Die 50 besten Prog-Alben aller Zeiten

10

Yes - „Fragile“

Das Popradio hatte noch nie etwas wie „Roundabout“ gehört, Yes’verblüffend unwahrscheinliche Breakout-Single. Aufgebaut auf Steve Howes Kaleidoskop aus klassischen akustischen und elektrischen Gitarren, Rick Wakemans Orgelspiel wie ein Hammer in einer anglikanischen Kirche und Bill Brufords wildem, polyvalentem Schlagzeugspiel (insbesondere im galoppierenden, verrückten Mittelteil) erreichte es Platz 13 der Billboard-Charts und wurde zusammen mit dem Album zu einem Klassiker des Rock, der Generationen ehrgeiziger Rocker prägte. „Als ich sieben Jahre alt war, fand ich ‚Fragile‘ in der Plattensammlung meines Vaters“, sagte der Gitarrist der Red Hot Chili Peppers, John Frusciante, der Howe als seinen Lieblingsgitarristen bezeichnete. „Ich legte die Platte auf und sah zu, wie sich das Wohnzimmer in einen gemütlichen Ort verwandelte, der an eine Gebärmutter erinnerte. Ihre Musik war so magisch und schien fast unwirklich.“ - W.H.

9

Genesis - „The Lamb Lies Down on Broadway“

Eines der ausgefeilteren, betörenderen und seltsam lohnenderen Konzeptalben der Rockmusik: In diesem Doppel-Vinyl-Klassiker spielt der stets theatralische Peter Gabriel die Hauptrolle als Rael, ein puertoricanischer Straßenpunk, der in den New Yorker Untergrund abtaucht, um eine Reihe surrealer Abenteuer zu erleben. („Es schien, als würde das Herumtanzen im Märchenland schnell überflüssig werden“, erklärte Gabriel seinem Biografen.) Der Bassist Mike Rutherford wollte das letzte Album der Band mit Gabriel, der seine Absicht angekündigt hatte, Genesis zu verlassen, jedoch auf Saint-Exupérys „Der kleine Prinz“ basieren. Die Aufnahmesessions waren stressig, insbesondere für Gabriel, der im Alleingang seine Texte zur Musik der Band hinzufügte und stundenlang zwischen dem Studio und seiner Tochter pendelte, die zu früh auf die Welt gekommen war. „The Lamb“ schwankt letztendlich zwischen wilder Improvisation und straffer Kontrolle, während Höhepunkte wie „Carpet Crawlers“ und „The Colony of Slippermen“ von der einzigartigen Mischung aus Kunst und Kraft der Band zeugen. - R.G.

8

Can - „Future Days“

„Future Days ist für mich das beste Album, das ich mit Can gemacht habe“, sagte Sänger Damo Suzuki. „Denn es war sehr einfach, nach diesem Album bei Can aufzuhören. Danach wollte ich nichts mehr von ihnen. Musikalisch war ich sehr zufrieden.“ In der Tat vereinen die vier Titel auf dem fünften Studioalbum der deutschen Experimental-Rocker alles, was sie taten, auf seltsame Weise gut. Can konnten sich auf drei Minuten psychedelischen Pop („Moonshake“) beschränken oder den Mittelweg zwischen Miles Davis

7

Jethro Tull - „Thick as a Brick“

Verärgert darüber, dass viele Kritiker „Aqualung“ aus dem Jahr 1971 für ein Konzeptalbum hielten, beschloss Tull-Frontmann Ian Anderson, das gesamte Konzept des Konzeptalbums zu parodieren. „Thick as a Brick“ bestand aus einem fast 44-minütigen Song, der sich über eine schwindelerregende Anzahl von Stücken erstreckte, und wurde in einer Monty-Python-ähnlichen Zeitungshülle verpackt, die den Liedtext einem fiktiven Schuljungen zuschrieb und sogar das Album darin „rezensierte“. Es war ein brillanter Streich – einer, der so nahtlos ausgeführt wurde, dass die meisten Leute den Witz nicht verstanden. Nicht, dass sie das hätten müssen, um ihn zu genießen. Wie Rolling Stone damals anmerkte: „Ob ‚Thick as a Brick‘ nun ein isoliertes Experiment ist oder nicht, es ist schön zu wissen, dass jemand im Rockgeschäft Ambitionen hat, die über den konventionellen Vier- oder Fünf-Minuten-Track hinausgehen, und die Intelligenz besitzt, seine Absichten in all ihrer Komplexität mit beachtlicher Anmut umzusetzen.“ - D.E.

6

Genesis - „Selling England by the Pound“

Träume vom fröhlichen alten England verwandeln sich auf Genesis’ drittem Album – und dem letzten als zusammenhängende kreative Einheit – in konsumistische Albträume. „Can you tell me where my country lies?“ singt Peter Gabriel in „Dancing With the Moonlit Knight“, dem ersten von mehreren Liedern, die das Hey-Nonny-Klischee des Inselstaats anprangern und parodieren. Für den Gitarristen Steve Hackett, der durchgehend das Licht fantastisch macht, spiegelt „Selling“ das Gefühl wider, dass das alte England übernommen wird; der Tante-Emma-Laden weicht dem multinationalen Unternehmen. „Selling“ enthält auch „Firth of Fifth“, eine längere Komposition, die viele als den besten Moment der Band betrachten, sowie „More Fool Me“, ihr erstes Phil-Collins-Gesangsstück und einen Vorgeschmack auf poppigere Dinge, die noch kommen sollten. Gabriel trug die manchmal Monty-Python-artige Artus-Karikatur des Albums auf der anschließenden Tournee und trat auf der Bühne als Ritter Britannia verkleidet auf. - R.G.

5

Yes - „Close to the Edge“

„Meiner Meinung nach ist Yes vielleicht die wichtigste aller Progressive-Rock-Bands“, sagte Rushs Geddy Lee, der „Close to the Edge“ zu „einem meiner Lieblings-Rockalben aller Zeiten“ zählt. Und wenn Sie sich wie Stephen Malkmus von Pavement fragen, wie Lees Stimme so hoch werden konnte, dann hören Sie sich hier Jon Andersons wolkenbrechenden Gesang an. Yes’ größte Prog-Erklärung ist ein komplexes Paar mehrteiliger Suiten, plus das schillernd unverständliche Paradestück „Siberian Khatru“. Eine Kopfhörerreise mit kryptischen Texten, deren Analyse unzählige Pixel auf Message Boards gewidmet wurden (ist „Khatru“ überhaupt ein Wort?), wurde nur acht Monate nach „Fragile“ veröffentlicht. Aber der erstaunliche Lauf war zu schön, um von Dauer zu sein: Der geniale Schlagzeuger Bill Bruford verließ die Band nach den anstrengenden Aufnahmen, schloss sich seinen Kollegen von King Crimson an und brachte ihre Beats auf die nächste Stufe des Gonzo-Jazz. Aber dies könnte sein ultimatives Vorzeigestück sein. - W.H.

4

Pink Floyd - „Wish You Were Here“

Entfremdung hat selten so majestätisch geklungen wie in diesem sentimentalen psychedelischen Nachfolger des Meilensteins „Dark Side of the Moon“. Inspiriert durch das Verschwinden von Floyd-Gründer Syd Barrett in einem psychischen schwarzen Loch, enthält „Wish You Were Here“ eine ausgedehnte neunteilige Ode an ihren Bandkollegen („Shine on You Crazy Diamond“) sowie zwei Songs, die die Musikindustrie kritisieren („Welcome to the Machine“, „Have a Cigar“), und den eindringlichen Titelsong, der ebenfalls von Barrett handelt. Für Roger Waters, der das Album schrieb, war Barrett ein „Symbol für all die Extreme der Abwesenheit, denen sich manche Menschen hingeben müssen, weil es der einzige Weg ist, mit der verdammten Traurigkeit des modernen Lebens zurechtzukommen.“ „Wish“ wurde inmitten von Auseinandersetzungen über Prozess und Inhalt aufgenommen (die Bandmitglieder verbrachten selten Zeit miteinander im Studio) und erhielt seinen Titel von Coverkünstler Storm Thorgerson, der die auffällige Serie surrealer Fotografien entwarf, darunter das ikonische Coverfoto, auf dem ein Geschäftsmann einen anderen buchstäblich verbrennt. - R.G.