Die 50 besten Grunge-Alben aller Zeiten
Von Mudhoney bis Mother Love Bone und darüber hinaus – die besten Grunge-Alben der unangepassten neuen Generation, die den Rock neu erfunden hat.
Vor über 30 Jahren sagte Kurt Cobain voraus, dass Grunge kitschig werden würde. „Grunge ist ein ebenso starker Begriff wie New Wave“, erklärte er gegenüber Rolling Stone. „Man kann sich dem nicht entziehen. Es wird passé sein.“
Damals war Eddie Vedder auf dem Cover des Time, Modedesigner Marc Jacobs kleidete Models in Flanell und sogar die New York Times fragte: „Wie konnte ein Wort mit fünf Buchstaben, das Schmutz, Dreck und Müll bedeutet, zum Synonym für ein Musikgenre, ein Modestatement und ein Popphänomen werden?“ Auch wenn das Wort aus der Mode gekommen ist, bleibt die Musik dieser Zeit lebendig.
Denn unabhängig davon, ob die Bands den Begriff mochten oder nicht. Grunge war eine Bewegung. In weniger als einem Jahrzehnt hatten Nirvana und eine Handvoll Bands aus der Gegend um Seattle sich aus der Versenkung herausgekämpft. Die Popkultur erobert. nd nach ihren eigenen Vorstellungen neu gestaltet. Sie legten in ihren Texten ihre Herzen offen. Schufen ein inklusives Umfeld für Frauen und andere, die vom Mainstream der 80er Jahre mit ihren toupierten Haaren an den Rand gedrängt worden waren, und – in Anlehnung an den Punkrock – schafften sie die Künstlichkeit des Rockstar-Daseins ab.
Der Einfluss des Genres hallt noch immer im Hip-Hop nach
Ihre Musik war eine Mischung aus Hardrock, Metal und Punk. Mmit einem Schuss Neil Young hier und da. Was ihnen genug Spielraum ließ, damit jede Band ihren eigenen einzigartigen Sound entwickeln konnte. Bald erlangten Bands aus aller Welt nach Jahren des Kampfes bei Indie-Labels breite Anerkennung. Doch innerhalb weniger Jahre nach Erreichen der kritischen Masse schien alles schnell zu verblassen, als Nu-Metal zum neuen Liebling des Rock wurde.
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Das heißt nicht, dass Grunge tot ist. Denn Szene-Größen wie Pearl Jam, Mudhoney, Alice in Chains und Melvins veröffentlichen immer noch von der Kritik gefeierte und/oder kommerziell erfolgreiche Alben. Aber er ist zu einem Teil der amerikanischen Kultur geworden. Der Einfluss des Genres hallt noch immer im Hip-Hop nach. Jay-Z verwendete den Refrain von „Smells Like Teen Spirit“ für seinen 2013 erschienenen Song „Holy Grail“. Und Magazine wie InStyle berichten über ein Comeback der Grunge-Mode. Jüngere Acts wie Bully, Metz und Speedy Ortiz und sogar Juice Wrld führen die Tradition des Genres mit spröden Gitarrenriffs und schonungsloser Ehrlichkeit fort.
Um die Bandbreite des Genres einzufangen und zu beweisen, dass die Musik nie aus der Mode gekommen ist, haben unsere Redakteure Alben von Bands ausgewählt, die die Charts stürmten. Aber auch von unbekannten Helden wie Paw, The Gits und The U-Men und sogar von einigen Grunge-Vorfahren. Wir haben ein paar Alben weggelassen, die einst groß waren. Zum Beispiel von Bush, Candlebox und Silverchair – die den Test der Zeit nicht bestanden haben.
Also kuscheln Sie sich in Ihren besten Secondhand-Pullover. Schnüren Sie Ihre Doc Martens. Und lassen Sie Ihre Haare auf Ihre Schultern fallen. Damit Sie die 50 besten Grunge-Alben richtig genießen können.
50. Mother Love Bone, „Apple“ (1990)
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Andy Wood, Frontmann von Mother Love Bone, träumte davon, ein weltberühmter Rockstar zu werden. Er starb jedoch an einer Überdosis Heroin, noch bevor das Debütalbum seiner Band „Apple“ veröffentlicht wurde. Seine Bandkollegen Jeff Ament und Stone Gossard verwirklichten seinen Traum als Mitglieder von Pearl Jam. Doch ihr Erfolg veranlasste viele, sich wieder ihren Wurzeln bei Mother Love Bone zuzuwenden.
Was sie hörten, war ein bemerkenswertes Album, das gleichermaßen von Led Zeppelin und der alternativen Szene der Achtzigerjahre inspiriert war. Hätte Wood gelebt, hätte die Band in den Neunzigern groß rauskommen können. „Ich denke oft an Andy“, sagte Eddie Vedder 1993 gegenüber Rolling Stone. „Dass alles so gut für ihn lief und er es nicht wusste. Es gibt einen Song von ihm, den ich mit Stolz singen würde.“ Sieben Jahre später nahm er den Mother Love Bone-Song „Crown of Thorns“ in die Live-Show von Pearl Jam auf. Und brachte Andy Woods Musik endlich in die Stadien und Arenen, für die sie immer bestimmt war. A.G.
49. Toadies, „Rubberneck“ (1994)
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Der Grunge war bereits in vollem Gange und mutierte zum Mainstream-Alternative-Rock, als die Toadies 1994 ihr Debütalbum „Rubberneck“ bei Interscope veröffentlichten. Einem Jahr, in dem glatte, zugängliche LPs von Bands wie Live, Bush und The Offspring den Markt überschwemmten. Aber „Rubberneck“ war etwas anderes. Ein Album mit einer spürbar bedrohlichen Atmosphäre, das manchmal unangenehm zu hören war. Vor allem im Vergleich zu den glatteren Rockklängen im Radio.
Besonders beunruhigend war es, Sänger Todd Lewis in „Possum Kingdom“, einem Song über einen Vampir-Mord, der irgendwie zum Hit wurde, „Do you wanna die?“ schreien zu hören. „Ich liebe Todd Lewis‘ Stimme, weil sie sexy, dreckig, betrunken und gebrochen ist“, sagte Kelly Clarkson 2007 in der „Los Angeles Times“ und lobte die Toadies als ihre Lieblingsband. Aber es ist die Art und Weise, wie die Band aus Fort Worth, Texas, den Seattle-Sound mit dem knackigen, gitarrenlastigen Stil ihrer Helden aus dem Heimatstaat, ZZ Top, mischte – in Stücken wie dem kehligen Instrumentalstück „Mexican Hairless“ und der Blues-Punk-Tirade „Backslider“ –, die Rubberneck so lebendig macht.
Auch wenn der Tod das Grundthema bleibt. „Wenn ich den Willen zum Töten finden könnte“, singt Lewis am Ende des trügerisch betitelten „Happyface“, „dann bringe ich dich um. Du Mistkerl.“ J.H.
48. Fecal Matter, „Illiteracy Will Prevail“ (1986)
Fünf Jahre vor „Nevermind“ war Kurt Cobain ein Highschool-Abbrecher, der in der Wohnung seiner Tante 4-Spur-Demos aufnahm. Dort dokumentierte er seit einigen Jahren mit Hilfe seiner Tante Mari Earl seine Musik, indem er mit Holzlöffeln auf einen Koffer schlug, anstatt ein richtiges Schlagzeug zu verwenden.
Aber „Illiteracy Will Prevail“, eine Demoaufnahme, die er 1986 bei Earl zusammen mit Melvins-Schlagzeuger Dale Crover aufnahm, legte die Messlatte deutlich höher. Die gewaltigen, wogenden, fuzzgetränkten Riffs, die zum Markenzeichen von Nirvana werden sollten, waren bereits in Songs wie dem schäbigen DIY-Metal-Rager „Bambi Slaughter“ und dem dekonstruierten Hardcore-Miniaturstück „Instramental“ zu hören. Ebenso wie Cobains surreale, sarkastische Texte („Regurgitate the vomit from the nasty matter/Before the prosecuting attorney rests his case“, knurrt er in „Blathers Log“). „Sie bauten ihre Instrumente in meinem Musikzimmer auf. Und drehten die Lautstärke voll auf“, erzählte Earl Goldmine von den Sessions.
„Es war laut. Sie nahmen zuerst die Musikspuren auf. Dann setzte er sich die Kopfhörer auf. Und man hörte nur noch Kurt Cobains Stimme, die durch das ganze Haus schrie. Es war ziemlich wild. Mein Mann und ich sahen uns nur an, lächelten und sagten: ‚Sollten wir vielleicht das Fenster schließen, damit die Nachbarn nichts hören? Damit sie nicht denken, wir schlagen ihn oder so.’“ Auch wenn nichts auf dieser Kassette auf den späteren Ruhm hindeutet, fangen diese Songs doch perfekt die Mischung aus wilder Intensität und verspielter Exzentrik ein, die Nirvana bis zum Ende angetrieben hat. Das ist Grunge, bevor er jemals eine Chance hatte, aus dem Keller herauszukommen. Geschweige denn aus Seattle. H.S.
47. The U-Men, „Step on a Bug“ (1988)
Die U-Men entstanden aus derselben Underground-Szene in Seattle, aus der auch der Grunge hervorging. Aber das Quartett war eher Pere Ubu und Captain Beefheart als Pearl Jam und Soundgarden. Als eine der besten Live-Bands der Stadt Mitte der Achtzigerjahre veröffentlichten The U-Men nach einer Reihe beliebter 7-Inch-Singles 1988 ihr einziges Studioalbum „Step on a Bug“. 30 Minuten voller schriller Riffs, dissonanter Rhythmen und der markanten Stimme von Sänger John Bigley. Anklänge an „2 + 4“ und „Flea Circus“ von den U-Men sind in Nirvanas ersten Demoaufnahmen wie „Beeswax“ und „Hairspray Queen“ zu hören. Wo Kurt Cobains Gesang, ähnlich wie bei Bigley, von kehligen Schreien zu nasalen Murmeln wechselt.
„Ich würde sie als Art-Rock bezeichnen. Klassischer Art-Rock“, sagte Cobain einmal zu Narduwar über die U-Men. Die Gruppe beeinflusste nicht nur die aufkommenden Grunge-Bands der Zeit. Sondern auch texanische Noise-Rock-Acts wie Scratch Acid und Butthole Surfers. Erstere verwandelten sich in Jesus Lizard, während letztere ‚The O-Men‘ als Tribut aufnahmen. Nach der Veröffentlichung von „Step on a Bug“ „waren [die U-Men] zunehmend unzufrieden mit der Richtung, in die sich die Underground-Szene in Seattle entwickelte. Und lösten sich 1989 auf“, schrieb Mark Arm von Mudhoney in den Liner Notes einer kürzlich erschienenen Sub-Pop-Retrospektive. „Die U-Men hatten nichts mit Grunge zu tun. Sie waren etwas ganz Eigenes. Ich habe sie geliebt und vermisse sie immer noch.“ D.K.
46. Veruca Salt, „American Thighs“ (1994)
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Als die besten Freundinnen Louise Post und Nina Gordon sich zu einer Band zusammenschlossen, waren sie auf dem besten Weg, Chicagos Antwort auf die Indigo Girls zu werden. Stattdessen tauschten sie ihren harmlosen Folk gegen ein paar Verzerrerpedale ein und gründeten Veruca Salt. Sie gaben ihrem Debütalbum von 1994 sarkastisch den Titel einer Zeile aus AC/DCs „You Shook Me All Night Long“ und nahmen die LP mit dem lokalen Produzenten Brad Wood auf, der gerade Liz Phairs bahnbrechendes Album „Exile in Guyville“ fertiggestellt hatte.
Die beiden eigensinnigen Sängerinnen und Gitarristinnen Post und Gordon verbanden seelenvolle Harmonien mit der punkrockigen Attitüde ihrer Namensvetterin Willy Wonka. Und in ihren langsameren Balladen eine nicht ganz so punkige Aufrichtigkeit. Was zu rundum köstlichen Popsongs führte. Ihr Hardrock-Bubblegum-Durchbruch, die Lead-Single „Seether“, war eine trügerisch süße Einführung. Doch wie die wilde, feminine Wut, die in ihrem Titel verkörpert war, hatte auch sie Biss. („Can’t fight the seether“, sang Gordon über ihre innere Feuerstarterin. „I can’t see her till I’m foaming at the mouth.“)
Die Band spielte schließlich als Vorgruppe für Hole, PJ Harvey und Bush in Stadien. Und ihre kraftvollen Themen wurden zum Soundtrack für fiktive Antiheldinnen der Neunziger wie „Tank Girl“ und die mörderischen Mean Girls aus „Jawbreaker“. Doch der Geist der Band schwand, nachdem Gordon und ihr Bruder, Schlagzeuger Jim Shapiro, 1998 aus persönlichen Gründen die Band verließen. „Wir haben uns irgendwie gegenseitig das Herz gebrochen“, sagte Gordon nach ihrer Wiedervereinigung 20 Jahre später. „Waren sozusagen wie eine Sternschnuppe“, sagte Post. „Wir wurden ins All geschleudert. Und dann plötzlich … brach der Boden unter uns weg. Wir mussten unseren Weg zurück zur Erde finden.“ Wie viele andere Grunge-Bands mussten auch sie feststellen, dass ihr allzu schneller Aufstieg zum Ruhm vielleicht der wahre Grund für ihren Niedergang war. S.E.
45. The Stooges, „Fun House“ (1970)
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Als sich 2015 ein Trio von Allstars aus Seattle – Mark Arm von Mudhoney, Mike McCready von Pearl Jam und Barrett Martin von Screaming Trees – mit dem Bassisten von Guns N‘ Roses und ebenfalls aus Emerald City stammenden Duff McKagan für einen Heimspiel zusammentat, hätte man erwarten können, dass sie eine Reihe von Grunge-Klassikern zum Besten geben würden. Stattdessen spielten sie einfach eine Reihe von Stooges-Songs. Drei davon stammten aus Fun House. einem Album, das nicht nur von der Elite des Pazifischen Nordwestens, sondern von so ziemlich jeder namhaften Größe des Alternative- und Underground-Rock als heiliger Gral angesehen wird.
Während das erste Album der Stooges dem Rock im Stil der British Invasion einen sleazigen Midwestern-Touch verlieh, legte ihr 1970er-Nachfolger – benannt nach dem ausschweifenden Clubhaus der Band in Ann Arbor – noch eine Schippe drauf. Das Gitarristen-/Schlagzeuger-Duo Ron und Scott Asheton und Bassist Dave Alexander verfeinerten ihren Sound zu einem harten, eindringlichen Puls. Und entfernten alle letzten Spuren der groovigen Sixties. Iggy Pop hingegen strahlte mit seiner meisterhaften Palette an wortlosen Grunzlauten, Jauchzern und Heulern sowie seiner spöttischen Vortragsweise in rauen Sex-Hymnen wie „Loose“ und „TV Eye“ wie ein Laserstrahl purer Triebe aus den Lautsprechern.
Die zweite Hälfte des Albums ging über den Rock hinaus. Und fügte Steve Mackays kreischendes Post-Coltrane-Saxophon im Titeltrack hinzu, bevor es im letzten Stück „L.A. Blues“ in einer Explosion aus kakophonischem, freiformigem Noise-Jazz implodierte. Die Architekten des Grunge in seiner hässlichsten, unapologetischsten Form waren zweifellos aufmerksam geworden. „Es ist pure, gut durchdachte Gangstermusik. Eine animalische, rohe und wilde Terrorreise, deren Schönheit niemals erreicht werden wird“, sagte Melvins-Frontmann Buzz Osborne 2009 über das Album. „Selbst die Rolling Stones auf dem absoluten Höhepunkt ihrer Karriere konnten diesen Jungs nicht das Wasser reichen.“ H.S.
44. Skin Yard, „Hallowed Ground“ (1989)
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Das Plattenlabel Toxic Shock bewarb „Hallowed Ground“ mit den Worten „mehr Dayglo-Psychose von Seattles acidgetränkten Skin Yard“. aber das lag wahrscheinlich daran, dass es zu diesem Zeitpunkt noch keine richtige Bezeichnung für die Musik der Band gab. Mit dem kehligen Gesang von Frontmann Ben McMillan, den impressionistischen Klangclustern von Gitarrist Jack Endino und den rhythmischen Arrangements, die Daniel Houses Bass zur Geltung brachten, klingt „Hallowed Ground“ rauer und schäbiger als die Bands, mit denen Skin Yard 1986 auf der Compilation „Deep Six“, einem wichtigen Dokument der frühen Grunge-Ära, erstmals auftrat.
„[Hallowed Ground ist] Skin Yard in seiner ursprünglichsten Form“, sagte Endino einmal. „Wir hatten [den Schlagzeuger Scott McCullum], eine Art Ex-Punkrocker, der … uns richtig angefeuert und die Energie enorm gesteigert hat, indem er sich nicht so sehr auf präzises Spielen konzentrierte. Sodass wir thrashiger und lauter wurden.“ Endino nahm die LP auf demselben 8-Spur-Gerät auf, das er auch für Nirvanas „Bleach“ verwendet hatte. Aber dank der Wildheit der Band könnte es nicht fremdartiger klingen. Es klingt ein bisschen wie Nick Caves erste Band, The Birthday Party, gespielt durch einen Fuzzbox. „Open Fist“ klingt wie David Lee Roth als Frontmann von Hüsker Dü auf Bath Salts. ‚Needle Tree‘ ist ein rasselnder Headbanger ohne richtigen Riff. Und der Titelsong ist Rock ‚n‘ Roll gepaart mit Tribal-Drums.
„Für die Leute [bei Sub Pop] waren wir ein bisschen zu sehr wie Black Sabbath oder so. Nicht alternativ genug“, sagte Endino. „Aus ihrer Sicht waren wir wohl etwas zu nah am Heavy Metal.“ Außerhalb von Skin Yard produzierte Endino grunge-prägende Alben von Mudhoney, Soundgarden und Screaming Trees. Während McMillan, der 2008 an Diabetes starb, und McCullum gemeinsam Gruntruck gründeten, deren Album ‚Push‘ zu den vergessenen Klassikern der Szene zählt. K.G.
43. Black Flag, „My War“ (1984)
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Als Black Flag ihren Sound auf ihrem zweiten richtigen LP-Album dramatisch überarbeiteten, schrien Punk-Puristen Zeter und Mordio. Aber die zukünftigen Helden des Grunge – und des später als Sludge Metal bekannt gewordenen Stils – jubelten. Die Band, die auf „My War“ zu hören war, hatte wenig Ähnlichkeit mit dem angstgetriebenen Rammbock, der auf Black Flags legendärem Debütalbum „Damaged“ von 1981 zu hören war. Die erste Seite von „My War“ tauschte die postadoleszenten Ausbrüche des Vorgängeralbums gegen einen mulmigen Midtempo-Sound.
Unterstützt von Bill Stevenson, dem Schlagzeuger der Descendents, wechselte Gitarrist und Bandmastermind Greg Ginn zwischen treibenden, aggressiven Riffs und mäandernden, atonalen Leads, die Henry Rollins‘ gehetzte Tiraden über hinterhältige Freunde (im Titelsong, dem vielleicht größten Black-Flag-Song, geschrieben vom ehemaligen Bassisten Chuck Dukowski) und emotionale Turbulenzen perfekt ergänzten. Aber Seite 2 war die eigentliche Trennlinie. Eine Reihe von drei über sechsminütigen Songs. Gespielt in quälend langsamen Tempi. Diejenigen, denen gefiel, was sie hörten, waren nie mehr dieselben. „Es war das Black-Flag-Ding“, sagte Buzz Osborne von den Melvins zu Kim Thayil in einem Guitar World-Artikel von 1995, nachdem der Soundgarden-Gitarrist die Melvins‘ eigene provokative Verlangsamung in ihren frühen Tagen erwähnt hatte.
„Sie spielten ‚Nothing Left Inside‘, einen superheavy, auslaugenden Song, der mich emotional wirklich sehr, sehr getroffen hat“, sagte Mark Arm von Mudhoney in der Biografie Mudhoney: The Sound and Fury From Seattle über einen Live-Auftritt von My War im Jahr 1983. „Black Flag genossen es, Leute zu verärgern. Und Punkrocker waren sehr leicht zu verärgern. Bei diesem Konzert gab es eine Gruppe von Kids, die total sauer waren, dass Black Flag langsame Songs spielten. ‚Ooh, die haben sich verkauft …‘ Tatsächlich gingen sie einfach ihren Weg weiter. Und machten, was immer sie wollten.“ Passenderweise waren die Tour-Shirts der Band damals auf der Vorderseite mit dem albtraumhaften Cover von Raymond Pettibon bedruckt. Und auf der Rückseite stand einfach ‚Side 2‘. H.S.
42. Alice in Chains, „Jar of Flies“ (1994)
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„Können wir einfach jammen?“, fragte Alice-in-Chains-Gitarrist Jerry Cantrell den Produzenten Toby Wright 1993, nachdem die Band zwischen zwei Tourneen Zeit im London Bridge Studio in Seattle gebucht hatte. Die düsterste Band des Grunge hatte im Jahr zuvor mit ihrem Durchbruchalbum „Dirt“ großen Erfolg gefeiert. Doch während dieses Album Cantrells brutale, kettengehörige Gitarrenriffs noch weiter auf die Spitze trieb, zeigte „Jar of Flies“, das angeblich innerhalb von zehn Tagen aufgenommen wurde, nachdem die Band aus ihrer Wohnung geworfen worden war, die geschickte, wenn auch immer noch zutiefst düstere Balladenkunst des Quartetts.
„Ich wollte einfach nur ein paar Tage mit unseren Akustikgitarren ins Studio gehen. Und sehen, was passiert“, erzählte Sänger Layne Staley 1994 dem Hit Parader. „Wir hatten nie wirklich vor, die Musik, die wir damals gemacht haben, zu veröffentlichen. Aber die Plattenfirma hat sie gehört und fand sie wirklich gut.“ Der (relativ) hüftschwingende Groove von „Swing on This“ und „No Excuses“ sowie der streichergeladene Doom von „I Stay Away“ trugen dazu bei, dass „Flies“ als erste EP überhaupt auf Platz eins der Billboard 200 debütierte.
Aber es sind herzzerreißend schöne Stücke wie „Nutshell“ – „Dieser Song rührt mich immer noch zu Tränen, wenn ich ihn spiele“, sagte Bassist Mike Inez gegenüber Revolver im Jahr 2013 –, die die Bandbreite einer der innovativsten Gruppen des Genres unterstreichen. J.N.
41. Soundgarden, „Screaming Life“ (1987)
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Weit entfernt von „Black Hole Sun“, dem ersten großen Release von Soundgarden, ist „Screaming Life“ komplex, trippig und ausufernd. Zu dieser Zeit spielte Gitarrist Kim Thayil weniger Riffs als vielmehr Linien um die Rhythmen herum. Bassist Hiro Yamomoto entlockte seinem Instrument ungewöhnlich klangvolle Töne. Und Chris Cornell war ein topless heulender Banshee.
Der Opener „Hunted Down“, der auch die erste Single der Band war, rasselt und stürzt sich unvorhersehbar vorwärts. Während Cornell davon singt, eine „permanente Verkleidung“ zu tragen. „Tears to Forget“ hat härtere Rhythmen als die Version auf der Deep Six-Compilation. Und „Hand of God“ ist wie ein verdrehter, stotternder Heavy-Metal-Funk-Song. Etwas, das die Band etwas ernsthafter in ihrer bizarren Coverversion von „Fopp“ der Ohio Players versuchen sollte, die Sub Pop zu „Screaming Life“ hinzugefügt hat.
„Vor Screaming Life waren wir irgendwie kantig und zerklüftet“, sagte Thayil einmal gegenüber ROLLING STONE. „Wir haben viel experimentiert und sind dabei auf eine Art von Musik gestoßen, die wir nicht kannten.“ ‚Vor ‘Screaming Life“ waren wir irgendwie kantig und zerklüftet“, erzählte Thayil einmal dem Rolling Stone. „Wir haben viel psychedelisches Zeug gemacht, das auf Feedback und Hiros Basslinien basierte. Allmählich führte diese Psychedelia dazu, dass ich dazu gedrängt wurde, Soli zu spielen. Dann wurden die Riffs immer heavier. Man sieht einfach, wie das Publikum auf das reagiert, was man macht. Und man geht mit. Unsere Songs wurden etwas langsamer und heavier.“ Das Album war purer Art-Punk. Und zeigte, wie formbar Grunge sein kann. K.G.
40. Mudhoney, „Every Good Boy Deserves Fudge“ (1991)
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„Every Good Boy Deserves Fudge“ ist eine niedliche Eselsbrücke, die Musikschülern helfen soll, sich die Notenlinien in der Violinschlüssel zu merken. Aber das ist auch das Einzige, was an Mudhoneys zweitem Album süß ist. „[Soundgarden sind] gutaussehend. Deshalb verkaufen sie wahrscheinlich mehr Platten als wir, und das ist für die Major-Labels attraktiv“, sagte der Sänger und Gitarrist der Band, Mark Arm, 1991 gegenüber Spin.
„Aber sobald die Leute sehen, dass wir uns einer Schönheitsoperation unterziehen, wird sich das ändern.“ Ob sie nun so aussehen oder nicht. Die Band liefert einen 43-minütigen punkigen Hörangriff, der ebenso viel dem Garagenrock zu verdanken hat wie den Hardcore-Punk-Einflüssen von Sänger und Gitarrist Mark Arm und Gitarrist Steve Turner aus ihrer früheren Band Green River. Die Single „Let It Slide“, die in Großbritannien in die Charts kam, kombiniert magenumdrehende Riffs mit Surf-Rock-Gitarren-Slides, während die Konzert-Evergreens „Into the Drink“ und „Good Enough“ eine finstere Beach-Rock-Attitüde haben.
Die Band holt für „Who You Drivin‘ Now“ sogar eine Farfisa-Orgel hervor, um die Go-Go-Dancer-auf-Angel-Dust-Vibes des Songs hervorzuheben. „Ich denke, [Every Good Boy] war eine Neudefinition dessen, was wir waren“, sagte Turner letztes Jahr. „Wir haben damals auf Hochtouren gearbeitet. Aber auch das in Frage gestellt, was die Leute von uns dachten. Wir waren damals auf einer Erfolgswelle. Eine kurze Erfolgsserie, wie sich herausstellte.“ K.G.
39. The Gits, „Enter: The Conquering Chicken“ (1994)
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Ursprünglich gegründet inmitten der progressiven Utopie des Antioch College in Ohio, prägten die nach Seattle gezogenen Gits die Fuzz-Rock-Szene des Pazifischen Nordwestens mit ihrer mitreißenden Hardcore-Punk-Energie. Mia Zapata, die begnadete Texterin und Sängerin der Band, beschwor in ihren ansonsten pop-punkigen Songs die bluesige, wettergegerbte Poesie von Patti Smith herauf. Auf dem letzten Album der Band, „Enter: The Conquering Chicken“ von 1994, ringt sie in Songs wie „Bob (Cousin O)“ und „Social Love“ damit, in einer Welt, in der Freundlichkeit Mangelware ist, nett zu sein.
Sam Cooke bekommt ebenfalls die Zapata-Behandlung in der Gits-Coverversion von „A Change Is Gonna Come“. In dem stürmischen Thrasher „Sign of the Crab“ sinniert Zapata darüber, von einem Fremden ermordet zu werden. „Go ahead and slice me up, spread me all across this town“, singt sie, „Cause you know you’re the one that won’t be found.“
Andere Grunge-Größen wie Nirvana, Pearl Jam und Soundgarden sammelten mit einer Compilation-LP schnell Geld
In einer erschütternden Wendung des Schicksals sollte sich der Song nur wenige Tage nach seiner Aufnahme genau so erfüllen, wie Zapata es beschrieben hatte. Im Sommer 1993 wurde ihre Leiche im Central District von Seattle gefunden, wo sie nach einem Auftritt in der Comet Tavern vergewaltigt und erwürgt worden war. Die Behörden würden jahrelang an dem Fall herumfummeln. Viele männliche Freunde von Zapata wurden für DNA-Proben in die Enge getrieben. Was Misstrauen in der Szene schürte.
Diese Spannung wurde produktiv, als Gits‘ Schützlinge 7 Year Bitch Treffen zur Sicherheit der Gemeinde einberiefen. Diese führten zur Gründung von Home Alive, einer Organisation, die sich der Selbstverteidigung und Gewaltprävention widmet. Andere Grunge-Größen wie Nirvana, Pearl Jam und Soundgarden sammelten mit einer Compilation-LP schnell Geld. Und 7 Year Bitch würdigte Zapatas Leben 1994 mit ihrem Album „¡Viva Zapata! (siehe Nummer 34 unten). Es sollte weitere zehn Jahre dauern, bis Zapatas Mörder, Jesus Mezquia, identifiziert und angeklagt wurde. Er begann seine 37-jährige Haftstrafe im Jahr 2009. S.E.
38. The Fluid, „Purplemetalflakemusic“ (1993)
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Obwohl The Fluid vor allem für ihre Split-Single mit Nirvana auf Sub Pop bekannt sind, war ihr grungigstes Werk ihr letztes Album „Purplemetalflakemusic“. Mitglieder der Punkband Frantix („My Dad’s a Fuckin‘ Alcoholic“) gründeten Anfang der Achtzigerjahre die Gruppe Madhouse. Und änderten schließlich ihren Namen in The Fluid. Die frühen Einflüsse der Band waren die Stones, die Stooges und die Garagenrock-Compilation-Reihe „Pebbles“. Und ihre ersten Sub-Pop-Alben waren locker und fast poppig.
Als sie jedoch bei dem Disney-eigenen Label Hollywood unter Vertrag genommen wurden, begannen sie, rauere, härtere Musik zu schreiben, die immer noch den Shake-Appeal der Stooges hatte. „One Eye Out“ von Purplemetalflakemusic ist ein heavy Beach-Rocker, während „She Don’t Understand“ eine eingängige Power-Pop-Gesangslinie hat, die mit einem direkten Gitarrenriff gepaart ist, für den Kurt Cobain getötet hätte. Die Band lehnte Tony Visconti als Produzenten für das Album bekanntlich ab. Aber man kann davon ausgehen, dass er den ohnehin schon eingängigen Songs wie „Pill“ und „On My Feet“ etwas zu viel Bowie-Glam verpasst hätte.
Dennoch verkaufte sich das Album nicht gut. Die Band zerbrach 1994, was Gitarrist James Clower gegenüber Spin als „ziemlich erbärmliches Ende einer großartigen Rockband“ bezeichnete. Jahre später reflektierte Frontmann John Robinson darüber, was schiefgelaufen war. „The Fluid, im Guten wie im Schlechten, hat sich nie Ratschläge annehmen lassen. Weißt du? Wir waren eine extrem sturköpfige und eigensinnige Truppe“, sagte er 2008. „Und meistens hat uns das auch gut getan.“ K.G.
37. L7, „Smell the Magic“ (1990)
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Als L7 1989 mit den Aufnahmen zu ihrem zweiten Album begannen, waren sie eine der wenigen Bands außerhalb von Seattle, die bei Sub Pop unter Vertrag standen. Die mitreißende erste Single „Shove“ war ein klares Statement. Das turbulente, an Black Sabbath erinnernde Intro des Songs schien anzukündigen, dass diese aggressiven L.A.-Art-Punks sich nicht dem Stil ihrer Labelkollegen, Tourpartner und Gleichgesinnten wie Soundgarden und Nirvana anpassen würden.
„Wir unterscheiden uns von diesen Bands. Weil wir den Sprung geschafft haben. Wir waren auch in den Heavy-Metal-Magazinen“, erklärte Gitarristin und Songwriterin Suzi Gardner gegenüber Rolling Stone. „Aber wir waren schon immer eine Hardrock-Band. Mit vielen verschiedenen Einflüssen. Und einer punkigen Sensibilität.“ Bei seiner Veröffentlichung 1990 war „Smell the Magic“ ein elektrischer Schlag in einem Meer aus Grau. Von Donita Sparks und Gardners knurrenden Gitarren in „Till the Wheels Fall Off“ bis hin zu den Motörhead-artigen „Broomstick“ und „Packin A‘ Rod“ sprengte das Album in 29 atemlosen Minuten die Grenzen dessen, was eine Grunge-Band sein und wie sie klingen konnte.
L7 waren wild entschlossen, zu beweisen (oft zum Entsetzen ihres Managements), dass Rockbands beeindruckend und witzig, politisch und vulgär sein können. Und von all ihren Alben ist „Smell the Magic“ auch dasjenige, das von der nächsten Welle von Punk- und Riot-Grrrl-Bands, von Garbage bis Veruca Salt, am häufigsten als Inspiration genannt wird. Wegen Songs wie „Fast and Frightening“, die feministisch wirkten, ohne das Geschlecht zum Verkaufsargument der Musik zu machen. „She’s got so much clit she don’t need no balls“, singt Sparks. Ein Konzept, das viele in der Musikindustrie noch immer nicht ganz verstanden haben. S.G.
36. Neil Young and Crazy Horse, „Ragged Glory“ (1990)
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Im April 1990, bevor außerhalb der winzigen Rockszene von Seattle überhaupt jemand den Begriff „Grunge“ gehört hatte, versammelte Neil Young Crazy Horse auf seiner Ranch in Kalifornien. Und schuf innerhalb weniger Wochen ein perfektes Grunge-Album. Das fiel ihm leicht, da er schon seit Jahren Proto-Grunge-Alben wie „Rust Never Sleeps“ mit dem skronkigen „Hey Hey, My My (Into the Black)“ und dem akustischen Gegenstück „My My, Hey Hey“ gemacht hatte. Das die unglückliche Ehre hat, in Kurt Cobains Abschiedsbrief zitiert zu werden.
Auf Ragged Glory sind Songs wie „Love and Only Love“ und „Fuckin‘ Up“ um lange, feedbackgetränkte Jams herum aufgebaut. Und können sich ohne Weiteres mit seinen stärksten Werken aus den Siebzigern messen. „Ich wollte bewusst lange Instrumentalstücke spielen. Weil ich auf anderen Platten keine Jams höre“, erklärte er damals gegenüber Rolling Stone.
„Heutzutage gibt es nichts Spontanes mehr auf Platten. Außer im Blues und in funkigerer Musik. Rock ’n‘ Roll hatte das früher alles.„ Er ahnte nicht, dass sich eine musikalische Revolution zusammenbraute. Angeführt von Künstlern, die mit seiner Musik aufgewachsen waren. Bald spielte Pearl Jam ‚Fuckin‘ Up“ bei ihren eigenen Konzerten. Und die Medien bezeichneten ihn als „Godfather of Grunge“. Young spielte diese Rolle nur allzu gerne mit, indem er Pearl Jam als Begleitband für sein 1995 erschienenes Album „Mirror Ball“ engagierte. A.G.
35. Paw, „Dragline“ (1993)
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Anfang 1992 waren Paw aus Lawrence, Kansas, eine von unzähligen Bands, die unmittelbar nach „Nevermind“ von den Major-Labels umworben wurden. „Es ist wirklich idiotisch und außer Kontrolle“, sagte Schlagzeuger Peter Fitch gegenüber Newsweek. In jenem Jahr, nachdem er sich durch die von A&R-Leuten bevölkerten Gewässer von South by Southwest navigiert hatte.
„Wir sind nur ein Haufen Dreckskerle aus Kansas in zerrissenen Jeans. Und wir sitzen im besten Restaurant von Austin und essen 35-Dollar-Gerichte. Das ist nicht die Realität.“ Doch an ‚Dragline‘, dem Debütalbum der Band bei einem Major-Label, war nichts Künstliches. Inmitten zahlreicher klobiger, zeitgemäßer Riffs webten Fitch, sein Bruder Grant an der Gitarre, Bassist Charles Bryan und Sänger Mark Hennessy gekonnt rootsigere Elemente ein. Einen schönen Pedal-Steel-Break in der MTV-Single „Jessie“. Ein folkiges Outro am Lagerfeuer in „Sleeping Bag“. Dinge, die ihrer Musik einen unverkennbaren Midwestern-Charakter verliehen.
Hennessys erdige Stimme, die oft zu einem rauen Brüllen anschwoll, und seine Texte, die lebhafte Bilder aus seiner Kindheit zeichneten – „Yeah, Poppa bought a pickup truck/With bottle tops and that’s enough/A beat up piece of Chevrolet/Blue and white rustin‘ away“ –, verstärkten den Eindruck, dass diese Band, Trends beiseite, stur ihrer eigenen bodenständigen Muse folgte. H.S.
34. 7 Year Bitch, „¡Viva Zapata!“ (1994)
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Bis 1990 hatten nur sehr wenige Rockbands die prekäre Lage der Frauen so militant thematisiert wie die vierköpfige Band 7 Year Bitch aus Seattle. Nicht ganz Grunge und nicht ganz Riot Grrrl, erfüllte die Band die lokale Punkszene mit gerechter Wut in feministischen Rachefantasien wie „Dead Men Don’t Rape“ und „Gun“. Doch 1992, kurz vor der Veröffentlichung ihres Debütalbums „Sick ‚Em“, wurde die Band von einem tragischen Schicksalsschlag getroffen. Gitarristin Stephanie Sargent starb plötzlich. Vermutlich an einer tödlichen Mischung aus Alkohol und Heroin.
Erwürgt aufgefunden
Weniger als ein Jahr später wurde die Muse und Mentorin der Band, Gits-Frontfrau Mia Zapata, vor einem beliebten Musikclub erwürgt aufgefunden. Beide Ereignisse waren der Auslöser für ihr zweites Album „¡Viva Zapata!“, produziert von Jack Endino. Eine unerschrockene Hommage an die beiden verlorenen Stars. Begleitet vom bedrohlichen Bass von Elizabeth Davis fragt Frontfrau Selene Vigil-Wilk in „M.I.A.“ im Stil einer Slam-Poetin: „Gibt es Gerechtigkeit für dich in dieser Gesellschaft? Wenn nicht, dann gibt es sie bei mir.“
Schlagzeugerin Valerie Agnew schloss sich dem an. Und organisierte Trauerfeiern für die Community, aus denen Selbstverteidigungskurse hervorgingen und schließlich die gemeinnützige Anti-Gewalt-Organisation Home Alive. „Wir dachten in Kategorien der Selbstverteidigung“. Agnew sagte später: „Wir wünschten uns, wir wären alle verdammte Ninja-Bitches.“
Doch trotz seines ernüchternden Themas war „¡Viva Zapata!“ nicht ohne verspielte Freizügigkeiten. In ihrem beliebtesten Song „The Scratch“ legten die Bandmitglieder ihre politische Haltung für zwei Minuten beiseite. Und gaben sich einem eingängigen, unbekümmerten Hedonismus hin. Die Band spielte den Song bekanntlich live in dem 1995 erschienenen Teenager-Drama „Mad Love“ mit Drew Barrymore in der Hauptrolle. „Pass besser auf, was du dir wünschst“, warnt Vigil-Wilk. „Ich werde meinen Kuchen haben und ihn auch essen, genau wie du!‘ S.E.
33. Babes in Toyland, „Fontanelle“ (1992)
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Nach ihrem Debütalbum „Spanking Machine“ flirteten Babes in Toyland mit dem Mainstream-Erfolg. Unterschrieben bei Reprise Records. Und begleiteten Sonic Youth auf ihrer „Goo“-Tournee 1990. (Thurston Moore bezeichnete die Band zusammen mit L7 und Hole einmal ironisch als „Foxcore“.) Doch nachdem die ehemalige Bandkollegin und Rivalin von Frontfrau Kat Bjelland, Courtney Love, Kim Gordon für die Produktion des Hole-Debüts „Pretty on the Inside“ von 1991 engagiert hatte, legte Bjelland einen Gang zu. Und schrieb ihr groteskes Comeback-Album „Fontanelle“, das sie gemeinsam mit Sonic-Youth-Schlagzeuger Lee Ranaldo produzierte.
Obwohl Bjelland Gerüchte dementierte, dass der Eröffnungstrack „Bruise Violet“ ein Seitenhieb auf Love sei, deutet das Video etwas anderes an. Die chamäleonartige Fotografin Cindy Sherman spielt Bjellands blonde, babydollartige Doppelgängerin, die Bjelland am Ende erwürgt. („Du siehst die Sterne durch Augen, die von Lügen leuchten!“ schreit Bjelland, während Schlagzeugerin Lori Barbero donnernd auf ihre Tomtoms schlägt. Und Bassistin Maureen Herman darunter bedrohlich grollt.) Bjellands Scharfzüngigkeit zielte manchmal auch über ihre weiblichen Konkurrentinnen hinaus. „Du bist tot, Motherfucker/Versuch nicht, eine Göttin zu vergewaltigen“, knurrt sie in „Bluebell“.
Aber für jedes unnötige „bitch“ in dem verdrehten Kinderreim „Handsome & Gretel“ gewinnt Bjelland an Kraft in ihrem lebenslangen Tauziehen mit den Frauen in ihrem Leben. Von der Mutter, die sie verlassen hat, bis zu den vielen Mädchen, die versuchten, sie zu imitieren. Wodurch die Grenzen zwischen Liebe und Besessenheit verschwammen. Bjelland versöhnte sich mit Love vor Kurt Cobains Suizid. Und schrieb sogar „I Think I Would Die“ aus Holes 1994er Album „Live Through This“ mit. Aber wenn Love die tragische Schönheitskönigin des Grunge war, verkörperte Bjelland etwas viel Ursprünglicheres. Vielleicht die verkörperte Wahrheit, die aus den Tiefen ihres Brunnens auftauchte und ihre Flüche schrie. S.E.
32. Smashing Pumpkins, „Gish“ (1991)
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Als sich die neu gegründeten Smashing Pumpkins im Dezember 1990 in Butch Vigs Aufnahmestudio in Wisconsin versammelten, um ihr Debütalbum aufzunehmen, rechnete niemand mit anstrengenden Sessions. Billy Corgan trieb seine junge Band an ihre Grenzen, indem er stundenlang jedes Detail unter die Lupe nahm. Vom Stimmen der Instrumente bis hin zum Spielen der meisten Parts selbst.
„Ich könnte das nie wieder machen“, erinnerte sich Bassistin D’arcy Wretzky 1995 in der MTV-Dokumentation über die Band. „Ich weiß nicht, wie wir das überstanden haben.“ Gish enthielt zehn dichte, kunstvoll gestaltete Tracks. Von der Intensität von „Siva“ und „Tristessa“ bis hin zum subtilen, surrealen Aufbau der Lead-Single „Rhinoceros“. Die die musikalischen Ambitionen der Band unter Beweis stellten. „Ich habe versucht, viele Dinge auszudrücken, die ich nicht wirklich in Worte fassen konnte“, sagte Corgan gegenüber MTV. „Mit Musik war ich dazu in der Lage, aber mit Worten hätte ich das nicht geschafft.“
Obwohl sie eine Band aus Chicago waren, schlossen sich die Pumpkins bald der Seattle-Szene an. Soundgarden empfahl die Band Cameron Crowe für die Aufnahme in seinen Soundtrack zu „Singles“, nachdem die beiden Bands gemeinsam aufgetreten waren. Wodurch ihr Ehrenstatus in der Grunge-Szene offiziell wurde. A.M.
31. Tad, „8-Way Santa“ (1991)
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Mit seiner massigen Statur von 136 kg und seinem struppigen Bart sah Thomas „Tad“ Doyle eher wie ein Biker (oder wie sein früherer Beruf, ein Metzger) aus als wie ein typischer dürrer Indie-Rocker. Das zweite und gehaltvollste Album seiner Band passte zu dieser Ausstrahlung. Mit rasanten Tracks wie „Jinx“ und „Trash Truck“ bewegte sich die Band zwischen ungepflegtem Indie und schwerfälligem Metal. Angetrieben vom kräftigen Brüllen des Sängers und Gitarristen Doyle und seinen verstörenden Texten („I’m thinking/I’m God’s son/I’m drinking/And I’m driving“).
„Wir waren definitiv fasziniert von abweichendem Verhalten, der Schattenseite der amerikanischen Gesellschaft“, sagte Doyle. „Hatten es satt, immer nur Liebeslieder zu hören. Wir wollten die Leute schockieren. Und dabei Spaß haben.“ Tad tourte mit Nirvana, als diese Bleach veröffentlichten. Und beide Bands beeinflussten sich gegenseitig deutlich. Die knallharten 8-Way Santa-Songs wie „Delinquent“ und „Pig Iron“ sind Geschwister von Songs auf Nevermind (beide Alben wurden von Butch Vig produziert). Als Album, das offenbar keine Angst hatte, jeden zu erschüttern, der es hörte, bleibt „8-Way Santa“ ein erfrischendes Andenken an den Grunge vor dem kommerziellen Erfolg. Ein Brüllen aus den Wäldern des Nordwestens, das damals nur wenige hören konnten. D.B.
30. Wipers, „Youth of America“ (1981)
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Keine Band hat einen sichereren Platz im Proto-Grunge-Kanon als die Wipers. „Sie haben den Seattle-Grunge-Rock so ziemlich in Portland ins Leben gerufen“, sagte Kurt Cobain laut Nirvana: The Biography einmal. Aber ihr „bahnbrechender“ Status – der durch die Tatsache untermauert wird, dass sie von Nirvana über die Melvins bis hin zu Hole gecovert wurden – verschleiert, wie kraftvoll ihre Musik wirklich ist.
Insbesondere ihr zweites Album „Youth of America“ ist eine atemberaubende Meisterleistung der Stimmungsmache. Eines der düstersten und eindringlichsten Werke des amerikanischen Underground-Kanons. „No Fair“ beginnt als unheimlicher, schlafwandlerischer Trauergesang, bevor er in wilden Punk ausbricht, während der Titeltrack eine perfekt abgestimmte Hymne der Desillusionierung ist, die sich in zehn nervenaufreibenden Minuten in pure, elektrisierende Abstraktion auflöst.
Der trotzige und zugleich verletzliche Gesang von Bandleader Greg Sage und sein kantiges, virtuoses Gitarrenspiel (man höre sich nur das surreale Solo zu Beginn von „When It’s Over“ an) verliehen der Band eine fieberhafte Dringlichkeit. Die keiner ihrer zahlreichen Nachahmer erreichen konnte. „Ich habe mich nie von irgendetwas beeinflussen lassen, was zu dieser Zeit passierte. Tatsächlich mochte jahrelang niemand unsere LPs“, sagte Sage später. „Ich habe immer Songs geschrieben, wie ich sie für richtig hielt.“ H.S.
29. Green River, „Come on Down“ (1985)
Das Debütalbum von Green River ist ein schräges Gemisch aus Punk, Metal und Hard Rock. Voller langsam schleifender Riffs, dramatischer Beckenschläge und dem Stooges-artigen Gesang von Frontmann Mark Arm. Es ist der Sound junger Musiker, die sich an ihren Einflüssen orientieren. Ein bisschen Aerosmith und Blue Öyster Cult im Refrain von „Swallow My Pride“.
Etwas Black Flag-Gitarrengeklimper und Neil Young-Gejammer im legendären „Come On Down“ (ein Song, dessen Refrain „Come on down to the river“ umso erschreckender ist, wenn man bedenkt, dass der Mörder Gary Ridgway, alias Green River Killer, damals in der Gegend von Seattle Sexarbeiterinnen erwürgte). Und etwas Iron-Maiden-Galopp in „Tunnel of Love“. „Stone [Gossard, Gitarre] stand total auf UFO und Iron Maiden“, erzählte Bassist Jeff Ament dem Rolling Stone. „Ich weiß nicht, ob damals wirklich jemand von uns diese Bands wirklich mochte.“
„Er schrieb viel Musik. Also nahmen wir die Riffs, die er einbrachte, zerlegten sie. Und machten sie zu unserem eigenen Ding.“ Auf dem Album gibt es nur schwache Anklänge an die Musik, die die Bandmitglieder später in Mudhoney, Pearl Jam und Temple of the Dog machen würden. Es ist eher eine grobe Skizze dessen, wohin sich der Grunge entwickeln würde. K.G.
28. Soundgarden, „Louder Than Love“ (1989)
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Das Major-Label-Debüt des Grunge ist ein schwerfälliger, schmieriger, pistolenharter Schlag auf den Kopf. Obwohl Songs wie das revolutionär angehauchte „Gun“, das orgiastische „Full On Kevin’s Mom“ und das augenzwinkernde „Big Dumb Sex“ („I know what to do/I’m gonna fuck, fuck, fuck, fuck you“ in voller stereophoner Pracht) sind eindeutig nicht reif für die Primetime, stieg das Album in die untere Hälfte der Billboard 200 ein. Und erwies sich als einflussreich. Es inspirierte Kirk Hammett von Metallica zum Riff für „Enter Sandman“ („Ich habe versucht, ihre Einstellung zu großen, schweren Riffs einzufangen“, sagte er) und lieferte Cover-Material für Guns N‘ Roses, die „Big Dumb Sex“ in T. Rex‘ „Buick McCane“ interpolierten.
Der spätere Pantera-Produzent Terry Date arbeitete mit der Band zusammen und half ihr, ihre Metal-Seite besser zur Geltung zu bringen. Was jedoch die Ironie einiger Songs verschleierte, die eher „meta“ als Metal waren. „Ich habe gelernt, dass Parodien nur funktionieren, wenn man ‚Weird‘ Al Yankovic ist und das sein Ding ist“, sagte Chris Cornell 1994 über GN’Rs Aneignung von ‚Big Dumb Sex‘. „Wenn man diesen Song hört und die Band nicht kennt und nicht weiß, dass wir einen Witz machen, dann ist es [wie] Aerosmith.“
Die Band überarbeitete ihren Sound auf ihrem nächsten Album, Badmotorfinger aus dem Jahr 1991, nach Cornells eher traditionell rockorientiertem Nebenprojekt Temple of the Dog und dem Weggang des Bassisten und produktiven Songwriters Hiro Yamomoto. Was die Unhandlichkeit von Louder Than Love im Nachhinein umso beeindruckender macht. Weiter hätten sie diesen Sound nicht entwickeln können. K.G.
27. Babes in Toyland, „Spanking Machine“ (1990)
Bevor es Babes in Toyland, L7 und Hole gab, gab es Sugar Babydoll. Ein Pre-Grunge-Trio aus San Francisco mit der späteren L7-Bassistin Jennifer Finch, der späteren BiT-Frontfrau Kat Bjelland. Und Courtney Love, Bjellands legendäre Freundin und Feindin, deren Beziehung zu Love vage an die Handlungen von „All About Eve“ und „Single White Female“ erinnerte. Bjelland „versuchte, Courtney zu entkommen“, wie sie in einem 2015er Interview bestätigte. Und floh nach Minneapolis, der Heimat der Replacements, um dort mit der Schlagzeugerin Lori Barbero und der Bassistin Michelle Leon die Punkband Babes in Toyland zu gründen.
Ihre brackige erste Single „Dust Cake Boy“ schoss wie eine Rakete durch die College-Radiosender. Mit einem Buttermesser als Gitarren-Slide kritzelte Bjelland Riffs wie Lösegeldforderungen mit einer frenetischen, Lydia-Lunch-artigen Hingabe. Aufgenommen in Seattle von Mudhoney- und Nirvana-Produzent Jack Endino, war Babes‘ Debütalbum „Spanking Machine“ eine perfekte Verbindung aus knackigem Midwestern-Punk und ironischer Northwestern-Malaise. Barbero und Leon wechselten vom Mud-Disco-Sound von „Swamp Pussy“ zum jangly Sludge-Groove von „He’s My Thing“. Und Barbero brach in ihrem Danzig-artigen Stoner-Rock-Intermezzo „Dogg“ aus ihrer Rolle aus.
Währenddessen durchquerten Bjellands bansheeartige Verse die dunkelsten Winkel ihres Geistes, wo Adler sich wagten und die meisten Männer sich nicht hinzutrauten. In ihren 2016 erschienenen Memoiren „I Live Inside“ schrieb Leon: „Journalisten fragen uns ständig, ob wir ‚Riot Girls‘ sind. Wir halten das für so einen Blödsinn wie Foxcore oder Grunge, also sagen wir ‚Nein‘. Ich habe herausgefunden, dass Riot Grrrl eine Bewegung ist, die sich mit Feminismus, Politik und Aktivismus beschäftigt … aber wir sind nicht alle so klug und motiviert. Wir sind einfach nur eine weitere Punkband.“ S.E.
26. Smashing Pumpkins, „Mellon Collie and the Infinite Sadness“ (1995)
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1995 drohte der Grunge in einer musikalischen Sackgasse zu versinken. Und kaum jemand spürte diese Grenzen so sehr wie Billy Corgan. „Wir hatten das Ende eines kreativen Zyklus erreicht“, sagte er gegenüber RS. „Zumindest für mich, denn das Grundformat aus rockigen Gitarrenriffs und hämmernden Drums – all diese Elemente, die den klassischen Smashing Pumpkins-Sound ausmachen – hatte seinen Höhepunkt erreicht.“
Zu den Turbulenzen kam hinzu, dass Corgans Ehe in die Brüche ging. Beginnend mit dem Titelsong, einem Instrumentalstück mit Klavier und Streichern, das das genaue Gegenteil von Alternative Rock war, bemühte sich das dritte Album der Pumpkins, alle Klischees des Genres zu vermeiden. Ihr White Album (oder, wie Corgan es lieber nennen würde, ihr Wall), Mellon Collie and the Infinite Sadness, war eine Doppel-CD mit 28 Titeln, die jede Menge messerscharfe Rocknummern enthielt („Zero“, „Muzzle“, „X.Y.U.“). Aber es wagte sich auch an üppige Pop-Elektronik („Cupid De Locke“). Melancholische Akustik („Stumbleine“, „To Forgive“). Nächtliche Wiegenlieder („We Only Come Out at Night“) und federnden Art-Rock („1979“).
Als musikalisch expansivstes Album der Grunge-Ära (das rasende „Bullet with Butterfly Wings“ gewann sogar einen Grammy für die beste Hard-Rock-Performance) sollte ‚Mellon Collie and the Infinite Sadness‘ auch so etwas wie ein Grabstein für diese Ära werden. Nach 1995 waren weder Grunge noch die Pumpkins mehr dieselben. Aber was für ein Abgang! D.B.
