Die 20 besten Songs von Sly & the Family Stone
Das Beste von den legendären Funk-Soul-Rock-Legenden Sly & the Family Stone, die eine ganze Generation geprägt haben
In einem berühmten Rolling Stone–Profil von Ben Fong-Torres aus dem Jahr 1970 erklärte Sly Stone (geb. Sylvester Stewart) das Konzept hinter ihm und der Family Stone. „Wenn es etwas gab, worüber man sich freuen konnte, dann freuten sich alle darüber. Wenn es viele Lieder zu singen gab, dann durften alle mitsingen. Und wenn wir etwas zu leiden hatten oder ein Kreuz zu tragen – dann trugen wir es gemeinsam.“ Diese Worte – ein seltener Moment der Klarheit für Stone in dieser Zeit – fassten die Entwicklung der Gruppe bis zu diesem Zeitpunkt zusammen. Vom rosigen Optimismus ihres Debüts im Summer of Love über ihre Hit-Ära bis hin zum Zynismus der frühen 70er Jahre. Die Band würde es gemeinsam ertragen. Bis sie es nicht mehr konnte.
Sly and the Family Stone wurden zum Aushängeschild für eine besonders San Francisco-typische Sensibilität der späten Sechzigerjahre. Integriert, progressiv, unerschütterlich idealistisch. Ihre Musik, eine explosive Mischung aus Psychedelic Rock, Funky Soul und Sunshine Pop, brachte sie an den Schnittpunkt konvergierender kultureller Bewegungen. Und bescherte ihnen eine Reihe von Chart-Hits. Gerade als sie auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs zu stehen schienen, zog sich Stone sozial und psychologisch zurück, um 1971 mit einem musikalischen Gegenpol wieder aufzutauchen. Düster, brillant und erfrischend. Die Band sollte nicht mehr lange bestehen bleiben. Aber in dieser kurzen Zeit definierte sie die Möglichkeiten der Popmusik neu. Waren Sly and the Family Stone eine der größten amerikanischen Funkbands? Rockbands? Popbands? Alles davon.
The Beau Brummels, „Laugh, Laugh” (1965)
Sly Stone erlangte im zarten Alter von 19 Jahren erstmals nationale Bekanntheit, als er die melancholische Pop-Single „Laugh, Laugh” für die Folk-Rock-Band The Beau Brummels aus San Mateo produzierte. Als Teenager-Gitarrist lernte Stone bei verschiedenen Auftritten in San Francisco Tom Donahue von Autumn Records kennen. Der dem aufstrebenden Talent eine Chance als Produzent gab. „Laugh, Laugh“ war eine der ersten Arbeiten von Sly und stieg Anfang 1965 in die Top 20 auf. Ben Fong-Torres sagte 1970 über die Single: „Sly hatte die allerersten Rock-’n‘-Roll-Hits produziert. Und das in einer Stadt, die damals kaum mehr als Johnny Mathis und Vince Guaraldi zu bieten hatte.“ Der „San Francisco Sound“ sollte bald in voller Blüte stehen. Aber Sly legte schon früh den Grundstein dafür.
„Rock Dirge“ (ca. 1965)
Während Stones kurzer Zeit bei Autumn Records nutzte er deren Studios, um mit seinen eigenen Kompositionen zu experimentieren. Darunter dieses funkige, plappernde Instrumentalstück, das wahrscheinlich 1965 entstanden ist. Stone brachte sich selbst das Spielen einer Reihe von Instrumenten bei. Darunter auch die Orgel, die in diesem Stück zu hören ist. „Rock Dirge” und ähnliche Experimente aus dieser Zeit tauchten schließlich 1975 auf einer Compilation mit Stones frühen Werken auf. Und der Song wurde anschließend auf einer 7-Zoll-Single veröffentlicht, die bei Breakbeat-begeisterten DJs sehr beliebt wurde.
„I Ain’t Got Nobody” (1967)
Mit den Einnahmen aus „Autumn” ließ sich Stone mit seiner Familie in Daly City, etwas außerhalb von San Francisco, nieder. Dort begann Mitte der 1960er Jahre die Band Family Stone zusammenzuwachsen. Und ihre erste offizielle Veröffentlichung erschien auf dieser Single beim lokalen Label Loadstone. Mit seinem schnellen, uptempo Backbeat und den mehrstimmigen Harmonien klingt der Song heute wie ein vorausschauender erster Entwurf für einen Stil, der in den späteren Hits der Gruppe seine volle Form finden sollte. „I Ain’t Got Nobody“ war zwar nur lokal ein Hit. Aber er machte die Gruppe auf Epic Records aufmerksam, die Sly and the Family Stone noch im selben Jahr unter Vertrag nahmen.
„Underdog“ (1967)
Als erste Single und erster Song auf dem Debütalbum der Gruppe, A Whole New Thing, stellte „Underdog“ Sly and the Family Stone auf möglichst raue Weise vor. Seltsamerweise beginnt der Song mit Saxophonist Jerry Martini, der schläfrig die Kinderliedmelodie „Frère Jacques“ spielt. Bevor er in einen Acid-Rock-Jam mit treibenden Bläsern, dramatischen Chorrufen und einer trotzigen sozialen Botschaft über Außenseiter, die sich „doppelt so gut“ beweisen müssen, übergeht. George Clinton sagte dem offiziellen Family Stone-Biografen Jeff Kaliss, dass man beim Anhören des Songs „das Gefühl hatte, dass sie direkt zu einem persönlich sprechen“. Der Song und das Album waren das kreative Meisterwerk der Gruppe. Nur kein kommerzielles. Sie schafften es nicht, Family Stone national bekannt zu machen. Aber dieser Moment sollte bald kommen.
„Dance to the Music“ (1968)
Der Song von Sly Stone, der am ehesten auf einer Compilation aus den 1980er Jahren mit dem Titel „As advertised on TV“ zu hören war, „Dance to the Music“, bescherte der Gruppe im Frühjahr 1968 ihren ersten Top-10-Hit. Aufgenommen unter der beharrlichen Leitung von Clive Davis, half die überschäumende, ansteckende Energie der Single dabei, die Tatsache zu überspielen, dass der Text kaum mehr war als eine Aufzählung der Instrumente, die die Band in den Groove einbringen würde. Schlagzeug, dann Gitarre, Bass usw. Innerhalb der Gruppe stießen der Song und das gleichnamige Album auf gemischte Gefühle.
Der Saxophonist Jerry Martini betonte gegenüber dem Oral Historian Joel Selvin: „Für uns war das so unhip. Die Beats waren glorifizierter Motown. Wir haben einfach die Formel abgeklappert.“ Der Toningenieur Don Pulese wird jedoch vom Journalisten Miles Marshall Lewis mit den Worten zitiert, Sly selbst habe einmal über die Single gesagt: „Das sind die besten Bass- und Drum-Sounds, die ich je hingekriegt habe.“
„Dynamite“ (1968)
Life war ein Album, das zwischen dem Durchbruchserfolg von „Dance to the Music“ und dem überragenden Erfolg von Stand! auf der Strecke blieb. Trotz aller kommerziellen Mängel beeindruckte das Album jedoch die Kritiker. Insbesondere Barret Hansen (alias Dr. Demento) vom Rolling Stone, der es als „das radikalste Soul-Album, das je veröffentlicht wurde“ bezeichnete. Hansen war besonders von dem „Überraschungsmoment“ der Gruppe angetan. Songs wie das psychedelisch angehauchte „Dynamite“ oder der karnevaleske Titelsong weisen eigenwillige Arrangements auf. Mit plötzlichen Klangöffnungen und -verschlüssen, während sich die Sänger der Family beim Gesang abwechseln. Wie die Trompeterin Cynthia Robinson letzten Sommer (vor ihrem Tod im November) gegenüber Ebony sagte: „Wir konnten frei improvisieren. Sly hat die Stücke anders geschnitten als bei den eigentlichen Aufnahmen. Er hat einfach aufgehört und etwas anderes angefangen.”
„Everyday People“ (1969)
„Die Dinge, die im ganzen Land geschahen, haben uns als Menschen verändert“, sagte Freddy Stone 2013 in einem Interview mit Wax Poetics. „Wir begannen, untereinander Gespräche zu führen. Und Sly, das Genie, das er ist, fasste diese Gedanken in Songs.“ Das Album, das aus dieser Zeit hervorging, Stand!, nahm die wütende Energie der politischen und musikalischen Revolutionen dieser Ära auf. Und spuckte eine LP aus, die so kraftvoll war, dass mehr als die Hälfte der Songs nur ein Jahr später auf dem Album Greatest Hits der Gruppe wiederveröffentlicht wurden. „Everyday People“ bleibt der Höhepunkt der Gruppe in dieser Ära. Eine extravagante utopische Hymne über die Schaffung von Einheit durch Unterschiede. All das und Scooby Dooby Doo, Leute.
„Sing a Simple Song“ (1969)
„Everyday People“ war zweifellos ein Gute-Laune-Pop-Hit. Aber als B-Seite der meistverkauften Single lieferten die Family Stone diesen fulminanten Funk-Kracher. Der Song war so ausgelassen und aggressiv wie alles, was James Brown und seine Crew damals herausbrachten. Sly spielte darin auch mit Studiotechniken. Darunter Stereo-Panning, um Instrumente auf separate Kanäle aufzuteilen. Greg Errico, dessen knisternde Drumarbeit auf dem Song Jahrzehnte später großzügig gesampelt werden sollte, sagte 2013 dem Interviewer Eric Sandler: „Der Track war so reduziert, wie es nur ging. Und wir alle wussten das. Man konnte es spüren.”
„Don’t Call Me Nigger, Whitey” (1969)
An anderer Stelle auf Stand! mögen die Family Stone ihre sozialen Kommentare in verschiedenen metaphorischen Nuancen gemalt haben. Aber mit „Don’t Call Me Nigger, Whitey” ließen sie wenig Raum für Interpretationen. Der fast sechsminütige Song besteht fast ausschließlich aus Hooks. Abgesehen von einem kurzen Vers von Rose Stone. Und sein karger, trotziger Ton steht in scharfem Kontrast zu den optimistischeren Vibes des Albums. Der Song besticht auch durch seine spacigen Vocoder-Effekte und verzerrten Instrumentierung, die den Start von P-Funk Mothership um ein halbes Jahrzehnt vorwegnahmen.
„I Want to Take You Higher“ (1969)
Es ist nur passend, dass dieser Song – der heute als einer der legendärsten Auftritte von Woodstock gilt – bei einem anderen wegweisenden Family-Stone-Konzert entstand: der Fillmore East Show 1968. Das Original „Higher“, ein abgehackter Album-Track aus Dance to the Music, war Teil ihres Sets. Und während der Performance begann die Gruppe, damit zu improvisieren und fügte die entscheidende Zeile „I wanna take you higher“ hinzu. Bis Stand! hatte sich der Song zu einer schwerfälligen, aggressiven Melodie entwickelt, die versprach, einen auf eine höhere Ebene zu ziehen. Ob man nun bereit war, mitzukommen oder nicht.
„Hot Fun in the Summertime“ (1969)
Epic beeilte sich, aus dem glühenden Woodstock-Auftritt der Gruppe Kapital zu schlagen. Und veröffentlichte „Hot Fun in the Summertime“ im August 1969 als eigenständige Single. Im Vergleich zu den sozialen Botschaften auf „Stand!“ hielt „Hot Fun“ was der Titel versprach. Eine fröhliche Sommerhymne. Durchzogen von sanften Strömungen der Nostalgie und einem seltenen Beispiel für Stones Einsatz einer Streichersektion. Kritiker betrachteten den Song allgemein als angenehme Kleinigkeit. Jon Landau vom ROLLING STONE verglich ihn mit „einer harten Version der Lettermen“. Aber Jahre später lobte George Clinton ihn als „Beweis dafür, dass Funk ein Pop-Standard sein kann“.
„Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)“ (1970)
„Thank You“ wäre schon allein wegen Slys seltsamem, phonetischem Titel unvergesslich geblieben. Aber das bleibende Vermächtnis des Songs liegt vor allem beim Bassisten Larry Graham. Seine „Thunkin‘- und Pluckin‘-Technik“ revolutionierte die Rolle des Basses als Lead-Instrument im R&B und veranlasste den Musikjournalisten und Wissenschaftler Ricky Vincent zu der Aussage: „Vielleicht mehr als jede andere Platte hat ‚Thank You‘ das Jahrzehnt des Funk eingeläutet.“
„Everybody Is a Star“ (1970)
Es sagt viel über die Macht und Popularität von Family Stone im Jahr 1970 aus, dass eine Compilation, die angeblich ihre bisherigen Hits zusammenfassen sollte, am Ende drei völlig neue Songs hervorbrachte. „Hot Fun“ und „Thank You“ waren zwar selbst große Erfolge. Aber der zeitloseste Song war wohl „Everybody Is a Star“. Noch mehr als „Everyday People“ war „Star“ Sly and the Family Stone in ihrer selbstbewusstesten Form. Eine fröhliche, hippiehaftigere Version des Slogans „Black is beautiful“ jener Zeit. Wenn dieser Song ein Höhepunkt war, bedeutete das natürlich auch, dass Sly and the Family Stone kurz vor dem Niedergang standen.
6ix, „I’m Just Like You“ (1970)
Sly and the Family Stone sollten 1970 nach der Anthologie „Greatest Hits“ ein neues Studioalbum veröffentlichen. Stattdessen beschloss Stone, die Aufnahmen zu verschieben und seinen Wohnsitz nach Los Angeles zu verlegen. Die erste von vielen Entscheidungen, die die Beziehungen innerhalb der Band zu zerreißen begannen. Im folgenden Jahr lebte Sly zurückgezogen. Und frustrierte damit seine Bandkollegen, die Plattenfirma und die Fans. Drogen und nagende Paranoia waren dabei nicht hilfreich. Aber diese „verlorene“ Zeit war für Stone auch eine fruchtbare kreative Phase, in der er mit neuen Spielzeugen experimentierte. Insbesondere mit der aufkommenden Drum-Machine-Technologie.
Beatboxen waren damals noch eine Neuheit, die kein ernsthafter Musiker als Studioinstrument in Betracht gezogen hätte. Aber über sein eigenes Label Stone Flower begann Sly, ihr musikalisches Potenzial auf der einzigen Single der Gesangsgruppe 6ix zu erforschen. In einem seltenen zeitgenössischen Interview für die Liner Notes von I’m Just Like You, einer Anthologie von Stone Flower, sagte Sly zu Alec Palao: „Alle Instrumente sind echt. Alles, was dein Herz ausdrücken kann, ist ein Instrument, Mann.“ 1971 sollten diese Ideen auf dem epochalen Album There’s a Riot Goin‘ On der Gruppe voll zur Entfaltung kommen.
„Family Affair“ (1971)
Greil Marcus schrieb in seiner berühmten Rezension, dass „There’s a Riot Goin‘ On!“ „kein Spaß war. Es war langsam, schwer zu hören und feierte nichts.“ Kurz gesagt: „Es war nicht groovy.“ All dies war als Kompliment gemeint, da die düsteren Töne des Albums – im wörtlichen wie im übertragenen Sinne – wie ein unerschrocken ehrlicher Ausdruck sowohl der inneren Turbulenzen der Family Stone als auch des Zustands Amerikas wirkten, das aus seinem Rausch der späten Sechziger erwachte. Und mit dem düsteren Kater der frühen Siebziger konfrontiert war.
Die letzte Nummer-1-Single der Gruppe, „Family Affair“, war eine ernüchternde Abkehr von der sonnigen Positivität von „Everybody Is a Star“. Und ersetzte diese durch eine Meditation über menschliche Konflikte und Schwächen, die geschickt hinter den hypnotisierenden Rhythmen der Drum Machine versteckt war. In einem Interview mit dem Rolling Stone aus dem Jahr 1971 betonte Sly: „Ich fühle mich nicht zerrissen“. Aber viele in seinem Umfeld waren anderer Meinung.
„Running Away“ (1971)
Noch mehr als „Family Affair“ wirkte „Running Away“ wie ein Song, der mit sich selbst im Widerspruch stand. Die Botschaft war eindeutig. „Running away/to get away … you’re wearing out your shoes“ (weglaufen/wegkommen … du verschleißt deine Schuhe). Und das „ha-ha, hee-hee“-Lachen klingt in jeder Strophe spöttisch. Im Gegensatz dazu wirkt die Musik leicht und strahlend. Mit einer fröhlichen Gitarre und hellen Bläsern, die auch zu Earth, Wind & Fire gepasst hätten. Zynismus klang noch nie so fröhlich.
„Luv N’ Haight“ (1971)
Während Sly sich in seinem Studio in L.A. verkrochen hatte, experimentierte er mit allen Instrumenten, die ihm in die Hände fielen. Auf „Riot“ waren zwar noch die Musiker der Family zu hören. Aber in vielen Fällen war es nur Sly, der sich selbst mit verschiedenen Parts überlagerte. Mit jeder neuen Ebene verschlechterte sich die Klangqualität allmählich zu dem verschwommenen, opiatartigen Sound, den man auf „Time“, „Thank You for Talkin‘ to Me Africa“, „Luv N‘ Haight“ und anderen Songs zu hören ist. Alles verschwommen und halb geträumt. Der Effekt war ebenso verführerisch wie unheilvoll. Eine Reise ins Herz der Dunkelheit des Funk.
„If You Want Me to Stay“ (1973)
The Family Stone zerbrach in der Riot-Ära inmitten einer Reihe fast schon mythologisch katastrophaler Konzerte. Um an seinem nächsten Album Fresh zu arbeiten, kehrte Sly in die Bay Area zurück. Er begann jedoch, mehrere der wichtigsten Musiker zu ersetzen, die ihm seit mindestens den Tagen von „Dance to the Music“ zur Seite gestanden hatten. Trotz der personellen Veränderungen war Fresh eine überzeugende Fortsetzung der Funk-Experimente von Riot. Wenn auch bei weitem nicht so düster und pathetisch. „If You Want Me to Stay“, der bescheidene Hit des Albums, zeigte Sly immer noch mit einer gewissen Distanz zu seinem Publikum. In einem Radiointerview erklärte der Sänger: „Das ist genau das, was ich gemeint habe, was ich geschrieben habe. Wenn ihr wollt, dass ich bleibe, sagt es mir. Sonst sayonara.“
„Can’t Strain My Brain“ (1974)
Die vernichtendste Kritik an „Small Talk“, dem letzten Album von Sly and the Family Stone aus den 1970er Jahren, kam wohl in der Rezension der „Billboard“ vom Juli 1974. In der ein nicht namentlich genannter Kritiker schrieb: „In Sachen Präsentation gibt es nicht wirklich viel Neues … aber … ein erfolgreicher Star muss ja nicht auf jedem Album etwas Neues erfinden.“ Sie hatten nicht Unrecht. „Small Talk“ war größtenteils eine Neuauflage des gleichen Stils. Aber die Formel funktionierte immer noch. Insbesondere bei dem spannungsgeladenen „Can’t Strain My Brain“. Einem von vielen Songs aus dieser Zeit, in denen Sly andeutete, dass er allmählich den Bezug zur Realität verlor.
„Remember Who You Are“ (1979)
„Remember Who You Are“, der wohl letzte große Song von Sly Stone, war keine vollständige Rückkehr zum ursprünglichen Family Stone. Sly hatte die Band einige Jahre zuvor verlassen und unter seinem eigenen Namen Alben aufgenommen. Darunter 1976 „Heard Ya Missed Me, Well I’m Back“, das vielleicht einen der schlechtesten Albumtitel aller Zeiten hat. Back on the Right Track aus dem Jahr 1979 klingt wie ein Eingeständnis der Fehler der Vergangenheit. Und zumindest für „Remember Who You Are“ brachte er die Geschwister Freddie und Rose Stone wieder zusammen, um sich den Gesang zu teilen. Und etwas von der alten Magie der Family Stone zurückzugewinnen.
