Die 100 besten Musikvideos aller Zeiten
Ranking der besten Musikvideos aller Zeiten – von Michael Jackson und Madonna bis Beyoncé, Radiohead und modernen Klassikern.
5. New Order, „The Perfect Kiss“
„Wenn man eine Band oder einen Künstler filmt“, sagte Jonathan Demme, „strebt man danach, Teil der Band zu werden. Im Idealfall wird man es auch.“ Der Regisseur sprach über „Stop Making Sense“. Aber er könnte sich genauso gut auf seinen Clip von 1985 für „Perfect Kiss“ von New Order bezogen haben. Das Quartett aus Manchester spezialisierte sich auf Musikvideos, die von Faux-Vérité (das von Arthur Baker unterstützte Disco-Spektakel in Downtown NYC in „Confusion“) bis hin zu abstrakten AF (die Bildschirmschoner-Bilder von „Bizarre Love Triangle“). Für diesen Höhepunkt des Albums „Low-Life“ der Gruppe aus dem Jahr 1985 ließ Demme sie in ihrem Studio aufbauen und den Track live spielen. Das war’s.
Bernard Sumner sieht aus, als würde er sich übergeben, bevor er mit seinem Gesang beginnt. Peter Hook attackiert seine Basssaiten, als hätten sie seine Mutter beleidigt. Stephen Morris und Gillian Gilbert blicken mit der intensiven Konzentration von Mathematikstudenten, die eine Gleichung lösen, während die Zeit abläuft, auf etwas unterhalb des Bildausschnitts. (Sie spielen Synthesizer.) Die Kamera zoomt unterdessen direkt auf ihre Gesichter. Demme wird zu einem nervigen, ausdauernden fünften Bandmitglied.
Mit einer Länge von satten 10 Minuten ist es ein Meisterwerk der körperlichen Anstrengung und der Performance-Aufnahme. Eine Salve von Fingern, die über Griffbretter gleiten und auf Tastaturen tippen. Drumsticks, die auf Pads und Kuhglocken schlagen, Sumners Kopf, der sich zum Mikrofon neigt. Demme, der wohl humanistischste amerikanische Filmemacher der 1980er Jahre, lässt einen nie vergessen, dass es Menschen sind, die dieses Lied spielen. Der Sound ist synthetisiert, aber der Anblick von vier Menschen, die diesen Sound erzeugen, verleiht ihm Seele. Und egal, wie oft man das Joy-Division-Poster hinter Sumners Kopf sieht. Es rührt einen immer wieder zu Tränen. —D.F.
4. Childish Gambino, „This Is America”
Es beginnt mit einem Mann, der Gitarre spielt, und einem Schuss. Dann verwandelt das Musikvideo, das tausende von Kommentaren ausgelöst hat, einen Lagerraum in eine Varieté-Bühne, einen aufkeimenden Aufstand und einen Albtraum, aus dem man nicht aufwachen kann. Donald Glovers musikalisches Alter Ego Childish Gambino stolziert, schlurft und schlängelt sich durch ein Tableau aus tanzenden Kindern, wütenden Polizisten und Szenen sowohl sozialer Unruhen als auch ungezügelter schwarzer Freude.
Referenzen zu allem Möglichen, von viralen Tanzvideos bis zur Schießerei in einer Kirche in Charleston im Jahr 2015, von Minstrelsy bis zu Michael Jacksons „Black or White”-Autotanz, prallen aufeinander. Angesichts der Art und Weise, wie Regisseur Hiro Murai jeden Frame mit vielen beweglichen Teilen und Hintergrundgeschehen füllt, ist es ein Clip, den man sich dutzende Male ansehen kann. Aber die Wirkung, die einem in die Magengrube schlägt, bleibt. Egal wie oft man ihn sieht. „Das Video ist wirklich eine Zusammenführung von Tonwechseln“, sagte Murai gegenüber The New York Times. „Offensichtlich haben wir es mit sehr provokativen Bildern zu tun. Also ist es eine echte Gratwanderung.“
Und mittendrin ist Gambino, der in nichts als einer engen grauen Hose von Szene zu Szene wandert. Und müde innehält, um sich einen Joint anzuzünden, wenn er nicht gerade Leute erschießt oder wild tanzt. „Es war wichtig, dass D. ohne Shirt zu sehen ist, denn so tanzen wir nun mal“, bemerkte Produzent und Gambino-Mitarbeiter Ibra Ake. „Das ist wie dein Onkel in Nigeria, der Harp trinkt. … Das ist Selbstdarstellung. Unser Ziel [war] es, Schwarzsein zu normalisieren.“ All das in vier Minuten. Plus eine semiotikreiche Darstellung der Lage der Nation, die damit endet, dass der Sänger verzweifelt um sein Leben rennt, weil, nun ja. Das ist Amerika. Man kann aus fast vier Jahrhunderten Gründen dafür wählen, warum das so ist.—D.F.
3. Madonna, „Vogue“
Hände, Hände. Gesicht. Körper. „Come on, vogue“. Madonna befiehlt es, und die Welt hört zu. Voguing war eine ausgefallene, gewaltfreie Art des „Kämpfens“ in der queeren Underground-Ballroom-Kultur New Yorks. Und oft athletischer, mit Verrenkungen und Einflüssen aus dem Kampfsport. (Siehe: Jennie Livingstons bahnbrechender Dokumentarfilm „Paris Is Burning”.)
Aber in dem Video – Madonnas dritte Zusammenarbeit mit Regisseur David Fincher nach dem ebenso mitreißenden „Express Yourself” – war der Tanz eine raffinierte Form feministischer Selbstdarstellung. Ein Statement sexueller Rebellion. „Wir haben das Ding so schnell wie möglich zusammengeschnitten“, erinnert sich Fincher. „Wir haben das Video in etwa 16 Stunden gedreht. Das war’s. Sie stieg ins Flugzeug und ging auf ihre Welttournee.“ Die Choreografie des Videos stammt von dem klassisch ausgebildeten Tänzer José Gutierrez und seinem besten Freund Luis Camacho. Beide Mitglieder des House of Extravaganza und zwei der sieben männlichen Tänzer, die sie auch auf der legendären Blonde Ambition Tour begleiteten.
Obwohl Madonna seitdem immer wieder Vorwürfe der Aneignung gemacht werden, lässt sich nicht leugnen, dass sie den Ballroom erfolgreich in den Mainstream gebracht und eine weltweite Fangemeinde geschaffen hat. Wir dürfen nie vergessen, dem ikonischen Video der blonden Sexbombe dafür zu danken, dass es unzählige queere Kids dazu inspiriert hat, „eine Pose einzunehmen“. —J.P.
2. Johnny Cash, „Hurt“
So wie Regisseur Mark Romanek es erzählt, war die emotionale Grundhaltung seines Musikvideos zu Johnny Cashs „Hurt“ – dem letzten großen Filmauftritt des Man in Black – reiner Zufall. Romanek war zunächst besorgt, dass die Szenen, in denen der 71-jährige Cash in seinem Haus, umgeben von einem Stillleben aus verfaulten Früchten und Blumen, das düstere Nine Inch Nails-Cover performt, nicht ausreichen würden, um eine ganze Geschichte zu erzählen.
Für B-Roll besuchten der Regisseur und sein Team das verfallene House of Cash Museum, wo die Kuratoren den Filmemachern eine Reihe von Archivaufnahmen aus Cashs Leben zur Verfügung stellten. Aus einer Laune heraus fügte Romaneks Cutter Robert Duffy einen Clip eines jungen Johnny Cash, der in einem Dampfzug fährt, in den Rohschnitt ein. „Wir bekamen eine Gänsehaut“, erinnerte sich Romanek später. „Die Gegenüberstellung von Johnny als jungem, dynamischem Mann und Johnny am Ende seines Lebens hatte etwas Besonderes.“
Cash starb sieben Monate später.Aaber mit „Hurt“ hinterließ er ein letztes Wort zu seiner eigenen Sterblichkeit. Trent Reznor bemerkte, dass, sobald er Romaneks Video gesehen hatte, „es wirklich nicht mehr mein Song war“. —C.S.
1. Beyoncé, „Formation“
Wenn Beyoncés selbstbetiteltes visuelles Album sie als eine der größten Künstlerinnen aller Zeiten etablierte, so machte ihr überraschend veröffentlichtes Video „Formation“ (und das darauf folgende Album Lemonade) sie zu einer der wichtigsten. Sie arbeitete mit der Regisseurin Melina Matsoukas zusammen, die sich von Maya Angelou, Octavia Butler und Toni Morrison, um einen eindrucksvollen Kommentar zu bedeutenden Momenten in der Geschichte der schwarzen Amerikaner zu verfassen.
In weniger als fünf Minuten bewegt sich Beyoncé von einem Haus im Plantagenstil, in dem die schwarzen Bewohner die Herren und nicht die Sklaven sind, auf das Dach eines sinkenden Polizeiautos. Bemerkenswert ist, dass sie das Video in der ersten Woche des Black History Month 2016 veröffentlichte. Genau zwischen den Geburtstagen von Trayvon Martin und Sandra Bland. Einige Tage später performte sie den Song beim Super Bowl, umgeben von Tänzern in Outfits, die von den Black Panthers inspiriert waren.
„Ich wollte zeigen – das sind schwarze Menschen“, sagte Matsoukas gegenüber The New Yorker. „Wir triumphieren. Wir leiden, wir ertrinken, wir sind Menschen.“
