ sowie für ein Spoken-Word-Album. Im Mai dieses Jahres war er in Boots Rileys Sozialsatire „I Love Boosters“ zu sehen, als pyramidenschemabetreibender Schwindler in einem Kostüm, das ihn kaum wiedererkennen lässt.

Methode ohne Methode

Trotz dieses Beweises seines eigenen Könnens hat Cheadle keine starre Methode, wenn es darum geht, Rollen auszuwählen oder sich auf sie vorzubereiten. „Mit zunehmendem Alter begreift man die Kraft dieser Kunstform und die Kraft des Geschichtenerzählens“, sagt er. „Verschiedene Charaktere zu verkörpern und wirklich in sie einzutauchen – damit kann man Kultur bewegen, man hat die Möglichkeit, etwas zu bewirken.“

Wie fühlt es sich an, in diesem Moment der NBA Finals in New York City zu sein?
Ein bisschen verrückt. Mit den NBA Finals und der Weltmeisterschaft gleichzeitig – New York dreht gerade durch.

Zwischen den New York Knicks und den San Antonio Spurs: Für wen drücken Sie die Daumen? Waren Sie schon bei einem Spiel?
Das können Sie mich nicht fragen! Wollen Sie, dass ich abgestochen werde? Aber nein. Wir arbeiten zu den Zeiten, zu denen die Spiele stattfinden.

Wie hat Sie die Rolle des Robert in „Proof“ – brillant, aber auch mit psychischen Problemen kämpfend – schauspielerisch gefordert oder verändert?
Das ist etwas, das das Publikum beurteilen muss, ob es für sie funktioniert oder nicht. Ich weiß, dass man, wenn man im Theater steckt – und ich habe viel Theater gemacht –, diesen Muskel jeden Tag und jeden Abend trainiert, außer montags. Mittwochs und samstags je zwei Vorstellungen, und man versucht das, was man als Grundlage des Stücks erarbeitet hat, zu erhalten, aber gleichzeitig jede Nacht etwas Neues zu entdecken. Es sind kleine Akzente, die man setzt, verschiedene Betonungen, um es lebendig und frisch zu halten – damit das Publikum nicht das Gefühl hat, etwas Mechanisch-Abgespultes zu sehen. Es ist jedes Mal das erste Mal.

Selbstfürsorge im Marathon

Wie gehen Sie mit der Selbstfürsorge um? Haben Sie eine bestimmte Morgenroutine oder nutzen Sie Ihre freien Montage sehr bewusst?
Eine strenge Routine habe ich nicht. Ich versuche, fit zu bleiben und einigermaßen vernünftig zu essen. Ich trinke nicht zu viel. Ich rauche auch nicht so viel – also, kein Weed ist es nicht, aber auch nicht exzessiv. Einfach achtsam mit dem eigenen Instrument umgehen und wissen, dass es ein Marathon ist. Ich will präsent sein, ich will nicht völlig am Ende auf der Bühne stehen – obwohl dann sicher auch interessante Dinge passieren würden!

Ist diese Art von Disziplin Ihr Lieblingsteil des Prozesses, oder empfinden Sie das auch als Belastung?
Ehrlich gesagt ist mein Lieblingsteil die Probenphase. Das Spannendste ist die Entdeckung – das Graben, das Ausprobieren all der verschiedenen Möglichkeiten, die Elastizität des Materials zu erfühlen. Aber alles ist herausfordernd. „Proof“ ist kein leichtes Stück. Manchmal fühlt es sich an wie Schwerarbeit. Wenn man erst um halb zwölf oder Mitternacht etwas essen kann, weil es eine Spätvorstellung war und man an dem Tag zwei gespielt hat – das ist der körperliche Teil davon.

Die eigentliche schauspielerische Herausforderung ist, jede Nacht mit kindlicher Spielfreude voll dabei zu sein. Wir haben gestern Abend darüber gesprochen: Wenn man sieben, acht, sechs Jahre alt ist und spielt, ist man vollkommen drin. Genau da will man sein – man will genauso daran glauben wie als Kind.

Schwarze Familien auf der Bühne

„Proof“ wurde ursprünglich mit einer weißen Familie im Mittelpunkt geschrieben, aber in dieser neuen Fassung sind die meisten Figuren Schwarz. Als ich das Stück im April sah, war die psychische Gesundheit Schwarzer Männer ein prominentes Thema in den Nachrichten. Im Zuge eines Scheidungsverfahrens hatte der frühere Vizegouverneur von Virginia, Justin Fairfax, seine Frau getötet, bevor er sich selbst das Leben nahm. Wenige Tage später tötete ein Mann aus Louisiana namens Shamar Elkins acht Kinder, sieben davon seine eigenen, und verletzte zwei Frauen, darunter seine Frau. Auch wenn physische Gewalt in „Proof“ keine Rolle spielt – wie verändert es das Erzählen, eine Schwarze Familie in den Mittelpunkt einer Geschichte über Genie und psychische Probleme zu stellen, gerade auf der Bühne?
Ich glaube, das Publikum reagiert tatsächlich auf einige andere Weisen. Zum einen sind deutlich mehr People of Color, deutlich mehr Schwarze Menschen im Publikum. Es ist eine sehr diverse Mischung – und das ist nicht die Norm. Wir haben unsere eigenen Herausforderungen mit dem Preisniveau – Broadway ist nicht billig. Deshalb ist es ermutigend und macht Mut, wenn es etwas ist, für das die Menschen ihr hart verdientes Geld ausgeben wollen.

Das Stück wurde nicht wirklich verändert, um eine Schwarze Familie zu beherbergen – es ist vielmehr so, dass diese Themen wie psychische Gesundheit, Vermächtnis, Genie, Verantwortung und Eigentum für uns anders ankommen, genauso wie sozioökonomisch, philosophisch, spirituell und mental vieles in der Welt für uns anders wiegt. Und manchmal funktioniert das nicht – man kann nicht einfach eine Schwarze Familie in ein Stück setzen, das für eine weiße Familie geschrieben wurde, und sagen: „Fertig.“ Aber bei diesem Stück hat es seltsamerweise wirklich funktioniert, wegen dieser universellen Themen. Es wirft die Frage auf: Was bedeutet es für eine Schwarze Familie, die gewissermaßen „assimiliert“ ist? Was bedeutet es, dass Claire Mitch geheiratet hat – eine Figur, die das Publikum nie zu sehen bekommt –, der vermutlich nicht Schwarz ist? Was bringt sie mit, was repräsentiert sie als eine Art Gegenspielerin zu Catherine? Es ist keine physische Gewalt, die Robert Catherine antut, aber es gibt eine emotionale Last und ein Gewicht, das er ihr aufbürdet, und einen Preis, den sie zahlen muss, wenn sie es mit jemandem zu tun hat, der nicht auf sich achtet, dessen Dämonen an die Oberfläche drängen – und sie ist nicht wirklich gerüstet, damit umzugehen.

Was die Zugänglichkeit betrifft: Ich habe gesehen, dass die Produktion eine Partnerschaft mit den New Yorker öffentlichen Schulen eingegangen ist, damit Schüler und Lehrer leicht Zugang bekommen. Wie hilft der Zugang zu Kunst dabei, sich als Mensch zu entwickeln? Und persönlich – wie hat er Ihnen geholfen, dahin zu kommen, wo Sie heute sind?
Ich bin absolut der Meinung, dass Menschen ins Theater zu bringen, die diese Möglichkeit sonst nicht gehabt hätten – und zwar für diese besondere Inszenierung –, der Vorstellungskraft und Kreativität enorm viel Energie und Auftrieb gibt. Sich selbst auf eine Weise repräsentiert zu sehen, die man nicht gewohnt ist, und zu denken: „Das könnte ich sein.“ Kunst bewirkt etwas, das sowohl greifbar als auch ungreifbar ist – sie kann verschiedene Kanäle in einem öffnen, in der Art, wie man denkt und wie man die Welt erlebt, und das gibt einem in den unterschiedlichsten Bereichen einen Vorsprung, weit über das Schauspiel oder die Musik hinaus. Die Wissenschaft zeigt, dass es verschiedene Teile des Gehirns aktiviert, die es einem ermöglichen, diesen Ansatz auf Dinge anzuwenden, die banal erscheinen mögen.

Kindheit, Musik und Spielfreude

Ihre erste Rolle als Kind war Templeton, die Ratte in E.B. Whites „Charlotte’s Web“. War das Ihre erste Begegnung mit dem Theater, oder wuchsen Sie bei Eltern auf, die Sie in der Kunst förderten?
Ja, das war das erste Mal. Meine Eltern waren keine Künstler. Meine Mutter war Lehrerin, mein Vater Psychologe. Meine Schwester und ich – und später mein Bruder – waren immer sehr ins Singen, Auftreten und all das vertieft.

Woher kam dieses Talent für die Kunst?
Wir waren eine spielfreudige Familie, beide Elternteile. Dann geriet ich in eine Gruppe von Freunden, die ähnlich drauf waren und das Schauspielern und Herumblödeln liebten – und dann stellte ich fest, dass das eine Struktur hat. Und dann war es so: „Oh, man kann eine Figur innerhalb der Struktur eines Theaterstücks erschaffen? Und es ist ein Musical, ich kann singen? Oh, ich darf ein Rattenkostüm tragen?“ Das alles hat einfach Spaß gemacht – das Erlebnis des Auftretens und diese spielerische Situation.

War das bei Ihrer Musik genauso? Ich habe gelesen, dass Sie in der fünften Klasse mit Altsaxofon angefangen haben, ungefähr zur gleichen Zeit wie „Charlotte’s Web“. Danach haben Sie in der Highschool in der Jazzband gespielt. Was hat Sie zur Musik gebracht?
Meine Eltern waren sehr musikbegeistert. Sie waren selbst keine Musiker, aber sie sangen im Kirchenchor, und ihre Plattensammlung bestand aus Stevie Wonder, Miles [Davis], Cannonball Adderley, den Commodores und Harold Melvin and the Blue Notes. Ich fand all diese Platten und tauchte in sie ein und wurde genauso von Musik begeistert wie vom Schauspiel – sehr früh. Beide Disziplinen begleiten mich noch immer. Sehen Sie meinen Bass, da steht er [zeigt in die Ecke des Zimmers].

Regie, Produktion und der Sandkasten

Das ist mein Lieblingsinstrument!
Wirklich? Spielen Sie?

Früher schon. Ich habe die Noten verlernt, möchte aber wieder anfangen.
Schön!

Neben der Schauspielerei führen Sie auch Regie und produzieren. Was macht Ihnen mehr Freude, oder ist es eine Mischung aus allem?
Ich mag alles, wenn man an einem Projekt arbeitet, das man mag. Es kann auch alles nervig sein, aber ich liebe den kreativen Prozess, ich liebe das Geschichtenerzählen. Ich liebe alle Aspekte davon – Menschen zusammenzubringen, die überragend talentiert sind: „Dieser Typ ist ein großartiger DP, das ist ein unglaublicher Schauspieler, das ist ein fantastischer Autor oder Musiker – lasst uns alle zusammen in den Sandkasten und etwas wirklich Tolles erschaffen.“ Ich habe Theater inszeniert, Fernsehen, Filme – das ist noch mal ein anderes Tier und kann sehr stressig sein, weil alle zu einem schauen, damit man jede Frage beantwortet und eine Haltung hat. Man muss das nicht – es gibt Regisseure, die die ganze Zeit auf ihr Handy starren und sagen: „Hm? Oh, super.“ Aber wenn man es ernst nimmt, versucht man, das letzte Wort in all diesen Dingen zu haben. Das Klügste ist dabei, eine Vision zu haben, diese Vision artikulieren zu können und dann Menschen zu finden, die talentierter sind als man selbst und mehr wissen – und sie ihren Job machen zu lassen.

In „I Love Boosters“ spielen Sie Dr. Jack, den Anführer eines Pyramidenschemas. Man hat Sie zunächst kaum erkannt, und dann war es so: „Oh, Scheiße! Das ist Don Cheadle!“ Wie haben Sie sich auf diese Rolle vorbereitet?
Ich war in zwei oder drei Szenen, wirklich klein, aber ich habe einfach mit Boots gesprochen und er sagte, er habe eine Vorstellung von dieser Figur, und er schickte mir jemanden, an dem er sich orientieren wollte. Er meinte: „Ich glaube, das ist dein Mann.“ Also dachten wir, es sollte eine ganze Prothesensache werden. Ich weiß nicht mal mehr, wer das vorangetrieben hat – wahrscheinlich ich, aber ich bin mir nicht sicher. Aber es gab den Wunsch, irgendwie zu verschwinden, unkenntlich zu werden und eine Figur wirklich auf die Spitze zu treiben.

Boots Riley und das Vermächtnis

Boots ist eine so einzigartige Stimme im Filmemachen. Kannten Sie sich schon vor der Zusammenarbeit?
Ich kannte ihn über einen gemeinsamen Freund und rief ihn an, weil ich für etwas an einem Oakland-Akzent arbeitete und ein paar Tipps wollte. Es war so ein Kaltanruf, und er fragte: „Was hältst du von dieser Rolle?“ Seitdem habe ich mehr Zeit mit ihm verbracht, und es gibt niemanden wie Boots. Er ist einmalig – dieses Gehirn ist singular.

„Proof“ handelt, wie Sie erwähnt haben, von Vermächtnis. Wenn Sie auf Ihres als Schauspieler blicken – ein so breites Spektrum an Rollen, kaum eine der anderen gleich –, wie betrachten Sie Ihr Gesamtwerk?
Ich komme aus einer bestimmten Theaterdisziplin, und ich wollte immer viele verschiedene Dinge spielen. Ich habe nie wirklich untersucht, warum das so war. Ein Freund sagte mir einmal: „Willst du ein Filmstar sein oder ein Charakterdarsteller?“ Ich sagte: „Ich will Schauspieler sein.“ Und er sagte: „Dann solltest du ein Star sein wollen, denn dann kannst du alles machen, was du willst.“ Daran hatte ich nie so gedacht. Aus der Theaterschule kommend und beeindruckt von Schauspielern, die diese Bandbreite hatten, wollte ich die Fähigkeit haben, als Darsteller so vielseitig zu sein – weil es Spaß macht. Inwieweit man damit erfolgreich ist oder nicht, liegt natürlich beim Publikum.

Gibt es ein Genre, das Sie noch nicht ausprobiert haben und das Sie reizen würde?
Ich würde sehr gerne mit einigen dieser großartigen koreanischen Filmemacher arbeiten. Die machen für mich gerade die inspirierendste Arbeit. Ich war einmal fünf Minuten lang in einer Kung-Fu-Szene mit Jackie Chan, also wäre Kampfsport durchaus drin. Ich habe irgendwann gesagt, ich würde gerne in einem Bollywood-Film mitspielen – das könnte Spaß machen. Aber können wir das alles in meinem Hinterhof drehen? Eigentlich nicht – ich will diesen Aufwand nicht. Ich mach’s im Hinterhof meines Nachbarn.