Die 100 besten Songs der Beatles

40. „For No One“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 9., 16. und 19. Mai 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

McCartney schrieb diesen ruhigen Klassiker in der zweiten Person, als würde er einen Freund ansprechen, der plötzlich von seiner Geliebten verlassen wurde, ohne ihm jedoch wirklich Trost zu spenden: „Du willst sie, du brauchst sie/Und doch glaubst du ihr nicht/Wenn sie sagt, ihre Liebe sei tot.“ Er sprach zu sich selbst: „For No One“, geschrieben im März 1966, während er und Jane Asher in der Schweiz Urlaub machten, handelte von einem Streit, den sie hatten.

Die Intimität der Produktion und der Darbietung – eine Art erschöpfte Akzeptanz – sticht hervor inmitten der beschleunigten Experimente, die sonst überall auf „Revolver“ zu finden sind. McCartney und Starr waren die einzigen Beatles, die bei der Session anwesend waren; sie nahmen den Backing Track – McCartneys Klavier und Starrs minimalistische Percussion, plus überlagertes Clavichord – in einer einzigen Nacht auf. George Martin schlug später vor, ein wenig Blechbläser hinzuzufügen, also holten sie Alan Civil von der London Philharmonia hinzu, der die kurzen, bewegenden Waldhorn-Einwürfe des Songs spielte.

Civil erhielt für seine Arbeit etwa 50 Pfund, bekam aber etwas Wertvolleres: einen seltenen Vermerk auf dem Original-Backcover von „Revolver“.

Erschienen auf: „Revolver“.

39. „Day Tripper“

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 16. Oktober 1965
• Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
• 10 Wochen; Nr. 5

„Day Tripper“ war „ein Drogensong“, sagte Lennon 1970 gegenüber ROLLING STONE. „Ich habe immer Drogen gebraucht, um zu überleben. Die [anderen Beatles] auch, aber ich hatte immer mehr, ich habe immer mehr Pillen und mehr von allem genommen, weil ich verrückter bin.“ Der Song war Lennons Anklage gegen Poser. „Day Trippers sind Leute, die einen Tagesausflug machen, richtig? Normalerweise mit einer Fähre oder so“, sagte er. „Aber [der Song] war so etwas wie ‚Du bist nur ein Wochenend-Hippie‘.“ Im Gegensatz dazu „sahen wir uns selbst als Vollzeit-Tripper“, sagte McCartney, „als voll engagierte Fahrer.“

Die Insider-Witze hörten mit diesem Wortspiel nicht auf. Die Beatles fügten „Anspielungen ein, von denen wir wussten, dass unsere Freunde sie verstehen würden, die aber der britischen Öffentlichkeit vielleicht nicht auffallen würden“, sagte McCartney. „Also war ‚she’s a big teaser‘ (sie ist eine große Neckerei) eigentlich ‚she’s a prick teaser‘ (sie ist eine Schwanz-Neckerei). . . . Wir dachten, das wäre lustig, das einzubauen.“

„Ich kann nicht verstehen, wie sie zur endgültigen Version gekommen sind“

Lennon und McCartney räumten ein, dass „Day Tripper“ ein „erzwungener“ Song gewesen sei, der unter Zeitdruck für eine für Dezember geplante Single geschrieben worden war. Während Lennons bluesbasierter Gitarren-Hook vielleicht seine Antwort auf den aktuellen Nummer-1-Hit der Rolling Stones, „Satisfaction“, war, war „Day Tripper“ komplexer, eine glänzende Kombination aus Kraft und kompliziertem Arrangement. Lennons Riff steigert sich zu einem Rave-up in der Mitte des Songs, der mit hochfliegenden Harmonien und Harrison, der hinter Lennons Solo eine Tonleiter erklimmt, seinen Höhepunkt erreicht, bis Starrs Tamburin-Roll den ursprünglichen Groove zurückbringt.

Lennons Halbschwester Julia Baird war von der Komplexität des Songs verwirrt, als sie bei der Aufnahmesession dabei war. „Es schien, als würden einzelne Teile zusammengesetzt“, sagte sie. „Ich kann nicht verstehen, wie sie zur endgültigen Version gekommen sind.“

„Day Tripper“ war als Single geplant, aber nur wenige Tage später nahmen die Beatles „We Can Work It Out“ auf, das allgemein als kommerziellerer Song galt. Lennon lehnte es jedoch ab, den Platz zu verlieren, sodass die beiden Songs als erste Single mit zwei A-Seiten vermarktet wurden. Obwohl „We Can Work It Out“ höhere Chartplatzierungen erreichte, war „Day Tripper“ der beliebteste Live-Song. Die Beatles spielten ihn jeden Abend auf ihrer letzten Konzerttournee, bis zum letzten Auftritt im Candlestick Park in San Francisco am 29. August 1966.

Erschienen auf: „Past Masters“.

38. „Blackbird“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 11. Juni 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

„Blackbird” handelte eigentlich vom Kampf um Bürgerrechte: „Ich hatte eher eine schwarze Frau im Sinn als einen Vogel”, sagte McCartney. „Das war die Zeit der Bürgerrechtsbewegung, die uns allen sehr am Herzen lag, also war dies eigentlich ein Lied von mir an eine schwarze Frau, die diese Probleme in den Vereinigten Staaten erlebte: ‚Ich möchte dich ermutigen, weiter zu kämpfen, deinen Glauben zu bewahren, es gibt Hoffnung.‘”

In gewisser Weise war der Song eine indirekte Antwort auf Lennons „Revolution“, den anderen großen politischen Song auf dem „White Album“. „Wie so oft bei meinen Sachen, gab es eine Verschleierung“, sagte McCartney, „anstatt also zu sagen: ‚Schwarze Frau, die in Little Rock lebt‘ und sehr konkret zu sein, wurde sie zu einem Vogel, zu einem Symbol.“

McCartney nahm „Blackbird“ alleine auf. Harrison und Starr waren in Kalifornien (wo Harrison für Ravi Shankars Film Raga gedreht wurde), und Lennon war in einem anderen Studio und arbeitete an „Revolution 9“. McCartney sagte, dass die Fingerpicking-Gitarrenlinien von „Blackbird“, die er kurz nach seiner Rückkehr aus Indien auf seiner Farm in Schottland geschrieben hatte, lose auf Bachs „Bourrée in E-Moll“ basierten, das er und Harrison in ihren frühen Jahren oft geübt hatten.

McCartney gab die erste halböffentliche Aufführung von „Blackbird“ vor einer Gruppe von Fans

Die Amsel, die in dem Song zu hören ist, stammt aus einer Sammlung von Soundeffekten. „Ich fand, er hat das sehr gut gemacht“, scherzte McCartney. „Er singt das sehr gut.“

Nachdem er den Song mehrmals durchgespielt hatte, sagte McCartney dem Toningenieur Geoff Emerick, dass er wollte, dass der Song so klingt, als würde er ihn im Freien singen. „Gut“, sagte Emerick, „dann machen wir es eben im Freien“ – und sie zogen um, um „Blackbird“ vor der Echokammer der Abbey Road Studios aufzunehmen.

McCartney gab die erste halböffentliche Aufführung von „Blackbird“ vor einer Gruppe von Fans vor seinem Haus in der Cavendish Avenue. „Paul öffnete das Fenster und rief uns zu: ‚Seid ihr noch da unten?‘“, erinnerte sich einer von ihnen. „Dann setzte er sich mit seiner Akustikgitarre auf die Fensterbank und sang uns ‚Blackbird‘ vor, während wir dort unten im Dunkeln standen.“

Erschienen auf: „The Beatles“.

37. „She Said, She Said“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 21. Juni 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

Der letzte Song, der für „Revolver“ aufgenommen wurde, begann mit schlechter Stimmung: Lennon schnappte den Schauspieler Peter Fonda an, weil dieser ihn während eines LSD-Trips mit Gesprächen über den Tod erschreckt hatte. Die Beatles wohnten Ende August 1965 in einem Haus im Benedict Canyon in Los Angeles und pendelten zwischen Konzerten in Oregon, San Francisco und der Hollywood Bowl in L.A. hin und her. Eines Nachmittags tauchte Fonda mit Roger McGuinn und David Crosby von den Byrds zu einer LSD-Party auf (McCartney verzichtete).

Als Harrison mitten in seinem Trip sagte, er fühle sich, als würde er sterben, meinte Fonda, das sei nichts, wovor man Angst haben müsse, er habe als Junge eine fast tödliche Erfahrung auf dem Operationstisch überlebt. Fondas berühmte Worte: „Ich weiß, wie es ist, tot zu sein.“ Lennon, der sich selbst in einem prekären Zustand befand, explodierte gegenüber dem Schauspieler. „Wir waren alle auf Acid, und John konnte das nicht ertragen“, erinnerte sich McGuinn. „John sagte: ‚Schafft diesen Kerl hier raus.‘ Es war morbide und bizarr.“

„Wer hat dir diesen Mist in den Kopf gesetzt?“

Lennon hielt an seiner Wut fest, betitelte den Song zunächst „He Said He Said“ und warf Fonda, nachdem er ihn zu Beginn zitiert hatte, diese Worte mit boshafter Freude zurück. „Ich sagte: ‚Wer hat dir diesen Mist in den Kopf gesetzt?‘“, sang Lennon an einer Stelle seines frühesten Demos. (Die Zeile, für die er sich schließlich entschied – „Ich sagte: ‚Wer hat dir all diese Dinge in den Kopf gesetzt?‘“ – war sanfter, witziger, traf aber immer noch ins Schwarze.)

Lennon wurde auch klar, dass er sich in eine Sackgasse geschrieben hatte: Er legte die Melodie für ein paar Tage beiseite und kehrte dann mit einer Bridge zurück, die – nicht im Takt mit dem restlichen schlurfenden Rhythmus, strahlend vor kindlicher Unschuld – den Song von reiner Schuldzuweisung zu einer lebhaften Auseinandersetzung über Ego und Unsterblichkeit verwandelte, durchtränkt von seufzenden Harmonien und angetrieben von Starrs temperamentvollem Schlagzeugspiel.

Die Kalifornienreise der Band dauerte nicht lange, aber L.A. und San Francisco sollten noch jahrelang Rückblenden auf diesen psychedelischen Moment haben. Die Hippie-Chic-Szene richtete sich nach allem, was die Beatles taten. Von den Beach Boys über Love bis hin zu den Grateful Dead entsprang der Westküsten-Pop-Sound der nächsten Jahre direkt aus Revolver – insbesondere „She Said She Said“ mit seiner Kombination aus melodischer Unmittelbarkeit und acidgetriebenen Gedankenspielen.

Erschienen auf: „Revolver“.

36. „I Should Have Known Better”

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 25. und 26. Februar 1964
• Veröffentlicht: 26. Juni 1964
• 4 Wochen; Nr. 53 (B-Seite)

Lennon hielt nicht viel von „I Should Have Known Better“, der B-Seite von „A Hard Day’s Night“. „Nur ein Song“, sagte er darüber. „Er hat überhaupt keine Bedeutung.“ Aber als erster Beatles-Song, der den direkten Einfluss von Bob Dylan zeigte, löste er einen musikalischen Wettstreit zwischen den beiden Künstlern aus, der Jahrzehnte andauerte.

Als die Beatles im Januar 1964 in Paris waren, gab ihnen ein DJ eine Kopie von „The Freewheelin’ Bob Dylan“, das im Mai 1963 erschienen war, aber in Europa keine großen Wellen geschlagen hatte. „Während unserer restlichen drei Wochen in Paris haben wir es rauf und runter gespielt“, erinnerte sich Lennon. „Wir waren alle total verrückt nach Dylan.“ Als die Band einen Monat später „I Should Have Known Better“ aufnahm, begann Lennon den Song mit einem deutlich von Dylan beeinflussten Mundharmonika-Solo, das viel rauer war als die Soli auf früheren Beatles-Platten.

Auch Dylan war von den Beatles beeindruckt, und als er ihre Platten hörte, beschloss er, seine musikalische Richtung zu ändern. Ein Jahr nach „I Should Have Known Better“ begann er, mit einer kompletten Elektroband aufzutreten, angefangen mit seinem legendären Auftritt beim Newport Folk Festival. „Man konnte diesen Sound nur mit anderen Musikern erzeugen“, sagte Dylan 1971. „Selbst wenn man seine eigenen Akkorde spielte, musste man andere Leute haben, die mit einem spielten. Und das brachte mich dazu, über andere Leute nachzudenken.“

„Oh, John wäre sofort ein Wilbury geworden“

Anfang 1965 nahm Dylan „If You Gotta Go, Go Now“ auf – eine Anspielung auf den Sound der British Invasion, mit einem Riff, das an „I Should Have Known Better“ erinnerte. Lennon warf den Ball im Herbst desselben Jahres mit „Norwegian Wood (This Bird Has Flown)“ zurück. (Ihre freundschaftliche Rivalität beim Songwriting hielt noch kurz vor Lennons Tod an, als Dylan sein gottesfürchtiges „Gotta Serve Somebody“ aufnahm und Lennon mit „Serve Yourself“ konterte.) Starr spielte in den 70er und 80er Jahren einige Male mit Dylan zusammen.

Aber es war Harrison, der schließlich die engste Beziehung zu Dylan hatte, über die Jahre hinweg häufig mit ihm zusammenarbeitete und schließlich 1988 die Traveling Wilburys gründete. Und Harrison war vielleicht nicht der Einzige: Tom Petty erzählte dem ROLLING STONE, dass Harrison einmal zu ihm gesagt habe: „Oh, John wäre sofort ein Wilbury geworden.“

Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“.

35. „Paperback Writer“

• Hauptsongschreiber: McCartney
• Aufgenommen: 13. und 14. April 1966
• Veröffentlicht: 30. Mai 1966
• 10 Wochen; Nr. 1

„Sie waren großartige Sänger – sie wussten instinktiv, welche Harmonien sie singen mussten“, sagte George Martin. Aber in dem opulenten Intro zu „Paperback Writer“ gingen Lennon, McCartney und Harrison über das reine Formationssingen hinaus. Das Trio verwandelte den Titeltext in einen mittelalterlichen Choral, der klang, als hätte man „She Loves You“ in Säure getaucht. Verbunden mit einem mitreißenden Popsong kündigte diese Flut von Harmonien – kombiniert mit dem Paisley-Hauch der B-Seite der Platte, „Rain“ – offiziell das Eintauchen der Beatles in die Psychedelia an.

„Die Art und Weise, wie der Song selbst gestaltet ist, und die langsamen, kontrapunktischen Aussagen der Hintergrundstimmen – das hatte zuvor noch niemand wirklich gemacht“, behauptete Martin. Der Produzent räumte ein, dass die Beach Boys „eine große Inspiration“ für die Beatles waren, bestand jedoch darauf, dass seine Schützlinge ihre Gesangskunst bereits perfektioniert hatten, als sie noch in Clubs in Hamburg auftraten: „Jeden Abend sangen sie – sie hörten sich amerikanische R&B-Platten an und ahmten sie nach“, sagte er.

Lennon beschrieb „Paperback Writer“ später als den „Sohn von ‚Day Tripper‘“

McCartney kam auf die ungewöhnliche Struktur des Songs während der langen Fahrt zu Lennons Haus, wo das Duo häufig seine Nachmittage mit dem Schreiben von Songs verbrachte. „Ich begann oft schon auf dem Weg dorthin nachzudenken und zu schreiben, und entwickelte die ganze Idee im Auto“, sagte er. „Ich kam herein, aß meine Schüssel Cornflakes und sagte: ‚Wie wäre es, wenn wir einen Brief schreiben: „Sehr geehrte Damen und Herren“, nächste Zeile, nächster Absatz usw.?‘‘“ (Einige vermuten, dass der Text über einen aufstrebenden Schreiberling ein Seitenhieb auf Lennon war, der zwei Bücher mit frechem Surrealismus veröffentlicht hatte, „In His Own Write“ und „A Spaniard in the Works“.)

Lennon beschrieb „Paperback Writer“ später als den „Sohn von ‚Day Tripper‘ – also einen Rock-’n’-Roll-Song mit einem Gitarrenriff auf einer verzerrten, lauten Gitarre.“

Für den Toningenieur Geoff Emerick war die treibende Kraft, die er aus Starrs Bassdrum herausholte, das Geheimnis des Erfolgs. „Soweit ich mich erinnern kann, hatte niemand auf Platten eine Bassdrum, die so klang“, sagte Emerick. Wir haben die vordere Haut der Bassdrum entfernt und sie mit Pullovern ausgestopft.“ Emerick platzierte außerdem ein Mikrofon nur wenige Zentimeter von der Trommel entfernt, wofür er von den EMI-Studioleitern gerügt wurde: „Man durfte nicht näher als zwei Fuß an die Bassdrum herankommen, weil der Luftdruck das Mikrofon beschädigen würde.“

Der Erfolg von „Paperback Writer“ zwang zu einer Überarbeitung dieser Richtlinie. „Ich erhielt einen Brief von EMI, in dem mir dies gestattet wurde“, sagte Emerick, „aber nur für Beatles-Sessions.“

Erschienen auf: „Past Masters“.

34. „Eight Days a Week“

• Autoren: McCartney-Lennon
• Aufgenommen: 6. und 18. Oktober 1964
• Veröffentlicht: 15. Februar 1965
• 10 Wochen; Nr. 1

Der Titel „Eight Days a Week“ entstand durch eine zufällige Bemerkung eines Fahrers, der McCartney zu Lennons Haus fuhr. McCartney fragte den Fahrer beiläufig, ob er viel zu tun habe. „Beschäftigt?”, antwortete dieser. „Ich arbeite acht Tage die Woche.” „Keiner von uns hatte diesen Ausdruck zuvor gehört”, sagte McCartney. „Es war wie ein kleiner Segen der Götter. Ich hatte außer dem Titel keine weitere Idee dafür, und wir haben es einfach zusammen hingekriegt, indem wir den Titel ausgefüllt haben.”

Obwohl McCartney behauptete, der Rest des Songs sei „schnell entstanden“, fehlten ihm der Anfang, die Mitte und das Ende, als er und Lennon ihn ins Studio brachten. Die Beatles probierten verschiedene Ansätze aus, darunter eine wortlose Harmonie für das Intro, hatten aber immer wieder Probleme, die richtige Melodie zu finden. „Wir hatten Mühe, ihn aufzunehmen, und wir hatten Mühe, ihn zu einem Song zu machen“, erinnerte sich Lennon. „Aber er war sowieso mies.“

Da sie wenig Zeit hatten, um eigene Songs zu schreiben, bestand fast die Hälfte der LP „Beatles for Sale“ aus Coverversionen

Die Beatles arbeiteten Ende 1964 mindestens neun Tage die Woche, was Lennons negative Einstellung zu dem Song erklären könnte. Sie waren ständig auf Tournee gewesen, hatten gerade im Juni „A Hard Day’s Night“ veröffentlicht und wurden in der Woche nach ihrer Rückkehr aus Amerika zurück ins Aufnahmestudio gehetzt, um rechtzeitig zu Weihnachten ein neues Album und eine Single aufzunehmen. „Sie waren ziemlich kriegsmüde“, sagte George Martin. „Sie waren 1964 und einen Großteil von 1963 wie verrückt herumgereist. Erfolg ist eine wunderbare Sache, aber er ist auch sehr, sehr anstrengend.“

Da sie wenig Zeit hatten, um eigene Songs zu schreiben, bestand fast die Hälfte der LP „Beatles for Sale“ aus Coverversionen, die die Gruppe seit Jahren auf der Bühne spielte. Am selben Tag, an dem die Beatles „Eight Days a Week“ fertigstellten, nahmen sie sieben komplette Titel auf.

Zwölf Tage später einigten sie sich auf das endgültige Arrangement mit seinem innovativen instrumentalen Fade-in, das dem Song das warme, fröhliche „Gefühl [verleiht], als hätte man ihn schon einmal gehört“, wie Ray Davies von den Kinks 2001 gegenüber ROLLING STONE sagte.

„Beatles for Sale“ wurde im Dezember 1964 in Großbritannien veröffentlicht. „Beatles ’65“, das US-Pendant, hat „Eight Days a Week“ nicht enthalten. Der Song wurde zwei Monate später in den USA als Single veröffentlicht und erreichte Platz eins der Charts. Aber die Beatles ignorierten ihn weiterhin. Er wurde nie als Single in Großbritannien veröffentlicht, und in den folgenden zwei Jahren ihrer Radioauftritte und Tourneen spielten sie ihn nie live. Trotz seiner Popularität glaubt Lennon, dass es „nie ein guter Song war“.

Erschienen auf: „Beatles for Sale“.

33. „I Am the Walrus“

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 5., 6., 27., 28. und 29. September 1967
• Veröffentlicht: 27. November 1967
• 4 Wochen; Nr. 56 (B-Seite)

Nach dem Tod von Brian Epstein am 27. August 1967 waren die Beatles kaum in der Stimmung, kreativ zu sein. Aber als sich die geschockte Band einige Tage später versammelte, überzeugte McCartney sie davon, dass es einen sicheren Weg gab, mit ihrer Trauer umzugehen: indem sie zurück ins Studio gingen. Als sie das am 5. September taten, brachte Lennon einen exzentrischen neuen Song mit, der von einem Bericht inspiriert war, wonach britische Schulkinder Beatles-Texte studierten, um ihre versteckten Bedeutungen zu entschlüsseln.

Lennon spielte eine Solo-Akustikversion von „I Am the Walrus“, und wie sich Toningenieur Geoff Emerick erinnert: „Alle schienen verwirrt zu sein. Die Melodie bestand größtenteils aus nur zwei Noten, und der Text war so ziemlich nur Unsinn.” Ausgehend von Lewis Carrolls Gedicht „The Walrus and the Carpenter” waren die Worte eine Reihe von Ungereimtheiten über „Schweine aus einer Pistole”, Hare Krishna und Edgar Allan Poe, die mit einem verwirrenden „goo-goo-g’joob!”-Refrain endeten.

Der Track erwachte in der Postproduktion zu lebhaftem, schwindelerregendem Leben

„Was zum Teufel soll ich damit machen?”, sagte George Martin. Nichtsdestotrotz machten sich alle an die Arbeit. Lennon improvisierte auf einem einfachen E-Piano, und McCartney wechselte zur Tamburin, um sicherzustellen, dass Starr den Takt hielt. (McCartneys Fleiß, die Band bei der Stange zu halten, war laut Emerick später „einer von Pauls besten Momenten“.)

Der Track erwachte in der Postproduktion zu lebhaftem, schwindelerregendem Leben. Trotz seiner anfänglichen Abneigung komponierte Martin ein meisterhaftes Orchesterarrangement, das wie Schwindelgefühl wirkte. Lennon verlangte so viel Verzerrung seiner Stimme wie möglich – er wollte, dass sie klang, als käme sie vom Mond.

„The walrus was Paul“

„Die Worte haben keine große Bedeutung“, sagte Lennon. „Die Leute ziehen so viele Schlussfolgerungen, und das ist lächerlich. Was bedeutet ‚I am the Eggman‘ wirklich? Es hätte genauso gut eine Puddingform sein können, soweit es mich betrifft.“ Der Text enthielt viele Insider-Witze: „Semolina pilchard“ bezog sich auf Norman Pilcher, den Londoner Drogenfahnder, der Rockstars wie Mick Jagger und Keith Richards verhaftet hatte, und „The Eggman“ war eine Anspielung sowohl auf Carrolls „Humpty Dumpty“ als auch auf eine Geschichte, die Lennon von Eric Burdon gehört hatte, in der ein Mädchen während des Sex ein Ei auf den Frontmann der Animals zerschlug.

Auf dem „White Album“ des folgenden Jahres spielte Lennon in „Glass Onion“ mit der Zeile „The walrus was Paul“ auf den Song an – seine Art, McCartney dafür zu danken, dass er nach Epsteins Tod dazu beigetragen hatte, die Gruppe zusammenzuhalten.

Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“.

32. „Penny Lane“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 29. und 30. Dezember 1966; 4. bis 6., 9., 10., 12. und 17. Januar 1967
• Veröffentlicht: 13. Februar 1967
• 10 Wochen; Nr. 1

„Penny Lane” war Paul McCartneys Ode an das Liverpool, das er als Kind kannte, aber der Song hatte auch eine versteckte Inspiration: seinen glühenden Wettbewerbsgeist. „Der Song entstand aus einer Art ‚Ich kann das genauso gut wie du, John’, weil wir gerade ‚Strawberry Fields’ aufgenommen hatten”, sagte George Martin. „Es war so ein Knüller, dass Paul, glaube ich, zurückging, um seine Idee zu perfektionieren. Und beide waren bedeutungsvoll. Beide handelten von ihrer Kindheit.“ Die Songs wurden zusammen veröffentlicht – auf den beiden Seiten der ersten Single aus den Sessions zu „Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band“.

Viele der Texte stammen direkt aus McCartneys Jugend. Penny Lane ist ein Stadtteil von Liverpool, in dem Lennon als Kind lebte, und auch der Name eines Busdepots, an dem McCartney auf dem Weg zu Lennons Haus vorbeikam. Ein Friseursalon in der Gegend, Bioletti’s, zeigte Bilder von verschiedenen Frisuren, die er anbot – daher die Zeilen „There is a barber showing photographs/Of every head he’s had the pleasure to know“ (Es gibt einen Friseur, der Fotos zeigt/Von jedem Kopf, den er das Vergnügen hatte, kennenzulernen).“ McCartney drückte es so aus: „Der Song ist teils Tatsache, teils Nostalgie für einen Ort, der ein großartiger Ort ist – der blaue Himmel der Vorstadt, wie wir ihn in Erinnerung haben.“

Die Gegend um Penny Lane wurde zu einer bedeutenden Touristenattraktion

„Penny Lane“ beeindruckte nicht nur durch McCartneys wunderschöne Melodie, sondern auch durch seine komplexen Arrangements. Die Beatles „waren begierig nach neuen Klängen“, sagte Martin. Mit McCartney, der drei Klavierparts, Bass, Harmonium und Tamburin spielte, seine Bandkollegen spielten ebenfalls Klavier, Gitarre, Schlagzeug und eine Handglocke; dazu kamen mehrere Bläserstimmen. So entstand mit „Penny Lane“ eine detailreiche Klangwand, die die Kraft eines Rocksongs erreichte, ohne wie einer zu klingen.

Der krönende Abschluss der Aufnahme wurde von einer Fernsehaufführung von J.S. Bachs „Brandenburgischem Konzert Nr. 2“ inspiriert, die McCartney gesehen hatte, nachdem die Grundspur für „Penny Lane“ aufgenommen worden war. Er arrangierte, dass der Trompeter, den er in der Sendung gehört hatte, David Mason, hinzukam und ein Piccolo-Trompetensolo hinzufügte (sowie eine kurze Coda, die nur auf frühen Promo-Kopien zu hören war).
„Penny Lane“ bescherte den Beatles nicht nur einen Chart-Hit, sondern gab auch Lennons altem Viertel einen Schub: Die Gegend um Penny Lane wurde zu einer bedeutenden Touristenattraktion, und Beatles-Fans machten sich schnell daran, die Straßenschilder zu stehlen.

Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“.

31. „You’ve Got to Hide Your Love Away”

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 18. Februar 1965
• Veröffentlicht: 13. August 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

„Das bin ich in meiner Dylan-Phase”, sagte Lennon über „You’ve Got to Hide Your Love Away”. „Ich bin wie ein Chamäleon, beeinflusst von allem, was gerade passiert. Wenn Elvis es kann, kann ich es auch. Wenn die Everly Brothers es können, können Paul und ich es auch. Das Gleiche gilt für Dylan.“
So wie die Beatles Bob Dylan dazu inspiriert hatten, einen härteren Rock-’n’-Roll-Sound in seine Musik zu integrieren, hatte Dylans Beispiel die Beatles – und insbesondere Lennon – dazu gebracht, einen persönlicheren Ansatz beim Songwriting zu verfolgen. McCartney sagte, dass Dylans poetische Texte „bei John einen Nerv getroffen haben. Es war, als hätte John gedacht: ‚Das hätte ich sein sollen.‘

Und zu diesem Zweck imitierte John Dylan in „You’ve Got to Hide Your Love Away“. (Die ersten Zeilen des Songs ähneln auffallend Dylans Titel „I Don’t Believe You [She Acts Like We Have Never Met]“ aus dem Jahr 1964, der wie folgt beginnt: „Ich kann es nicht verstehen/Sie hat meine Hand losgelassen/Und mich hier zurückgelassen, mit dem Gesicht zur Wand.”)

Auch beim Schreiben von „Hide Your Love Away” half der Zufall. Lennon hatte ursprünglich geschrieben: „Wenn sie weg ist, kann ich nicht weitermachen/Ich fühle mich zwei Fuß groß”, aber als er McCartney den Song vorstellte und versehentlich „zwei Fuß klein” sang, fanden beide, dass das besser passte.

Die Band holte zum zweiten Mal einen externen Musiker hinzu

„Hide Your Love Away“ wurde an einem Tag für den Soundtrack zu „Help! “aufgenommen, und seine Darbietung im Film, in der die Beatles sich in ihrem für vier Personen gebauten Haus entspannen, ist einer der Höhepunkte des Films. Es war die erste Aufnahme der Beatles, bei der ausschließlich akustische Instrumente zum Einsatz kamen, und es war auch eines der wenigen Male, dass Lennon, der immer sehr selbstbewusst in Bezug auf seinen Gesang war, seine Leadstimme nicht doppelt aufnahm, wie er es oft tat, seit er diesen Studiotrick entdeckt hatte.

Die Band holte zum zweiten Mal einen externen Musiker hinzu: Für eine Gage von sechs Pfund (damals etwa 17 Dollar) und ohne Nennung im Abspann nahm Johnnie Scott die Tenor- und Altflötenparts für den Song auf. Die Beatles gaben Scott einige allgemeine Anweisungen und ließen ihn das Arrangement selbst entwerfen. Scott erinnerte sich, dass die Jungs zu dieser Zeit in bester Stimmung waren. „Ringo war voller Eheglück“, sagte er. „Er war gerade von seiner Hochzeitsreise zurückgekommen.“

Obwohl die Beatles den Song nicht als Single veröffentlichten („Er ist nicht kommerziell“, sagte Lennon), landete die englische Folk-Gruppe The Silkie, die bei Brian Epsteins Managementfirma unter Vertrag stand, damit einen Top-10-Hit in den Vereinigten Staaten, und die Beach Boys coverten ihn 1965 auf ihrem Album „Beach Boys’ Party!“

Erschienen auf: „Help!“

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30. „We Can Work It Out“

• Autoren: McCartney-Lennon
• Aufgenommen: 20. und 29. Oktober 1965
• Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
• 12 Wochen; Nr. 1

„We Can Work It Out“ versetzt den Zuhörer mitten in einen Streit, ein Wechselbad zwischen hoffnungsvollen Refrains und Strophen voller Warnungen: „Unsere Liebe könnte bald vorbei sein.” Es ist ein McCartney-Song, der aus einem Streit mit seiner Freundin Jane Asher entstand. Lennon steuerte die pessimistische Bridge in Moll bei: „Das Leben ist sehr kurz, und es gibt keine Zeit für Streit und Zank.” („Paul schreibt ‚we can work it out‘”, sagte Lennon. „Sehr optimistisch, und ich bin ja ungeduldig.”)

Die Gruppe stieß im Studio auf ein altes Harmonium. McCartney erinnerte sich, dass er dachte: „Das würde eine schöne Farbe sein.“ In den Strophen, mit den „suspendierten Akkorden … verleiht dieser wunderbare Harmoniumklang dem Ganzen eine Art religiöse Qualität“, sagte Ray Davies von den Kinks 2001 gegenüber ROLLING STONE. Harrison schlug vor, den Rhythmus in der Bridge von einem geraden 4/4-Rhythmus in einen Walzertakt zu ändern. Mit dieser charakteristischen Änderung erzeugte das Vintage-Instrument eine Zirkus-Karussell-Atmosphäre – eine Stimmung, zu der die Beatles zwei Jahre später in „Being for the Benefit of Mr. Kite!“ auf Sgt. Pepper zurückkehren sollten.

Die 11 Stunden, die sie für „We Can Work It Out“ aufwendeten, waren bis dahin mit Abstand die längste Studiozeit, die sie jemals für einen Beatles-Song gebraucht hatten. Die Spannung in den Texten zwischen einem hoffnungsvollen McCartney und einem melancholischen Lennon lässt bereits ahnen, wie sich ihre Wege trennen würden. „Sie durchlebten gerade eine ihrer ersten Phasen der Uneinigkeit, daher ist es vielleicht ein Subtext dafür, wo die Band stand“, bemerkte Davies. „Das ist eine meiner kleinen Theorien: Jede Karriere hat ihre Geschichte, und wenn man sich die Songtitel ansieht, fasst das zusammen, was sie gemacht haben.“

Erschienen auf: „Past Masters“.

29. „Can’t Buy Me Love“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 29. Januar und 26. Februar 1964
• Veröffentlicht: 16. März 1964
• 10 Wochen; Nr. 1

Mitte März 1964 waren die Beatles die größte Band der Welt und hatten einen erstaunlichen Anteil von 60 Prozent am amerikanischen Single-Markt. Mit mehr als 3 Millionen Vorbestellungen katapultierte „Can’t Buy Me Love” die Beatles auf eine neue Ebene des Ruhms. Zwei Wochen nach der Veröffentlichung der Single belegten die Beatles alle fünf Spitzenplätze der Billboard-Single-Charts: „Can’t Buy Me Love”, „Twist and Shout”, „She Loves You”, „I Want to Hold Your Hand” und „Please Please Me”.

In der folgenden Woche stellten sie mit 14 Platten in den Top 100 der US-Singles einen weiteren, bis heute ungebrochenen Rekord auf. (Der bisherige Rekordhalter war Elvis Presley mit neun Platten im Jahr 1956.) „Die Menschen in England haben damals nie wirklich verstanden, was für große Helden sie waren“, sagte George Martin, „und dass der Erfolg so vollständig und total war.“

Die Beatles waren in Bestform, als sie „Can’t Buy Me Love“ aufnahmen, aufgeputscht von bis zu drei Auftritten pro Tag während ihres 18-tägigen Aufenthalts im Pariser Olympia-Theater. Sie brauchten nur vier Versuche, um die Grundspur aufzunehmen. Elf Tage später hatten sie ihr US-Fernsehdebüt in der Ed Sullivan Show, und fünf Wochen später wurde die Single in den USA veröffentlicht. Mit der Beatlemania verlief alles mit Überschallgeschwindigkeit.

Im Wesentlichen eine süße Liebeserklärung

McCartney sagte später, „Can’t Buy Me Love“ sei „mein Versuch gewesen, einen bluesigen Song zu schreiben“. Aber der Song ist viel näher an den primären Einflüssen der Gruppe: dem fröhlichen Galopp des Uptempo-Motown und dem lebhaften Rockabilly der 50er Jahre. Lennon und McCartney hatten ihre eigenen tiefen Wurzeln im Letzteren, aber Harrison war der Experte: Sein Gitarrenstil, insbesondere in den frühen Aufnahmejahren der Beatles, war eine aggressive Aktualisierung der Einfachheit von Carl Perkins und Scotty Moores Breaks auf Elvis Presleys Sun-Singles. In „Can’t Buy Me Love“ ist Harrisons Solo – das nach einem von McCartney Little Richard inspirierten Schrei einsetzt – klassisches Memphis aus dem Jahr 1956 mit Jet-Age-Glanz.

Der Text von „Can’t Buy Me Love“ war im Wesentlichen eine süße Liebeserklärung, in der Romantik über materielle Dinge gestellt wurde, obwohl einige Fans dies irgendwie nicht verstanden, was McCartney verwirrte. „Ich denke, man kann alles so interpretieren, wie man will“, sagte er. „Aber wenn jemand behauptet, dass es in ‚Can’t Buy Me Love‘ um eine Prostituierte geht, ziehe ich eine Grenze.“

Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“.

28. „Here Comes the Sun“

• Hauptsongwriter: Harrison
• Aufgenommen: 7., 8. und 16. Juli, 6., 15. und 19. August 1969
• Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
• Nicht als Single veröffentlicht

Harrison schrieb einen der fröhlichsten Songs der Beatles, während er blau machte. 1969 zerfiel Apple Records in endlosen Streitigkeiten um Geld, wobei der Geschäftsführer Allen Klein und der Anwalt John Eastman um die Kontrolle über die Gruppe kämpften. „Apple wurde wie eine Schule, wo wir hingehen und Geschäftsleute sein mussten: ‚Unterschreib dies‘ und ‚unterschreib das‘“, erinnerte sich Harrison. „Eines Tages beschloss ich, Apple zu schwänzen, und ging zu Eric Clapton nach Hause. Die Erleichterung, all diese dummen Buchhalter nicht sehen zu müssen, war wunderbar, und ich spazierte mit einer von Erics Akustikgitarren durch den Garten und schrieb ‚Here Comes the Sun‘.“

Harrisons Anwesen Kinfauns lag etwa eine halbe Autostunde von Claptons Haus entfernt. Die beiden Gitarristen waren sich nahe gekommen, Clapton spielte das Solo in „While My Guitar Gently Weeps“ und Harrison revanchierte sich, indem er den Cream-Hit „Badge“ mitkomponierte.„Es war ein wunderschöner Frühlingsmorgen, und wir saßen oben auf einem großen Feld am Ende des Gartens“, schrieb Clapton in seiner Autobiografie. „Wir hatten unsere Gitarren dabei und spielten einfach drauf los, als er anfing, ‚de da de de, it’s been a long cold lonely winter‘ zu singen, und Stück für Stück füllte er den Song aus, bis es Zeit für das Mittagessen war.“

„Jetzt, in diesem Jahr, sind seine Songs mindestens so gut wie unsere“

„Here Comes the Sun“ eröffnete die zweite Seite von Abbey Road mit einem Ausbruch von Freude. Zusammen mit „Something“ machte es deutlich, dass die Beatles nun drei hervorragende Komponisten hatten. „George blühte als Songwriter auf“, sagte Starr. „Es ist interessant, dass George in den Vordergrund trat und wir uns gerade trennten.“

Selbst die sehr konkurrierenden Lennon und McCartney mussten Harrison neuen Respekt zollen. „Ich glaube, bis jetzt, bis zu diesem Jahr, waren unsere Songs besser als die von George“, sagte McCartney zu Lennon während einer Pause bei den Aufnahmen zu „Abbey Road“. „Jetzt, in diesem Jahr, sind seine Songs mindestens so gut wie unsere.“

Erschienen auf: „Abbey Road“.

27. „You’re Going to Lose That Girl“

• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 19. Februar 1965
• Veröffentlicht: 13. August 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

„You’re Going to Lose That Girl“ war der letzte Song, den die Beatles für den Soundtrack zu „Help!“ fertigstellten, bevor sie zu den Dreharbeiten auf die Bahamas aufbrachen. Der Song begann mit Lennon, und McCartney half ihm, ihn in Lennons Haus in Weybridge fertigzustellen.
Wie „She Loves You” ist „You’re Going to Lose That Girl” einer der seltenen Popsongs, in denen ein männlicher Sänger einen untreuen Freund anspricht. Aber während der frühere Hit noch Mitgefühl ausdrückte, gibt Lennon nun eine aggressivere Warnung: „Ich werde sie dir auf jeden Fall wegnehmen.”

Der Song zeichnet sich durch Lennons Falsett und Starrs manisches Bongospiel aus und wird durch den Hintergrundgesang erst richtig lebendig. Die fröhlichen Call-and-Response-Passagen, die das Geschehen kommentieren („Watch what you do“), verdeutlichen den Einfluss, den die Girl-Group-Platten der frühen 60er Jahre noch immer auf die Beatles hatten. Die Band nahm eine Reihe von Girl-Group-Songs auf („Chains“ von den Cookies, „Baby It’s You“ und „Boys“ von den Shirelles) und tauschte dabei die Geschlechter in den Texten nach Bedarf aus.

Im Film wird der Song in einem verrauchten Studio aufgenommen; McCartney wollte das Material in einer natürlicheren Umgebung zeigen, als es in den meisten Film-Musicals der Fall ist. Ringo spielt die gesamte Performance mit einer brennenden Zigarette im Mundwinkel.

Erschienen auf: „Help!“.

 

26. „If I Fell“

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 27. Februar 1964
• Veröffentlicht: 26. Juni 1964
• 9 Wochen; Nr. 53 (B-Seite)

„If I Fell“ war Lennons erster Versuch, einen langsamen, schönen Song für eine Beatles-Platte zu schreiben. „Die Leute vergessen, dass John einige schöne Balladen geschrieben hat“, sagte McCartney. „Die Leute neigen dazu, ihn als scharfzüngig, aggressiv und schroff zu sehen, aber er hatte wirklich auch eine sehr warme Seite, die er nur ungern zeigte, um nicht zurückgewiesen zu werden.“

Lennon sagte, der Text – in dem er eine neue Geliebte um Zärtlichkeit bittet, nachdem er von seiner letzten Freundin verletzt wurde – sei „halb autobiografisch, aber nicht bewusst“. Oberflächlich betrachtet hatte er wenig mit seinem Leben zu tun: Er war seit Jahren mit seiner Frau Cynthia zusammen, und ihr Sohn Julian war fast ein Jahr alt.

D und B-Moll und E-Moll

Musikalisch war es jedoch einer der cleversten Songs, die Lennon bis dahin geschrieben hatte: Die harmonischen Tricks des klimpernden, unkonventionellen Anfangs waren meilenweit entfernt von dem, was andere Bands zu dieser Zeit machten, und es „tropfte vor Akkorden“, wie McCartney sagte. Außerdem zeigte es einige der besten Gesangsleistungen der Beatles. Lennon und McCartney teilten sich ein einziges Mikrofon für ihre Everly-Brothers-ähnlichen engen Harmonien.

„[‚If I Fell‘] war der Vorläufer von ‚In My Life‘“, betonte Lennon später. „Es hat die gleichen Akkordfolgen: D und B-Moll und E-Moll, solche Sachen. Es zeigt, dass ich damals sentimentale Liebesballaden geschrieben habe, alberne Liebeslieder.“

Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“.

25. „Here, There and Everywhere“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 14., 16. und 17. Juni 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

Ein Paradoxon von „Revolver“: Es markiert die Zeit, in der die Beatles begannen, die unzähligen kreativen Möglichkeiten des Aufnahmestudios zu erkunden, enthält aber gleichzeitig einige der stromlinienförmigsten, geradlinigsten Stücke im Repertoire der Gruppe – darunter McCartneys strahlend beruhigendes Liebeslied „Here, There and Everywhere“. McCartney schrieb es in Lennons Haus in Weybridge, während er darauf wartete, dass Lennon aufwachte. „Ich saß mit meiner Gitarre auf einem der Liegestühle am Pool und begann, in E zu klimpern“, erinnert sich McCartney.

„Bald hatte ich ein paar Akkorde, und als er aufwachte, hatte ich den Song so gut wie fertig geschrieben, also gingen wir ins Haus und stellten ihn fertig.“ McCartney hat „Pet Sounds“ von den Beach Boys als seinen wichtigsten Einfluss für „Here, There and Everywhere“ genannt. McCartney hatte das Album vor seiner Veröffentlichung bei einer Listening Party in London im Mai 1966 gehört und war begeistert.

McCartney hat sie wiederholt als eine seiner besten Kompositionen bezeichnet

Die Akkordfolge des Songs trägt den Einfluss von Brian Wilson, der durch drei verwandte Tonarten schlendert, ohne sich jemals vollständig auf eine festzulegen, und die Modulationen – insbesondere die in der Zeile „changing my life with a wave of her hand“ – unterstreichen geschickt den Text, der von McCartneys Freundin, der Schauspielerin Jane Asher, inspiriert wurde. (Das Paar, dessen Karrieren oft zu längeren Trennungen führten, trennte sich im Juli 1968.) Als George Martin den Song hörte, überredete er die Musiker, hinter dem Leadgesang im Stil eines Barbershop-Quartetts zu summen. „Die Harmonien sind sehr einfach“, erinnerte sich Martin. „Es gibt nichts besonders Raffiniertes, keinen Kontrapunkt, nur bewegte Blockharmonien. Sehr einfach … aber sehr effektiv.“

McCartney hat sie wiederholt als eine seiner besten Kompositionen bezeichnet, eine Meinung, die auch sein Songwriting-Partner teilte: Lennon sagte 1980 gegenüber Playboy, dass es „einer meiner Lieblingssongs der Beatles“ sei.

Die Gruppe verbrachte drei Tage im Studio, um an dem Song zu arbeiten, was für einen einzelnen Titel in dieser Zeit ungewöhnlich lang war. Nachdem man sich auf einen zufriedenstellenden Rhythmus-Track geeinigt hatte, nahm die Band den Hintergrundgesang auf, dann spielte McCartney seinen Leadgesang ein – der eine überraschende Inspiration hatte. „Als ich ihn im Studio sang, dachte ich: ‚Ich singe ihn wie Marianne Faithfull‘ – etwas, das niemand jemals erfahren würde“, sagte er. „Ich habe fast mit Falsettstimme gesungen und den Gesang doppelt aufgenommen. Meine Marianne-Faithfull-Imitation.“

Erschienen auf: „Revolver“.

24. „Happiness Is a Warm Gun“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 23. bis 25. September 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Lennon bezeichnete diese rasante, erotisch aufgeladene Minisuite als einen seiner besten Songs. „Oh, ich liebe ihn“, sagte er 1970 gegenüber Rolling Stone. „Ich finde, es ist ein wunderschöner Song. Ich mag all die verschiedenen Dinge, die darin passieren. . . . Er schien alle verschiedenen Arten von Rockmusik zu durchlaufen.“ Das Buch „The Beatles Anthology“ enthält eine markierte Kopie des Textblatts, in dem Lennon die drei verschiedenen Abschnitte skizziert, aus denen „Happiness“ besteht: „Dirty Old Man“, „The Junkie“ und „The Gunman (Satire of ’50s R&R)“.

Der Titel wurde von einer Schlagzeile in einem Waffenmagazin inspiriert, das George Martin Lennon gezeigt hatte und in der es hieß: „Happiness is a Warm Gun“ – eine Abwandlung des Bestsellers „Happiness Is a Warm Puppy“ von Charles Schulz, dem Zeichner der Peanuts-Comics, aus dem Jahr 1962. „Ich fand das eine fantastische, verrückte Aussage“, sagte Lennon. „Eine warme Waffe bedeutet, dass man gerade etwas erschossen hat.“

Die „Mother Superior“ in den Texten ist eine Anspielung auf Ono selbst

Lennon behauptete später, dass es in dem Song „überhaupt nicht um ‚H‘ ging“, aber der Drogenbezug ist überall zu spüren. Die „Junkie“-Sequenz in der Mitte des Songs („I need a fix ’cause I’m going down“) war der gesamte Inhalt seines ursprünglichen Demos, das im Mai 1968 aufgenommen wurde. Als der Song im September aufgenommen wurde, hatte Lennon bereits begonnen, Heroin zu nehmen – seitdem er und Yoko Ono in eine Londoner Wohnung gezogen waren, die Starr ihnen im Juli gemietet hatte. Die „Mother Superior“ in den Texten ist eine Anspielung auf Ono selbst, die Lennon „Mother“ nannte.

Zu diesem Zeitpunkt hatte „Happiness Is a Warm Gun in Your Hand“, wie der ursprüngliche Titel lautete, seine endgültige Form angenommen. Einige der surrealen Zeilen im ersten Abschnitt, „Dirty Old Man“, stammen aus einem Gespräch mit dem Pressesprecher von Apple, Derek Taylor, unter Drogeneinfluss: „Ate and donated to the National Trust“ (Aß und spendete an den National Trust) ist beispielsweise eine Anspielung auf Menschen, die auf öffentlichem Grund ihre Notdurft verrichten (ein häufiges Problem, mit dem Lennon beim Spazierengehen in und um Liverpool konfrontiert war), und die „velvet hand“ (samtige Hand) spielt auf einen Mann an, der Taylor erzählt hatte, dass das Tragen von Moleskinhandschuhen ihm „ein etwas ungewöhnliches Gefühl, wenn ich mit meiner Freundin unterwegs bin“. „Satire of ’50s R&R“ mit seiner klassischen Doo-Wop-Akkordfolge wurde aus einer ähnlichen Passage in Lennons Demo von „I’m So Tired“ modifiziert.

Die Beatles brauchten zwei Nächte und 70 Takes, um die kniffligen Tempowechsel von „Happiness“ zu meistern. McCartney war von dem Ergebnis besonders angetan und bezeichnete es als einen seiner Lieblingssongs auf dem „White Album“.

Erschienen auf: „The Beatles“.

23. „Abbey Road Medley“

• Autoren: McCartney-Lennon
• Aufgenommen: 6. Mai bis 18. August 1969
• Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
• Nicht als Single veröffentlicht

Die ursprüngliche Idee stammte von McCartney, aber George Martin behauptete, dass der endgültige Triumph der Beatles als Aufnahmegruppe – das acht Songs umfassende Medley, das die zweite Seite von „Abbey Road“ dominiert – zumindest teilweise sein Verdienst war. „Ich wollte John und Paul dazu bringen, sich ernsthafter mit ihrer Musik auseinanderzusetzen”, sagte der Produzent. „Paul war ganz begeistert von solchen Experimenten.“ Tatsächlich leitete McCartney die erste Session für diesen erweiterten Teil des Albums – am 6. Mai 1969 für „You Never Give Me Your Money“, seine trügerisch fröhliche Anklage gegen die geschäftlichen Alpträume bei Apple Corps.

Lennon war an dem Medley weit weniger interessiert, obwohl er einige seiner exzentrischsten Teile beigesteuert hatte, wie das spöttische „Mean Mr. Mustard“ und das schnelle, funkige „Polythene Pam“. Später bezeichnete er das Konzept im ROLLING STONE als „Müll“ und sagte, dass „keiner der Songs etwas miteinander zu tun hatte, es gab überhaupt keinen roten Faden, nur die Tatsache, dass wir sie aneinandergehängt hatten“.

„Wir haben zusammengehalten“, sagte McCartney stolz

In gewisser Weise hatte er Recht. Die 16-minütige Sequenz – die von „Money“ und dem üppigen Seufzer von Lennons „Sun King“ über McCartneys Heavy-Soul-Fragment „She Came in Through the Bathroom Window“ und das süße Wiegenlied „Golden Slumbers“ bis hin zu McCartneys berühmtem Rezept in „The End“ („Die Liebe, die du nimmst, ist gleich der Liebe, die du gibst“) – hat keinen narrativen Zusammenhang. Aber das Medley auf „Abbey Road“ ist das Beste, was die gereiften Beatles zu bieten haben: verspielt, sanft, bissig, eindringlich und durch die Musik verbunden. Ihre Harmonien sind hinreißend und komplex, die Gitarren selbstbewusst und schneidend.

„Wir haben zusammengehalten“, sagte McCartney stolz. „Auch wenn diese Unterströmung vorhanden war“ – eine Anspielung auf die Spannungen und Differenzen, die sie seit dem White Album auseinandergebracht hatten – „hatten wir selbst in den schlimmsten Zeiten noch großen Respekt voreinander.“

Die Beatles nahmen die einzelnen Teile des Medleys zu verschiedenen Zeitpunkten und in unterschiedlicher Reihenfolge während der Sessions für „Abbey Road“ im Juli und August 1969 auf. „Mean Mr. Mustard“ stammt aus dem Frühjahr 1968. Die anhaltende Hysterie der Beatlemania kam in „She Came in Through the Bathroom Window“ zum Ausdruck, das von einem übereifrigen Fan inspiriert war. Das emotionale Herzstück der Suite waren jedoch die finanziellen Probleme, die die Energie der Beatles aufzehrten und sie an den Rand des Bankrotts brachten.

„McCartney gab zu, dass „You Never Give Me Your Money“ „eine direkte Kritik an Allen Kleins Haltung war“

Lennon war maßgeblich an der Einstellung von Allen Klein, dem Business Manager der Rolling Stones, beteiligt, um die Bücher und das Chaos bei Apple Corps in Ordnung zu bringen; McCartney wollte, dass die Band Lee und John Eastman, seinen zukünftigen Schwiegervater und Schwager, engagierte. McCartney gab zu, dass „You Never Give Me Your Money“ „eine direkte Kritik an Allen Kleins Haltung uns gegenüber war – lauter Versprechungen, die nie eingehalten wurden“.

Später kehrte McCartney in „Golden Slumbers“ und „Carry That Weight“ (der Text des ersteren stammt aus einem 1603 veröffentlichten Wiegenlied) zum Thema Erschöpfung zurück. „Ich bin im Allgemeinen ziemlich optimistisch“, sagte er, „aber manchmal gehen mir die Dinge so sehr nahe, dass ich einfach nicht mehr optimistisch sein kann, und das war einer dieser Momente. ‚Carry that weight a long time’ – wie für immer!“
Der Austausch der Gitarrensoli in „The End“ war eine Idee der Band. Harrison dachte, ein Gitarrenbreak wäre ein guter Höhepunkt. Lennon schlug vor, dass er, Harrison und McCartney sich alle mit Licks abwechseln sollten. McCartney sagte, er würde anfangen.

Nach Starrs erstem und einzigem Schlagzeugsolo auf einer Beatles-Platte wurden die glühenden Round-Robin-Breaks – mit Harrison in der Mitte und Lennon am Ende – live in einem Take aufgenommen, ein letzter Ausbruch natürlicher Brüderlichkeit einer Band, die nur noch wenige Monate vor ihrer Trennung stand. „Ich wusste damals nicht, dass es die letzte Beatles-Platte sein würde, die wir machen würden“, sagte Harrison über Abbey Road. „Aber es fühlte sich an, als würden wir das Ende der Fahnenstange erreichen.“

„Aus der Asche all dieses Wahnsinns“, sagte Starr, „ist dieser letzte Abschnitt eines der besten Stücke, die wir jemals zusammengestellt haben.“

Erschienen auf: „Abbey Road“.

22. „Eleanor Rigby“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 28. und 29. April sowie 6. Juni 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• 8 Wochen; Nr. 11

Als McCartney „Eleanor Rigby“ zum ersten Mal seinem Nachbarn Donovan vorspielte, lautete der Text „Ola Na Tungee/Blowing his mind in the dark/With a pipe full of clay“ (Ola Na Tungee/Bläst ihm im Dunkeln den Verstand weg/Mit einer Pfeife voller Lehm). McCartney tüftelte so lange an den Texten herum, bis er schließlich zu der Zeile „Picks up the rice in a church where a wedding has been“ (Sammelt den Reis in einer Kirche, in der eine Hochzeit stattgefunden hat) kam. Da wurde ihm klar, dass er über einsame Menschen schrieb, und er verwandelte den Song in die Geschichte einer alten Jungfer, eines Priesters und wie sich ihre Leben bei ihrer Beerdigung kreuzen.

Es gibt widersprüchliche Geschichten darüber, wie McCartney auf den Namen für die Titelfigur gekommen ist. Laut McCartney kombinierte er den Vornamen von Eleanor Bron, der Hauptdarstellerin in „Help!“, mit einem Nachnamen, den er auf einem Schild in Bristol gesehen hatte: „Rigby & Evans Ltd, Wine & Spirit Shippers“. Lionel Bart, der Autor und Komponist von „Oliver!“, behauptete jedoch, dass sie bei einem Spaziergang mit McCartney auf dem Putney Vale Cemetery in London den Namen Eleanor Bygraves gesehen hätten und McCartney gesagt habe, er würde ihn in einem neuen Song verwenden.

Eleanor Rigby auf dem Friedhof von St. Peter’s im Liverpooler Vorort Woolton

Am faszinierendsten ist, dass in den 1980er Jahren der Grabstein einer Eleanor Rigby auf dem Friedhof von St. Peter’s im Liverpooler Vorort Woolton entdeckt wurde – nur wenige Meter von der Stelle entfernt, an der sich Lennon und McCartney 1957 nach einem Auftritt von Lennons Band The Quarry Men zum ersten Mal begegnet waren. „Es war entweder reiner Zufall oder in meinem Unterbewusstsein“, sagte McCartney.
Nachdem McCartney die Melodie auf dem Klavier in der Wohnung seiner Freundin Jane Asher geschrieben hatte, versammelte er Lennon, Harrison, Starr und Pete Shotton, Lennons Freund aus Kindertagen, in Lennons Haus in Weybridge, um den Text fertigzustellen.

Die Gruppe war sich über bestimmte Details dieser Session einig: Der Priester hieß ursprünglich „Father McCartney“, bis sie den Namen „McKenzie“ in einem Telefonbuch fanden; Starr steuerte die Zeile „darning his socks in the night“ (in der Nacht seine Socken stopfen) bei; und es war Shottons Idee, dass das Lied mit der Beerdigung endet, bei der alle Hauptfiguren zusammenkommen.

Darüber hinaus gaben Lennon und McCartney jedoch dramatisch unterschiedliche Versionen des Schreibprozesses wieder. „Der erste Vers stammt von ihm, der Rest ist im Wesentlichen von mir“, erzählte Lennon dem Journalisten David Sheff im Jahr 1980. „Es war Pauls Baby, und ich habe bei der Erziehung des Kindes geholfen.“ McCartney hingegen behauptete: „John hat mir bei ein paar Worten geholfen, aber ich würde sagen, dass 80 % von mir stammen.“ (Shotton sagte: „Meiner Erinnerung nach war Johns Beitrag praktisch gleich null.“)

Keiner der Beatles spielt tatsächlich ein Instrument in „Eleanor Rigby“

Keiner der Beatles spielt tatsächlich ein Instrument in „Eleanor Rigby“ – McCartney singt die doppelt aufgenommene Leadstimme, und Lennon und Harrison steuern Harmonien bei, aber die Musik wird vollständig von zwei Streichquartetten gespielt, arrangiert von George Martin. „Paul war nicht sofort von dem Konzept begeistert“, sagte Toningenieur Geoff Emerick. „Er hatte Angst, dass es zu süßlich klingen könnte.“

Als er sich mit der Idee einverstanden erklärte, sagte McCartney, er wolle, dass die Streicher „bissig“ klingen. Mit diesem Gedanken im Hinterkopf war Emerick entschlossen, den Klang der Bögen, die auf die Saiten schlagen, mit einer bisher bei keiner Aufnahme, weder im Klassik- noch im Rock’n’Roll-Bereich, gehörten Unmittelbarkeit einzufangen. Anstatt das Oktett mit einem einzigen Mikrofon aufzunehmen, mikrofonierte er jedes Instrument einzeln. „Ich habe die Streicher mit Nahmikrofonierung aufgenommen – wirklich nah“, sagte er. „So nah, dass die Musiker es hassten, weil man sehen konnte, wie sie sich immer wieder auf ihren Stühlen zurücklehnten, um sich vom Mikrofon zu entfernen, falls sie einen Fehler machten.“

McCartney sah den fertigen Track – eine Meditation über Einsamkeit und das Älterwerden, die sich von allem unterschied, was zu dieser Zeit im Radio zu hören war – als einen Durchbruch für sich als Songwriter. Später reflektierte er, dass er, als er „Eleanor Rigby“ schrieb, darüber nachgedacht hatte, was er nach seiner Zeit als Beatle beruflich machen könnte.

„Das könnte ein Weg sein, den ich einschlagen könnte“, erinnerte er sich an seine Gedanken. „Ich hatte eine klare Vorstellung von mir selbst in einer Jacke mit Fischgrätenmuster, Lederaufnähern an den Ellbogen und einer Pfeife. Ich könnte ein ernsthafter Schriftsteller werden, nicht so sehr ein Pop-Autor. Ja, das wäre eigentlich gar nicht so schlecht – im schrecklichen Alter von 30 Jahren.“

Erschienen auf: „Revolver“.

21. „All You Need Is Love“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 14., 19., 23., 24. und 25. Juni 1967
• Veröffentlicht: 17. Juli 1967
• 11 Wochen; Nr. 1

Voller kreativer Energie nach der Fertigstellung von „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ machten sich die Beatles sofort wieder an die Arbeit. Als sie eingeladen wurden, in der Fernsehsendung Our World aufzutreten – einer zweistündigen Show mit internationalen Künstlern, die am 25. Juni 1967 in 24 Ländern live übertragen werden sollte –, beschlossen sie, einen aufwendig orchestrierten neuen Titel zu schreiben: „All You Need Is Love“.

„[Beatles-Manager Brian Epstein] kam plötzlich herein und sagte, dass wir Großbritannien in einer weltumspannenden Live-Schaltung vertreten sollten“, erzählte George Martin. „Wir hatten weniger als zwei Wochen Zeit, um das auf die Beine zu stellen.“ Lennon nahm die Last-Minute-Anfrage gelassen: „Oh Gott, ist es schon so weit?“, sagte er ein paar Tage vor der Ausstrahlung. „Ich schätze, wir sollten besser etwas schreiben.“McCartney schrieb ebenfalls einen möglichen Song für diesen Anlass – höchstwahrscheinlich das Music-Hall-Liedchen „Your Mother Should Know“, aber es war offensichtlich, welcher Song besser geeignet war.

„Ich habe sie nie wirklich verstanden“

Die Beatles nahmen zuvor im Studio einen Rhythmus-Track auf (auf dem Harrison zum ersten Mal Violine spielte und Lennon Cembalo), aber sie sangen ihre Stimmen live in der Show, begleitet von einem Orchester und einem Chor, zu dem Mick Jagger, Keith Richards, Marianne Faithfull, Donovan und Keith Moon gehörten. Harrisons Gitarrensolo war ebenfalls live; für diesen Anlass bemalte er seine Stratocaster von Hand in psychedelischen Farben. Martins Arrangement spiegelte den internationalen Geist der Veranstaltung wider: Die Einleitung war ein Ausschnitt aus „La Marseillaise“, der französischen Nationalhymne, während die Coda Teile von Bachs „Brandenburgischem Konzert Nr. 2“, „Greensleeves“ Glenn Millers „In the Mood“ – und sogar einen improvisierten Refrain von „She Loves You“.

Der Hauptteil des Songs war täuschend einfach. „John hat ein unglaubliches Gespür für Timing“, sagte Harrison gegenüber ROLLING STONE. „‚All You Need Is Love‘ überspringt gewissermaßen Takte und wechselt ständig zwischen 3/4 und 4/4, hin und her.“ Der Text stellte für McCartney eine Herausforderung dar. „Der Refrain ist einfach, aber die Strophe [„Nothing you can do/But you can learn how to be you in time/It’s easy“] ist ziemlich komplex“, sagte er. „Ich habe sie nie wirklich verstanden.“

„All You Need Is Love“ war der erste Song von Lennon mit einem Titel, der auf der Madison Avenue hätte geschrieben werden können (wie später „Give Peace a Chance“ und „Power to the People“). „Ich mag Slogans“, sagte er. „Ich mag Werbung. Ich liebe das Fernsehen.“

Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“.

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20. „Please Please Me“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 11. September und 26. November 1962
• Veröffentlicht: 25. Februar 1963
• 13 Wochen; Nr. 3

„Es war eine Kombination aus Bing Crosby und Roy Orbison.“ So beschrieb Lennon die Inspiration für „Please Please Me“, die erste Single der Beatles, die Platz 1 der britischen Charts erreichte.

Lennon schrieb den Song im Haus seiner Tante Mimi. „Ich erinnere mich an den Tag und die rosa Bettdecke auf dem Bett“, sagte er Jahre später. „Und ich hörte Roy Orbison ‚Only the Lonely‘ oder so etwas singen. Daher kam die Idee. Und ich war schon immer fasziniert von den Worten ‚Please, lend your little ears to my pleas‘ [aus Crosbys Song ‚Please‘ von 1932].. Ich [liebte] die doppelte Verwendung des Wortes ‚please‘.“

„Wenn man sich den Song viel langsamer vorstellt, so wie John ihn geschrieben hat, hat er einfach alles“, sagte McCartney. „Die hohen Töne, alle Merkmale eines Roy-Orbison-Songs.“

„Please Please Me“ war einer der Songs, die die Beatles George Martin bei ihrer zweiten Aufnahmesession am 11. September 1962 in den EMI Studios vorspielten. Starr erinnerte sich: „Während wir den Song aufnahmen, spielte ich die Bassdrum mit einer Maraca in der einen Hand und einem Tamburin in der anderen“ – was laut Starr der Grund dafür war, dass Martin sich entschied, für „Love Me Do“, das sie ebenfalls an diesem Tag aufnahmen, einen Session-Drummer zu engagieren.

„Zunächst einmal war ihr Songwriting Mist“

Martin war von dem langsamen „Please Please Me“ nicht beeindruckt, das er als „eine Trauermelodie“ bezeichnete. Er schlug vor, den Song schneller zu spielen und das Arrangement aufzupeppen. Nicht, dass er zu diesem Zeitpunkt von ihren ursprünglichen Bemühungen im Allgemeinen beeindruckt gewesen wäre. „Zunächst einmal war ihr Songwriting Mist“, sagte Martin einmal. „Als ich die ersten Songs von ihnen hörte, dachte ich: ‚Oh Gott, wo soll ich nur einen guten Song für sie herbekommen?‘ Die erste Platte, die wir herausbrachten, war ‚Love Me Do‘ und ‚P.S. I Love You‘, die nicht gerade Cole Porter sind, oder?“

„Love Me Do“ wurde jedoch ein Hit, und die Beatles wurden zurück ins Studio bestellt, um an einem Nachfolger zu arbeiten. Als sie am 26. November nach Abbey Road zurückkehrten, wollte Martin, dass sie einen Song von Mitch Murray namens „How Do You Do It“ veröffentlichten. Die Beatles versuchten ihn davon zu überzeugen, dass sie stattdessen einen eigenen Song aufnehmen sollten, aber der Produzent fand, dass keiner ihrer Songs so gut war wie der von Murray. (Martin wurde in gewisser Weise bestätigt, als Gerry and the Pacemakers im folgenden Jahr mit „How Do You Do It“ einen Nummer-1-Hit landeten.) Sie schlugen „Please Please Me“ vor und fügten hinzu, dass sie Martins Rat befolgt, das Tempo beschleunigt und eine Mundharmonika-Stimme hinzugefügt hatten, die Harrisons Gitarrenriff zu Beginn imitierte.

Die neue Version von „Please Please Me“ hatte eine unwiderstehliche Energie und eine aggressive Sexualität

Die Beatles wussten, dass sie Neuland betreten hatten. „Wir haben das Tempo erhöht, und plötzlich war da dieser schnelle Beatles-Spirit“, sagte McCartney. Lennon sagte später: „Als die Session kam, waren wir so glücklich, dass wir es gar nicht schnell genug aufnehmen konnten.“ Starrs gleichmäßiger, treibender Backbeat veranlasste Martin zuzugeben, dass er sich in Bezug auf die Fähigkeiten des Schlagzeugers geirrt hatte.

Die neue Version von „Please Please Me“ hatte eine unwiderstehliche Energie und eine aggressive Sexualität. (Vielleicht zu aggressiv – Capitol Records wollte die Single nicht in Amerika veröffentlichen, weil einige, die den Song gehört hatten, den Text als Ode an Oralsex interpretierten, und so veröffentlichte schließlich das Label Vee-Jay aus Chicago „Please Please Me“). Als die Band den Track fertig aufgenommen hatte, verkündete Martin über die Studio-Sprechanlage: „Meine Herren, ich glaube, ihr habt eure erste Nummer eins.““

Er hatte Recht: „Please Please Me“ war der erste von vier aufeinanderfolgenden Nummer-Eins-Hits der Band und löste in Großbritannien die Beatlemania aus. Die Single verkaufte sich so gut, dass Brian Epstein die Beatles von ihrer Tournee abholte, um ihr Debütalbum aufzunehmen – was sie in drei dreistündigen Sessions am 11. Februar 1963 taten und am nächsten Tag zu ihrer Tournee zurückkehrten – mit dem Titel „Please Please Me“, nach ihrem aktuellen Smash-Hit.

„Das sollte gut laufen“

Die größte Anerkennung für den Song kam jedoch möglicherweise von Lennons Tante Mimi, die nach „Love Me Do“ noch nicht davon überzeugt war, dass die Band ihres Neffen eine große Zukunft haben würde. Dann hörte sie „Please Please Me“. „Das ist schon besser“, sagte sie zu Lennon. „Das sollte gut laufen.“

Erschienen auf: „Please Please Me“.

19. „Lucy in the Sky With Diamonds“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 28. Februar bis 2. März 1967
• Veröffentlicht: 2. Juni 1967
• Nicht als Single veröffentlicht

Lennon bestand immer darauf, dass „Lucy in the Sky With Diamonds“ kein Drogensong sei. Wie er 1970 gegenüber ROLLING STONE erklärte: „Ich schwöre bei Gott oder bei Mao oder bei wem auch immer Sie wollen, ich hatte keine Ahnung, dass das für LSD steht.“ Die Inspiration war ein Bild, das sein vierjähriger Sohn Julian von Lucy O’Donnell gemalt hatte, dem Mädchen, das in der Schule neben ihm saß. „Er hatte ein paar Sterne am Himmel gemalt und das Bild ‚Lucy in the Sky With Diamonds‘ genannt“, erzählte Lennon. „Ganz einfach.“

Lennon zeigte McCartney das Bild eines Morgens beim Tee, und sie beschlossen, dass der Titel zu gut war, um ihn nicht zu verwenden. Der Song ist geprägt von Lennons Vorliebe für kindliche Fantasie, wie in „Through the Looking-Glass.“ Lennon kam auf die Idee mit den „Kaleidoskop-Augen“, McCartney auf die „Cellophan-Blumen“ und „Zeitungs-Taxis“, und schon bald hatten sie einen psychedelischen Kinderreim mit Wortspielen, die Lewis Carroll würdig waren. „Die Bilder stammen aus Alice im Wunderland“, sagte Lennon 1980. „Es war Alice im Boot. Sie kauft ein Ei, und es verwandelt sich in Humpty Dumpty. Die Frau, die im Laden bedient, verwandelt sich in ein Schaf, und im nächsten Moment rudern sie irgendwo in einem Ruderboot, und ich habe mir das vorgestellt.”

„Es gab auch das Bild der Frau, die mich eines Tages retten würde“

In der Villa in Weybridge, wo er den Song schrieb, verbrachte Lennon die meiste Zeit allein, fühlte sich in seiner zerbrechenden Ehe taub, sah fern und nahm Drogen. „Lucy in the Sky With Diamonds“ war ein Bild der Hoffnung. Wie er 1980 erklärte: „Es gab auch das Bild der Frau, die mich eines Tages retten würde – ein ‚Mädchen mit kaleidoskopartigen Augen‘, das aus dem Himmel kommen würde. Es stellte sich heraus, dass es Yoko war, obwohl ich Yoko noch nicht kennengelernt hatte. Vielleicht sollte es also ‚Yoko in the Sky With Diamonds‘ heißen.“

Leider starb Lucy selbst im September 2009 im Alter von 46 Jahren an Lupus. Julian Lennon würdigte seine ehemalige Klassenkameradin wenige Wochen später mit der Veröffentlichung einer Benefiz-Single mit dem Titel „Lucy“. (Julians Originalzeichnung von „Lucy“ befindet sich derzeit im Besitz von Pink-Floyd-Gitarrist David Gilmour.) Als sie als Teenager zum ersten Mal „Lucy in the Sky With Diamonds“ hörte, erzählte sie ihren Freunden, dass sie die Lucy sei, die den Song inspiriert habe. Aber sie glaubten ihr nicht und sagten ihr, dass der Song von LSD handele. Lucy widersprach ihnen nicht, weil es ihr, wie sie zugab, „zu peinlich war, ihnen zu sagen, dass ich nicht wusste, was LSD ist“.

Erschienen auf: „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“.

18. „Tomorrow Never Knows”

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 6., 7. und 22. April 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

Der letzte und experimentellste Track auf „Revolver“ war der erste, der aufgenommen wurde: Lennons schnelle, begeisterte Reaktion auf die großartige Flucht des LSD. Im Acid fand Lennon seine erste echte Erlösung von der realen Welt und dem Ruhm der Band – einen alternativen Raum der Verzückung und Selbstreflexion, den er mit der energiegeladenen Zusammenarbeit der anderen Beatles in „Tomorrow Never Knows“ neu schuf. Plötzlich waren der poetische Fortschritt und der rustikale Modernismus von „Rubber Soul“ – das nur fünf Monate vor diesen Sessions, im Dezember 1965, veröffentlicht worden war – längst Geschichte.

Im Vergleich zu den rollenden Drone-, Tape-Loop-Effekten und außerkörperlichen Vocals, die Lennons Trip hier dominieren, klingt sogar der Rest von Revolver wie eine Mutation im Entstehen: Die Beatles folgten ihren befreiten Impulsen als Musiker und Songwriter, mittels Acid, in Form von Popsongs. Es gab keinen anderen Platz für diesen Track auf dem Album als das Ende. „Eleanor Rigby”, „I’m Only Sleeping”, „Love You To” und „She Said She Said” waren allesamt mutige Schritte ins Unbekannte – „Tomorrow Never Knows” war der Sprung von der Klippe.

Arbeitstitel: „The Void“

Die Kunst des Samplings in der Popmusik könnte tatsächlich hier ihren Anfang genommen haben. Im Januar 1966, während eines Trips, konsultierte Lennon vorsichtshalber „The Psychedelic Experience“, ein Handbuch, das vom LSD-Prediger Timothy Leary (zusammen mit Richard Alpert und Ralph Metzner) geschrieben wurde. Das Buch selbst war eine ausführliche Paraphrase buddhistischer Konzepte, darunter Reinkarnation und Egotod, aus „The Tibetan Book of the Dead“. Lennon ließ ein Tonband laufen und las Passagen aus „The Psychedelic Experience,“ während er auf seinem Trip war. Bald darauf schrieb er einen Song, in dem er einige der tatsächlichen Zeilen von Leary verwendete, darunter dessen Beschreibung des Zustands der Gnade jenseits der Realität. Lennon verwendete dies sogar als Arbeitstitel: „The Void“.

Die Beatles brachten ihn mit außergewöhnlicher Geschwindigkeit dorthin. Sie brauchten nur drei Anläufe, um eine Master-Aufnahme des Rhythmus-Tracks zu erstellen, angetrieben von Starrs unerbittlichem Schlagzeugspiel. McCartney schlug das von Starr verwendete Tumbling-Muster vor. Die meisten der jenseitigen Overdubs wurden in der Nacht vom 6. April und am Nachmittag des 7. April erstellt und aufgenommen – insgesamt etwa 10 Stunden.

Es gibt nichts in „Tomorrow Never Knows“ – das rückwärts abgespielte Gitarrensolo, Harrisons schwebendes Sitar-Summen, Lennons Stimme, die auf der anderen Seite des Bewusstseins zu schweben scheint –, das nicht bis zur Unkenntlichkeit dosiert wurde. Der spacige, tablaähnliche Klang von Starrs Schlagzeug entstand einfach dadurch, dass er auf zwei locker gestimmten Tomtoms spielte, die komprimiert und mit Echo überlagert wurden. Die Loops wurden mit einem Mellotron erzeugt, das Flöten- und Streichertöne imitierte; die kichernden Möwengeräusche waren entweder eine veränderte Aufnahme von McCartneys Lachen oder ein bearbeiteter Gitarrenausschnitt.

Eine Kombination aus Himmel und Erde: ein üppiges und wellenförmiges Gebet

Lennon wollte auf keinen Fall wie er selbst klingen. „Ich möchte, dass meine Stimme wie die des Dalai Lama klingt, der von einem Berggipfel aus singt, meilenweit entfernt“, verkündete er im Studio. Der Toningenieur Geoff Emerick erzielte diesen Effekt, indem er Lennons Stimme durch den rotierenden Lautsprecher eines Leslie-Gehäuses laufen ließ, das an die Hammond-Orgel in Abbey Road angeschlossen war. Das Ergebnis war eine Kombination aus Himmel und Erde: ein üppiges und wellenförmiges Gebet, vorgetragen in Lennons nasaler Liverpooler Hard-Boy-Stimme. „Das ist verdammt großartig!“, rief Lennon wiederholt aus, nachdem er den Effekt gehört hatte. McCartneys Reaktion war ebenso freudig: „Das ist der Dalai Lennon!“

Ironischerweise war der Song bis zum letzten Overdub am 22. April in den Abbey Road-Aufnahmeunterlagen unter einem anderen Arbeitstitel aufgeführt: „Mark 1“. Starr hatte sich etwas viel Besseres ausgedacht. Wie „A Hard Day’s Night“ war auch „Tomorrow Never Knows“ einer der Wortfehler des Schlagzeugers. Der Satz kommt in Lennons Text nicht vor. Starr meinte natürlich „tomorrow never comes“ (morgen kommt nie). Er irrte sich: Es kam, mit Hall und Technicolor, mit ekstatischer Verheißung, am Ende von Revolver.

Erschienen auf: „Revolver“.

17. „Ticket to Ride“

• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 15. Februar 1965
• Veröffentlicht: 19. April 1965
• 11 Wochen; Nr. 1

Lennon behauptete einmal, dass „Ticket to Ride“ – der erste Titel, den die Beatles am 15. Februar 1965 für den Soundtrack zu ihrem zweiten Spielfilm „Help“! aufgenommen hatten – „eine der frühesten Heavy-Metal-Platten“ sei. „Es war damals ein etwas neuer Sound, weil es für die damalige Zeit verdammt heavy war“, sagte Lennon 1970 gegenüber ROLLING STONE. „Wenn man sich die Charts ansieht, um zu sehen, was andere Musiker damals gemacht haben, und man hört es sich heute an, klingt es gar nicht so schlecht. Es ist alles da, es ist ein heavy Song. Und die Drums sind auch heavy. Deshalb mag ich ihn.“

Nachdem Lennon auf „A Hard Day’s Night“ und „Beatles for Sale“ hauptsächlich Akustikgitarre gespielt hatte, griff er für „Ticket to Ride“ zur E-Gitarre. Ein klingendes 12-saitiges Riff leitet den Song mit einer psychedelischen Melodie ein, und die Gitarren stolzieren und knirschen durch die Strophen über Starrs knirschendem Groove. Der Sound wurde wahrscheinlich von Bands wie den Rolling Stones, den Who und den Kinks inspiriert, die zu dieser Zeit alle aus Großbritannien hervorgingen. Aber die Beatles waren der Konkurrenz immer noch voraus.

Zwischen Ambivalenz und Verzweiflung

„Ticket to Ride“ war die erste Beatles-Aufnahme, die die Drei-Minuten-Marke durchbrach, und Lennon füllte den Track mit wilden Stimmungsschwankungen. Sein Gesang und seine Texte schwanken in den Strophen zwischen Ambivalenz und Verzweiflung. Die Bridge ist ein kraftvoller Ausbruch von Empörung im Doppeltakt („She oughta think right/She oughta do right/By me“). Eine weitere Überraschung kam im Fade-Out, einer völlig anderen Melodie und einem anderen Rhythmus mit der wiederholten Zeile „My baby don’t care“, gesungen von Lennon in der höchsten, betonten Lage seines Stimmumfangs. „Wir haben fast die Idee eines neuen Teils eines Songs im Fade-out erfunden“, sagte McCartney, der auch den spiralförmigen Leadgitarrenpart in der Coda spielte. „Das war damals ziemlich radikal.“

Die Beatles sahen das Aufnehmen von Platten nun als Ziel an sich – und nicht nur als Dokumentation eines Songs – und änderten ihre Herangehensweise an das Aufnehmen, als sie sich mit den Möglichkeiten des Studios immer besser vertraut machten. Anstatt Songs so aufzunehmen, wie sie sie live spielen würden, den besten Take auszuwählen und dann Harmonien oder Soli zu überlagern, begann die Band nun in der Regel mit einer Rhythmus-Spur und baute langsam ein Arrangement darum herum auf.

In Anbetracht dessen „Ticket to Ride“ fast keine Zeit für die Aufnahme benötigte: Der gesamte Track, einschließlich der Overdubs, war in etwas mehr als drei Stunden fertig. „Es war im Grunde genommen eine Arbeitsaufgabe, die ziemlich gut ausgegangen ist“, sagte McCartney. „Ticket to Ride“ wurde praktisch zu ihrem neuen Titelsong: Der Titel ihrer letzten BBC-Radiosendung wurde in „The Beatles (Invite You to Take a Ticket to Ride)“ geändert.

„Pauls Beitrag war die Art, wie Ringo Schlagzeug spielte“

Lennon behauptete stets, dass McCartneys Beitrag zum Song minimal gewesen sei – „Pauls Beitrag war die Art, wie Ringo Schlagzeug spielte“ –, während McCartney behauptete, dass „wir uns hingesetzt und ihn gemeinsam geschrieben haben“ in einer dreistündigen Session in Lennons Haus in Weybridge. Das könnte die unterschiedlichen Geschichten über die Herkunft des Titels erklären: Eine naheliegende Erklärung ist, dass er sich auf eine Zugfahrkarte bezieht. (Als die Beatles im November 1965 verspätet einen Werbeclip für den Song drehten, sangen sie den Song vor einer Kulisse aus riesigen Fahrkarten zum Lippensynchronisieren). Don Short, ein britischer Zeitungsjournalist, der mit den Beatles reiste, behauptete jedoch, dass der Titel auf die Zeit der Band im Rotlichtviertel von Hamburg zurückgeht.

„Die Mädchen, die in Hamburg auf der Straße arbeiteten, mussten einen sauberen Gesundheitszustand nachweisen, und so gaben ihnen die Gesundheitsbehörden eine Karte, auf der stand, dass sie keine Krankheiten hatten“, sagte er. „John erzählte mir, dass er den Ausdruck ‚a ticket to ride‘ geprägt habe, um diese Karten zu beschreiben.“ McCartney hatte eine unschuldigere Erklärung: Er sagte, es sei ein Wortspiel mit dem Namen der Stadt Ryde auf der Isle of Wight. Eine weitere Möglichkeit: An dem Tag, an dem die Beatles „Ticket to Ride“ aufnahmen, bestand Lennon seine Führerscheinprüfung.

Erschienen auf: „Help!“.

16. „I Saw Her Standing There“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 11. Februar 1963
• Veröffentlicht: 26. Dezember 1963
• 11 Wochen; Nr. 14 (B-Seite)

Als McCartney 1962 eines Abends auf der Fahrt zu seinem Haus in Liverpool begann, den Song zu schreiben, der später „I Saw Her Standing There” wurde, lautete die erste Strophe, die ihm einfiel: „She was just 17/She’d never been a beauty queen” (Sie war gerade 17/Sie war nie eine Schönheitskönigin). Als er den Song jedoch am nächsten Tag Lennon vorspielte, „blieben wir stehen und zuckten beide zusammen und sagten: ‚Nein, nein, nein, „Schönheitskönigin“ kommt nicht in Frage‘“, erinnerte sich McCartney. „Wir gingen das Alphabet durch: between, clean, lean, mean. . . .“ Schließlich einigten sie sich auf „you know what I mean“, was gut war, sagte er, „weil du nicht weißt, was ich meine“.

Obwohl Lennons genauer Beitrag unklar ist („Ich habe bei ein paar Texten geholfen“, sagte er), ist „I Saw Her Standing There“ einer der Songs, die die Songwriting-Partnerschaft zwischen Lennon und McCartney weiter festigten. Ein Foto von McCartneys Bruder Mike aus dem September 1962 zeigt die beiden im Wohnzimmer von Pauls Haus, wie sie mit Akustikgitarren vor sich sitzen und arbeiten, Lennon mit der Brille, die er hasste, und Texte in ein Notizbuch des Liverpool Institute kritzelnd. McCartney schrieb den Song auf seiner Zenith-Akustikgitarre, der ersten Gitarre, die er jemals besaß.

Unter dem Titel „Seventeen“ wurde der Song 1962 Teil des Live-Programms der Beatles

Die ursprüngliche Inspiration für den Song war McCartneys damalige Freundin, die Tänzerin Iris Caldwell, die tatsächlich 17 Jahre alt war, als er sie im Dezember 1961 zum ersten Mal beim Twist tanzen sah – in Netzstrümpfen – im Tower Ballroom in New Brighton. „Paul und ich waren ein paar Jahre lang zusammen“, sagte Caldwell. „Es war nie wirklich ernst. Wir haben nie vorgegeben, einander treu zu sein. Ich bin mit vielen Leuten ausgegangen. Ich habe damals in verschiedenen Theatern gearbeitet, aber wenn ich zu Hause war, sind wir ausgegangen. Es gab nie irgendwelche Versprechen oder Liebesbekundungen.“

Caldwells Bruder war der Liverpooler Rocker Rory Storm, Frontmann der Hurricanes, deren Schlagzeuger Ringo Starr die Band im August 1962 verließ, um sich den Beatles anzuschließen. Caldwell sagte, dass McCartney „I Saw Her Standing There“ eigentlich Storm geben wollte, aber Brian Epstein redete ihm das aus.

Unter dem Titel „Seventeen“ wurde der Song 1962 Teil des Live-Programms der Beatles. Auf der Bühne dauerte das Stück manchmal 10 Minuten und enthielt mehrere Gitarrensoli. McCartney übernahm die kraftvolle Basslinie aus Chuck Berrys Single „I’m Talking About You“ von 1961, einem festen Bestandteil der Konzerte der Band. „Ich spielte genau die gleichen Noten wie er, und es passte perfekt zu unserem Song“, sagte McCartney.
Als es für die Beatles an der Zeit war, ihr erstes Album „Please Please Me“ aufzunehmen, erwog George Martin, sie live aufzunehmen, möglicherweise vor dem heimischen Publikum der Gruppe im Cavern Club.

Harrisons erstes Gitarrensolo

Obwohl er sich stattdessen entschied, sie in den EMI-Studios in der Abbey Road aufzunehmen, wählten sie eine Songliste, die repräsentativ für die Live-Shows der Band war. Um die Stimmung einzustimmen, beginnt das Album mit McCartneys feurigem „Eins-zwei-drei-faw!“ Countdown in „I Saw Her Standing There“. Die Beatles untermalten den Song, eine wahre Hymne an die Jugend, mit Handklatschen und den beschwingten ooohs, die später auch auf Singles wie „She Loves You“ zu hören waren.

Der Song, der auch Harrisons erstes Gitarrensolo auf einer Beatles-Platte enthält, wurde als B-Seite für die Single „I Want to Hold Your Hand“ ausgewählt, die in Amerika die Charts anführte. Er war auch einer der fünf Songs, die die Beatles am 9. Februar 1964 in der Ed Sullivan Show vor 73 Millionen Fernsehzuschauern aufführten.

Es sollte der letzte Song sein, den John Lennon jemals in einem Konzert spielte

Lennon beschrieb „I Saw Her Standing There“ als „Pauls gewohnt gute Arbeit, die George Martin als ‚Potboiler‘ bezeichnen würde“, aber der Song sollte in seinem späteren Leben eine größere Bedeutung erlangen. 1974 schlossen Lennon und Elton John eine Wette ab: Wenn Lennons „Whatever Gets You Thru the Night“, bei dem John den Hintergrundgesang und das Klavier übernahm, auf Platz eins landete, würde Lennon mit ihm auf der Bühne stehen. Als der Song Lennons erster Solo-Hit wurde, hielt er sein Versprechen und trat am 28. November mit John in der Madison Square Garden in New York auf.

Vor dem letzten Song sagte Lennon: „Wir dachten, wir spielen einen Song von einem alten, entfremdeten Verlobten von mir namens Paul“, und sie beendeten den Abend mit einer ausgelassenen Version von „I Saw Her Standing There“. „Ich wollte einfach nur Spaß haben und Rock ‚n‘ Roll spielen“, sagte Lennon danach. Es sollte der letzte Song sein, den John Lennon jemals in einem Konzert spielte.

Erschienen auf: „Please Please Me“.

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15. „Help!“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 13. April 1965
• Veröffentlicht: 19. Juli 1965
• 13 Wochen; Nr. 1

„Help!“ wurde als Titelsong für den zweiten Film der Fab Four geschrieben – eine verrückte Actionkomödie, die ursprünglich für Peter Sellers konzipiert war. Aber die Verzweiflung in dem Song war echt. „Ich habe es ernst gemeint“, sagte Lennon 1970 gegenüber ROLLING STONE (insbesondere Zeilen wie „And now my life has changed in oh-so-many ways/My independence seems to vanish in the haze“). „Die ganze Beatles-Sache war einfach unfassbar.“

1965 war Lennon erschöpft von den ununterbrochenen Tourneen, Aufnahmen und Dreharbeiten der Beatles. Wenn er nicht auf Tour war, fühlte sich Lennon in seinem Anwesen außerhalb Londons mit seiner Frau Cynthia und seinem kleinen Sohn Julian gefangen. „Cynthia wollte John zur Ruhe bringen, mit Pfeife und Pantoffeln“, sagte McCartney. „In dem Moment, als sie mir das sagte, dachte ich: ‚Der Todeskuss.‘ Ich kenne meinen Kumpel, und das ist nicht das, was er will.“ Laut Harrison fühlte sich Lennon auch „paranoid“ wegen seines Aussehens. „Es war meine Fat-Elvis-Phase“, sagte Lennon. „Ich habe gegessen und getrunken wie ein Schwein. Ich war deprimiert und schrie nach Hilfe.“

Lennon schrieb den größten Teil von „Help!“ allein

McCartney hingegen nutzte das Swinging London in vollen Zügen, ging mit Jane Asher aus – einer schönen jungen Schauspielerin aus einer prominenten Familie, die ihn in die High Society einführte – und traf sich nebenbei mit anderen Mädchen. John „war sehr eifersüchtig auf [mich], weil er das nicht konnte“, sagte McCartney Jahre später. „Es gab Risse [in Lennons Leben mit Cynthia], aber er konnte sie nur überdecken, indem er zu Hause blieb und sich betrank.“

Lennon schrieb den größten Teil von „Help!“ allein in seinem Anwesen und bat dann McCartney, ihm bei der Fertigstellung zu helfen, was sie in ein paar Stunden bei einer ihrer regelmäßigen Songwriting-Sessions in Lennons Musikzimmer im Obergeschoss taten. Lennon schrieb „Help!“ ursprünglich als Midtempo-Ballade, aber die Beatles beschlossen, das Arrangement im Studio aufzupeppen, mit Harrisons Surf-Gitarren-Licks, Starrs donnernden Tom-Toms und den umgekehrten Call-and-Response-Vocals, die zum Markenzeichen des Songs werden sollten. „Ich mag die Aufnahme nicht so sehr“, gestand Lennon. „Wir haben es zu schnell gemacht, um kommerziell erfolgreich zu sein.“

Auch das Drehen von Filmen machte nicht mehr so viel Spaß wie früher. „Der Film lag außerhalb unserer Kontrolle“, erzählte Lennon dem Playboy. „’Bei A Hard Day’s Night‘ hatten wir viel Einfluss und es war halbwegs realistisch. Aber bei Help! hat uns [Regisseur] Dick Lester nicht gesagt, worum es überhaupt ging.“

„Wir haben in dieser Zeit zum Frühstück Marihuana geraucht“

Die Beatles gaben alle zu, dass es wahrscheinlich nicht die Schuld des Regisseurs war, dass die Band so wenig Einfluss hatte. „Während der Dreharbeiten wurde verdammt viel Gras geraucht“, sagte Starr. „Wenn man sich Bilder von uns ansieht, sieht man viele rote Augen; sie waren rot von dem Gras, das wir geraucht haben.“

„Wir haben in dieser Zeit zum Frühstück Marihuana geraucht“, sagte Lennon. „Niemand konnte mit uns kommunizieren. Wir hatten alle glasige Augen und kicherten die ganze Zeit. Wir waren in unserer eigenen Welt.“

Erschienen auf: „Help!“.

14. „She Loves You“

• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 1. Juli 1963
• Veröffentlicht: 16. September 1963
• 15 Wochen; Nr. 1

Am Nachmittag des 1. Juli 1963 wollten die Beatles gerade „She Loves You“ in den EMI-Studios aufnehmen, als die Hölle losbrach. Geoff Emerick – damals Assistent bei Abbey Road, später Toningenieur der Beatles – erinnert sich: „Die riesige Menge von Mädchen, die sich draußen versammelt hatte, stürmte durch die Eingangstür. … Dutzende hysterischer, schreiender Mädchen rannten durch die Flure und wurden von einer Handvoll außer Atem geratener, bedrängter Londoner Polizisten verfolgt.“ Die Störung war für die Beatles vielleicht ein Glücksfall, denn sie schrieben prompt eine der ausgelassensten Pop-Singles aller Zeiten. „[Das Chaos] trug dazu bei, eine neue Energie in das Spiel der Gruppe zu bringen“, schrieb Emerick.

Lennon und McCartney begannen „She Loves You“ in einem Tourbus zu schreiben und erledigten dann den Großteil der Arbeit im Turk’s Hotel in Newcastle, wo sie mit ihren Akustikgitarren auf zwei Einzelbetten saßen. Der Durchbruch in den Texten war die Einführung einer dritten Person, die die typische „Ich liebe dich“-Formel aufbrach. Die Variation wurde von Bobby Rydells „Forget Him“ inspiriert, einem Hit in Großbritannien. „Es war jemand, der eine Botschaft überbrachte“, sagte McCartney. „Es waren nicht mehr wir. Wir haben es geschafft, ein wenig Distanz hineinzubringen, was ziemlich interessant war.“

Sie vollendeten „She Loves You“ in McCartneys Haus in Liverpool

Dennoch fehlte noch etwas. „Wir hatten den Song geschrieben und brauchten noch mehr“, sagte Lennon, „also hatten wir ‚yeah, yeah, yeah‘ und das kam gut an. Ich weiß nicht genau, woher wir das hatten – Lonnie Donegan hat das immer gemacht. Elvis hat das in ‚All Shook Up‘ gemacht.“
Sie vollendeten „She Loves You“ in McCartneys Haus in Liverpool. Als sein Vater den Song hörte, sagte er: „Sohn, es gibt schon genug Amerikanismen. Könntest du nicht einmal ‚Yes, yes, yes‘ singen?“ McCartney antwortete: „Du verstehst das nicht, Dad. Das würde nicht funktionieren.“

Trotz der rohen Unmittelbarkeit seines Sounds signalisierte der Song auch eine neue Ebene der Raffinesse für die Band als Songwriter und Arrangeure. „She Loves You“ beginnt mit dem Refrain statt mit der ersten Strophe, um zusätzliche Wirkung zu erzielen – ein Vorschlag von George Martin. Der letzte Schliff war der markante Akkord, der den Refrain beendet – Harrisons Idee –, der Martin „kitschig“ erschien. „Er dachte, wir würden scherzen“, sagte McCartney. „Aber ohne diesen Akkord funktionierte es nicht, also behielten wir ihn bei und schließlich war [er] überzeugt.“

Der Auftritt der Beatles in der ITV-Sendung Sunday Night at the London Palladium am 13. Oktober 1963, der in der Darbietung des Songs „She Loves You“ gipfelte, wird oft als Wendepunkt der Beatlemania angesehen. Die Beatles feierten im Laufe der 1960er Jahre einen Triumph nach dem anderen, aber in Großbritannien blieb „She Loves You“ die meistverkaufte Single des Jahrzehnts.

Erschienen auf: „Past Masters“.

13. „Revolution“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 10. und 11. Juli 1968
• Veröffentlicht: 26. August 1968
• 11 Wochen; Nr. 12 (B-Seite)

Im Frühjahr 1968 tobte der Vietnamkrieg, Martin Luther King Jr. wurde ermordet, und Streiks und Studentenproteste in Paris brachten die französische Regierung in die Knie. Als die Beatles – die seit langem offen Kritik am Vietnamkrieg übten – Ende Mai in die Abbey Road Studios kamen, um das „White Album“ aufzunehmen, war das erste, was sie aufnahmen, „Revolution”, der erste explizit politische Song, den die Band jemals veröffentlicht hatte. „Ich wollte meine Gefühle zur Revolution zum Ausdruck bringen“, sagte Lennon 1970 gegenüber ROLLING STONE.

„Ich dachte, es sei an der Zeit, dass wir verdammt noch mal darüber sprechen. Genauso wie wir aufgehört hatten, Fragen zum Vietnamkrieg zu vermeiden, als wir mit Brian [Epstein] auf Tour waren. Wir mussten ihm sagen: ‚Dieses Mal werden wir über den Krieg sprechen, und wir werden nicht nur herumdrucksen.‘“

Die erste Version von „Revolution“, die die Beatles aufnahmen, war ein langsamer, bluesiger Shuffle, der schließlich zu „Revolution 1“ wurde. (Die letzten sechs Minuten des Master-Takes waren ein bedrohlicher Jam, der abgeschnitten wurde und schließlich zu „Revolution 9“ wurde.) Am 10. Juli kehrten sie zu „Revolution“ zurück, um eine energiegeladene elektrische Version aufzunehmen – die bekannteste Version des Songs, die schließlich als B-Seite von „Hey Jude“ landete.

Es war die rockigste Performance, die die Beatles jemals aufgenommen hatten, von Lennons sengender Gitarreneinleitung (eine Anspielung auf Pee Wee Craytons Blues-Single „Do Unto Others“ aus dem Jahr 1954) bis zum letzten Schrei. „John wollte einen wirklich verzerrten Sound“, sagte Toningenieur Phil McDonald. „Die Gitarren wurden über das Mischpult geleitet, was technisch gesehen nicht richtig war. Das überlastete den Kanal komplett. Glücklicherweise haben die Techniker das nicht bemerkt. Sie hätten einen ‚Missbrauch der Ausrüstung‘ nicht gutgeheißen.“

Ambivalenz als „Verrat”

Der entscheidende Unterschied im Text zwischen den beiden Versionen war ein einziges Wort. „Revolution 1“ enthielt die Zeile „When you talk about destruction/Don’t you know that you can count me out . . . in.“ (Wie McCartney bemerkte: „John hat sich nur absichern wollen, um alle Eventualitäten abzudecken.“) Als die Beatles jedoch die Single-Version aufnahmen, war es ein eindeutiges „count me out”. Während die Mainstream-Medien Lennons Haltung lobten – „Time“ begrüßte die Kritik des Songs an „radikalen Aktivisten auf der ganzen Welt” –, war die extreme Linke unbeeindruckt. Das Magazin Ramparts bezeichnete seine Ambivalenz als „Verrat”.

„Der Text gilt auch heute noch”, sagte Lennon 1980. „Sie entsprechen immer noch meiner Einstellung zur Politik: Ich möchte den Plan sehen. . . . Ich möchte wissen, was ihr nachdem ihr alles niedergerissen habt, tun werdet. Ich meine, können wir nicht etwas davon nutzen? Was bringt es, die Wall Street zu bombardieren? Wenn ihr das System ändern wollt, dann ändert das System. Es bringt nichts, Menschen zu erschießen.“

Erschienen auf: „Past Masters“.

12. „Norwegian Wood (This Bird Has Flown)“

• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 12. und 21. Oktober 1965
• Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

„Norwegian Wood“ hatte eine zeitlose Rock-‚n‘-Roll-Inspiration: Sex. Wie Lennon es unverblümt ausdrückte: „Ich habe versucht, über eine Affäre zu schreiben, ohne dass meine Frau davon erfährt. Ich habe aus meinen Erfahrungen geschrieben, über Wohnungen von Mädchen und solche Dinge.“ Mit Harrisons Sitar war „Norwegian Wood“ ein großer Schritt nach vorne für die Beatles, die sich weiterhin in Richtung introspektiverer Songtexte bewegten, die von Bob Dylan beeinflusst waren.

Lennon beginnt mit einem Couplet, das die übliche Rock-‚n‘-Roll-Prahlerei auf den Kopf stellt: „Ich hatte einmal eine Freundin/Oder sollte ich sagen, sie hatte einmal mich.” Er erzählt von einer nächtlichen Affäre mit einer weltgewandten Großstadtfrau, die in ihrer eigenen Wohnung lebt, ihre eigene Karriere hat und Herren zum Wein einlädt. Sie unterscheidet sich sehr von den Liebesinteressen in den frühen Beatles-Songs.

Wie McCartney später erklärte, war es bei den Swinging-London-Girls beliebt, ihre Wohnungen mit norwegischer Kiefer zu dekorieren. „Es war also eigentlich eine kleine Parodie auf diese Art von Mädchen, bei denen es in ihrer Wohnung jede Menge norwegisches Holz gab“, erzählte er dem Biografen Barry Miles. „Es war eigentlich Kiefer, billige Kiefer. Aber ‚Cheap Pine‘, Baby, ist kein so guter Titel.“

„Es ist Zeit, ins Bett zu gehen“

Auch wenn es sich um die Geschichte einer Affäre mit einer Mod-Groupie handelt, ist sie doch auffallend erwachsen, vom Londoner Milieu bis hin zu der Art und Weise, wie Lennon die Nacht bei ihr verbringt (und in der Badewanne aufwacht). Lennon ist derjenige, der umworben und verführt wird und nervös auf ihrem Teppich sitzt, bis sie verkündet: „Es ist Zeit, ins Bett zu gehen.“ Angesichts all der verschlüsselten Wortspiele war Cynthia Lennon kaum die einzige Zuhörerin, die verwirrt war. Als er am nächsten Morgen allein aufwacht, entzündet er ein Feuer – bedeutet das, dass er das Haus des Mädchens niederbrennt? Lennon hat die Lösung dieses Rätsels nie preisgegeben; McCartney hat die Brandstiftungstheorie bestätigt.

Obwohl Lennon 1980 behauptete, „Norwegian Wood“ sei „ganz und gar mein Song“, sagte er dem ROLLING STONE ein Jahrzehnt zuvor, dass „Paul bei der Mitte des Songs geholfen hat, um ihm die gebührende Anerkennung zu zollen“. Laut McCartney kam Lennon mit nur einer ersten Strophe zu ihm: „Das war alles, was er hatte, kein Titel, nichts.“

Harrisons Sitar-Debüt war das markanteste Merkmal des Songs – doch es entstand aus einem spontanen Experiment im Studio. Wie Lennon 1970 gegenüber dem ROLLING STONE erzählte: „George hatte gerade die Sitar bekommen, und ich sagte: ‚Könntest du dieses Stück spielen?‘ … Er war sich nicht sicher, ob er es schon spielen konnte, weil er noch nicht viel Erfahrung mit der Sitar hatte, aber er war bereit, es zu versuchen.“

„Es war von vornherein eine sehr billige Sitar“

Harrison sah die Sitar zum ersten Mal am Set des zweiten Films der Band, „Help!“, in dem indische Musiker in einer Restaurantszene Beatles-Covers spielten. Fasziniert kaufte er sich eine Sitar und „probierte sie aus“, bis er schließlich bei dem Sitar-Meister Ravi Shankar Unterricht nahm. Harrison begann sich auch für östliche Religionen und Philosophien zu interessieren, was zu einem lebenslangen Anliegen werden sollte.

Rückblickend in den 1990er Jahren beschrieb Harrison die Sitar in „Norwegian Wood“ als „sehr rudimentär. Ich wusste nicht, wie man sie richtig stimmt, und es war von vornherein eine sehr billige Sitar.“ Aber „das war das Umfeld in der Band“, betonte er, „alle waren sehr offen für neue Ideen. Wir hörten uns alle möglichen Sachen an – Stockhausen, Avantgarde – und das meiste davon fand seinen Weg auf unsere Platten.”

„Norwegian Wood” wurde schnell als kreativer Durchbruch anerkannt. Brian Jones würdigte es mit seinem Sitar-Riff in „Paint It, Black” von den Rolling Stones, und Dylan parodierte es auf „Blonde on Blonde” in „4th Time Around”, das er Lennon persönlich vorspielte. „Ich war sehr paranoid deswegen“, gestand Lennon 1968 gegenüber ROLLING STONE. Er war ohnehin schon empfindlich, weil die anderen Beatles ihn wegen seiner Dylan-Kopien „auf den Arm nahmen“, und er befürchtete, Dylan würde ihn mit „4th Time Around“ verspottete.

„Er fragte: ‚Was hältst du davon?‘ Ich sagte, dass es mir nicht gefiel.“ Obwohl Lennon später angab, den Song zu schätzen, hörte er auf, seine „Dylan-Kappe“ mit Schirm zu tragen.

Erschienen auf: „Rubber Soul“.

11. „A Hard Day’s Night“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 16. April 1964
• Veröffentlicht: 26. Juni 1964
• 13 Wochen; Nr. 1

„A Hard Day’s Night” beginnt mit dem berühmtesten Akkord der Rockgeschichte: einem strahlenden Ausbruch einer 12-saitigen Gitarre, der das Chaos und die Euphorie der Beatlemania auf ihrem Höhepunkt heraufbeschwört. Das Sonnenlicht in diesem Akkord, die Begeisterung der Beatles-Performance und der Seufzer der Erschöpfung im Titel machen „A Hard Day’s Night“ zu einem Film für sich, einer kompakten Dokumentation des kometenhaften Aufstiegs der Beatles.

„Damals habe ich mich eher um den Anfang und das Ende der Songs gekümmert“, sagte George Martin. „Wir brauchten etwas Auffälliges, um einen plötzlichen Sprung in den Song zu machen.“ Bei der Session spielte Lennon mit einigen Griffen für den Eröffnungsakkord herum. „Es war Zufall, dass er den richtigen traf“, sagte Martin. „Wir wussten es, als wir ihn hörten.“ (In einem Interview im Februar 2001 sagte Harrison, der Akkord sei ein „F mit einem G darüber, aber Sie müssen Paul nach der Bassnote fragen, um die richtige Geschichte zu erfahren.“ McCartney spielte ein hohes D.)

Lennon schrieb den Song in der Nacht vor der Session

Der Titel stammt von einer beiläufigen Bemerkung von Starr. „Wir arbeiteten den ganzen Tag und dann bis in die Nacht hinein“, erinnerte er sich, „[und] ich kam heraus und dachte, es wäre noch Tag, und sagte: ‚Es war ein harter Tag‘, und als ich bemerkte, dass es dunkel war, sagte ich: ‚… Nacht!‘‘“ Als Lennon diese Bemerkung an Regisseur Richard Lester weitergab, wurde sie sofort zum Titel des Films. Jetzt mussten sie nur noch einen passenden Song dazu schreiben. „John und ich waren immer auf der Suche nach Titeln“, sagte McCartney. „Wenn man einen guten Titel hat, ist man schon halb am Ziel. Mit ‚A Hard Day’s Night‘ hat man sie fast schon erobert.“

Lennon schrieb den Song in der Nacht vor der Session – er kritzelte den Text auf die Rückseite einer Geburtstagskarte für seinen Sohn Julian, der gerade ein Jahr alt geworden war – und die Gruppe nahm ihn in atemberaubenden drei Stunden auf. Das größte Problem war Harrisons Solo: Eine Aufnahme, die in den 1980er Jahren auf einem Bootleg auftauchte, zeigt ihn, wie er über seine Saiten stolpert, aus dem Takt kommt und Noten verfehlt. Aber als die Session um 22 Uhr endete, hatte er eines seiner denkwürdigsten Soli geschaffen – einen brillanten Aufwärtslauf, der zweimal gespielt und mit einer kreisförmigen Verzierung abgeschlossen wurde, wobei der Glockenschlag seiner Gitarre von Martins Klavier widerhallte.

„Alles war für ihn ein bisschen schwieriger, nichts fiel ihm leicht“

„George verbrachte viel Zeit damit, Soli auszuarbeiten“, sagte Geoff Emerick. „Alles war für ihn ein bisschen schwieriger, nichts fiel ihm leicht.“
Harrison spielte auch das markante Fade-out, ein klingendes Gitarrenarpeggio, das ebenfalls von Martin inspiriert war. „Auch das ist Filmkomposition“, sagte Martin. „Ich habe ihnen immer wieder betont, wie wichtig es ist, dass der Song passt, dass man ihn nicht wirklich beendet, sondern in der Schwebe lässt, damit man in die nächste Stimmung übergeht.“

Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“.

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10. „While My Guitar Gently Weeps“

• Autor: Harrison
• Aufgenommen: 5. und 6. September 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Der Text zu „While My Guitar Gently Weeps”, George Harrisons erstem wirklich großartigen Beatles-Song, entstand durch Zufall – allerdings durch einen bewussten Zufall. Harrison komponierte den Großteil der Musik während der Reise der Beatles von Februar bis April 1968 nach Rishikesh, Indien, schrieb den Text jedoch erst, nachdem die Band nach England zurückgekehrt war. Inspiriert vom Relativitätsprinzip des I Ging, nahm Harrison ein Buch aus dem Regal im Haus seiner Eltern, schlug es an einer beliebigen Stelle auf und schrieb einen Text zu den ersten Worten, die ihm ins Auge fielen.

Das waren die Worte „gently weeps“ (sanft weint). (Die Quelle dafür könnte Coates Kinneys vielfach anthologisiertes Gedicht „Rain on the Roof“ aus dem Jahr 1849 sein, in dem es heißt: „And the melancholy darkness/Gently weeps in rainy tears“ (Und die melancholische Dunkelheit weint sanft in regnerischen Tränen).

Obwohl die Band bereits auf sechs früheren Alben Songs von Harrison aufgenommen hatte, fiel es dem Gitarristen immer noch schwer, John Lennon und Paul McCartney dazu zu bringen, seine Beiträge ernst zu nehmen. Lennon seinerseits bemerkte später: „Es gab eine peinliche Phase, in der [Georges] Songs nicht so gut waren und niemand etwas sagen wollte, aber wir alle haben daran gearbeitet.”

Lennon spielte Orgel

Die erste Studioaufnahme von „While My Guitar Gently Weeps“ vom 25. Juli 1968 (später auf „Anthology 3“ enthalten) war ein zurückhaltendes, fast solo akustisches Stück mit einem zusätzlichen Vers am Ende, das sehr stark an Harrisons ursprüngliches Demo angelehnt war. Eine zweite Version mit der gesamten Band (Lennon spielte Orgel) wurde am 16. August sowie am 3. und 5. September aufgenommen; sie enthielt schließlich Tape-Speed-Tricks, Maracas und ein rückwärts abgespieltes Gitarrensolo, das jedoch nie ganz den „weependen“ Sound erzeugte, den Harrison gesucht hatte.

Produzent George Martin war für einen einmonatigen Urlaub verreist, bevor die Band am 5. September mit der Arbeit an einer dritten, elektrischen Version begann, bei der Lennon die Leadgitarre spielte und Ringo Starr einen schweren, schwankenden Rhythmus beisteuerte. Auch dieses Arrangement passte nicht ganz zusammen. „Sie nahmen es nicht ernst”, erinnerte sich Harrison später. „Ich ging an diesem Abend nach Hause und dachte: ‚Das ist wirklich schade‘, denn ich wusste, dass der Song ziemlich gut war.“

Am nächsten Tag fuhr Harrison Eric Clapton von Surrey nach London, als ihm einfiel, wie er seine Bandkollegen dazu bringen konnte, sich auf „While My Guitar Gently Weeps“ zu konzentrieren: Er bat den Cream-Gitarristen, darauf zu spielen. Clapton lehnte zunächst ab. „Niemand [sonst] spielt jemals auf Beatles-Platten“, erinnerte sich Harrison an Claptons Argumentation. Aber Harrison antwortete: „Hör mal, es ist mein Song. Ich möchte, dass du mitspielst.“ (Einige Monate zuvor hatte Clapton zusammen mit Harrison, McCartney und Starr Jackie Lomax‘ Version von Harrisons Komposition „Sour Milk Sea“ aufgenommen.

Claptons flackernde Filigranarbeit und sein spektakuläres, lyrisches Solo

Mit dem berühmten Gast im Studio machten sich die anderen Beatles an die Arbeit – McCartneys Harmonien klingen besonders inspiriert. Harrison drückte es so aus: „Es ist interessant zu sehen, wie nett sich die Leute benehmen, wenn man einen Gast mitbringt, weil sie nicht wirklich wollen, dass alle wissen, dass sie so zickig sind.“ Claptons flackernde Filigranarbeit und sein spektakuläres, lyrisches Solo rundeten das Ganze ab, und noch in derselben Nacht war der Song fertig. „Er ist wunderschön, klagend“, sagte Mick Jagger 2002 gegenüber ROLLING STONE. „Nur ein Gitarrist könnte so etwas schreiben. Ich liebe diesen Song.“

Clapton wurde einer von Harrisons engsten Freunden – und gleichzeitig sein potenzieller Nachfolger. Als Harrison während der Aufnahmen zu „Let It Be“ kurzzeitig aus den Beatles ausstieg, reagierte Lennon mit den Worten: „Wenn er bis Dienstag nicht zurückkommt, holen wir einfach Clapton.“

Erschienen auf: „The Beatles“.

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9. „Come Together“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 21. bis 23., 25., 29. und 30. Juli 1969
• Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
• 16 Wochen; Nr. 1

„Come Together“ entstand ursprünglich als Wahlkampfslogan für Timothy Leary, der bei den Wahlen 1970 gegen Ronald Reagan für das Amt des Gouverneurs von Kalifornien kandidierte. Der LSD-Guru und seine Frau Rosemary wurden im Juni 1969 zu John Lennon und Yoko Onos „Bed-In“ nach Montreal eingeladen und sangen bei der Aufnahme von „Give Peace a Chance“ mit (und wurden in den Songtexten erwähnt). Lennon fragte Leary, ob er etwas tun könne, um seine Kandidatur zu unterstützen.

„Die Learys wollten, dass ich ihnen einen Wahlkampfsong schreibe”, erzählte Lennon dem Rolling Stone, „und ihr Slogan lautete ‚Come together’.” Er schrieb etwas, das er als „Mitgröl-Ding” bezeichnete, und Leary nahm das Demoband mit nach Hause und spielte es bei einigen Radiosendern.
Aber Lennon beschloss, dass er mit dem Text, den er begonnen hatte, etwas anderes machen wollte, anstatt den Wahlkampfsong für Leary fertigzustellen. „Ich bin nie dazu gekommen und habe stattdessen ‚Come Together‘ geschrieben“, sagte er.

Als er seinen neuen Song zu den „Abbey Road“-Sessions mitbrachte, war er viel schneller als die endgültige Version und offensichtlich stärker an Chuck Berrys „You Can’t Catch Me“ angelehnt – die erste Zeile „Here come old flat-top“ ist eine direkte Übernahme aus Berrys Aufnahme von 1956. (Kurz nach der Veröffentlichung von Abbey Road verklagte Berrys Verleger die Beatles wegen Urheberrechtsverletzung; der Fall wurde 1973 beigelegt, wobei Lennon sich bereit erklärte, drei Songs des Unternehmens aufzunehmen – zwei Berry-Songs auf dem Album Rock ‘n’ Roll und Lee Dorseys „Ya Ya“ auf Walls and Bridges.)

Lasst uns das Tempo drosseln und einen sumpfigen Bass- und Drum-Vibe einbauen

Paul McCartney hatte einige Vorschläge, wie man den Song verbessern könnte, wie er sich in „The Beatles Anthology“ erinnert: „Ich sagte: ‚Lasst uns das Tempo drosseln und einen sumpfigen Bass- und Drum-Vibe einbauen.‘ Ich habe mir eine Basslinie ausgedacht, und von da an floss alles wie von selbst.“ Lennon sagte, dass der „Over me“-Break am Ende des Refrains als Elvis-Parodie begann. Der Text ist eine rasante Aneinanderreihung von Wortspielen, Insider-Witzen und dem, was er als „Gobbledygook“ bezeichnete, die er sich im Studio ausgedacht hatte.

Die Botschaft war klar, als er am Ende der zweiten Strophe rief: „One thing I can tell you is you got to be free.“ Aber für Lennon war der hypnotische Rhythmus das Wichtigste: „Es war eine funkige Platte – einer meiner Lieblingssongs der Beatles. Er ist funkig, bluesig, und ich singe ihn ziemlich gut.“

Nach den Spannungen bei „Let It Be“ war es fast unvorstellbar, dass die Band zu dieser Art der kreativen Zusammenarbeit zurückkehren würde. „Wenn ich einen Song auswählen müsste, der die vier unterschiedlichen Talente der Jungs und die Art und Weise, wie sie sich zu einem großartigen Sound vereinen, am besten zeigt, würde ich ‚Come Together‘ wählen“, sagte George Martin. „Der Originalsong ist gut, und mit Johns Stimme ist er noch besser. Dann hat Paul diese Idee für dieses großartige kleine Riff.

Und Ringo hört das und macht etwas mit dem Schlagzeug, das dazu passt, und das schafft ein Muster, auf das John aufspringt und den Teil [„shoot me“] spielt. Und dann ist da noch Georges Gitarre am Ende. Die vier wurden viel, viel besser als die einzelnen Komponenten.“

„Come Together“ war der letzte Funke dieses wiederbelebten Geistes: Es war der letzte Song, den alle vier Beatles zusammen aufgenommen haben.

Erschienen auf: „Abbey Road“.

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8. „Let It Be“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 25., 26. und 31. Januar, 30. April 1969; 4. Januar 1970
• Veröffentlicht: 11. März 1970
• 14 Wochen; Nr. 1

Inspiriert von der kirchlichen Seele Aretha Franklins begann Paul McCartney 1968 während der Aufnahmen zum „White Album“ mit dem Schreiben von „Let It Be”. (Arethas Coverversion des Songs wurde vor der Version der Beatles veröffentlicht.) McCartneys erste Zeilen – „When I find myself in times of trouble/Mother Mary comes to me” (Wenn ich mich in schwierigen Zeiten befinde, kommt Mutter Maria zu mir) – basierten auf einem Traum, in dem seine verstorbene Mutter Mary ihm Trost spendete und ihm versicherte, dass alles gut werden würde. „Ich bin mir nicht sicher, ob sie die Worte ‚Let it be’ verwendet hat”, sagte McCartney, „aber das war der Kern ihres Ratschlags.”

Zu diesem Zeitpunkt befanden sich die Beatles selbst in einer schwierigen Phase. Ein Monat lang sollten Proben vor der Kamera und Live-Aufnahmen die Bandmitglieder motivieren und sie zu ihren Wurzeln als Beat-Combo zurückbringen. (Sie hatten George Martin in den Hintergrund gedrängt: „Ich will nichts von deinem Produktionsmist“, sagte John Lennon zu ihm.

„Wir wollen, dass dies ein ehrliches Album wird.“) Stattdessen wurde es zu einer miserablen Erfahrung, bei der sich die kleinlichen Streitigkeiten früherer Alben in offene Feindseligkeit verwandelten. Lennon war nicht begeistert von „Let It Be“; er machte sich im Studio über die Ernsthaftigkeit des Songs lustig und fragte: „Sollen wir während des Solos kichern?“ Aber die Band arbeitete tagelang an dem Song und nahm den Basistrack am 31. Januar 1969 in den Apple Studios auf.

Paul und Linda McCartney sangen den Hintergrundgesang

Nachdem sie die Filmaufnahmen an diesem Tag abgeschlossen hatten, übergaben die Beatles eine Unmenge an Tonbändern an den Toningenieur Glyn Johns, damit er daraus ein Album mit dem vorläufigen Titel „Get Back“ zusammenstellte. George Harrison gefiel sein Solo in der von Johns ausgewählten Version von „Let It Be“ nicht, also ersetzte er seinen Part durch eine neue Aufnahme, in der seine Gitarre durch einen rotierenden Leslie-Orgel-Lautsprecher lief. Dieses Solo mit seinem charakteristischen trillernden Klang landete schließlich auf der Single.

Anfang 1970 – fast ein Jahr nach den ersten Aufnahmen – kamen McCartney, Harrison und Starr zusammen, um einige Songs aus dem Vorjahr zu überarbeiten, darunter „Let It Be“. (Lennon, der nach den Aufnahmen zu „Abbey Road“ die Beatles praktisch verlassen hatte, war mit Yoko Ono in Dänemark.) McCartney ersetzte Johns Basspart durch seinen eigenen, Harrison nahm ein weiteres Gitarrensolo auf (das auf dem Albummix verwendet wurde), eine von Martin komponierte Bläsersektion wurde hinzugefügt, und Harrison sowie Paul und Linda McCartney sangen den Hintergrundgesang.

Lennon war von der Arbeit des Produzenten Phil Spector an seiner Single „Instant Karma!“ beeindruckt gewesen, und im März 1970 holten er und Beatles-Manager Allen Klein Spector hinzu, um an den Aufnahmen vom Januar 1969 zu arbeiten. „Er bekam den beschissensten Haufen schlecht aufgenommener Scheiße mit einem miesen Gefühl dazu, und er hat etwas daraus gemacht”, sagte Lennon. Spector mischte den Titelsong für die LP ab (nachdem die Single bereits veröffentlicht worden war) und wird als Produzent genannt, obwohl er aus dem gleichen Band wie die Single gemischt wurde. McCartney erklärte später, dass Spectors Version „schrecklich klang“.

„Let It Be“ wurde am 11. März 1970 veröffentlicht

Johns sagte, er bevorzuge seinen eigenen Mix des Songs, den er gemacht hatte, bevor „Spector alles versaut hat“. Spector bezeichnete die Atmosphäre zwischen den Bandmitgliedern als „Kriegsgebiet“ und war der Meinung, dass er unter den gegebenen Umständen sein Bestes gegeben hatte. „Wenn es scheiße ist, werde ich dafür verantwortlich gemacht“, sagte er. „Wenn es ein Erfolg ist, dann sind es die Beatles.“

„Let It Be“ wurde am 11. März 1970 veröffentlicht. Einen Monat später, am 10. April, nutzte McCartney die Veröffentlichung seines ersten Soloalbums, um bekannt zu geben, dass sich die Beatles aufgelöst hatten.

Erschienen auf: „Let It Be“ und „Past Masters“.

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7. „Hey Jude“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 29. Juli bis 1. August 1968
• Veröffentlicht: 26. August 1968
• 19 Wochen; Nr. 1

„Hey Jude“ wurde von John und Cynthia Lennons fünfjährigem Sohn Julian inspiriert. „Paul und ich haben viel Zeit miteinander verbracht – mehr als Dad und ich“, sagte Julian. „Vielleicht mochte Paul Kinder damals einfach ein bisschen mehr.“

McCartney besuchte Cynthia, nachdem sie und Lennon sich getrennt hatten, und auf der Fahrt dorthin dachte er an Julian. „Ich fuhr mit meinem Auto los und sang diese Melodie vor mich hin“, sagte McCartney, „und es klang wie ‚Hey, Jules …‘ Und dann dachte ich, dass Jude ein besserer Name wäre. Das klingt für mich etwas mehr nach Country & Western.“ Die ersten Zeilen waren „eine hoffnungsvolle Botschaft für Julian: ‚Komm schon, Mann, deine Eltern haben sich scheiden lassen. Ich weiß, dass du nicht glücklich bist, aber alles wird gut.‘“

„Hey Jude“ kann auch als McCartneys Trostlied für sich selbst verstanden werden, da seine Beziehung zu Jane Asher zu Ende ging und die Zukunft der Beatles immer ungewisser wurde. Der Song wurde mitten in den Aufnahmen zum „White Album“ aufgenommen, die von Streitigkeiten innerhalb der Band und zunehmender Entfremdung geprägt waren, da die einzelnen Songwriter die anderen Beatles als Begleitmusiker für ihre Songs behandelten – wenn sie sie überhaupt einsetzten.

Spannungen in der Partnerschaft zwischen Lennon und McCartney

McCartney, George Harrison und Ringo Starr ärgerten sich über die ständige Anwesenheit von Johns neuer Freundin Yoko Ono im Studio. Der Toningenieur Geoff Emerick fand die Streitereien so unangenehm, dass er kündigte. George Martin, ebenfalls erschöpft von den Streitereien und dem Hin- und Herlaufen zwischen den einzelnen Beatles, die gleichzeitig in getrennten Studios aufnahmen, brach die Sessions ab, um Urlaub zu machen, und überließ die Produktion des Albums für mehrere Wochen seinem Assistenten Chris Thomas. Starr hatte ebenfalls genug und verließ die Band für zwei Wochen (als erstes Bandmitglied, das die Beatles verließ).

Als Lennon „Hey Jude“ zum ersten Mal hörte, war er begeistert – er dachte, McCartney würde zu ihm singen, über seine Beziehung zu Ono und die Spannungen in der Partnerschaft zwischen Lennon und McCartney. (Lennons Beitrag zu dem Song kam, als McCartney auf eine Platzhalterzeile im fünften Vers hinwies: „Die Bewegung, die du brauchst, ist auf deiner Schulter.“ Lennon bestand darauf, sie so zu lassen, wie sie war. „Das ist die beste Zeile darin!“, sagte er.) Lennon bezeichnete „Hey Jude“ als eines von McCartneys „Meisterwerken“ und sagte 1980: „Ich habe es immer als einen Song für mich gehört. . . . Yoko ist gerade erst ins Bild gekommen. Er sagt: ‚Hey, Jude – hey, John.‘ Unbewusst sagte er damit: ‚Mach weiter, verlass mich.‘“

McCartney musste Harrison bitten, sein Gitarrenspiel zu dämpfen

Die Band engagierte für die Session ein 36-köpfiges Orchester; die klassischen Musiker wurden dazu ermutigt, zu dem Song mitzusingen und zu klatschen, wofür sie das Doppelte ihres üblichen Honorars erhielten. Ein Musiker wollte sich darauf nicht einlassen. „‚Ich werde nicht in die Hände klatschen und Paul McCartneys verdammten Song singen‘“, erinnerte sich Martin an seine Worte. „Er sagte, laut seiner Gewerkschaftsmitgliedskarte sei er Geiger, und verließ das Studio. Sehr zur Verwunderung aller.“

Es gab noch weitere Probleme: McCartney musste Harrison bitten, sein Gitarrenspiel zu dämpfen, da es die Strophen überlagerte. (Harrison „war nicht einverstanden mit dem, was ich sagte“, so McCartney. „Das war herrisch, aber auch mutig von mir, denn ich hätte mich dem Druck beugen können.“) Und als es an der Zeit war, die Masteraufnahme aufzunehmen, hatte McCartney nicht bemerkt, dass Starr auf der Toilette war. Glücklicherweise kommt das Schlagzeug in „Hey Jude“ so spät dazu, dass Starr zurück zu seinem Schlagzeug sprinten und pünktlich einsteigen konnte.

„Cary Grant in Hitze!“

Der Schlussrefrain dauert ganze vier Minuten, sogar länger als die Strophen, die etwas mehr als drei Minuten lang sind. Die Band hatte das nicht so geplant, aber McCartney hatte zu viel Spaß beim Improvisieren, um aufzuhören. „Ich konnte einfach nicht aufhören mit diesem ‚Judy Judy Judy – wooow!‘“, sagte er. „Cary Grant in Hitze!“

„Hey Jude“ war die erste Veröffentlichung auf dem Label Apple Records der Gruppe. Der Song hielt sich neun Wochen lang auf Platz eins und damit länger als jeder andere Beatles-Song. Mit einer Länge von sieben Minuten und elf Sekunden war er bis dahin auch der längste Beatles-Song. Martin hatte Einwände gegen die Länge und behauptete, das Radio würde den Song nicht spielen. „Das werden sie schon, wenn wir es sind“, entgegnete Lennon.

Erschienen auf: „Past Masters“.

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6. „Something“

• Autor: Harrison
• Aufgenommen: 16. April, 2. und 5. Mai, 11. und 16. Juli, 15. August 1969
• Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
• 16 Wochen; Nr. 3

Am 25. Februar 1969, seinem 26. Geburtstag, nahm George Harrison drei Demos in den EMI-Studios auf. Er nahm jeweils zwei Takes von „Old Brown Shoe“, das später die B-Seite von „Let It Be“ werden sollte, und „All Things Must Pass“, dem Titelsong seines Soloalbums von 1970, auf. Außerdem versuchte er sich an einer bezaubernden Ballade, die er 1968 während einer Pause bei den Aufnahmen zum „White Album“ am Klavier geschrieben hatte: „Something“.

„Georges Material wurde nicht wirklich beachtet – so sehr, dass er mich bat, nach [dem Weggang aller anderen] noch zu bleiben“, sagt Toningenieur Glyn Johns, der die Demos aufnahm. „Er war unglaublich nett, als würde er mir etwas aufzwingen wollen. Und dann spielte er diesen Song, der mich einfach umgehauen hat.“

Harrison war zunächst der Meinung, dass der Song so eingängig war, dass er ihn schon einmal gehört haben musste: „Ich habe ihn einfach sechs Monate lang auf Eis gelegt, weil ich dachte: ‚Das ist zu einfach!‘“ Der erste Text – „Something in the way she moves“ – stammte aus einem Song von James Taylor aus dessen 1968 bei Apple Records erschienenem Debütalbum. (Harrison hatte an den Aufnahmen zu Taylors Album teilgenommen und bei einem anderen Song den Hintergrundgesang übernommen.) „In meinem Kopf“, sagte Harrison, „hörte ich Ray Charles ‚Something‘ singen.“ Dennoch hielt er den Song nicht unbedingt für gut genug für die Beatles.

„Es hat mir den Atem verschlagen“, sagte Produzent George Martin

Er gab den Song sogar Joe Cocker, der ihn als Erster aufnahm. Als Harrison „Something“ schließlich den anderen Beatles vorstellte, waren sie begeistert. John Lennon sagte, „Something“ sei „der beste Track auf dem Album“. Paul McCartney bezeichnete ihn als den besten Song, den Harrison je geschrieben habe.„Es hat mir den Atem verschlagen“, sagte Produzent George Martin später, „vor allem, weil ich nie gedacht hätte, dass George das schaffen könnte. Es war schwer für ihn, weil er kein Sprungbrett hatte, auf dem er aufbauen konnte, wie die anderen beiden. Und so war er ein Einzelkämpfer.“

Die anderen Beatles arbeiteten mehrere Monate lang an „Something“, bearbeiteten, arrangierten und nahmen es neu auf, bis es perfekt war. In einer Umkehrung der Rollen wurde Harrison zum musikalischen Leiter und sagte McCartney, wie er die Basslinie spielen sollte. „Das war eine Premiere“, sagte Toningenieur Geoff Emerick. „George hatte es nie gewagt, Paul zu sagen, was er tun sollte.“ Bei der letzten Session teilte sich Harrison während der Streicheroberlagerungen das Dirigentenpult mit Martin und nahm sein Gitarrensolo, eine funkelnde Kombination aus dreckigem Blues-ähnlichem Slide und hochfliegender Romantik, live mit dem Orchester neu auf.

Mit „Something“ bewies der Gitarrist sich seinen Kollegen und der Welt

„Something“ erreichte Platz drei der Charts und wurde schließlich nach „Yesterday“ der am zweithäufigsten gecoverte Beatles-Song. Charles sang ihn tatsächlich auf seinem 1971 erschienenen Album „Volcanic Action of My Soul“. Frank Sinatra bezeichnete ihn als „den größten Liebeslied der letzten 50 Jahre“ (obwohl er ihn oft als eine Komposition von Lennon-McCartney vorstellte).

„Er war nervös wegen seiner Songs“, sagte Martin über Harrison, „weil er wusste, dass er nicht der beste Songwriter in der Gruppe war. Er musste sich immer mehr anstrengen.“ Aber mit „Something“ bewies der Gitarrist sich seinen Kollegen und der Welt.

Erschienen auf: „Abbey Road“.

5. „In My Life“

• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 18. und 22. Oktober 1965
• Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

„In My Life” war für John Lennon ein entscheidender Durchbruch – aber auch ein kreativer Kampf. Der Song begann mit einer Frage: Während eines Interviews mit Lennon im März 1964 fragte der Journalist Kenneth Allsop, warum er nicht mehr Texte über sein Leben und seine Erfahrungen geschrieben habe. „Ich hatte eine Art professionelle Songwriter-Einstellung zum Schreiben von Popsongs”, sagte Lennon 1970 gegenüber ROLLING STONE. „Ich schrieb [Bücher wie] In His Own Write, um meine persönlichen Gefühle auszudrücken. Ich hatte einen separaten Songwriter John Lennon, der Songs für den Massenmarkt schrieb. Ich hielt sie für völlig oberflächlich. Sie waren nur ein Witz.”

Lennon nahm sich Allsops Kritik zu Herzen und schrieb ein langes Gedicht über Menschen und Orte aus seiner Vergangenheit, in dem er Liverpooler Sehenswürdigkeiten wie Penny Lane, Strawberry Field und Menlove Avenue erwähnte. „Ich hatte einen kompletten Satz von Texten, nachdem ich mich mit einer journalistischen Version einer Busfahrt in die Innenstadt abgemüht hatte, in der ich jede Sehenswürdigkeit nannte“, sagte er. Als er das Gedicht später las, „war es jedoch der langweiligste Song à la ‚Was ich in meinen Ferien gemacht habe‘, und es funktionierte nicht. Aber dann lehnte ich mich zurück, und mir kamen diese Texte über die Orte, an die ich mich erinnere.“

Eine Streitfrage, die nie geklärt werden wird

Was dann geschah, ist eine Streitfrage, die nie geklärt werden wird. „In My Life“ ist einer der wenigen Songs von Lennon-McCartney, bei denen sich die beiden heftig darüber stritten, wer was geschrieben hatte: Laut Lennon „waren die gesamten Texte bereits geschrieben, bevor Paul sie überhaupt gehört hatte. Sein Beitrag zur Melodie war die Harmonie und der Mittelteil.“

Laut McCartney hatte Lennon im Grunde genommen den ersten Vers fertig. Bei einer ihrer Songwriting-Sessions auf Lennons Anwesen in Weybridge schrieben die beiden den Text sorgfältig um, um ihn weniger spezifisch und allgemeingültiger zu machen. (Einige von Lennons Zeilen, wie seine Anspielung auf den verstorbenen Stu Sutcliffe, den ehemaligen Bassisten der Beatles, in „some are dead and some are living“ (einige sind tot und einige leben), blieben erhalten.

McCartney sagt auch, dass er die Melodie auf Lennons Mellotron geschrieben habe, inspiriert von Smokey Robinson, ebenso wie die sanfte Gitarrenmelodie am Anfang.

Zu Recht bezeichnete er „In My Life“ als „mein erstes echtes, bedeutendes Werk

Unabhängig von der tatsächlichen Urheberschaft stand „In My Life“ für Lennons Entwicklung als Künstler. „Ich begann, mich in den Songs selbst zu verwirklichen, sie nicht objektiv, sondern subjektiv zu schreiben“, sagte Lennon. „Ich glaube, es war Dylan, der mir dabei half, das zu erkennen – nicht durch Gespräche oder ähnliches, sondern indem ich seine Werke hörte.“ Anfang 1964 waren die Beatles große Dylan-Fans und spielten zwischen ihren Auftritten ununterbrochen „The Freewheelin’ Bob Dylan“.

Als Dylan die Beatles im August desselben Jahres in New York besuchte, machte er sie bekanntlich mit Marihuana bekannt. (Er dachte, die Beatles würden bereits kiffen, da er den Text „I can’t hide“ in „I Want to Hold Your Hand“ fälschlicherweise als „I get high“ verstanden hatte.) Dylan und Kiffen waren die beiden großen Einflüsse, die die Beatles aus ihrer Moptop-Phase herausführten und zu ihrem ersten Meisterwerk, „Rubber Soul“, führten.

Vor diesem Album „schrieben wir einfach Songs à la Everly Brothers und Buddy Holly“, sagte Lennon, „Popsongs, über die wir nicht weiter nachdachten.“ Zu Recht bezeichnete er „In My Life“ als „mein erstes echtes, bedeutendes Werk. Bis dahin war alles nur oberflächlich und belanglos gewesen.“

Erschienen auf: „Rubber Soul“.

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4. „Yesterday“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 14. und 17. Juni 1965
• Veröffentlicht: 13. September 1965
• 11 Wochen; Nr. 1

Der Song, der später zum meistgecoverten Song der Geschichte werden sollte, begann als etwas namens „Scrambled Eggs”. Er begann auch in einem Traum.

„Er fiel aus dem Bett”, sagte Paul McCartney einmal über die Entstehung von „Yesterday”. „Ich hatte ein Klavier neben meinem Bett, und ich muss davon geträumt haben, denn ich fiel aus dem Bett, legte meine Hände auf die Klaviertasten und hatte eine Melodie im Kopf. Es war einfach alles da, ein fertiges Werk. Ich konnte es kaum glauben. Es kam mir zu leicht vor.“

Tatsächlich war es so vollständig, dass er sicher war, er müsse unbewusst eine Melodie plagiiert haben, die er irgendwo anders gehört hatte. Also ließ er den unausgereiften Song monatelang in der Schublade liegen, spielte gelegentlich ein paar Takte für George Martin oder Ringo Starr und fragte: „Kommt euch das bekannt vor?“

Martin erinnerte sich, dass McCartney ihm den Song bereits im Januar 1964 vorgespielt hatte, noch bevor die Beatles überhaupt in Amerika gelandet waren. McCartney selbst erinnert sich, dass er die Melodie später geschrieben hat, aber unabhängig davon bestätigte John Lennon, dass der Song „monatelang herumlag, bevor wir ihn endlich fertiggestellt haben“.

„Scrambled eggs/Oh, my baby, how I love your legs“

Lange Zeit kam McCartney nicht über die Platzhaltertexte „Scrambled eggs/Oh, my baby, how I love your legs“ hinaus. Die eigentlichen Texte schrieb er während eines Urlaubs mit seiner Freundin, der Schauspielerin Jane Asher, und schuf ein offenes Gedicht des Bedauerns, das er als „den vollständigsten Song, den ich je geschrieben habe“ bezeichnet.

Die Aufnahme des Songs war eine größere Herausforderung. Martin erklärte: „Es war kein Song für drei Gitarren und Schlagzeug. Ich sagte: ‚Nimm zunächst nur Gitarre und Gesang auf, Paul, und dann sehen wir, was wir damit machen können.‘“ Nachdem sie verschiedene Ansätze ausprobiert hatten, darunter einen mit Lennon an der Orgel, machte Martin einen unorthodoxen Vorschlag.

„Ich sagte: ‚Wie wäre es mit einer Streicherbegleitung, die geschmackvoll gemacht ist?‘ Paul sagte: ‚Igitt! Ich will nichts von diesem Mantovani-Mist. Ich will nichts von diesem sirupartigen Zeug.‘ Dann dachte ich an meine klassische Musikzeit zurück und sagte: ‚Wie wäre es dann mit einem Streichquartett?‘“

McCartney war immer noch nicht überzeugt. „Ich sagte: ‚Machst du Witze?‘“, erinnert er sich. „‚Das ist eine Rockband!‘ Ich hasste die Idee. [Martin] sagte: ‚Probieren wir es einfach aus, und wenn es dir nicht gefällt, können wir es einfach löschen und wieder zu dir und der Gitarre zurückkehren.‘ Also setzte ich mich ans Klavier und arbeitete mit ihm die Arrangements aus, und wir machten es, und natürlich gefiel es uns.“

Sprung von der frechen Jugend zur literarischen Reife

Die Aufnahme fängt den Erfindergeist der Beatles ein und öffnet die Tür zu einer Bereitschaft, mit neuen Klängen zu experimentieren. „Yesterday“ signalisierte der Welt, dass die Beatles – und der Rock ’n’ Roll – einen plötzlichen Sprung von der frechen Jugend zur literarischen Reife gemacht hatten.

Nach der Session nahm Martin Manager Brian Epstein beiseite und schlug ihm leise vor, dass der Song, da keiner der anderen Beatles zu dem Titel beigetragen hatte, vielleicht als Solo-Single von Paul McCartney veröffentlicht werden sollte. Epsteins Antwort lautete laut Martin: „Das sind die Beatles – wir machen keine Unterschiede.“ Die Gruppe war sich unterdessen noch unsicher, was „Yesterday“ anging, und veröffentlichte den Song nicht als Single in Großbritannien. „Wir waren ein wenig verlegen“, sagte McCartney. „Wir waren eine Rock-‚n‘-Roll-Band.“

„Yesterday“ stieg schnell auf Platz eins in den USA ein (es war einer von einem halben Dutzend Titeln, die Capitol aus der amerikanischen Version des „Help!“-Soundtrack weggelassen hatte und stattdessen als Single veröffentlicht wurde.) Es ist der beliebteste Song im Repertoire der Beatles und wurde mehr als 2.500 Mal aufgenommen – von Ray Charles und Elvis Presley bis hin zu Frank Sinatra und Daffy Duck –, eine Tatsache, die Lennon, der nichts damit zu tun hatte, nicht unbedingt gefiel.

Lennon scherzte einmal: „Ich gehe in Restaurants und die Bands spielen immer ‚Yesterday‘. Ich habe sogar in Spanien die Geige eines Mannes signiert, nachdem er uns „Yesterday“ vorgespielt hatte. Er konnte nicht verstehen, dass ich den Song nicht geschrieben hatte. Aber ich schätze, er konnte nicht von Tisch zu Tisch gehen und „I Am the Walrus“ spielen.“

Erschienen auf: „Help!“

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3. „Strawberry Fields Forever“

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 24., 28. und 29. November, 8., 9., 15., 21. und 22. Dezember 1966
• Veröffentlicht: 13. Februar 1967
• 9 Wochen; Nr. 8

John Lennon schrieb „Strawberry Fields Forever” im September 1966 in Spanien, wo er den Film „How I Won the War“ drehte. Zum ersten Mal seit Jahren war er allein, ohne Verpflichtungen gegenüber den Beatles, und konnte sich ganz frei auf seine Kindheitserinnerungen besinnen, um Inspiration zu finden. Wie Lennon 1968 gegenüber ROLLING STONE erklärte: „Wir wollten etwas über Liverpool schreiben, und ich habe einfach willkürlich alle Namen aufgelistet, die schön klangen. Aber ich habe Visionen von Strawberry Fields … Denn Strawberry Fields ist einfach überall, wo man hin möchte.”

Strawberry Field (Lennon fügte das „s“ hinzu) war ein Kinderheim in Liverpool in der Nähe des Ortes, an dem Lennon bei seiner Tante Mimi aufgewachsen war. Als er jung war, kletterte Lennon, der von beiden Elternteilen verlassen worden war, über die Mauer des Waisenhauses und spielte in dessen wilden Gärten.

„War schon im Kindergarten hip“

„Ich war schon im Kindergarten hip“, erklärte Lennon 1980. „Ich war mein ganzes Leben lang anders. Der zweite Vers lautet: „Ich glaube, niemand ist in meinem Baum.“ Nun, ich war zu schüchtern und unsicher. Ich meinte damit, dass niemand so hip war wie ich. Deshalb musste ich entweder verrückt oder ein Genie sein – „Ich meine, es muss hoch oder niedrig sein“, lautet die nächste Zeile. Ich dachte, mit mir stimme etwas nicht, weil ich Dinge zu sehen schien, die andere Menschen nicht sahen.“

Nachdem Lennon den Song an einem spanischen Strand fertiggestellt hatte, kehrte er nach England zurück und spielte ihn den anderen Bandmitgliedern vor. Der Toningenieur Geoff Emerick erinnert sich: „Es gab einen Moment der fassungslosen Stille, der von Paul unterbrochen wurde, der mit leiser, respektvoller Stimme einfach sagte: ‚Das ist absolut brillant.‘‘“

Zu diesem Zeitpunkt war es eine Ballade mit Akustikgitarre, die an Bob Dylans „It’s All Over Now, Baby Blue“ erinnerte. Aber im Studio wurde daraus etwas ganz Neues, als die Beatles tagelang damit experimentierten. Da sie sich Anfang des Jahres aus dem Tournee-Geschäft zurückgezogen hatten, konnten sie in aller Ruhe aufnehmen und nahmen in den nächsten zwei Wochen Dutzende von Takes auf. McCartney komponierte das Intro auf einem Mellotron, einem primitiven Synthesizer.

„I buried Paul“

Lennon wollte den ersten Teil aus einem Take (Take 26) und den zweiten Teil aus einem anderen Take, der in der Woche zuvor aufgenommen worden war (Take 7), beibehalten – obwohl sie unterschiedliche Tonarten und Tempi hatten. Produzent George Martin erreichte dies, indem er einen Take leicht beschleunigte und den anderen verlangsamte. Die Manipulation von Zeit und Tonart verstärkte nur noch das düstere, gespenstische Gefühl von Lennons Gesang und verlieh dem gesamten Song eine Aura surrealer Zeitlosigkeit. Der fertige Take endet mit einem Fragment einer langen Jam-Session, in der Lennon „Cranberry Sauce“ sagt: Die „Paul Is Dead“-Freaks glaubten, er würde sagen: „I buried Paul“ (Ich habe Paul begraben) sagen würde.

„Strawberry Fields“ war der erste Titel, der während der Sgt. Pepper-Sessions aufgenommen wurde. Die innovativen Studiotechniken, die die Beatles bei der Aufnahme dieses Titels und von McCartneys „Penny Lane“, einer weiteren Kindheitserinnerung an ein Wahrzeichen Liverpools, einsetzten, kündigten die neue Richtung der Band an – ebenso wie die von LSD inspirierten Träumereien in den Texten beider Songs. Die Titel sollten das Herzstück des größten Albums der Beatles werden, aber unter dem Druck von EMI, eine neue Single zu produzieren (seit ihrer letzten 45er waren sechs Monate vergangen), veröffentlichten sie beide Songs im Februar 1967 als Doppel-A-Seite.

Martin bereute später die Entscheidung, die Titel aus „Sgt. Pepper“ zu entfernen, als „den größten Fehler meiner Karriere“.

Das Erwachsenwerden „war beängstigend, weil es niemanden gab, mit dem man sich identifizieren konnte“, sagte Lennon einmal. Der Ort Strawberry Field (der 2005 geschlossen wurde) stand für diese quälenden Kindheitsvisionen. Mit dem Song „Strawberry Fields“ besiegte er sie für immer.

Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“

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2. „I Want to Hold Your Hand“



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• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 17. Oktober 1963
• Veröffentlicht: 26. Dezember 1963
• 15 Wochen; Nr. 1

Als der fröhliche, hochwertige Krach von „I Want to Hold Your Hand” zum ersten Mal über die Radiowellen schallte, war Amerika noch immer erschüttert von der Ermordung von Präsident John F. Kennedy im November 1963. Beatles-Songs hatten zuvor schon vereinzelt den Atlantik überquert, aber keine britische Rock-’n‘-Roll-Band hatte jemals auch nur den geringsten Eindruck auf dieser Seite des Atlantiks hinterlassen. Die Beatles und ihr Manager Brian Epstein waren entschlossen, die Ersten zu sein, und schworen, dass sie nicht in die USA kommen würden, bevor sie nicht einen Nummer-1-Hit hatten.

„I Want to Hold Your Hand” veränderte alles. „Zum Glück wussten wir nicht, was Amerika war – wir kannten nur unseren Traum davon –, sonst wären wir wahrscheinlich zu eingeschüchtert gewesen“, sagte Paul McCartney 1987 gegenüber dem ROLLING STONE. Die Single war für die meisten Amerikaner der erste Kontakt mit der Songwriting-Magie von Lennon und McCartney, die den Song Seite an Seite am Klavier im Londoner Haus der Eltern von McCartneys Freundin Jane Asher komponierten.

Der Song „war der Höhepunkt der ersten Phase der Entwicklung der Beatles“

„Ich erinnere mich, als wir den Akkord fanden, der den Song ausmachte“, sagte John Lennon später. „Wir hatten ‚Oh, you-u-u/Got that something‘, und Paul schlug diesen Akkord an, und ich drehte mich zu ihm um und sagte: ‚Das ist es! Mach das noch mal!‘ Damals schrieben wir wirklich so – wir spielten uns gegenseitig in die Hände.“

Der Song „war der Höhepunkt der ersten Phase der Entwicklung der Beatles“, sagte Produzent George Martin. „Als sie anfingen, in den Tagen von ‚Love Me Do‘, waren sie keine guten Songwriter. Sie haben unverhohlen aus bestehenden Platten geklaut. Erst als sie Blut geleckt hatten, wurde ihnen klar, dass sie das konnten, und das brachte sie auf den Weg, bessere Songs zu schreiben.“

Die blitzartige Energie schießt aus den Lautsprechern mit einem Rhythmus, der so knifflig ist, dass viele Bands, die den Song coverten, ihn nicht herausbekamen. Die Stimmen von Lennon und McCartney wechseln ständig zwischen Unisono und Harmonie. Jedes Element des Songs ist ein Ohrwurm, von Lennons Riffs über George Harrisons schneidende Gitarren-Fills bis hin zu den synkopierten Handklatschen der Gruppe.

Der Song wurde am Tag nach Weihnachten in den USA eilig veröffentlicht

Mit einer Vorbestellungszahl von einer Million Exemplaren wurde „I Want to Hold Your Hand“ Ende November in Großbritannien veröffentlicht und verdrängte prompt den Song „She Loves You“ der Band von der Spitze der Charts. Nachdem ein Teenager in Washington, D.C., einen lokalen DJ überredet hatte, sich eine Importversion der Single zu besorgen, wurde sie schnell zu einem Hit in den wenigen amerikanischen Radiosendern, die eine Kopie ergattern konnten. Der Song wurde am Tag nach Weihnachten in den USA eilig veröffentlicht und erreichte am 1. Februar 1964 Platz eins der Charts.

Nachdem sie ihr Ziel erreicht hatten, traten die Beatles am 9. Februar in der Ed Sullivan Show auf und erreichten 70 Millionen Zuschauer, die höchste Zahl in der Geschichte des Fernsehens bis zu diesem Zeitpunkt. „Es war wie ein Dammbruch“, sagte Martin.

Beatles: das Maß aller Dinge

Nicht nur Teenager wurden von der Beatlemania mitgerissen. Auch einige der größten Künstler Amerikas verfielen ihrem Charme. Der Dichter Allen Ginsberg sprang auf, um zu tanzen, als er „I Want to Hold Your Hand“ zum ersten Mal in einem New Yorker Club hörte. Der Komponist Leonard Bernstein schwärmte von dem Auftritt bei „Sullivan“: „Ich habe mich in die Musik der Beatles verliebt – den unwiderstehlichen Beat, den Schubert-ähnlichen Fluss musikalischer Kreativität und die Fuck-You-Coolness der vier Reiter unserer Apokalypse.“ Bob Dylan, der gerade „The Times They Are A-Changin’“ veröffentlicht hatte, sah die Zukunft.

„Sie machten Dinge, die sonst niemand machte“, sagte Dylan 1971. „Ihre Akkorde waren unverschämt. Für mich war klar, dass sie Durchhaltevermögen hatten. Ich wusste, dass sie die Richtung vorgaben, in die sich die Musik entwickeln musste. In meinem Kopf waren die Beatles das Maß aller Dinge.“

Erschienen auf: „Past Masters“.

Hier geht’s weiter:

1. „A Day in the Life“



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• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 19. und 20. Januar, 3., 10. und 22. Februar 1967
• Veröffentlicht: 2. Juni 1967
• Nicht als Single veröffentlicht

„A Day in the Life“ ist der Sound der Beatles auf einem historischen Höhepunkt. „Es war ein Höhepunkt“, sagte John Lennon 1970 gegenüber ROLLING STONE, als er sich an die Zeit von „Sgt. Pepper“ erinnerte. Es ist auch die ultimative Zusammenarbeit von Lennon und McCartney: „Paul und ich haben definitiv zusammengearbeitet, besonders bei ‚A Day in the Life‘“, sagte Lennon.

Nach ihrem Konzert am 29. August 1966 in San Francisco gaben die Beatles ihre Live-Auftritte endgültig auf. Gerüchte über Spannungen innerhalb der Gruppe verbreiteten sich, da die Beatles monatelang keine neue Musik veröffentlichten. „Die Medien spürten, dass es zu viel Flaute gab“, sagte Paul McCartney später, „was ein Vakuum schuf, sodass sie jetzt über uns herziehen konnten. Sie sagten: ‚Oh, sie sind ausgetrocknet‘, aber wir wussten, dass das nicht stimmte.“

Lennon ließ sich für seine Texte von Zeitungen und seinem eigenen Leben inspirieren

Mit „Sgt. Pepper“ schufen die Beatles ein Album voller psychedelischer Visionen; am Ende klingt „A Day in the Life“ wie der Untergang der ganzen Welt. Lennon singt mit seiner gespenstischsten Stimme über Tod und Angst, behandelt mit dem, was er als sein „Elvis-Echo“ bezeichnete – eine Stimme, die, wie Produzent George Martin 1992 sagte, „Gänsehaut verursacht“.

Lennon ließ sich für seine Texte von Zeitungen und seinem eigenen Leben inspirieren: Der „glückliche Mann, der es geschafft hat“ war vermutlich Tara Browne, ein 21-jähriger Londoner Aristokrat, der im Dezember 1966 bei einem Autounfall ums Leben kam, und der Film, in dem „die englische Armee gerade den Krieg gewonnen hatte“, bezog sich wahrscheinlich auf Lennons eigene aktuelle Rolle in „How I Won the War“. Lennon fand tatsächlich einen Artikel in der Daily Mail über 4.000 Schlaglöcher in den Straßen von Blackburn, Lancashire.

Lennon schrieb den Grundtext des Songs, aber er hatte das Gefühl, dass für den Mittelteil noch etwas fehlte. McCartney hatte zufällig ein kurzes Songfragment parat, den Teil, der mit „Woke up, fell out of bed“ beginnt. „Er war etwas schüchtern, weil er wohl dachte: ‚Es ist schon ein guter Song‘“, sagte Lennon. Aber McCartney hatte auch die Idee, klassische Musiker einzusetzen, um das zu erreichen, was Martin als „orchestralen Orgasmus“ bezeichnete.

Klaviercrash, der 53 Sekunden lang in der Luft hängt

Die Session am 10. Februar wurde zu einem festlichen Ereignis mit Gästen wie Mick Jagger, Keith Richards, Marianne Faithfull und Donovan. Das Studio war voller Luftballons; die formell gekleideten Orchestermitglieder erhielten Partyhüte, Gumminasen und Gorillapfoten zum Tragen. Martin und McCartney dirigierten die Musiker und ließen sie von der tiefsten bis zur höchsten Note auf ihren Instrumenten spielen.

Zwei Wochen später fügten die Beatles den letzten Schliff hinzu: den Klaviercrash, der 53 Sekunden lang in der Luft hängt. Martin ließ alle verfügbaren Klaviere im Gebäude in das Studio der Beatles bringen, wo Lennon, McCartney, Ringo Starr, Martin und Roadie Mal Evans denselben E-Dur-Akkord spielten, während Toningenieur Geoff Emerick die Regler aufdrehte, um auch den letzten Ton einzufangen. Am Ende waren die Pegel so hoch, dass man Starrs Schuh quietschen hören kann.

Die BBC verbot den Song wegen der drogenbezogenen Zeile „I’d love to turn you on”

Im April, zwei Monate vor der Veröffentlichung von „Sgt. Pepper“, besuchte McCartney San Francisco und hatte eine Kassette mit einer unfertigen Version von „A Day in the Life“ dabei. Er gab sie den Mitgliedern von Jefferson Airplane, und die Kassette landete schließlich bei einem lokalen Freeform-Rock-Sender, KMPX, der sie in die Rotation nahm und damit die gesamte Haight-Ashbury-Community begeisterte.

Die BBC verbot den Song wegen der drogenbezogenen Zeile „I’d love to turn you on”. Damit lagen sie gar nicht so falsch: „Als [Martin] seine Fernsehsendung über Pepper machte”, erinnerte sich McCartney später, „fragte er mich: ‚Weißt du, was Pepper ausgelöst hat?‘ Ich sagte: ‚Mit einem Wort, George: Drogen. Gras.‘ Und George sagte: ‚Nein, nein. Aber ihr wart doch nicht die ganze Zeit high.‘ ‚Doch, das waren wir.‘ Sgt. Pepper war ein Drogenalbum.”

In Wahrheit war der Song musikalisch und emotional viel zu intensiv für regelmäßige Radioeinsätze. Erst in den Achtzigerjahren, nach Lennons Ermordung, wurde „A Day in the Life“ als Meisterwerk der Band anerkannt. In diesem Song, wie auch in so vielen anderen Bereichen, waren die Beatles allen anderen weit voraus.

Erschienen auf: „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“.

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