Die 100 besten Schlagzeuger aller Zeiten: Plätze 34 bis 65

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65. Sly Dunbar – Der Reggae-Schlagzeuger war nahezu omnipräsent und spielte mit jedem. Lowell Fillmore Dunbar, dessen Riddims häufig gesampelt wurden, ist außerdem wohlmöglich der am meisten aufgezeichnete Musiker der Welt. Dunbar, der seinen Spitznamen aufgrund seiner Hingabe für Sly Stone erhielt, nahm „Night Doctor“ von The Upsetters, seinen allerersten Track, mit 15 Jahren auf. 1972 lernte er den Bassisten Robbie Shakespeare kennen, mit dem er sein Leben lang zusammenspielte, insbesondere für Peter Toshs und Black Uhurus Bands, als auch auf der „Some Girls“-Tour der Rolling Stones 1978. Sly und Robbie brachten Dub-Reggae auf die Bühne, so gut wie niemand sonst. Der Weg zwischen Carlton Barretts entspanntem Swing und Dunbars unerschütterlichem, metrischen Spiel, erfasst, wo aus Roots-Reggae ein Nachfolger des Dancehall wurde.

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64. Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) – Seit seines Debüts 1989 mit den Red Hot Chili Peppers mischte Smith immer wieder die Schnellfüßigkeit des Classic-Funks mit der Power und Lautstärke eines Arena-Rockers. „Er spielt verdammt hart, Mann“, erzählte Sammy Hagar, der Smith für seine Band Chickenfoot engagierte. „Verdammt noch mal, der Typ kommt aus Detroit!“ Nach seiner Zusammenarbeit mit RHCP, war Rick Rubin so begeistern von Chads Vielseitigkeit, dass er seine „gewaltige Kraft und großartigen Vibes“ für seine anderen Produktionen einsetzte. Cliff Martinez, ehemaliger Schlagzeuger der Chili Peppers, nannte ihn „einen Master-Virtuosen … mit einem erfahrenen, sehr verfeinerten Gefühl dafür, was angemessen ist.“ Auch Anthony Kiedis macht Smith dafür verantwortlich, seine eigenartigen Ganzkörper-Drehungen inspiriert zu haben: „Alles was ich dafür tun muss, ist die Augen zu schließen und Chad zuzuhören. Wenn ich das nicht tun würde, wäre es vorgetäuscht.“

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63. Dennis Chambers – Dennis Chambers war Teil desselben Parliament-Funkadelic-Kollektivs, das Künstler Ramon „Tiki“ Fulwood und Jerome Eugene „Bigfoot“ Bailey hervorbrachte. Er kombinierte deren Sinn für Funk mit Tony Williams Fusion und inspirierte wiederum unzählige Gospel- und Hip-Hop-Schlagzeuger. Er arbeitete neben dem funkigen Jazzgitarristen John Scofield als hauseigenem Schlagzeuger für das Label Sugar Hill (Chambers spielte das Schlagzeug auf „Rapper’s Delight“). Der ursprünglich aus Baltimore stammende Musiker - einen Stil, der auf grandiosen Grooves und verbrannten, Buddy-Rich-artigen Fills aufbaute. (Publikumsliebling Travis Barker von Blink-182, fasste in wenigen Worten seinen Eindruck zusammen: „Ich mochte Dennis Chambers schon immer, er ist wirklich ,flashy‘.“) Seit den Neunzigern tourte er ausgiebig mit Carlos Santana, Steely Dan und John McLaughlin, während er weiterhin als Bandleader tätig war. Chambers Solo-Alben – darunter „Big City“, "Getting Even" und "Outbreak" – sind traurigerweise weitestgehend unbeachtete Beispiele für seine majestätische Schlagkraft und geschickten Sinn für das Kompositorische.

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62. Tony Thompson (Chic) – Er machte die schonungslosen Four-On-The-Floor-Grooves für Chic, der am härtesten rockenden Band der Disco-Ära. Sein Ansehen erreichte seinen Höhepunkt in den Siebzigern, aber sein Einfluss reichte bis in die Achtziger. Thompson spielte mit bei Pop-Hymnen wie Robert Palmers „Addicted to Love“ und Madonnas „Like a Virgin“. Thompson war sogar als Nachfolger für John Bonham im Gespräch, als es Überlegungen über ein Led-Zeppelin-Revival gab. Selbstverständlich war auch er es, der den Groove für das Original des Songs „Good Times“ kreierte, der Chic-Song, der von mehreren Schlagzeugern versucht wurde nachzuspielen. „Über die Jahre hinweg haben Leute immer versucht mich zu sampeln. Alle dachten, dass es da eine Art Spezial-Knopf gab“, erzählte Thompson „Modern Drummer“. „Aber alles, was es benötigte, war ein brandneues Yamaha-Schlagzeug in einem sehr lebendigen Studio aus Ziegelstein. Ich schlug ziemlich hart auf das Schlagzeug ein. Das war’s!“

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61. Clem Burke (Blondie) – Blondies Clem Burke brachte einen unerwarteten Rhythmus in den Raw-Punk und New-Wave, der aus den New Yorker Clubs der Siebzigerjahre, wie das CBGBs, schallte. Nach allen Überlegungen gab die Band ihrem ersten Album den Namen „Eat To The Beat“. Burkes Mischung aus klarem Backbeat und kinetisches, Keith Moon inspiriertes Poltern halfen Blondie dabei sich von der Menge abzuheben. Mit Burke am Schlagzeug nahm die Band alles von Disco-Grooves und Reggae, bis hin zu Hip-Hop-Beats in ihren Superhits auf. Seine Präsenz und sein Charisma lagen jenseits der eines typischen Schlagzeugers. „Er sprang häufig und gerne mal über sein Schlagzeug“, erzählte Lead-Sängerin Deborah Harry dem „Chicago Tribune“. „Clem erschien und er war ein richtiger Star. Er konnte spielen und du sahst sofort, das ist sein Leben.“

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60. Mick Fleetwood (Fleetwood Mac) – Zusammen mit seinem Freund John McVie blieb Mick Fleetwood eine Konstante während der vielen stilistischen Veränderungen seiner Namensvetter-Band. Angefangen mit Peter Greens Blues-Rock in den späten Sechzigern wuchs die Band zum erwachseneren Pop mit dem fortlaufenden Stevie-Nicks–Lindsey-Buckingham Lineup heran. Fleetwoods rhythmische Persönlichkeit ist in jedem Song des zeitlosen Best-Seller-Albums „Rumors“ zuhören. Die stilvollen Fills, die den Song „Dreams“ eröffnen, sind ebenso eingängig wie jeder andere Chorus und der Tom-Tom-Gegenpart zu Buckingham rhythmischer Gitarre ist wesentlich für „Go Your Own Way“. Buckingham lobte Fleetwood für seinen „instinktiven“ Stil und erzählt die Geschichte über jenen unverwechselbaren Cowbell-Break, den der Schlagzeuger der ersten Single der Band, „Oh Well“, beifügte. „Mick machte das so aus dem Stegreif und als er es zu wiederholen versuchte, schaffte er es nicht! Es brauchte Wochen um das zu lernen, was er in einem Moment hinbekommen hatte.“ Als Performer der er ist, sind Fleetwoods instinktive Begabung sowie sein kindliches Entzücken für das Schlagzeug bis zum heutigen Tage weiterhin intakt.

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59. Jim Gordon – Hal Blaines Protégé gehörte zu den Top-Session Musikern der Sechziger und spielte fast überall, von „Pet Sounds“ von The Beach Boys bis zu „Classical Gas“ von Mason Williams. Während er mit Delaney & Bonnie auf Tour war, lernte er Eric Clapton kennen, der ihn (und einige seiner Bandkollegen) dazu verpflichtete Derek and the Dominos zu gründen. Gordon’s Kombination aus bluesigem Gefühl und professioneller Finesse versorgte die Klassiker-Double-LP „Layla“ und weitere ausgesuchte Liebeslieder mit Energie. Gordon nahm zusammen mit Künstlern wie Randy Newman und Steely Dan auf. Er wurde zu einer unwahrscheinlichen Persönlichkeit, die im Hip-Hop aufstieg, nachdem DJ Kool Herc anfing, Tänzer aus der Bronx mit Gordons Drum-Break auf dem Song der Bongo Band „Apache“ zu inspirieren. „Jeder war auf der Suche nach dem perfekten Beat, um diese Aufnahme zu übertreffen“, erinnert sich Herc. „Sie haben es bis heute nicht geschafft ihn zu schlagen.“

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58. Sheila E. (Prince) – Sheila E. , geboren mit dem Namen Sheila Escovedo, als Tochter des Percussionisten Pete Escovedo, war ein Wunderkind und spielte bereits in jungem Alter mit Künstlern wie Marvin Gaye und Herbie Hancock. Berühmt wurde sie durch ihren klaren, makellosen polyrhythmischen Stil in der Band von Prince Ende der Achtziger. Obwohl sie auf ihren eigenen Solo-Hits wie „The Glamorous Life“ aus dem Jahre 1984 selber sang, war es ihre hohe Stellung als ein nach wie vor gefragter Schlagzeuger, welches ihr musikalisches Erbe sicherte. „Es ist ziemlich interessant, das alle immer darüber redeten, was für einen Einfluss Prince auf mich hatte, wenn eigentlich ich diejenige war, die ihn zuerst beeinflusst hat“, erzählte sie „Fox News“. „Als ich zu ihm kam um mich vorzustellen, wusste er bereits, wer ich war, was mich natürlich völlig überraschte, und er sagte, ‘Ich weiß schon, wer du bist. Ich verfolge deine Karriere schon seit einigen Jahren und du bist großartig und ich hätte es gerne, dass du in meiner Band spielen würdest.“

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57. Manu Katché – In den späten Achtzigern und frühen Neunzigern weigerten sich Künstler wie Peter Gabriel oder Sting schlichtweg rhythmisch auf der Stelle zu bleiben. Deshalb suchten sie den unfassbar dynamischen Schlagzeuger Manu Katché auf, damit er deren umfangreiche Worldbeat-Visionen umsetzte. Dank seines nuancierten Splash-Cymbal Einsatzes und seiner stotternden Beats ist er auf Anhieb wiedererkennbar. Katché ist für den westafrikanischen Rhythmus auf Gabriels Song „In Your Eyes“ verantwortlich, sowie für den Trip-Hop-Groove in „Digging in the Dirt“. Für Stings schizophrenen „Englishman in New York“ schwankt er zwischen Reggaer-Lite, Jazz-Breaks und ein wenig Mitte-80er-Jahre-Hip-Hop mit der Geschmeidigkeit eines DJs. „Als wir 1987 auf Amnesty-Tournee gingen, fragte ich Manu Katché, ob ich mich hinter ihn setzten könnte und zuschauen dürfte“, sagte Larry Mullen Jr von U2, „Er war total erschrocken und wusste nicht, was ich tun würde, obwohl ich einfach nur sehen wollte auf was echte Schlagzeuger kommen!“

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56. Richie Hayward (Little Feat) – Als Schlagzeuger der surrealistischen Boogie-Band Little Feat tendierte Richie Hayward dazu über, unter und um den Beat herum zu spielen. Nachdem er auf Lowell Georges Anzeige („Drummer gesucht – muss freakig sein“) in „L.A. Free Press“ reagierte, überstand er sowohl die entscheidenden Erfolge als auch die kommerziellen Versäumnisse von Feat. Als die treibende Kraft in der Band machte er aus Little Feats ernster, altmodischer Americana-Version jene farbenfrohe, swingende und witzige Tanz-Version der Band. Laut Jon Fishman, Schlagzeuger von Phish, „ist es am einfachsten vorherzusehen, was er zu jedem Zeitpunkt spielen könnte, wenn man auf den Songtext achtet“. Hayward navigierte Feats verworrene Prog-Boogie und unorthodoxe Song-Struktur mit seinem Schlagzeugspiel und ergänzte sie um hoch gesungene Harmonien. Er führte den sumpfigen Lousiana-Sound ein und leitete damit den Second-Line Funk ein, den später Künstler wie Robert Plant und Bob Dylan berühmt machten.

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55. Max Weinberg (Bruce Springsteen) - Im Frühling 1974 entdeckte Max Weinberg eine Anzeige in „The Village Voice“ , dass Bruce Springsteen and The E Street Band einen neuen Schlagzeuger aber keinen "Junior Ginger Baker" suchen würden. Weinberg war ein professionell ausgebildeter Broadway-Show-Schlagzeuger: also genau das komplette Gegenteil von Cream’s Wild-Man-Drummer. Bei einem Vorspiel haute er Springsteen vom Hocker und wurde eingestellt, als die Arbeiten an „Born To Run“ begannen. Es ist einfach unmöglich sich vorzustellen, wie das Album wohl ohne Weinbergs straffen Puls geklungen hätte. Nach dessen Erfolg arbeitete der Schlagzeuger mit wirklich jedem von Meat Loaf bis Bonnie Tyler. Als sich The E Street Band 1989 auflöste, wurde er zum Bandleader von Conan O’Brien und schaffte es sogar 1999, als sich die Band wieder zusammenschloss, beide Jobs gleichzeitig zu machen. Bruce Springsteen sagte in seiner „Rock and Roll Hall of Fame“-Dankesrede 1999: „Ich bitte und er liefert für mich, Nacht für Nacht.“

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54. Ahmir „Questlove“ Thompson (The Roots) – Amir Thompson hat bereits viele, viele Rollen verkörpert – der Neo-Soul Super-Produzent, Polymetrischer Autor und Geschichtenerzähler, Talk-Show-Bandleader, Broadway-Musical-Consultant – doch all diese Gelegenheiten kamen nur dadurch zustande, weil er vor allem ein sündhaft vielseitiger Schlagzeuger ist, dessen Schlagzeugspiel immer wieder alle Erwartungen auf den Kopf stellte. Viele waren zuerst eher skeptisch gegenüber dem „Live-Band Hip-Hop“. Doch spätestens in dem Moment als in „You Got Me“ von The Roots sich Thompsons stetiger Puls in eine Simulation von rasenden Backbeats verwandelte, die sonst nur Drum’n’Bass-Produzenten elektronisch bastelten, war jeder Mund sperrangelweit offen. Die Gig-Anfrage von „The Tonight Show“ mit Jimmy Fallons nahm er nicht an, weil es leicht verdientes Geld war, sondern vor allem als eine nächtliche Herausforderung, die er seiner stetig wachsenden Liste von Rhythmen hinzufügen konnte. „Das ist es, was Ahmir so cool macht“, erzählte Gitarrist Charlie Hunter, der mit Thompson zusammen an D’Angelos „Voodoo“-LP arbeitete, „The New Yorker“. „Er sitzt einfach in dieser Ablage und denkt an das größere Bild.“

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53. Jimmy Chamberlin (Smashing Pumpkins) – Laut Billy Corgan, Bandleader der Smashing Pumpkins, erschien Jimmy zu seiner ersten Probe in einem „pinken T-Shirt, stonewashed Jeans und einem Vokuhila. … Wir dachten schon, ‘Das ist nicht der Richtige’. Aber er hat jeden unserer Songs auswendig gelernt, und nach nur einmal proben, waren wir bereit zum auftreten. So gut war er.“ Anders als Schlagzeuger wie Nirvanas Dave Grohl oder Soundgardens Matt Cameron spielte Chamberlin wie ein todernster, dem Jazz verpflichteter Musiker. Er versetze dem 1993er „Siamese Dream“-Album feste Snare-Wirbel, dem 1995er „Mellon Collie“- und „Infinite Sadness“- Album mit Leidenschaft Orchestersound, wodurch er ebenso unabdingbar für den Sound der Band wurde wie Billy Corgans Metallkette. „Du kannst nicht einfach irgendjemanden schnappen und ihm sagen, ‘Spiel das Schlagzeug von diesem Smashing Pumpkins Song’“, erzählte Corgan USA Today. „Jimmys Schlagzeug-Parts sind einfach so unfassbar technisch und nuanciert, dass es nur eine Handvoll Menschen schaffen könnte, einzusteigen und diese zu spielen.“

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52. Matt Cameron (Soundgarden) – Mehr als irgendein anderer Schlagzeuger legte er die rhytmische Fundierung für die Rock-Revolution der Neunziger, indem er Prog-Techniken mit einer überwältigenden Kraft unter einen Hut brachte. Er selbst beschrieb seine rotierenden, messerscharfen Rhythmen auf dem 1991er Track „Jesus Christ Pose“ von Soundgarden, als „einen einzigen Überfall auf die Sinne.“ Trotzdem war jene effiziente Brutalität nicht unbedingt charakteristisch für Camerons Schlagzeugspiel in der Band. Seine Arbeit auf dem Album „Superunkown“ ist gleichermaßen durchdacht wie kräftig, von der fließenden Asymmetrie auf „Spoonman“ bis hin zum unerschütterlichen Backbeat in „Fell on Black Days“. Selbst zwanzig Jahre nach der Veröffentlichung feierte Dave Grohl immer noch das Album: „Niemand spielt das Schlagzeug so wie Matt.“ Als sich Soundgarden 1997 plötzlich auflösten, blieb Cameron nicht allzu lange arbeitslos: Pearl Jam lud ihn ein, im darauffolgenden Jahr mit ihnen auf Tour zu gehen. „Sie haben nicht mal versucht mich auch nur ein bisschen abzumildern“, erzählte er einem Journalisten, kurz vor einer weiteren Zusammenarbeit mit der Band. „Ich bin ein bisschen dafür bekannt, dass ich komische, verrückte Fills spiele und manchmal einfach Sachen, die ich nicht spielen soll, aber sie liebten es – das haben sie mir zumindest gesagt."

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51. Alex Van Halen (Van Halen) – Sein Ehrgeiz so groß wie eine Arena und ihre durch den Jazz inspirierte Geschicklichkeit machten Van Halen zu einer der pulsierendsten Rockbands. Millionen von jungen Schlagzeugern in ganz Amerika versuchten in den Achtzigern wie wild Alex Van Haltens Tom-Tom-Werk oder seinen galoppierenden Swing nachzumachen, den er bei „Hot for Teacher“ oder im Anfangsgroove von „Finish What You Start“ spielte.“ Seine Hingabe und Härte sind auch ziemlich beeindruckend: In einem Feature von 1984 im amerikanischen Rolling Stone wurde ein Konzert beschrieben, bei dem Van Halen als Vorband für die Rolling Stones auftrat. Alex hatte seine Hand an vier Stellen gebrochen und spielte dennoch das gesamte Set. „Er war nicht einmal in der Lage einen Drumstick zu halten“, schreibt Journalistin Debby Miller, „also band er den Stick um sein Handgelenk (mit einem Schnürsenkel?) und setzte die Show fort.“ Van Halen führt seine Karrierewahl auf seine Kindheit zurück: „[Mein Vater] war Musiker und es ist schwierig zu beschreiben, aber Musiker sind anders als diejenigen mit einem Bürojob“, berichtete er Kurt Oder von MTV 1991. „Es ist eine ganz andere Mentalität … der ganze Planet ist dein Zuhause.“

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50. Cozy Powell – 1970 betrat Cozy Powell unvermutet als Mitglied der Jeff Beck Group die Szene. Von diesem Zeitpunkt an machte sich Powell einen Namen als der Go-To Schlagzeuger für Tourneen und Sessions. Seine Schlagkraft war ein bedeutender Einfluss für die Entwicklung des englischen Hard-Rock und Heavy-Metal. Obwohl er auch immer wieder eigene Projekte hatte, ist er vor allem für seinen wichtigen Beitrag in Bands wie Rainbow und Whitesnake bekannt, sowie als einer von dreien in der kurzlebigen Band Emerson, Lake & Powell. Er war außerdem eine führende Kraft bei der von Kritikern verleumdeten aber unbestreitbar anspruchsvollen späteren Version von Black Sabbath. In einem Interview von 1999 erinnert sich Emerson an eine Probe, in der Powell gerade sein gewaltiges Schlagzeug zusammen gebaut hatte um dann zu bemerken, dass er seine Sticks vergessen hatte: „Er dachte darüber nach einfach heruntergefallene Äste von meinem Obstgarten zu nehmen, bis ein Farmer aus der Gegend in die Stadt fuhr um anständige zu holen. Sie hatten zwar nicht das richtige Gewicht, aber taten ihren Zweck, indem er sie verkehrt herum hielt und mit dem dickeren Ende spielte. Und dann spielte er sein Schlagzeug-Solo und es hörte sich so an, als wenn der dritte Weltkrieg ausgebrochen wäre.“

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49. Vinnie Colaiuta – „Als ich ihn nur hörte und noch nicht sah, war mir alles klar“, erinnerte sich Josh Freese, der Schlagzeuger von Devo, in einem Interview mit Drum! „Er war der erste, bei dem ich, auch wenn ich ihn aus der Nähe beobachtete, einfach nicht erkennen konnte, was er tat.“ Laut Frank Zappa, der niemals ganz zufrieden gestellt werden konnte, schnappte sich Vinnie Colaiuta den „ersten Preis“, wenn es darum ging, Zappas Gitarren-Soli auf den Punkt genau mit ergänzenden Polyrhythmen zu versorgen. Es gibt keinen besseren Beweis dafür, als das komplexe Gefecht von Gitarre und Schlagzeug auf „Shut Up 'n Play Yer Guitar“. Als Meister von bescheidener Raffinesse war er bei jedem sehr gefragt, angefangen von Herbie Hancock über Joni Mitchell bis hin zu Sting. „Du bist nicht dafür da, um einen Haufen Mist zu zeigen oder das Zentrum der Aufmerksamkeit zu sein“, sagte er selbst über seinen Beruf, „Du bist da, um mit dem Rest zu verschmelzen und ein Teil des Ganzen sein.“

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48. John "Drumbo" French – 1966 schloss sich John „Drumbo“ French der Band von Captain Beefheart, The Magic Band, an. Sein Toms-lastiger, polyrhytmischer Stil wurde zu einem ebenso wesentlichen Bestandteil der Band wie Don Van Vliets modern-blues Krächzen. French war der Musikdirektor bei „Trout Mask Replica“, das avantgardistische Meisterwerk von The Magic Band, das er selbst aber eher verbittert verließ. „Noch nie haben so viele für so wenig [Geld] gearbeitet“, erzählte French über die Session, aus der das Album produziert wurde und fügte hinzu: „Ich habe keinen Cent jemals dafür bekommen.“ Während der Aufnahmen von Replica veränderte ein Gruppenausflug in die Salvador Dali Ausstellung seine komplette Auffassung vom Schlagzeug spielen und erweckte sein Talent für rhythmische Überlagerung. Auf dem Nachfolgeralbum „ Lick My Decals Off, Baby“ aus dem Jahre 1970 war Drumbos Stil sogar noch fortschrittlicher. Dies ist möglicherweise das beste aufgenommene Beispiel für seine prasselnde, chaotische sowie stark kontrollierte Technik. Später im Leben leitete French seine eigene Magic Band und dirigierte Captains Vocals so wie ein verzerrtes Karma-Payback für seinen ersten Arbeitseinsatz.

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47. Dave Lombardo (Slayer) – Der gebürtige Kubaner erhielt den Spitznamen „A.D.Dave“ von seinen Bandkollegen von Slayer. Er hielt mühelos das rasend schnelle Tempo auf Songs wie „Angel of Death“ und „War Ensemble“ mit einer halsbrecherischen Geschwindigkeit. Zusätzlich ließ er immer wieder swingenden Latin-Jazz durchblicken. Aufgrund von angespannten Verhältnissen innerhalb der Band trat er wiederholt aus der Band aus und wieder ein (zur Zeit spielt er mit Dead Cross). Diese Umstände ermöglichten es ihm schließlich aber auch mit Künstlern wie Fantômas, die mit Art-Metal experimentierten, dem Komponisten und Provokateur John Zorn sowie Tip-Hop-Leader DJ Spooky und dem visuellen Künstler Matthew Barney zu arbeiten. „Er ist ein Koffeinjunkie“, meinte einmal Kerry King, der zusammen mit Lombardo bei Slayer spielte. „Er steht immer unter Strom und sitzt niemals still.“

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46. Dave Garibaldi – David Garibaldi erweiterte mit Tower of Power nicht nur das Publikum für James Browns Turn-Of-The-Seventies rhythmische Experimente, seine rhythmische Intelligenz war sogar ausschlaggebendes Element in der Hit-Single der Bay-Area Soul-Funk Gruppe „What Is Hip?“. „Es war seine Idee Rocko [Prestia] dazu zu bringen jene Sechzehntelnoten auf dem Bass zu spielen“, bemerkte Emilio Castillo, Tower of Powers Bandleader, „das ist es, was dem Song seinen Drive gab.“ Anfangs tauchte Garibaldi sogar mehrmals auf dem zweiten Studioalbum von The Beastie Boys, „Paul’s Boutique“, auf und für den Schlagzeuger der Red Hot Chilli Peppers, Chad Smith, war er ein prägender Einfluss. Dieser sagte, „sein Schlagzeugspiel…. brachte mich auf das nächste Level.“ „Funky Drummer“ Clyde Stubblefield selbst nannte Garibaldi seinen absoluten Favoriten und lachte, „Der Typ war funky!“

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45. Billy Cobham – In den frühen siebziger Jahren, setzte Billy Cobham einen neuen Maßstab für das Fusion-Drumming, indem er umwerfende, Jazz geschliffene Geschicklichkeit mit explosionsartiger Rock-Power vereinte. Geboren in Panama, trat der Schlagzeuger mit Miles Davis bahnbrechenden Bitches Brew auf und, noch entscheidender, spielte er auf „A Tribute to Jack Johnson“, wo sein Zusammenspiel mit dem Gitarristen John McLaughlin das vorgab, was die beiden zusammen im Mahavishnu Orchestra noch erreichen würden. Cobhams Einfluss ging weit über den Jazz hinaus: Prog-Zeitgenosse Bill Bruford von den King Crimsons verfolgte seinen Werdegang sehr interessiert, jüngere Schlagzeuger wie Danny Carey von Tool lernten von ihm und sogar Prince spielte auf einem Konzert eine Version von Cobhams „Stratus“. Es gibt vielleicht keinen größeren Fan als Phil Collins, der Mahavishnus „Inner Mounting Flame“als Haupteinfluss für seinen früheren Stil nannte. „Billy Cobham spielt auf diesem Album mit das beste Schlagzeug, das ich je gehört habe“, so Collins.

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44. Jerry Allison (Buddy Holly And The The Crickets) – Jerry Allison war einer der ersten, der mit Buddy Holly in einem Gittarre-Schlagzeug-Duo, das auch über den längsten Zeitraum Bestand hatte, zusammenarbeitete. Der Schlagzeuger von The Crickets schrieb nicht nur mit Holly zusammen an „That’ll Be the Day“, sondern überredete seinen Freund den Titel von „Cindy Lou“ in „Peggy Sue“ zu ändern, weil das der Name einer Frau war, die Allison in der Zeit beeindrucken wollte. Dennoch war die bedeutendste Hinterlassenschaft des Schlagzeugers eine rhythmische: Der klassische Cha-Cha-Rhytmus hatte nicht funktioniert, aber Produzent Norman Petty hörte wie Allison zwischen den Aufnahmen einen bestimmten Rhythmus klatschte und wies den Schlagzeuger an diesen stattdessen zu spielen. Buddy Holly and The Crickets war die erste Rock-and-Roll-Band, die das Studio mit den Worten des Fans Marshall Crenshaw „als eine Mischung aus Versuchslabor und Spielplatz“ nutzte. Besonders Allison war mehr als gewillt alles auszuprobieren: Auf „Everyday“ klatscht er mit seinen Händen auf seinen Schoß. Als Hommage an jene subtile Genialität spielte Ringo Starr bei den Beatles-Aufnahmen zu Hollys „Words Of Love“ auf einem Koffer.

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43. Phil Collins – Bevor Phil Collins einer der erfolgreichsten Pop-Sänger der 1980er Jahre wurde, war er einer der abenteuerlichsten Schlagzeuger der 1970er Jahre, der mit wegweisenden Acts wie Brian Eno, dem Jazz-Fusion-Kollektiv Brand X und - natürlich - mit dem von dem Virtuosen Peter Gabriel angeführten Lineup Genesis zusammen arbeitete. 1979, während einer Gabriel-Solo-Session, etablierte Collins sein Markenzeichen, den „Gated-Snare-Drum“-Sound, der in kürzester Zeit das ganze Pop-Universum eroberte und zu einem Schlüsselelement von unzähligen Achtzigerjahre-Aufnahmen wurde. Auf „In The Air Tonight“, mit dem vermeintlich bekanntesten Drum-Fill des Jahrzehnts, benutzte er denselben Sound. Nach diesem Hit holten sich Robert Plant, Eric Clapton und viele andere Superstars Collins ins Studio, damit er auf deren Alben das Schlagzeug spielte. Als Folge der Genesis-Reunion-Tournee 2007 erlitt er schwere Nervenschäden an den Händen, die es ihm fast unmöglich machten, allein die Drumsticks zu umfassen, geschweige denn das Instrument zu spielen. Ein grausames Schicksal für einen so innovativen und einflussreichen Musiker. „Ich liebe sein Drumming und ich habe keine Angst das zuzugeben“, sagte der Schlagzeuger von Mastodon Brann Dailor. „Als der Schlagzeuger von Genesis finde ich, war er grandios und nicht ausreichend erwähnt. Er ist einfach ein so großer, begabter Schlagzeuger.“

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42. Bill Ward (Black Sabbath) – Ausgehend von seinem Status als der Schlagzeuger der Band, die unbestreitbar Heavy Metal erfand, ist es ein wenig verwunderlich, wenn man darüber nachdenkt, was für ein flinker Spieler Bill Ward eigentlich schon immer war. Aufgewachsen und inspiriert durch Jazzgrößen wie Joe Morello und Gene Krupa brachte der Mitgründer von Black Sabbath ein Gefühl für stilvolle Elastizität in die ominösen Stapfen, welche das frühere Wirken („Black Sabbath“, „Iron Man“) der Band bestimmten. Anstatt die kultigen Riffs des Gitarristen Tony Iommi zu imitieren, tanzt er um sie herum – man achte auf seine Performance in „Electric Funeral“ oder seine stotternden Tom-Tom-Breaks in „Rat Salad“. Und wenn er es wollte – wie bei „Hand Of Doom“ – konnte er ebenso funky sein wie jeder andere R&B-Schlagzeuger. „Bill Ward könnte tagelang für irgendwelche Hip-Hop-Aufnahmen gesampelt werden“, stellte Brad Wilk fest, Schlagzeuger bei Rage Against the Machine und großer Ward-Bewunderer, der ihn 2013 auf der Comeback-Disc der Band „13“ nur widerwillig ablöste. Spätere Sabbath-Schlagzeuger, darunter ein bombastischer Vinny Appice und der auffälligere Cozy Powell, brachten zwar eine arenareife Professionalität mit sich, konnten aber nie ganz Wards bodenständiges Spiel am Schlagzeug nachbilden. Das war auch einer der vielen Gründe, warum seine ständige Zankerei mit den anderen Sabbath-Mitgliedern der Originalbesetzung eine große Enttäuschung war.

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41. Carter Beauford (Dave Matthews Band) – Carter Beauford, eines der Gründungsmitglieder der Dave Matthews Band, ist ein kräftig chop schlagender Jazz-Schlagzeuger und ein Fan von Tony William mit einer Schwäche für Pop. Obwohl seine Band sich nach dem Groove richtete, füllte er die meisten der bekannteren Songs mit hoch komplizierten, unglaublich aufwendigen Licks – zum Beispiel das ungewöhnliche Hi-Hat-Muster auf „Ants Marching“, der fummelige Bass-Drum-Einsatz bei „So Much To Say“ oder als er zwei Snares für „Two Step“ verwendete. Außerdem gab es da natürlich noch seine Live-Shows, in denen seine Monster-Trommel-Soli regelrecht explodierten und sich Lieder von Nacht zu Nacht entwickelten. „Jedes Publikum ist anders, also versuchen wir jedes Mal, wenn wir spielen, auch direkt mit diesem zu sprechen“, so Beaufort zu „Guitar Center“. „Wenn du jedes Mal dasselbe spielst, spricht sich das rum.“

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40. Jack DeJohnette – Jack DeJohnette spielte bereits mit vier Jahren Klavier und hat erst nachdem er 18 geworden war angefangen Schlagzeug zu spielen. Dieser relativ späte Start konnte ihn aber nicht aufhalten: Die frühe Zusammenarbeit mit der Avantgarde-Institution, der Association for Advancement of Creative Musicians (AACM), verhalf ihm zur Live-Arbeit mit John Coltrane, einer Position im erfolgreichen Quartett von Charles Lloyd und schließlich zu einem Gig mit Miles Davis, als der Trompeter sich für das Fusion-Wahrzeichen Bitches Brew 1970 rüstete. „Es war großartig mit Miles zu spielen, denn Miles liebte das Schlagzeug“, erklärte DeJohnette Jazz.com 2009. „Alles ging vom Schlagzeug aus. Er mochte Boxen, er war ein großer Box-Fan und er sah beim Schlagzeug im Jazz ähnliche Aspekte.“ Als Bandleader und Komponist brachte DeJohnette all das zusammen, was er gelernt hatte – von AACM perfektionierenden Experimenten, über Coltranes Integrität, zu Davis faustkämpferischen Groove – zusammen mit seinem eigenen angeborenen Talent entstanden unvergessliche Tunes.

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39. Ramon „Tiki“ Fullwood (Parliament-Funkadelic) – „Meine Güte, das war der härteste Fuß-Schlagzeuger, den ich je gehört habe“, sagte Grady Thomas, Sänger in George Clintons Doo-Wop-Crew The Parlaments, über Ramon "Tiki" Fullwood. Der Legende nach musste sich Fullwood mit seinen zarten 17 Jahren in die Clubs schleichen um auftreten zu können und Clinton musste bei seiner Mutter darum betteln, dass er ihn mit auf Tour nehmen durfte. Sein kraftvoller Stil – zusammen mit Eddie Hazels freilaufender Gitarre – ließ das Ende der Band in Anzügen erkennen und führte sie hin zu dem Psychedelic-Potpourri, was die Welt verändern würde. Was man auf Hymnen wie „Maggot Brain“ zu hören vermag, sind seine einzigartigen, schwerfälligen Aufnahmen – eine verzückende, extrovertierte Ausarbeitung, die noch Jahre danach als Sample-Futter für Hip-Hop-Produzenten dienen würde. „Tiki war der Inbegriff dieses Showtime-Mists, mit Power“, meinte Hazels Mutter Grace. „Ich meine, er spielte diesen Mist, als wenn jede Art von Bombe da hinten explodieren würde.“

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38. Jim Keltner – Als einer der angesehensten Sessiondrummer aller Zeiten gab Keltner unzähligen Aufnahmen ihr Fundament, einschließlich John Lennons „Imagine“, Ringo Starrs „Photograph", sowie dem Großteil von George Harrisons Soloprojekten, beiden LPs von Traveling Wilburys, Tom Pettys „Full Moon Fever“, Bob Dylans "Knockin' on Heaven's Door“ und Steely Dans „Josie“. Unvergessen sind seine Kollaborationen mit Harry Nilsson, den Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, The Pretenders, Fiona Apple und Oasis. Geboren in Oklahoma und aufgewachsen in Pasadena, Kalifornien, begann Keltner in den sechziger Jahren als Sessionmusiker zu arbeiten und begann damit eine Karriere, die früher oder später fast jedes Stilmittel im Pop und Rock berührte. Keltner ist für seine solide Unterstützung, sein unbeschwertes Gefühl, seine jazzgeschulte Subtilität und seine Vielseitigkeit bekannt. „Er reagiert auf alles, was in der Musik passiert“, sagte Leon Russell, der mit Keltner häufig im Laufe der Jahrzehnte gearbeitet hat. Eines von Keltners Markenzeichen ist seine unaufdringliche Lässigkeit. „Mir haben über die Jahre hinweg eine Menge Leute gesagt, ‘du siehst nicht aus, als wenn die spielst, wenn du spielst‘“, sagte er selbst und fügte dem noch hinzu: „Es gibt so viele unterschiedliche Arten Schlagzeug zu spielen, wie bei der Gitarre auch.“

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37. Jeff Porcaro (Toto) – Toto Schlagzeuger Jeff Porcaro war eine fortwährende Pop Präsenz in den siebziger, achtziger und neunziger Jahren. Seine flinke Arbeit mit den Sticks gab „Beat It“ von Michael Jackson den Großteil seiner Schärfe, ließ „I Keep Forgettin’“ von Michael McDonald wehmütig seufzen und erfand den „Rosanna Shuffle“ bei dem gleichnamigen Megahit seiner eigenen Band. „Jeff spielte immer eine entscheidende Rolle dabei aus dem Gerüst die fertige Aufnahme zu machen“ erzählte sein Bruder und Bandkollege Steve „Rhythm“ 2013. „Du fühltest dich so, als würden sie im Studio Blitze einfangen. Es war nie langweilig. … Die besten Sachen fielen ihm auf Anhieb ein, als würde er das Lied schon seit Jahren spielen.“ Porcaro starb 1992, kurz nachdem Totos achtes Studioalbum fertiggestellt wurde. Er spielte außerdem auf Bruce Springsteens „Human Touch“-Album und lehnte in diesem Zusammenhang ein Millionen-Angebot für eine Tour ab um mit seinem Flaggschiff Toto zu arbeiten.

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36. Steve Smith (Journey) – Obwohl er in den letzten 30 Jahren fast ausschließlich auf Jazz-Fusion-Tour war und Drum-Clinics leitete, unterstützte Steve Smith mit seiner übermenschlichen Trommel-Kunst Journey in ihren erfolgreichsten Jahren 1978 bis 1985. Sein Beitrag für den inspirierenden Klassiker „Don’t Stop Believin’“ war ein komplexes, offenhändiges Klangmuster, in dem er die Hi-Hat mit seiner linken Hand anspielte, während er seine rechte über das ganze Schlagzeug bewegte. Es ist ebenso außergewöhnlich wie Perrys haushoher Gesang. „Ich erinnere mich noch an die letzte Episode von den Sopranos, in der sie „Don’t Stop Believin’“ von Journey spielten“, erzählte Schlagzeuger Peter Erskine „Drum!“, „Smith ist ein großer Teil dieses Meilensteins amerikanischen Medien … Und dann ist da auf einmal der selber Smith, im komplett anderen Kontext und spielt Jo Jones auf der Hi-Hat! Wie viele Typen könnten eine Band so treiben und dann auch noch die Hi-Hat spielen?”

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35. Fred Below – Noch bevor The Funk Brothers von Motown oder The M.G.s von Stax Records es taten, formten Mitte des 20. Jahrhunderts hauptsächlich eine zusammengewürfelte Gruppe von „Loser“-Sessionmusikern den R&B Sound. Dazu gehörte auch der erstklassige Fred Below, dessen geschmackvolle und auf zarte Weise kraftvolle Arbeit für Chess Records in Chicago ausschlaggebend war für die zunehmende Popularität der Musik von Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry und Howlin' Wolf. Angefangen als Jazz-Schlagzeuger musste Below seinen eigenen Weg in den Blues finden. „Was mich am Blues so fasziniert hat, war die Tatsache, dass es jene Art von Musik war, mit der ich nicht so vertraut war und die sie auch nicht in der Schule unterrichteten!“, erinnerte sich Fred Below. „Deshalb musste ich ihn so spielen, wie es für mich Sinn machen würde.“ Sowohl in Muddy Waters Stück „I’m Ready“ als auch in Chuck Berrys „School Days“ hört man, dass Belows Ambitus und sein virtuoser Touch kristallklar sind - ohne irgendeinen Schnick-Schnack brachte er Chess’ Electric-Blues-Maschine in Gang.

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34. Mickey Hart und Bill Kreutzmann (The Grateful Dead) – 1967 gesellte sich Mickey Hart zu Grateful Dead-Mitglied Bill Kreutzmann und machte dadurch „The Dead“ zu einer der ersten Gruppen mit einer doppelten Drummer-Besetzung. Keine andere Rockband schaffte jene Symbiose der Schlagzeuge besser. „Bill und ich teilen dieselbe Sprache, die nicht gesprochen werden kann“, so Hart. „Sie besteht aus Körpersprache, Zwinkern und Bewegungen …. eine Art Geheimsprache, die wir nicht ohne Weiteres erklären können.“ Oder wie Kreutzmann es formulierte: „Mickey hört eher in einem geraden 16tel Stakkato und ich füge dem so etwas wie kleine Tüpfel hinzu.“ Hart verwendete außerdem das RAMU, sein digitales „Random Access Musical“-Universum, sowie den berühmt berüchtigten „Beam“, der zweieinhalb Meter lange, 13seitige Monochord. 1979 ersetzten „The Dead“ ihren sogenannten „Death Star“, ihr intergalaktisches Stützbein, durch ein Trommel-Duett, welches heutzutage als „Drum>Space“ bezeichnet wird.

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