HipHop: Die 200 besten Rap-Alben aller Zeiten
Top-200-Hip-Hop-Alben: Warum die Auswahl hart ist – und warum „Astroworld“, „Bandana“ und „Montero“ entscheidend sind.
180. Little Simz, „Sometimes I Might Be Introvert” (2021)
Schnell wie ein Maschinengewehr. Roh wie eine offene Wunde. Witzig wie ein Stand-up-Comedian. Tiefgründiger als Ihr Prediger. Little Simz hat ein Talent, das fast schon einschüchternd wäre. Wenn ihre Songs nicht so verdammt heiß wären.
Von der Afrobeat-inspirierten Hymne „Point and Kill“ bis zum gefühlvollen „Woman“ ist Sometimes I Might Be Introvert ein Knaller nach dem anderen. Und jeder Song offenbart eine neue Ebene. Insbesondere das eindringliche „I Love You, I Hate You“.
„Zu viel Unausgesprochenes, jetzt bereitet mir die Stille Kopfschmerzen/Nur durch Worte können wir all diese Last loslassen … Es ist schwer, diese Gefühle nicht mit sich herumzutragen, selbst an meinen besten Tagen/Ich hätte nie gedacht, dass meine Eltern mir mein erstes gebrochenes Herz bescheren würden.“ Nur eine Virtuosin wie Simz könnte den Umgang mit ihrem Vater so funky gestalten. —N.S.
179. Freestyle Fellowship, „To Whom It May Concern…“ (1991)
Von Rapper und Produzent J-Sumbi für ein gemeinsames Album rekrutiert, waren Myka Nine, Aceyalone, P.E.A.C.E und Self Jupiter weniger eine langjährige Gruppe als vielmehr vier Rap-Talente, die im Good Life Café in Los Angeles für Furore sorgten. To Whom It May Concern… zeigt die vier Männer in mehreren Solo-Showcases.
Da ist Mykas atemberaubende Beschwörung der biblischen Apokalypse in „7th Seal“. Sumbis Abhandlung über den Ausverkauf von Unternehmen in „Sunshine Men“. Aceyalones verschlungenes, fließendes „My Fantasy“. Die Gruppe vereint sich jedoch in „We Will Not Tolerate“, einem Gesang gegen die Vorherrschaft der Weißen, unterlegt mit dem Beat von Run-DMCs „It’s Like That“.
Die Freestyle Fellowship positionierte Hip-Hop-Lyrik als eine dem Jazz ähnliche Ausdrucksform. Und hinterließ einen bleibenden Eindruck, dessen Einfluss bis heute in der Underground- und Left-of-Center-Rap-Musik nachhallt. —M.R.
178. E-40, „In a Major Way“ (1995)
Mit seinen 28 Alben hat sich E-40 als der beständigste und brillanteste MC des Hip-Hop erwiesen. Als Symbol für unabhängigen Ehrgeiz und als Game-Spitter, der von mehreren Generationen geschätzt wird. Sein zweites Album, „In a Major Way“ aus dem Jahr 1995, trug dazu bei, vieles von dem populär zu machen, was Rapper auch heute noch lieben. Hyper-spezifische Geschichten über Drogenverkäufe, der langsam schleichende Puls der „Mobb Music” aus der Bay Area.
Und – wahrscheinlich mehr als jeder andere MC in der Geschichte – Wörterbücher voller farbenfroher Slangausdrücke und einfallsreicher Wortverdrehungen. „Fifty-nine clip kizzartridge, you know I’m pizzackin’/In the mornin’, cookin’ bacon/In the ghetto in the bulletproof apron.” –C.W.
177. Gravediggaz, „6 Feet Deep“ (1994)
Als Versuch eines großen Labels, Horrorcore in den Mainstream zu bringen, waren Gravediggaz ein bemerkenswerter Misserfolg. Aber viele Fans fanden Gefallen an dieser abgedrehten Satire auf Hardcore-Werte, Feuer-und-Schwefel-Theologie und Horrorfilm-Klischees.
Der Produzent Prince Paul und die Rapper RZA, Frukwan und Too Poetic zaubern eine East-Coast-Antwort auf die „Chuckie“-Possen regionaler Acts wie den Geto Boys. Was zu pulpigen und entschieden un-PC-Possen wie „Diary of a Madman“, „1-800 Suicide“ und „2 Cups of Blood“ führt. Es ist ein lustiger und lächerlich blutiger B-Boy-Trip. —M.R.
176. Westside Gunn, „Flygod“ (2016)
Westside Gunn schien mit „Flygod“ voll ausgebildet aufzutauchen. Er bot eine unvergessliche Interpretation des Low-Fi-/Street-Rap-Stils, der durch Prodigy und Roc Marciano populär wurde. Tatsächlich arbeitete der Rapper aus Buffalo, New York, über ein Jahrzehnt lang in der Underground-Szene der Ostküste.
Er sorgte für Aufsehen, bevor sein offizielles Debütalbum mit unerwarteten Gastauftritten wie dem Turntablist-Helden DJ Qbert, verträumten Samples von Daringer und The Alchemist sowie Westside Gunns keuchendem, ungewöhnlichem Flow, der ein Leben voller Hypebeast-Mode und Hood-Politik beschreibt, weltweit für Aufsehen sorgte. „Gustavo“, eine träge und hypnotische Zusammenarbeit mit der Dichterin Keisha Plum, ist ein Stück Thug-Rap-Perfektion. —M.R.
175. Roxanne Shanté, „Bad Sister“ ( 1989)
Die vielleicht wildeste Freestyle-Rapperin der Mitte bis Ende der 1980er Jahre, das Wunderkind Lolita „Shanté“ Gooden aus Queens, kämpfte jahrelang gegen ihren härtesten Gegner, den Sexismus, bevor ihr Debütalbum erschien.
Juice-Crew-Produzent Marley Marl setzte auf archetypische Funk-Breaks (er verwendete Lyn Collins „Think [About It]” in drei verschiedenen Songs), damit Shanté rappen und aufhören konnte. Ihre Old-School-Frechheit, ihr gnadenloser Flow und ihr lässiger, vernichtender Witz verwandelten Songs wie „Bad Sister”, „Live on Stage”, „Have a Nice Day” und „Go on Girl” in ausgelassene Feierlichkeiten. —C.A.
174. Cam’ron, „Purple Haze“ (2004)
Der aus Harlem stammende Cam’ron ist einer der großen Ausreißer des East Coast Hip-Hop. Gangsta-Swagger gepaart mit drogenbedingtem Surrealismus. Eine Zeit lang war er wie ein echter New Yorker ständig auf Achse, brachte mit erstaunlicher Geschwindigkeit Alben, Singles und Features heraus. Ganz zu schweigen davon, dass er die Straßen dazu brachte, Pink zu tragen, und mit seiner Crew Dipset für Sizzurp Liquer warb.
Purple Haze war der Höhepunkt der klassischen Ära von Cam, der irgendwie seinen Stil festigte und dadurch noch seltsamer wurde. Hört euch das unglaublich smooth „Killa Cam”, den klassischen frühen Kayne-Track „Down and Out”, die Hill Street Blues-Interpolation auf „Harlem Streets” und, äh, ein verstümmeltes Cyndi Lauper-Sample auf „Girls” an. —J.G.
173. Mac Miller, „The Divine Feminine“ (2016)
Mac Millers Entwicklung vom Frat-Rapper zum sensiblen, sentimentalen Künstler, den man auf diesem Album hört, verlief holprig. Aber mit „The Divine Feminine“ fand er seine Stimme und erkundete die Höhen und Tiefen der Liebe in Songs wie „Dang!“, „Stay“ und dem Duett mit Ariana Grande „My Favorite Part“.
Mit Unterstützung von Anderson . Paak und dem Pianisten Robert Glasper war der Sound angemessen elegant und opulent. Mit Jazz- und R&B-Einflüssen, die Miller eine üppige Kulisse boten, um seine Glaubwürdigkeit als großzügiger, cooler Typ zu beweisen, dessen Herz so ziemlich immer am richtigen Fleck war. —J.D.
172. Flo Milli, „Ho, Why Is You Here?“ (2020)
Flo Millis Debüt-Mixtape aus dem Jahr 2020 ist voller viraler Bars, die uns mutig eine echte junge Originalität vorstellen. Die aus Mobile, Alabama, stammende Künstlerin zeigt sich auf der Single „Beef FloMix“ von ihrer besten Seite. Sie rappt: „Can’t do no broke ho, they give me allergies/But I know they love my personality.”
Auf „In the Party” ” lässt sie das Dasein als Ehebrecherin („La, la, la, la, la, la, yeah, bitch, I got your man”) so beruhigend klingen wie ein Ratchet-Wiegenlied. Und der TikTok-Megahit „Weak” ist ein kolossaler Flex, in dem die 22-Jährige eine lange Liste von verliebten Verehrern aufzählt. Unterlegt mit einem üppigen Reboot von SWVs „Weak”. “ —W.D.
171. Marley Marl, „In Control, Volume 1“ (1988)
Nicht nur eine Präsentation des funkigsten Produzenten der frühen Sampling-Ära. Nicht nur der erste Versuch eines Rap-Produzenten, als Künstler hervorzutreten. Sondern eine Plattform für die gesamte Juice Crew, die mit Abstand mächtigste und virtuoseste Rap-Crew der späten Achtzigerjahre.
„The Symphony“ mit Masta Ace, Craig G, Kool G Rap und Big Daddy Kane gilt bis heute als der größte „Posse Cut“, der jemals auf Vinyl gepresst wurde. Roxanne Shanté („Wack Itt”), Biz Markie („We Write the Songs”), Intelligent Hoodlum („The Rebel”) und MC Shan („Freedom”) stehen alle im Rampenlicht zu Marleys Beats, die von der Kraft des Minimalismus, des Experimentierens und der fein geschnittenen Drums zeugen. —C.W.
170. Big K.R.I.T., „Krit Wuz Here“ (2010)
Als dieses Talent aus Mississippi 2010 sein sechstes Mixtape veröffentlichte, hatten ihn Rap-Blogs bereits zum König des Südens gekrönt. Sie hatten Recht. Es war wirklich aufregend, einen weiteren MC/Beatmaker zu hören, der das Gefühl vermittelte, aus einem Ort außerhalb von Atlanta oder Houston zu kommen und vor purem Potenzial zu strotzen.
Hören Sie sich den selbstdefinierenden Titel „Country Shit“, das nachdenkliche „Children of the World” und das großartige „Hometown Hero”, eine Anspielung auf Friday Night Lights und die Komplexität des kleinen Ruhms, das in weniger als dreieinhalb Minuten alles Wichtige über das Buch/den Film/die Serie zusammenfasst. —J.G.
169. Goodie Mob, „Soul Food” (1995)
Goodie Mob startete 1994 mit einem Auftritt auf Outkasts Debütalbum „Southernplayalisticadillacmuzik”. In Zusammenarbeit mit Outkasts Stammproduzenten, der Dungeon Family, legte die Crew aus Atlanta ihr eigenes Debütalbum vor, das realistische, manchmal politisch gefärbte Reime mit erdigen, souligen Dirty-South-Produktionen paart, in denen sie über das Leben in Sozialwohnungen, überfüllte Gefängnisse und psychologische Traumata im Stil der Geto Boys rappen.
Der rauhstimmige Frontmann CeeLo Green (der das Album mit dem bluesigen „Free“ eröffnet) wurde zum Star. Und später zu einem zu Recht geächteten Paria der Musikindustrie. Aber Soul Food bleibt ein packendes Hörerlebnis. Das eine unbestreitbare Rolle in der Entwicklung des Southern Rap gespielt hat. —J.D.
168. Mach-Hommy, „Pray for Haiti” (2021)
Pray for Haiti ist ein barlastiges Opus von einem der begabtesten Texter des Rap. Mach-Hommy rappt in einem klagenden, mit Patois durchsetzten Ton, der jeden ausdrucksstarken Einzeiler dauerhaft in deinem Gehirn verankert.
In „No Blood No Sweat” geißelt er seine Gegner. Er spottet: „Meine Ware ist wie die im Louis-Laden, deine ist eher V.I.M./Ich gehe nur dorthin, wenn ich Timbs kaufen muss.” Und das feuchte „Makrel Jaxon“, das aus zufälligen Waffengesprächen eine raffinierte Anspielung auf die Beatles herausarbeitet („Du dachtest, du wärst der Beste am Schlagzeug, hier ist Ringo“), ist ein lebhafter, an einen langen, heißen Sommer erinnernder Schlag. Wir sind in der Tat gesegnet mit Pray for Haiti. —W.D.
167. Above the Law, „Black Mafia Life“ (1993)
Das zweite Album von Above the Law beweist, dass Dr. Dre nicht die einzige Figur hinter dem G-Funk-Sound ist. Es erschien wenige Monate nach „The Chronic“ und zeigt, wie der Bandleader Cold 187um, KMG und DJ Go Mack ähnliche Elemente – klassische Funk-Interpolationen sowie völlig originelle Musik, unverbesserliche Gangsta-Reime und ein wenig Ragga-Muffin dank des langjährigen Kollaborateurs Kokane – zu einem einzigartigen, überwältigenden Erlebnis verarbeiten.
„ Pimpology 101” verzichtet ganz auf Rap zugunsten instrumentaler Vibes, während „Pimp Clinic” Samples aus Parliaments „Mothership Connection (Star Child)” verwendet. Genau wie Dres „Let Me Ride”. Gäste wie 2Pac und Money B von Digital Underground sind auf der fesselnden Cipher-Session „Call It What U Want” zu hören. Und tragen zu diesem unterschätzten Juwel bei. —M.R.
166. Childish Gambino, „Because the Internet“ (2013)
Donald Glover (alias Childish Gambino), der dank seiner Rolle in „Community“ bereits ein Star war, veröffentlichte 2013 sein zweites Studioalbum in voller Länge. (Zwischen diesem Album und dem 2011 erschienenen Album „Camp“ gab es ein Mixtape namens „Royalty“. )
Mit einer kaleidoskopischen Produktion und Gastauftritten von Chance the Rapper und Azealia Banks schien Because the Internet Kritiker gleichermaßen zu verärgern und zu amüsieren. Wobei Glovers Kreativität und Ruhm in anderen Bereichen ein Fragezeichen hinter das Album setzten, das dennoch Goldstatus erreichte.
Seine Musik wurde immer ambitionierter (siehe seine Grammy-prämierte Single „This Is America” aus dem Jahr 2018) . Aber hier gibt es einen Rucksack voller Ideen, die sich über dein ganzes Zimmer verteilen. —J.G.
165. Cannibal Ox, „The Cold Vein“ (2001)
Unter der Anleitung des Produzenten El-P – dessen Gruppe Company Flow sich gerade zu dem Zeitpunkt auflöste, als The Cold Vein fertiggestellt wurde – repräsentierten Vast Aire und Vordul Mega eine Generation von Underground-MCs, die sich mehr auf das Verfassen eindrucksvoller Texte konzentrierten als darauf, sich über die mangelnde Aufmerksamkeit des Mainstreams zu beklagen.
Mit seinen Anspielungen auf die Benachteiligung der Innenstädte, Metaphern aus der Popkultur, dicht verschlüsselten Versen und lauten, herben Beats prägte das Album des Trios jahrelang den New Yorker Indie-Rap. Auch wenn sie sich schließlich wegen Geld und Anerkennung trennten.
„Iron Galaxy“ erhebt die persönlichen Kämpfe der beiden Rapper zu einem Konflikt auf Kosmos-Ebene, während Songs wie „Battle for Asgard“ und „A B-Boy’s Alpha“ mit halluzinatorischer Sci-Fi-Intensität brennen. Es ist eine brillante Momentaufnahme des New Yorks vor dem 11. September. Eine Stadt, die unter ihrer glänzenden Oberfläche zerbricht. —M.R.
164. Schoolboy Q, „Blank Face“ (2016)
Auf diesem zeitgenössischen Gangsta-Rap-Klassiker Schoolboy Q einen riesigen Sprung aus dem Schatten seines Top Dawg-Labelkollegen Kendrick Lamar, mit seinem scharfen Blick für Details, seiner traurigen Auswahl an Beats und seinen flinken Raps, die das Straßenleben mit unerschrockenem Blick und schwerem Herzen schildern.
Die Smash-Single „That Part“ ist klassische Prahlerei. Aber das Album stellt seine harte Fassade seinen Bedauern, Kämpfen, Beschwerden, Paranoia und Ängsten gegenüber. „Hoffnung war alles, was ich brauchte, ich träumte mich zur Arbeit“, rappt er in „Lord Have Mercy“, „denn für das Scheitern zu arbeiten war besser als Einschusslöcher in meinem Hemd.“ —C.W.
163. UGK, „Super Tight…“ (1994)
Super Tight… ist eines der wenigen Alben, die dazu beigetragen haben, einen einzigartigen, südstaatlich geprägten Street-Sound zu definieren. Das Verdienst dafür gebührt dem verstorbenen Rapper und Produzenten Pimp C, der einen Sound schuf, der von bluesigem Soul, Gospel-Leidenschaft und viel Hammond-B-3-Orgel geprägt war.
In „Front, Back & Side to Side“ schreiben Pimp C und Bun B die ultimative Hommage an die texanische Autokultur, komplett mit „Candy Paint“-Lackierung und „Flippin’ Switches“ zur Verstärkung der Hydraulik. Das Leben ist eine Nonstop-Party auf „It’s Supposed to Bubble”. Aber auf „Three Sixteens” drohen die beiden zusammen mit DJ DMD mit funky Melodien und roher Aggression mit Waffen. Die Heimat von UGK, Port Arthur, ist ein faszinierender Ort auf „Super Tight…”, an dem Spießer nichts zu suchen haben. —M.R.
162. Tierra Whack, „Whack World“ (2018)
Das mit nur 15 Minuten kürzeste Album auf dieser Liste. Aber eines der fantasievollsten, das die Hip-Hop-Soul-Tradition sanft auf ein neues Niveau hebt. Tierra Whack aus Philadelphia präsentiert eine Reihe von einminütigen Vignetten (jede mit eigenem Video), die gleichzeitig frech und verträumt, stählern und doch kühn introspektiv sind – ein maximalistischer Minimalismus erster Güte. „Pet Cemetery“ ehrt ihren verstorbenen Hund mit einem beschwingten Klavier; „Fuck Off“ entledigt sich schwindlig eines nichtsnutzigen Mannes, während ihre Stimme in einen komischen Singsang übergeht; „Pretty Ugly“ destilliert und zelebriert ihre bodenständige surrealistische Ästhetik. Whack lässt ihre eigene kleine Ecke der Welt wie den Himmel erscheinen. —J.D.
161. Polo G, „Die a Legend“ (2019)
Polo Gs Debütprojekt zeigt ihn traumatisiert von seiner Vergangenheit. Aber nicht bereit, sie hinter sich zu lassen. Der Rapper aus Chicago gibt zu, schlaflose Nächte zu haben, während er prahlt: „Ich war mit den Totengräbern in den Schützengräben.”
Seine Zusammenarbeit mit Lil Tjay, „Pop Out”, war einer der bedrohlichsten Rap-Hits des Jahres in den Billboard-Charts. Wobei das Duo behauptet, dass sie dir mit deutlicher Drohung eine Kugel in den Kopf jagen werden. In anderen Tracks schwelgt Polo G in den Annehmlichkeiten des Erfolgs. Rolls-Royce Wraiths, One-Night-Stands. Und ist sich der Mitläufer bewusst, die etwas von ihm wollen.
All das ergibt ein beunruhigendes, aber fesselndes Debüt. Eine Mischung aus Rap und Melodien, die in der Ära des Drill-Rap heraussticht. –M.R.
160. Big L, „Lifestylez ov da Poor & Dangerous” (1995)
Vor seinem Tod im Jahr 1999 sah Lamont „Big L” Coleman New York City als einen flackernden Film Noir im Schnellvorlauf. Über düsteren Funk, verzerrtem Jazz und Snares, die wie eine akustische Leibesvisitation wirken (produziert von seiner D.I.T.C.-Crew), artikulierte der 21-jährige MC aus Harlem seine Texte, als wären sie Dum-Dum-Kugeln, die deine falsche Realität explodieren lassen.
Auf „All Black”, während Lord Finesses Vorspiel für Zombies dröhnte, erklärte er sachlich: „Yo, wieder einmal ist es Big L, der Junge, der viel Anerkennung dafür bekam, dass er korrupte Polizisten mit verdammten Schrotkugeln umgelegt hat.” —C.A.
159. Handsome Boy Modeling School, „So…How’s Your Girl?“ (1999)
Teils Rap-Album, teils verdrehtes Art-Pop-Experiment, teils Vorwand, um falsche Schnurrbärte zu tragen und Chris Elliott zu samplen. Diese Zusammenarbeit zwischen den schrägen Hip-Hop-Produzenten Prince Paul und Dan the Automator ist ein kitschiger Pan-Genre-Klassiker mit einer All-Star-Besetzung aus Hipstern, Verrückten, Ikonoklasten und Virtuosen. Cibo Matto-Sängerin Miho Hatori hat Beastie Boy Mike D als ihren Hypeman, Indie-Rap-Held J-Live rappt zusammen mit Trip-Hopperin Róisín Murphy. Und Digital-Hardcore-Außenseiter Alec Empire haut einen El-P-Vers aus dem Ärmel (sehr zum Leidwesen des Letzteren). —C.W.
158. Devin the Dude, „Just Tryin ta Live” (2002)
Wenn die geschichtsträchtige Geschichte des Rap aus Filmcharakteren bestehen würde, wäre Devin the Dude aus Houston der „Dude” aus The Big Lebowski. Der extrem entspannte MC wird nach wie vor sträflich unterschätzt. Aber nur wenige der herausragenden Kiffer des Rap können Devins lockerer Philosophie das Wasser reichen. Oder besser gesagt, den Joint.
Just Tryin ta Live, Devins Album aus dem Jahr 2002 mit dem Kult-Hit „Doobie Ashtray”, ist eine Anleitung dafür, wie man die Session am Laufen hält. „Was machst du, wenn alle nach Hause gehen/und du Gras rauchen willst, aber der Joint ist alle?“, singt Devin. Er hat das Charisma, das Ende deines Vorrats zu einer existenziellen Frage werden zu lassen. —J.I.
157. Danny Brown, „XXX“ (2011)
Der Detroiter Trickster Danny Brown sorgte mit „XXX“ für Aufsehen in den exklusiveren Kreisen des Rap, indem er sich selbst zum „Adderall Admiral“ erklärte und Samples der britischen Post-Punk-Band This Heat verwendete.
Brown rappt darüber, Sarah Palin Unannehmlichkeiten zu bereiten. Und beschreibt Drogen sowohl als Lebenskraft als auch als Sackgasse („Ich habe so viel experimentiert, dass es ein Wunder ist, dass ich noch lebe“). Die auffällig schmuddeligen, elektro-verzerrten Tracks von Produzent Paul White verstärken das Gefühl von bedrängter Verzweiflung. Brown geht es nicht nur darum, zu schockieren. „Scrap or Die”, in dem es darum geht, verfallene Häuser auszurauben und zu verkaufen, lässt die postindustriellen Folgen im oberen Mittleren Westen so grausam real erscheinen wie jede Least-Coast-Raubfantasie. —J.D.
156. DJ Quik, „Quik Is the Name“ (1991)
Als Rapper und Produzent DJ Quik sein Debütalbum mit dem anzüglichen Party-Track „Sweet Black Pussy“ eröffnete, signalisierte er, dass er mehr als nur ein weiterer L.A.-Reality-Rapper war. Natürlich konnte er auch hardcore sein. Siehe „Born and Raised in Compton”, wo er einem „Clucker”, der seine Ausrüstung gestohlen hat, mit Vergeltung droht.
Typischer sind „Tonite”, wo er sich so betrinkt, dass er unter einem schweren Kater leidet. Und „Tha Bombudd”, wo er seine Liebe zu Gras in einem pseudo-reggaeartigen Singsang zelebriert. Der Instrumental-Track „Quik’s Groove“ ist ein weiterer Beweis dafür, dass Quiks dynamisches musikalisches Können eine funky Vielfalt bietet, die sich nicht auf die Stereotypen des „Gangsta Rap“ beschränken lässt. —M.R.
155. Jeru the Damaja, „The Sun Rises in the East“ (1994)
Jerus Debütalbum ist das platonische Ideal einer bestimmten Art von Hip-Hop-Album aus der Goldenen Ära. Große Beats. Gerechte Texte. Extrem ernste Stimmung.
Die Beats, die vollständig von DJ Premier produziert wurden, sind die Definition von Boom Bap, während Jerus Stil eher lehrreich ist („You Can’t Stop the Prophet”, die Single „Come Clean”, „Ain’t the Devil Happy”) als vergnügungssüchtig. Jeru verdoppelte diesen Ansatz mit weniger Erfolg auf dem Nachfolger von 1996 mit dem erstaunlichen Titel „Wrath of the Math“. Aber das Debütalbum bleibt ein wütender Faustschlag. —J.G.
154. Steinski, „What Does It All Mean? 1983-2006 Retrospective“ (2008)
Für eine bestimmte Art von Musiknerds ist „What Does It All Mean?“ ein grundlegendes Werk. Steve Stein war die Hälfte des meisterhaften Remix-Duos Double Dee and Steinski, als er begann, alle möglichen seltsamen und urheberrechtsverletzenden Soundbites (Lehrplatten! Reden!) in den frühen Hip-Hop zu mischen.
Das Ergebnis war eine der Offenbarungen der Popmusik, bei denen man sich fragte: „Moment mal, das kann man einfach so machen?“ Und zwar durch Songs, die man nur hören konnte, wenn man wusste, wo man sie finden konnte. Diese Sammlung, die einen enormen Einfluss auf die Hip-Hop-Produktion im Allgemeinen, die Mashup-Kultur im Besonderen und jeden hatte, der jemals den Begriff „Culture Jammer“ verwendet hat, ist vollgepackt mit tanzbaren Collagen, die auch morgen entstanden sein könnten. —J.G.
153. Eazy E, „Eazy-Duz-It“ (1988)
Nur drei Monate nach N.W.A.s „Straight Outta Compton“ erschien „Eazy-Duz-It“, das düsterere, skizzenhaftere Pendant zu diesem Album, in dem Straßenpolitik durch zunehmend geschmacklose Witze ersetzt wurde.
Das Kreativteam war im Wesentlichen das gleiche wie bei „Compton“, wobei MC Ren den Großteil der Texte schrieb und Dre und Yella ihren einst minimalistischen Beats mehr Details hinzufügten. Dennoch wurde es zu einem Underground-Klassiker. Man kann seine DNA überall sehen, von Kanye bis Trap. Eazy starb am 26. März 1995 an den Folgen von AIDS. —J.G.
152. Rae Sremmurd, „SremmLife“ (2015)
Diese Zwillinge aus Mississippi sollten später noch extravagante, ambitionierte Musik machen. Aber die Ausgelassenheit ihres Debüts verkörpert pure Pop-Rap-Freude wie nur wenige Alben in jüngster Vergangenheit. Sie spicken Mike Will Made Its traumhaft freche Tracks mit absurden Prahlereien wie „Better run for cover!/Might run for governor!” (Lauf besser in Deckung!/Vielleicht kandidiere ich als Gouverneur!), bringen den Killer-Hit „No Flex Zone” heraus. Und feiern ihren neuen Ruhm mit einer Begeisterung, der man sich nur anschließen kann. Selbst „Up Like Trump” klingt immer noch großartig. Eines der wenigen Male, dass dieser Clown tatsächlich überzeugend mit Erfolg in Verbindung gebracht wurde. —J.D.
151. Lil Nas X, „Montero“ (2021)
Es dauerte anderthalb Jahre nach seinem Hick-Hop-Meisterwerk „Old Town Road“. Aber sein Debütalbum war genauso aufregend wie seine elastische Persönlichkeit. Lil Nas X rappte über seine Anfänge aus dem Nichts, holte Jack Harlow für die heroische Ode an seinen eigenen Ehrgeiz („ Industry Baby”), feierte mit Megan Thee Stallion auf dem crunkigen, campigen “Dolla Sign Slime” und erkundete seine eigenen Kämpfe und Unsicherheiten.
Wobei er die Southern-Rap-Tradition seiner Heimatstadt Atlanta mit einem Selbstverständnis der Post-Drake-Ära mischte, das seinen überdimensionalen Gesten eine nachvollziehbare Schwere verlieh. —J.D.
