Die 100 besten Songs der Beatles
Von „Helter Skelter” bis „Sgt. Pepper's” – eine Rangliste der besten Songs der Beatles. Vorwort von Elvis Costello
30. „We Can Work It Out“
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- Autoren: McCartney-Lennon
- Aufgenommen: 20. und 29. Oktober 1965
- Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
- 12 Wochen; Nr. 1
„We Can Work It Out“ versetzt den Zuhörer mitten in einen Streit, ein Wechselbad zwischen hoffnungsvollen Refrains und Strophen voller Warnungen: „Unsere Liebe könnte bald vorbei sein.” Es ist ein McCartney-Song, der aus einem Streit mit seiner Freundin Jane Asher entstand. Lennon steuerte die pessimistische Bridge in Moll bei: „Das Leben ist sehr kurz, und es gibt keine Zeit für Streit und Zank.” („Paul schreibt ‚we can work it out‘”, sagte Lennon. „Sehr optimistisch, und ich bin ja ungeduldig.”)
Die Gruppe stieß im Studio auf ein altes Harmonium. McCartney erinnerte sich, dass er dachte: „Das würde eine schöne Farbe sein.“ In den Strophen, mit den „suspendierten Akkorden … verleiht dieser wunderbare Harmoniumklang dem Ganzen eine Art religiöse Qualität“, sagte Ray Davies von den Kinks 2001 gegenüber ROLLING STONE. Harrison schlug vor, den Rhythmus in der Bridge von einem geraden 4/4-Rhythmus in einen Walzertakt zu ändern. Mit dieser charakteristischen Änderung erzeugte das Vintage-Instrument eine Zirkus-Karussell-Atmosphäre – eine Stimmung, zu der die Beatles zwei Jahre später in „Being for the Benefit of Mr. Kite!“ auf Sgt. Pepper zurückkehren sollten.
Die 11 Stunden, die sie für „We Can Work It Out“ aufwendeten, waren bis dahin mit Abstand die längste Studiozeit, die sie jemals für einen Beatles-Song gebraucht hatten. Die Spannung in den Texten zwischen einem hoffnungsvollen McCartney und einem melancholischen Lennon lässt bereits ahnen, wie sich ihre Wege trennen würden. „Sie durchlebten gerade eine ihrer ersten Phasen der Uneinigkeit, daher ist es vielleicht ein Subtext dafür, wo die Band stand“, bemerkte Davies. „Das ist eine meiner kleinen Theorien: Jede Karriere hat ihre Geschichte, und wenn man sich die Songtitel ansieht, fasst das zusammen, was sie gemacht haben.“
Erschienen auf: „Past Masters“.
29. „Can’t Buy Me Love“
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- Hauptkomponist: McCartney
- Aufgenommen: 29. Januar und 26. Februar 1964
- Veröffentlicht: 16. März 1964
- 10 Wochen; Nr. 1
Mitte März 1964 waren die Beatles die größte Band der Welt und hatten einen erstaunlichen Anteil von 60 Prozent am amerikanischen Single-Markt. Mit mehr als 3 Millionen Vorbestellungen katapultierte „Can’t Buy Me Love” die Beatles auf eine neue Ebene des Ruhms. Zwei Wochen nach der Veröffentlichung der Single belegten die Beatles alle fünf Spitzenplätze der Billboard-Single-Charts: „Can’t Buy Me Love”, „Twist and Shout”, „She Loves You”, „I Want to Hold Your Hand” und „Please Please Me”.
In der folgenden Woche stellten sie mit 14 Platten in den Top 100 der US-Singles einen weiteren, bis heute ungebrochenen Rekord auf. (Der bisherige Rekordhalter war Elvis Presley mit neun Platten im Jahr 1956.) „Die Menschen in England haben damals nie wirklich verstanden, was für große Helden sie waren“, sagte George Martin, „und dass der Erfolg so vollständig und total war.“
Die Beatles waren in Bestform, als sie „Can’t Buy Me Love“ aufnahmen, aufgeputscht von bis zu drei Auftritten pro Tag während ihres 18-tägigen Aufenthalts im Pariser Olympia-Theater. Sie brauchten nur vier Versuche, um die Grundspur aufzunehmen. Elf Tage später hatten sie ihr US-Fernsehdebüt in der Ed Sullivan Show, und fünf Wochen später wurde die Single in den USA veröffentlicht. Mit der Beatlemania verlief alles mit Überschallgeschwindigkeit.
Im Wesentlichen eine süße Liebeserklärung
McCartney sagte später, „Can’t Buy Me Love“ sei „mein Versuch gewesen, einen bluesigen Song zu schreiben“. Aber der Song ist viel näher an den primären Einflüssen der Gruppe: dem fröhlichen Galopp des Uptempo-Motown und dem lebhaften Rockabilly der 50er Jahre. Lennon und McCartney hatten ihre eigenen tiefen Wurzeln im Letzteren, aber Harrison war der Experte: Sein Gitarrenstil, insbesondere in den frühen Aufnahmejahren der Beatles, war eine aggressive Aktualisierung der Einfachheit von Carl Perkins und Scotty Moores Breaks auf Elvis Presleys Sun-Singles. In „Can’t Buy Me Love“ ist Harrisons Solo – das nach einem von McCartney Little Richard inspirierten Schrei einsetzt – klassisches Memphis aus dem Jahr 1956 mit Jet-Age-Glanz.
Der Text von „Can’t Buy Me Love“ war im Wesentlichen eine süße Liebeserklärung, in der Romantik über materielle Dinge gestellt wurde, obwohl einige Fans dies irgendwie nicht verstanden, was McCartney verwirrte. „Ich denke, man kann alles so interpretieren, wie man will“, sagte er. „Aber wenn jemand behauptet, dass es in ‚Can’t Buy Me Love‘ um eine Prostituierte geht, ziehe ich eine Grenze.“
Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“.
28. „Here Comes the Sun“
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- Hauptsongwriter: Harrison
- Aufgenommen: 7., 8. und 16. Juli, 6., 15. und 19. August 1969
- Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
- Nicht als Single veröffentlicht
Harrison schrieb einen der fröhlichsten Songs der Beatles, während er blau machte. 1969 zerfiel Apple Records in endlosen Streitigkeiten um Geld, wobei der Geschäftsführer Allen Klein und der Anwalt John Eastman um die Kontrolle über die Gruppe kämpften. „Apple wurde wie eine Schule, wo wir hingehen und Geschäftsleute sein mussten: ‚Unterschreib dies‘ und ‚unterschreib das‘“, erinnerte sich Harrison. „Eines Tages beschloss ich, Apple zu schwänzen, und ging zu Eric Clapton nach Hause. Die Erleichterung, all diese dummen Buchhalter nicht sehen zu müssen, war wunderbar, und ich spazierte mit einer von Erics Akustikgitarren durch den Garten und schrieb ‚Here Comes the Sun‘.“
Harrisons Anwesen Kinfauns lag etwa eine halbe Autostunde von Claptons Haus entfernt. Die beiden Gitarristen waren sich nahe gekommen, Clapton spielte das Solo in „While My Guitar Gently Weeps“ und Harrison revanchierte sich, indem er den Cream-Hit „Badge“ mitkomponierte.„Es war ein wunderschöner Frühlingsmorgen, und wir saßen oben auf einem großen Feld am Ende des Gartens“, schrieb Clapton in seiner Autobiografie. „Wir hatten unsere Gitarren dabei und spielten einfach drauf los, als er anfing, ‚de da de de, it’s been a long cold lonely winter‘ zu singen, und Stück für Stück füllte er den Song aus, bis es Zeit für das Mittagessen war.“
„Jetzt, in diesem Jahr, sind seine Songs mindestens so gut wie unsere“
„Here Comes the Sun“ eröffnete die zweite Seite von Abbey Road mit einem Ausbruch von Freude. Zusammen mit „Something“ machte es deutlich, dass die Beatles nun drei hervorragende Komponisten hatten. „George blühte als Songwriter auf“, sagte Starr. „Es ist interessant, dass George in den Vordergrund trat und wir uns gerade trennten.“
Selbst die sehr konkurrierenden Lennon und McCartney mussten Harrison neuen Respekt zollen. „Ich glaube, bis jetzt, bis zu diesem Jahr, waren unsere Songs besser als die von George“, sagte McCartney zu Lennon während einer Pause bei den Aufnahmen zu „Abbey Road“. „Jetzt, in diesem Jahr, sind seine Songs mindestens so gut wie unsere.“
Erschienen auf: „Abbey Road“.
27. „You’re Going to Lose That Girl“
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- Autoren: Lennon-McCartney
- Aufgenommen: 19. Februar 1965
- Veröffentlicht: 13. August 1965
- Nicht als Single veröffentlicht
„You’re Going to Lose That Girl“ war der letzte Song, den die Beatles für den Soundtrack zu „Help!“ fertigstellten, bevor sie zu den Dreharbeiten auf die Bahamas aufbrachen. Der Song begann mit Lennon, und McCartney half ihm, ihn in Lennons Haus in Weybridge fertigzustellen.
Wie „She Loves You” ist „You’re Going to Lose That Girl” einer der seltenen Popsongs, in denen ein männlicher Sänger einen untreuen Freund anspricht. Aber während der frühere Hit noch Mitgefühl ausdrückte, gibt Lennon nun eine aggressivere Warnung: „Ich werde sie dir auf jeden Fall wegnehmen.”
Der Song zeichnet sich durch Lennons Falsett und Starrs manisches Bongospiel aus und wird durch den Hintergrundgesang erst richtig lebendig. Die fröhlichen Call-and-Response-Passagen, die das Geschehen kommentieren („Watch what you do“), verdeutlichen den Einfluss, den die Girl-Group-Platten der frühen 60er Jahre noch immer auf die Beatles hatten. Die Band nahm eine Reihe von Girl-Group-Songs auf („Chains“ von den Cookies, „Baby It’s You“ und „Boys“ von den Shirelles) und tauschte dabei die Geschlechter in den Texten nach Bedarf aus.
Im Film wird der Song in einem verrauchten Studio aufgenommen; McCartney wollte das Material in einer natürlicheren Umgebung zeigen, als es in den meisten Film-Musicals der Fall ist. Ringo spielt die gesamte Performance mit einer brennenden Zigarette im Mundwinkel.
Erschienen auf: „Help!“.
26. „If I Fell“
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- Hauptkomponist: Lennon
- Aufgenommen: 27. Februar 1964
- Veröffentlicht: 26. Juni 1964
- 9 Wochen; Nr. 53 (B-Seite)
„If I Fell“ war Lennons erster Versuch, einen langsamen, schönen Song für eine Beatles-Platte zu schreiben. „Die Leute vergessen, dass John einige schöne Balladen geschrieben hat“, sagte McCartney. „Die Leute neigen dazu, ihn als scharfzüngig, aggressiv und schroff zu sehen, aber er hatte wirklich auch eine sehr warme Seite, die er nur ungern zeigte, um nicht zurückgewiesen zu werden.“
Lennon sagte, der Text – in dem er eine neue Geliebte um Zärtlichkeit bittet, nachdem er von seiner letzten Freundin verletzt wurde – sei „halb autobiografisch, aber nicht bewusst“. Oberflächlich betrachtet hatte er wenig mit seinem Leben zu tun: Er war seit Jahren mit seiner Frau Cynthia zusammen, und ihr Sohn Julian war fast ein Jahr alt.
D und B-Moll und E-Moll
Musikalisch war es jedoch einer der cleversten Songs, die Lennon bis dahin geschrieben hatte: Die harmonischen Tricks des klimpernden, unkonventionellen Anfangs waren meilenweit entfernt von dem, was andere Bands zu dieser Zeit machten, und es „tropfte vor Akkorden“, wie McCartney sagte. Außerdem zeigte es einige der besten Gesangsleistungen der Beatles. Lennon und McCartney teilten sich ein einziges Mikrofon für ihre Everly-Brothers-ähnlichen engen Harmonien.
„[‚If I Fell‘] war der Vorläufer von ‚In My Life‘“, betonte Lennon später. „Es hat die gleichen Akkordfolgen: D und B-Moll und E-Moll, solche Sachen. Es zeigt, dass ich damals sentimentale Liebesballaden geschrieben habe, alberne Liebeslieder.“
Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“.
25. „Here, There and Everywhere“
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- Hauptkomponist: McCartney
- Aufgenommen: 14., 16. und 17. Juni 1966
- Veröffentlicht: 8. August 1966
- Nicht als Single veröffentlicht
Ein Paradoxon von „Revolver“: Es markiert die Zeit, in der die Beatles begannen, die unzähligen kreativen Möglichkeiten des Aufnahmestudios zu erkunden, enthält aber gleichzeitig einige der stromlinienförmigsten, geradlinigsten Stücke im Repertoire der Gruppe – darunter McCartneys strahlend beruhigendes Liebeslied „Here, There and Everywhere“. McCartney schrieb es in Lennons Haus in Weybridge, während er darauf wartete, dass Lennon aufwachte. „Ich saß mit meiner Gitarre auf einem der Liegestühle am Pool und begann, in E zu klimpern“, erinnert sich McCartney.
„Bald hatte ich ein paar Akkorde, und als er aufwachte, hatte ich den Song so gut wie fertig geschrieben, also gingen wir ins Haus und stellten ihn fertig.“ McCartney hat „Pet Sounds“ von den Beach Boys als seinen wichtigsten Einfluss für „Here, There and Everywhere“ genannt. McCartney hatte das Album vor seiner Veröffentlichung bei einer Listening Party in London im Mai 1966 gehört und war begeistert.
McCartney hat sie wiederholt als eine seiner besten Kompositionen bezeichnet
Die Akkordfolge des Songs trägt den Einfluss von Brian Wilson, der durch drei verwandte Tonarten schlendert, ohne sich jemals vollständig auf eine festzulegen, und die Modulationen – insbesondere die in der Zeile „changing my life with a wave of her hand“ – unterstreichen geschickt den Text, der von McCartneys Freundin, der Schauspielerin Jane Asher, inspiriert wurde. (Das Paar, dessen Karrieren oft zu längeren Trennungen führten, trennte sich im Juli 1968.) Als George Martin den Song hörte, überredete er die Musiker, hinter dem Leadgesang im Stil eines Barbershop-Quartetts zu summen. „Die Harmonien sind sehr einfach“, erinnerte sich Martin. „Es gibt nichts besonders Raffiniertes, keinen Kontrapunkt, nur bewegte Blockharmonien. Sehr einfach … aber sehr effektiv.“
McCartney hat sie wiederholt als eine seiner besten Kompositionen bezeichnet, eine Meinung, die auch sein Songwriting-Partner teilte: Lennon sagte 1980 gegenüber Playboy, dass es „einer meiner Lieblingssongs der Beatles“ sei.
Die Gruppe verbrachte drei Tage im Studio, um an dem Song zu arbeiten, was für einen einzelnen Titel in dieser Zeit ungewöhnlich lang war. Nachdem man sich auf einen zufriedenstellenden Rhythmus-Track geeinigt hatte, nahm die Band den Hintergrundgesang auf, dann spielte McCartney seinen Leadgesang ein – der eine überraschende Inspiration hatte. „Als ich ihn im Studio sang, dachte ich: ‚Ich singe ihn wie Marianne Faithfull‘ – etwas, das niemand jemals erfahren würde“, sagte er. „Ich habe fast mit Falsettstimme gesungen und den Gesang doppelt aufgenommen. Meine Marianne-Faithfull-Imitation.“
Erschienen auf: „Revolver“.
24. „Happiness Is a Warm Gun“
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- Hauptsongwriter: Lennon
- Aufgenommen: 23. bis 25. September 1968
- Veröffentlicht: 25. November 1968
- Nicht als Single veröffentlicht
Lennon bezeichnete diese rasante, erotisch aufgeladene Minisuite als einen seiner besten Songs. „Oh, ich liebe ihn“, sagte er 1970 gegenüber Rolling Stone. „Ich finde, es ist ein wunderschöner Song. Ich mag all die verschiedenen Dinge, die darin passieren. . . . Er schien alle verschiedenen Arten von Rockmusik zu durchlaufen.“ Das Buch „The Beatles Anthology“ enthält eine markierte Kopie des Textblatts, in dem Lennon die drei verschiedenen Abschnitte skizziert, aus denen „Happiness“ besteht: „Dirty Old Man“, „The Junkie“ und „The Gunman (Satire of ’50s R&R)“.
Der Titel wurde von einer Schlagzeile in einem Waffenmagazin inspiriert, das George Martin Lennon gezeigt hatte und in der es hieß: „Happiness is a Warm Gun“ – eine Abwandlung des Bestsellers „Happiness Is a Warm Puppy“ von Charles Schulz, dem Zeichner der Peanuts-Comics, aus dem Jahr 1962. „Ich fand das eine fantastische, verrückte Aussage“, sagte Lennon. „Eine warme Waffe bedeutet, dass man gerade etwas erschossen hat.“
Die „Mother Superior“ in den Texten ist eine Anspielung auf Ono selbst
Lennon behauptete später, dass es in dem Song „überhaupt nicht um ‚H‘ ging“, aber der Drogenbezug ist überall zu spüren. Die „Junkie“-Sequenz in der Mitte des Songs („I need a fix ’cause I’m going down“) war der gesamte Inhalt seines ursprünglichen Demos, das im Mai 1968 aufgenommen wurde. Als der Song im September aufgenommen wurde, hatte Lennon bereits begonnen, Heroin zu nehmen – seitdem er und Yoko Ono in eine Londoner Wohnung gezogen waren, die Starr ihnen im Juli gemietet hatte. Die „Mother Superior“ in den Texten ist eine Anspielung auf Ono selbst, die Lennon „Mother“ nannte.
Zu diesem Zeitpunkt hatte „Happiness Is a Warm Gun in Your Hand“, wie der ursprüngliche Titel lautete, seine endgültige Form angenommen. Einige der surrealen Zeilen im ersten Abschnitt, „Dirty Old Man“, stammen aus einem Gespräch mit dem Pressesprecher von Apple, Derek Taylor, unter Drogeneinfluss: „Ate and donated to the National Trust“ (Aß und spendete an den National Trust) ist beispielsweise eine Anspielung auf Menschen, die auf öffentlichem Grund ihre Notdurft verrichten (ein häufiges Problem, mit dem Lennon beim Spazierengehen in und um Liverpool konfrontiert war), und die „velvet hand“ (samtige Hand) spielt auf einen Mann an, der Taylor erzählt hatte, dass das Tragen von Moleskinhandschuhen ihm „ein etwas ungewöhnliches Gefühl, wenn ich mit meiner Freundin unterwegs bin“. „Satire of ’50s R&R“ mit seiner klassischen Doo-Wop-Akkordfolge wurde aus einer ähnlichen Passage in Lennons Demo von „I’m So Tired“ modifiziert.
Die Beatles brauchten zwei Nächte und 70 Takes, um die kniffligen Tempowechsel von „Happiness“ zu meistern. McCartney war von dem Ergebnis besonders angetan und bezeichnete es als einen seiner Lieblingssongs auf dem „White Album“.
Erschienen auf: „The Beatles“.
23. „Abbey Road Medley“
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- Autoren: McCartney-Lennon
- Aufgenommen: 6. Mai bis 18. August 1969
- Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
- Nicht als Single veröffentlicht
Die ursprüngliche Idee stammte von McCartney, aber George Martin behauptete, dass der endgültige Triumph der Beatles als Aufnahmegruppe – das acht Songs umfassende Medley, das die zweite Seite von „Abbey Road“ dominiert – zumindest teilweise sein Verdienst war. „Ich wollte John und Paul dazu bringen, sich ernsthafter mit ihrer Musik auseinanderzusetzen”, sagte der Produzent. „Paul war ganz begeistert von solchen Experimenten.“ Tatsächlich leitete McCartney die erste Session für diesen erweiterten Teil des Albums – am 6. Mai 1969 für „You Never Give Me Your Money“, seine trügerisch fröhliche Anklage gegen die geschäftlichen Alpträume bei Apple Corps.
Lennon war an dem Medley weit weniger interessiert, obwohl er einige seiner exzentrischsten Teile beigesteuert hatte, wie das spöttische „Mean Mr. Mustard“ und das schnelle, funkige „Polythene Pam“. Später bezeichnete er das Konzept im ROLLING STONE als „Müll“ und sagte, dass „keiner der Songs etwas miteinander zu tun hatte, es gab überhaupt keinen roten Faden, nur die Tatsache, dass wir sie aneinandergehängt hatten“.
„Wir haben zusammengehalten“, sagte McCartney stolz
In gewisser Weise hatte er Recht. Die 16-minütige Sequenz – die von „Money“ und dem üppigen Seufzer von Lennons „Sun King“ über McCartneys Heavy-Soul-Fragment „She Came in Through the Bathroom Window“ und das süße Wiegenlied „Golden Slumbers“ bis hin zu McCartneys berühmtem Rezept in „The End“ („Die Liebe, die du nimmst, ist gleich der Liebe, die du gibst“) – hat keinen narrativen Zusammenhang. Aber das Medley auf „Abbey Road“ ist das Beste, was die gereiften Beatles zu bieten haben: verspielt, sanft, bissig, eindringlich und durch die Musik verbunden. Ihre Harmonien sind hinreißend und komplex, die Gitarren selbstbewusst und schneidend.
„Wir haben zusammengehalten“, sagte McCartney stolz. „Auch wenn diese Unterströmung vorhanden war“ – eine Anspielung auf die Spannungen und Differenzen, die sie seit dem White Album auseinandergebracht hatten – „hatten wir selbst in den schlimmsten Zeiten noch großen Respekt voreinander.“
Die Beatles nahmen die einzelnen Teile des Medleys zu verschiedenen Zeitpunkten und in unterschiedlicher Reihenfolge während der Sessions für „Abbey Road“ im Juli und August 1969 auf. „Mean Mr. Mustard“ stammt aus dem Frühjahr 1968. Die anhaltende Hysterie der Beatlemania kam in „She Came in Through the Bathroom Window“ zum Ausdruck, das von einem übereifrigen Fan inspiriert war. Das emotionale Herzstück der Suite waren jedoch die finanziellen Probleme, die die Energie der Beatles aufzehrten und sie an den Rand des Bankrotts brachten.
„McCartney gab zu, dass „You Never Give Me Your Money“ „eine direkte Kritik an Allen Kleins Haltung war“
Lennon war maßgeblich an der Einstellung von Allen Klein, dem Business Manager der Rolling Stones, beteiligt, um die Bücher und das Chaos bei Apple Corps in Ordnung zu bringen; McCartney wollte, dass die Band Lee und John Eastman, seinen zukünftigen Schwiegervater und Schwager, engagierte. McCartney gab zu, dass „You Never Give Me Your Money“ „eine direkte Kritik an Allen Kleins Haltung uns gegenüber war – lauter Versprechungen, die nie eingehalten wurden“.
Später kehrte McCartney in „Golden Slumbers“ und „Carry That Weight“ (der Text des ersteren stammt aus einem 1603 veröffentlichten Wiegenlied) zum Thema Erschöpfung zurück. „Ich bin im Allgemeinen ziemlich optimistisch“, sagte er, „aber manchmal gehen mir die Dinge so sehr nahe, dass ich einfach nicht mehr optimistisch sein kann, und das war einer dieser Momente. ‚Carry that weight a long time’ – wie für immer!“
Der Austausch der Gitarrensoli in „The End“ war eine Idee der Band. Harrison dachte, ein Gitarrenbreak wäre ein guter Höhepunkt. Lennon schlug vor, dass er, Harrison und McCartney sich alle mit Licks abwechseln sollten. McCartney sagte, er würde anfangen.
Nach Starrs erstem und einzigem Schlagzeugsolo auf einer Beatles-Platte wurden die glühenden Round-Robin-Breaks – mit Harrison in der Mitte und Lennon am Ende – live in einem Take aufgenommen, ein letzter Ausbruch natürlicher Brüderlichkeit einer Band, die nur noch wenige Monate vor ihrer Trennung stand. „Ich wusste damals nicht, dass es die letzte Beatles-Platte sein würde, die wir machen würden“, sagte Harrison über Abbey Road. „Aber es fühlte sich an, als würden wir das Ende der Fahnenstange erreichen.“
„Aus der Asche all dieses Wahnsinns“, sagte Starr, „ist dieser letzte Abschnitt eines der besten Stücke, die wir jemals zusammengestellt haben.“
Erschienen auf: „Abbey Road“.
22. „Eleanor Rigby“
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- Hauptsongwriter: McCartney
- Aufgenommen: 28. und 29. April sowie 6. Juni 1966
- Veröffentlicht: 8. August 1966
- 8 Wochen; Nr. 11
Als McCartney „Eleanor Rigby“ zum ersten Mal seinem Nachbarn Donovan vorspielte, lautete der Text „Ola Na Tungee/Blowing his mind in the dark/With a pipe full of clay“ (Ola Na Tungee/Bläst ihm im Dunkeln den Verstand weg/Mit einer Pfeife voller Lehm). McCartney tüftelte so lange an den Texten herum, bis er schließlich zu der Zeile „Picks up the rice in a church where a wedding has been“ (Sammelt den Reis in einer Kirche, in der eine Hochzeit stattgefunden hat) kam. Da wurde ihm klar, dass er über einsame Menschen schrieb, und er verwandelte den Song in die Geschichte einer alten Jungfer, eines Priesters und wie sich ihre Leben bei ihrer Beerdigung kreuzen.
Es gibt widersprüchliche Geschichten darüber, wie McCartney auf den Namen für die Titelfigur gekommen ist. Laut McCartney kombinierte er den Vornamen von Eleanor Bron, der Hauptdarstellerin in „Help!“, mit einem Nachnamen, den er auf einem Schild in Bristol gesehen hatte: „Rigby & Evans Ltd, Wine & Spirit Shippers“. Lionel Bart, der Autor und Komponist von „Oliver!“, behauptete jedoch, dass sie bei einem Spaziergang mit McCartney auf dem Putney Vale Cemetery in London den Namen Eleanor Bygraves gesehen hätten und McCartney gesagt habe, er würde ihn in einem neuen Song verwenden.
Eleanor Rigby auf dem Friedhof von St. Peter’s im Liverpooler Vorort Woolton
Am faszinierendsten ist, dass in den 1980er Jahren der Grabstein einer Eleanor Rigby auf dem Friedhof von St. Peter’s im Liverpooler Vorort Woolton entdeckt wurde – nur wenige Meter von der Stelle entfernt, an der sich Lennon und McCartney 1957 nach einem Auftritt von Lennons Band The Quarry Men zum ersten Mal begegnet waren. „Es war entweder reiner Zufall oder in meinem Unterbewusstsein“, sagte McCartney.
Nachdem McCartney die Melodie auf dem Klavier in der Wohnung seiner Freundin Jane Asher geschrieben hatte, versammelte er Lennon, Harrison, Starr und Pete Shotton, Lennons Freund aus Kindertagen, in Lennons Haus in Weybridge, um den Text fertigzustellen.
Die Gruppe war sich über bestimmte Details dieser Session einig: Der Priester hieß ursprünglich „Father McCartney“, bis sie den Namen „McKenzie“ in einem Telefonbuch fanden; Starr steuerte die Zeile „darning his socks in the night“ (in der Nacht seine Socken stopfen) bei; und es war Shottons Idee, dass das Lied mit der Beerdigung endet, bei der alle Hauptfiguren zusammenkommen.
Darüber hinaus gaben Lennon und McCartney jedoch dramatisch unterschiedliche Versionen des Schreibprozesses wieder. „Der erste Vers stammt von ihm, der Rest ist im Wesentlichen von mir“, erzählte Lennon dem Journalisten David Sheff im Jahr 1980. „Es war Pauls Baby, und ich habe bei der Erziehung des Kindes geholfen.“ McCartney hingegen behauptete: „John hat mir bei ein paar Worten geholfen, aber ich würde sagen, dass 80 % von mir stammen.“ (Shotton sagte: „Meiner Erinnerung nach war Johns Beitrag praktisch gleich null.“)
Keiner der Beatles spielt tatsächlich ein Instrument in „Eleanor Rigby“
Keiner der Beatles spielt tatsächlich ein Instrument in „Eleanor Rigby“ – McCartney singt die doppelt aufgenommene Leadstimme, und Lennon und Harrison steuern Harmonien bei, aber die Musik wird vollständig von zwei Streichquartetten gespielt, arrangiert von George Martin. „Paul war nicht sofort von dem Konzept begeistert“, sagte Toningenieur Geoff Emerick. „Er hatte Angst, dass es zu süßlich klingen könnte.“
Als er sich mit der Idee einverstanden erklärte, sagte McCartney, er wolle, dass die Streicher „bissig“ klingen. Mit diesem Gedanken im Hinterkopf war Emerick entschlossen, den Klang der Bögen, die auf die Saiten schlagen, mit einer bisher bei keiner Aufnahme, weder im Klassik- noch im Rock’n’Roll-Bereich, gehörten Unmittelbarkeit einzufangen. Anstatt das Oktett mit einem einzigen Mikrofon aufzunehmen, mikrofonierte er jedes Instrument einzeln. „Ich habe die Streicher mit Nahmikrofonierung aufgenommen – wirklich nah“, sagte er. „So nah, dass die Musiker es hassten, weil man sehen konnte, wie sie sich immer wieder auf ihren Stühlen zurücklehnten, um sich vom Mikrofon zu entfernen, falls sie einen Fehler machten.“
McCartney sah den fertigen Track – eine Meditation über Einsamkeit und das Älterwerden, die sich von allem unterschied, was zu dieser Zeit im Radio zu hören war – als einen Durchbruch für sich als Songwriter. Später reflektierte er, dass er, als er „Eleanor Rigby“ schrieb, darüber nachgedacht hatte, was er nach seiner Zeit als Beatle beruflich machen könnte.
„Das könnte ein Weg sein, den ich einschlagen könnte“, erinnerte er sich an seine Gedanken. „Ich hatte eine klare Vorstellung von mir selbst in einer Jacke mit Fischgrätenmuster, Lederaufnähern an den Ellbogen und einer Pfeife. Ich könnte ein ernsthafter Schriftsteller werden, nicht so sehr ein Pop-Autor. Ja, das wäre eigentlich gar nicht so schlecht – im schrecklichen Alter von 30 Jahren.“
Erschienen auf: „Revolver“.
21. „All You Need Is Love“
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- Hauptsongwriter: Lennon
- Aufgenommen: 14., 19., 23., 24. und 25. Juni 1967
- Veröffentlicht: 17. Juli 1967
- 11 Wochen; Nr. 1
Voller kreativer Energie nach der Fertigstellung von „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ machten sich die Beatles sofort wieder an die Arbeit. Als sie eingeladen wurden, in der Fernsehsendung Our World aufzutreten – einer zweistündigen Show mit internationalen Künstlern, die am 25. Juni 1967 in 24 Ländern live übertragen werden sollte –, beschlossen sie, einen aufwendig orchestrierten neuen Titel zu schreiben: „All You Need Is Love“.
„[Beatles-Manager Brian Epstein] kam plötzlich herein und sagte, dass wir Großbritannien in einer weltumspannenden Live-Schaltung vertreten sollten“, erzählte George Martin. „Wir hatten weniger als zwei Wochen Zeit, um das auf die Beine zu stellen.“ Lennon nahm die Last-Minute-Anfrage gelassen: „Oh Gott, ist es schon so weit?“, sagte er ein paar Tage vor der Ausstrahlung. „Ich schätze, wir sollten besser etwas schreiben.“McCartney schrieb ebenfalls einen möglichen Song für diesen Anlass – höchstwahrscheinlich das Music-Hall-Liedchen „Your Mother Should Know“, aber es war offensichtlich, welcher Song besser geeignet war.
„Ich habe sie nie wirklich verstanden“
Die Beatles nahmen zuvor im Studio einen Rhythmus-Track auf (auf dem Harrison zum ersten Mal Violine spielte und Lennon Cembalo), aber sie sangen ihre Stimmen live in der Show, begleitet von einem Orchester und einem Chor, zu dem Mick Jagger, Keith Richards, Marianne Faithfull, Donovan und Keith Moon gehörten. Harrisons Gitarrensolo war ebenfalls live; für diesen Anlass bemalte er seine Stratocaster von Hand in psychedelischen Farben. Martins Arrangement spiegelte den internationalen Geist der Veranstaltung wider: Die Einleitung war ein Ausschnitt aus „La Marseillaise“, der französischen Nationalhymne, während die Coda Teile von Bachs „Brandenburgischem Konzert Nr. 2“, „Greensleeves“ Glenn Millers „In the Mood“ – und sogar einen improvisierten Refrain von „She Loves You“.
Der Hauptteil des Songs war täuschend einfach. „John hat ein unglaubliches Gespür für Timing“, sagte Harrison gegenüber ROLLING STONE. „‚All You Need Is Love‘ überspringt gewissermaßen Takte und wechselt ständig zwischen 3/4 und 4/4, hin und her.“ Der Text stellte für McCartney eine Herausforderung dar. „Der Refrain ist einfach, aber die Strophe [„Nothing you can do/But you can learn how to be you in time/It’s easy“] ist ziemlich komplex“, sagte er. „Ich habe sie nie wirklich verstanden.“
„All You Need Is Love“ war der erste Song von Lennon mit einem Titel, der auf der Madison Avenue hätte geschrieben werden können (wie später „Give Peace a Chance“ und „Power to the People“). „Ich mag Slogans“, sagte er. „Ich mag Werbung. Ich liebe das Fernsehen.“
Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“.
