HipHop: Die 200 besten Rap-Alben aller Zeiten
Top-200-Hip-Hop-Alben: Warum die Auswahl hart ist – und warum „Astroworld“, „Bandana“ und „Montero“ entscheidend sind.
150. The Roots, „How I Got Over” (2010)
Im Jahr 2010 stand die Rap-Gruppe The Roots aus Philadelphia fest an der Spitze der Underground-Szene des Rap, dem sogenannten „conscious wing”. Ihr neuntes Album „How I Got Over” schafft es, alle erstickenden Erwartungen zu durchbrechen und ist eines der abenteuerlichsten Werke der Gruppe.
Die für The Roots charakteristische Live-Instrumentierung kommt hier besonders gut zur Geltung. Die Themen des Albums – gesellschaftlicher Verfall und der Kampf angesichts wirtschaftlicher und politischer Turbulenzen – sind nach wie vor aktuell. —J.I.
149. DJ Screw, „3 ’N the Mornin’ (Part Two)” (1996)
Obwohl eingefleischte Screw-Fans vielleicht seine selbst veröffentlichten Kassetten wie „June 27“ bevorzugen, ist dies wohl das beste einer Handvoll von Label-unterstützten Mixes, die der Visionär aus Texas während seines kurzen Lebens produziert hat.
Mit seiner berühmten „Chopped and Screwed“-Technik, mit der er seine Musik auf ein südstaatliches Singsang verlangsamt, stellt er Tracks von Houstoner Acts wie Botany Boyz, Gangsta-Hits wie Mack 10s „ Foe Life” und Freestyles von Screwed Up Click-Mitgliedern wie Al-D und Lil Keke zu einem schlammigen, zischenden Monolithen.
Der Woofer-Bass-Mix ist hämmernd. Aber bei genauerem Hinhören entdeckt man, dass Screw verstreute Effekte und gekonnte Turntable-Scratches hinzufügt und Wege findet, die Songs auf frische und neuartige Weise zu beleuchten. Und nein. Man muss nicht high von Codeinsirup oder „Lean“ sein, um es zu genießen. —M.R.
148. Run the Jewels, „Run the Jewels 2“ (2014)
Auf dem zweiten Album von Run the Jewels haben Killer Mike und El-P ihren Rhythmus gefunden und verbinden Songs über ernste Themen (Polizeibrutalität, Kokainhandel) mit Ausbrüchen von Heiterkeit (El-P prahlt in „All Due Respect” damit, dass er „Sweatpants to funerals” trägt, und in „Early” hört man Pac-Man sterben).
Es gibt sogar einen Sex-Jam, der clever genug ist, um die Prahlereien der Run the Jewels-Jungs, sie hätten „den ganzen Tag ihren Schwanz in ihrem Mund”, mit den Versen der Rapperin Gangsta Boo auszugleichen. Die davon singt, dass „er den ganzen Tag ihre Klitoris in seinem Mund haben will”. —K.G.
147. LL Cool J, „Radio“ (1985)
James Todd Smith war nur ein weiterer cleverer, überheblicher und insgesamt knallharter 17-Jähriger, der noch bei seinen Großeltern lebte, als er sich in LL Cool J umbenannte und sein Debütalbum „Radio“ veröffentlichte.
Seine jugendliche Energie springt auch fast 40 Jahre später noch aus den betongroßen Lautsprechern in „Rock the Bells“, „I Can’t Live Without My Radio“ und seinem fünfminütigen Anmachspruch „I Can Give You More“.
![Radio [Vinyl LP]](https://m.media-amazon.com/images/I/611SrTPlzZL._SL500_.jpg)
Die sparsame, knallharte Produktion des damaligen NYU-Studenten Rick Rubin (sein Credit lautete „Reduced by Rick Rubin“) unterstrich Cool Js lyrische Gewandtheit in Prahlereien wie „ All you gonna-bes, wannabes, when will you learn/Wanna be like Cool J, you gotta wait your turn“ in „Bells“ hervor und inspirierte damit eine neue Generation. —K.G.
146. Black Sheep, „A Wolf in Sheep’s Clothing“ (1991)
Auf ihrem respektlosen Debütalbum repräsentierten Drés und Mista Lawnge die vulgäre Fraktion der Native Tongues. Nur da, um für Lacher und einfache Nummern von den hübschen Mädels zu sorgen. Drés schwebt über Lawnges lebhaften Hornklängen in „Have U.N.E. Pull“ mit einer charmanten Salve von Prahlereien, die in der immergrünen Frage gipfelt: „Kannst du verstehen, dass du du selbst sein solltest?“
Originalität steht im Vordergrund von „Similak Child“, dessen bellende Hunde-Effekte gut zu ihrer Neigung zum Bein-Humping passen. Und „Strobelite Honey“ bietet uns eine einzigartige, vor Catfishing stehende Sichtweise auf die Falschdarstellung im realen Leben. Black Sheep machte „anti“ zum Synonym für einzigartig. —W.D.
145. Common, „Be“ (2005)
Commons sechstes Album markierte ein erfolgreiches Comeback nach dem Misserfolg seines unterschätzten Funk-Rock-Experiments „Electric Circus“ aus dem Jahr 2002. Das ist zum Teil Kanye West zu verdanken, der im selben Jahr sein eigenes Album „Late Registration“ veröffentlichte.
Beide Alben stellen eine Apotheose von Wests gefühlvollem, gospelartigen Sound dar. J Dilla produzierte auch zwei wichtige Tracks. Darunter das wunderbar romantische „Love Is…“. Dann ist da noch Common, der mit seiner entspannten, geschickt lyrischen Stimme reimt und Weisheiten zum Besten gibt. Sei es, wenn er in „The Corner“ die Verzweiflung junger schwarzer Hustler in Chicago beobachtet oder wenn er in „The Food“ fröhlich eine Mikrofon-Trading-Routine mit West entfaltet. Wie ein alter Jazzfan sagen würde: Common ist hier voll „in der Tasche“. —M.R.
144. Roc Marciano, „Reloaded“ (2012)
Reloaded ist legitimer Boom-Bap, der auch für die Wein-und-Käse-Kunstszene absolut geeignet ist. Man merkt, dass Roc Marci in „Peru“ voll dabei war, dessen Outro einen Ausschnitt aus einem Dialog aus Martin Scorseses Kunstwelt-Drama „Life Lessons“ aufgreift, wenn er barocke Zeilen spuckt („My lawyer pop the crocodile suitcase/You can’t dispute taste“), deren lebhafte Bilder wie aus einer alten Ausgabe des galeriefokussierten Magazins „October“ stammen könnten.
„20 Guns“ hat eine wackelige Kamera und eine düstere Euro-Atmosphäre (man denke an eine Pimpstead, Long Island, Variante der Filmmusik zu Roman Polanskis Thriller „Frantic“ von 1988), die „Reloaded“ als mehrsprachiges Meisterwerk festigt. —W.D.
143. Lil Uzi Vert, „Eternal Atake“ (2020)
Nach Lil Uzi Verts „Luv Is Rage 2“ kochte die Vorfreude auf „Eternal Atake“ im Internet. Und Uzi enttäuschte nicht. Auf über 18 Tracks (ohne die Deluxe-Edition) begibt sich Uzi in einen intergalaktischen Raum und liefert rasante Bars über Uptempo-Beats mit 808-Infusionen.
Herausragende Tracks wie „Baby Pluto“, das von Chief Keef produzierte „Chrome Heart Tags“ und „P2“, ein Remix/eine Fortsetzung von Uzis Megahit „XO Tour LIif3“, zeigten ihn von seiner besten Seite und perfektionierten eine neue explosive Kadenz mit witzigen Texten, die an Lil Wayne in seiner Blütezeit erinnerten. Aber mit der Präzision und Beat-Kontrolle von Future – und dennoch in einem tiefen Raum, der ganz ihm allein gehörte. —D.G.
142. Little Brother, „The Listening“ (2003)
Little Brother bot so etwas wie ein Gegenmittel zu all dem, was an der Fixierung des Mainstreams auf 50 Cents Bad-Guy-Persönlichkeit erstickend wirkte. Ihr Debütalbum aus dem Jahr 2003 ist voller bescheidenem Humor, geschickten Reimen und saftigen Beats, die wie ein perfekt zubereitetes Mehrgangmenü den Gaumen erfreuen. Phonte schafft in „The Way You Do It“ den Spagat zwischen exquisitem Gesang und großartigem Rap und beeinflusst damit alle von Drake bis Kanye West. „The Yo-Yo“ persifliert Coffee-Shop-Poeten, und „So Fabulous“ ist vollgepackt mit unzähligen klassischen Rap-Referenzen, bleibt dabei aber so frisch wie ein neues Retro-Trikot. The Listening ließ „links von der Mitte“ wie den Gipfel erscheinen. —W.D.
141. Black Moon, „Enta da Stage“ (1993)
Enta da Stage läutete eine neue Ära ein, in der harte Sprüche über düsteren Beats zum neuen Normal für NYC-Rap wurden. Weit entfernt von einem „positiven“ Typ in Batikkleidung ging es Buckshot darum, auf dem Boulevard abzuhängen und Intrigen zu schmieden. Sein rauer Charme kam in „Buck Em Down“ deutlich zum Ausdruck, wo er über einer korrodierten Basslinie rappt: „An der Ecke würfeln wir/Wir legen uns zurück, machen es uns gemütlich und reden über einen Raubüberfall.”
Die Bläser in „Niguz Talk Shit” klingen wie eine jazzige Luftschutzsirene. Buckshots Vergleich eines Rivalen mit einem „Ein-Dollar-Helden” bedeutet, dass es zu dieser Zeit in Brooklyn mehr Einbrüche als Fahrradwege gab .—W.D.
140. Nas, „It Was Written“ (1996)
Nachdem „Illmatic“ die Messlatte so hoch gelegt hatte wie die ikonische Unisphere-Statue in Queens, konnte es für Nas nur noch bergab gehen. Aber erstaunlicherweise gelang es Nas auf seinem zweiten Album, sein Songwriting noch zu verbessern und diese Worte – weit über die Ränder seiner zerfledderten Notizbücher hinaus – in „Watch Dem Niggas“ und dem hyperlyrischen „The Message“ in ungewöhnliche Muster zu verwandeln.
Im erstgenannten Song lässt Nas einen komplexen Reim über ein kriminelles Leben („Living reckless, die for my necklace/Crime infected, driving a Lexus with a death wish”) unglaublich klar klingen. Wenn es für alle Neinsager schon im ersten Album so war, dann hat es sich in seinem zweiten Album endgültig durchgesetzt. —W.D.
139. The Streets, „Original Pirate Material“ (2002)
Mike Skinner stürmte Anfang der 2000er Jahre aus London hervor mit einer Art Hip-Hop, die so britisch war wie die Queen selbst. Er bot detailreiche Geschichten und Einblicke aus dem tiefsten Inneren des Alltagslebens eines jeden Mannes.
Über pikante Beats, die auf einem IBM Thinkpad erstellt wurden und stark vom UK Garage beeinflusst sind, skizzierte Skinner ein Milieu aus Mädchen, alten Männern, Fisch-und-Chips-Läden, Clubs und Pubs, mit reichlich Alkohol und billigen Drogen.
„Weak Become Heroes” ist der Höhepunkt, in dem Skinner poetisch über transzendente Zeiten bei Raves Mitte der Neunziger schwärmt. Aber das gesamte Album strotzt nur so vor realistischen Details und ist unglaublich witzig. Und klingt auch zwei Jahrzehnte später noch frisch. —C.H.
138. City Girls, „Period“ (2018)
Das Debüt-Mixtape von City Girls ist das fehlende Bindeglied zwischen Salt-N-Pepa – an einer Stelle lässt das Duo aus Miami seinen Song „I’ll Take Your Man“ wieder aufleben – und den rasanten Angriffen von Trina. Es wurde als „Scammer Rap“ beschrieben. Ein Spiegelbild des Zeitgeistes der Popkultur, der Frauen feiert, die aus Spaß und Profit Betrug und Diebstahl begehen.
Yung Miami und JT reden einfach nur so Scheiße. Egal ob sie in „Where the Bag At“ von Männern Geld verlangen oder in „Period (We Live) “. Die aggressiv materialistische Weltanschauung des Duos inspirierte eine Lawine von Denkanstößen über die tieferen Implikationen von „Period“. Aber Rap-Fans erkannten City Girls einfach als talentierte Frauen der Generation Z, die entschlossen sind, sich mit allen Mitteln das zu holen, was ihnen zusteht. —M.R.
137. Slum Village, „Fantastic Vol. 2” (2000)
Auf dem zweiten Album von Slum Village führte J Dilla rhythmische Innovationen ein, die einen tiefgreifenden Einfluss auf unzählige Künstler hatten. Von Zeitgenossen wie Common, The Roots und Erykah Badu bis hin zu späteren Interpreten wie Flying Lotus, Kendrick Lamar und Robert Glasper.
Zusammen mit ihren Freunden Baatin und T3 aus Detroit nutzte die Gruppe einen perkussiven Ansatz in ihren Gesangsdarbietungen, der die hypnotische Qualität von Dillas butterweichen und knackig-melodischen Beats noch verstärkte. Bürokratische Hürden und weit verbreitete Raubkopien dämpften die kommerziellen Aussichten von „Fantastic Vol. 2”. Aber der Einfluss des Albums hält bis heute an. —M.R.
136. Doja Cat, „Planet Her“ (2021)
Doja Cat war bereits vor dem Sommer 2021 eine aufstrebende Künstlerin. Dann kam „Planet Her“ und damit der große Sprung an die Spitze. Man hat alle Singles mitgesungen. Seine Lust auf Sex die ganze Nacht lang bekundet. Und gekärt, dass man nichts zu verlieren hat, oh, oh.
Aber es sind Albumtracks wie „Love to Dream“ – wenn man einen Song, der so groß, so geschmeidig und so verträumt ist, überhaupt als Deep Cut bezeichnen kann –, die „Planet Her“ in den Hip-Hop-Olymp katapultieren. Als Rapperin/Sängerin/Shitposterin war Doja Cat von Anfang an faszinierend. Und jetzt? Kultig. –N.S.
135. Rick Ross, „Teflon Don“ (2010)
Rick Ross’ „Teflon Don“ war maßgeblich daran beteiligt, seinen eigenen Stil des „Luxus-Rap“ zu etablieren. „Jung und radikal, Methoden sind mathematisch/Lass mein Cabrio auf der Avenue marinieren“, rappte er auf dem von Kanye produzierten Track „Live Fast, Die Young“. Und zeigte damit seinen Hunger, während er gleichzeitig hervorhob, wie er seinen Erfolg in einen überaus luxuriösen Lebensstil umgesetzt hat.
Mit Hilfe des häufig mit ihm zusammenarbeitenden Produzententrios J.U.S.T.I.C.E. League festigte Ross mit seinem vierten Studioalbum seine Position im Rap mit Features von Jay-Z bis Gucci Mane. „Teflon Don“ ebnete den Weg für Rapper wie Freddie Gibbs und Benny the Butcher. —D.G.
134. 2Pac, „Me Against the World“ (1995)
Me Against the World markiert einen kurzen, strahlenden Moment in 2Pacs kurzem und ereignisreichem Leben, in dem er seine Widersprüche in harmonisches Gleichgewicht brachte. Er versammelt die freudigen Erinnerungen von „Old School“, das selbsterklärende „Outlaw“, die manische Depression von „Lord Knows“ und die paranoide Angst von „If I Die 2Nite“.
Das Album entstand unter dem Druck einer drohenden Haftstrafe wegen sexuellen Missbrauchs und zeigt ihn in einem introspektiven Zustand, in dem er mit einer charismatischen Leidenschaft, die selbst seine Kritiker nicht leugnen konnten, über sein zunehmend ungebundenes Leben nachdenkt. Sein emotionaler Höhepunkt, „Dear Mama“, ist zu einer Hip-Hop-Hymne für schwarze Mütter überall geworden. —M.R.
133. Killer Mike, „R.A.P. Music“ (2012)
Seit den glorreichen Tagen von Public Enemy und N.W.A hatten radikale Politik und radikaler Lärm nicht mehr so viszeral aufeinandergetroffen wie auf dem sechsten Album des Rappers Killer Mike aus Atlanta mit seiner Bazooka-Stimme. In „Don’t Die“ thematisiert er den Rassismus der Polizei. In „Untitled“ ehrt er die starken Frauen in seinem Umfeld. Und in „Reagan“ liefert er eine scharfe, nuancierte Geschichtsstunde, untermalt von den knirschenden, explosiven Beats des New Yorker Produzenten El-P.
Wenn Mike rappt: „Wir sind geldgierige Wölfe und wir wollen die Reichen auffressen“, ist er wie ein ATL-Hustler und ein Occupy-Wall-Street-Anarchist in einem widersprüchlichen, ausgeglichenen Paket. Die erste Zusammenarbeit von Killer Mike und El-P verlief so gut, dass sie sie fortsetzten und die fantastische Band Run the Jewels gründeten. —J.D.
132. J. Cole, „2014 Forest Hills Drive“ (2014)
Nach zwei gut aufgenommenen Studioalben, die J. Cole jedoch nicht in die Spitzenklasse der Rap-Stars katapultierten, fand der Künstler aus North Carolina schließlich zu einer einzigartigen Stimme, mit der er sich selbst und die Welt um ihn herum ständig hinterfragt.
Ja, 2014 Forest Hills Drive, ein Titel, der seinem Elternhaus gewidmet ist, ist das Album, das den Meme „J. Cole went platinum with no features” (J. Cole wurde ohne Features Platin) hervorgebracht hat. Es ist nur er allein, der in dem stolz provokanten Hit „No Role Modelz” das andere Geschlecht verspottet, in „Wet Dreamz” zärtlich beschreibt, wie er seine Jungfräulichkeit verloren hat. Und in „Love Yours” lernt, sich trotz seiner Selbstverachtung zu akzeptieren.
Die Stimmung ist introspektiv. Mit melancholischen Streicharrangements, die seinen emotionalen Zustand unterstreichen. „Anscheinend … glaubt ihr an mich”, singt er seinen Fans zu. „Und dafür danke ich euch.” —M.R.
131. Ghostface Killah, „Fishscale” (2006)
Niemand hat eine solche Karriere hingelegt wie Ghostface. In einer Branche, in der eine Karriere mit zwei Singles und einem schlechten Album vorbei ist, landete Ghost einen Hit nach dem anderen. Er scheute sich nie vor Innovationen. Verlor aber nie den Sound und die Stimmung aus den Augen, die ihn groß gemacht haben.
Fast 13 Jahre nach dem Wu-Tang-Album „Enter the Wu-Tang (36 Chambers) veröffentlicht, war Ghosts fünftes Soloalbum der Sound eines Rap-Gottes, der eine zweite Karriere als surrealistischer Noir-Romanautor hätte haben können. Auf Fishscale ist sein Talent für Details auf dem Höhepunkt. „Throwin’ ketchup on my fries, hitting baseball spliffs/Back seat with my leg all stiff/ Schieb den verdammten Sitz hoch, Tartarsauce auf meinen S Dot-Kicks.”
Und Singles wie das von Pete Rock produzierte „Be Easy” und der soulige Jam „Back Like That” (mit Ne-Yo) erinnerten alle daran, dass es nur einen Ghostface Killah gibt. —J.G.
130. Pete Rock und C.L. Smooth, „Mecca and the Soul Brother“ (1992)
Mehrere Monate nach der Veröffentlichung von Pete Rock und C.L. Smooths „Mecca and the Soul Brother“ schien es, als würde der gesamte East-Coast-Hip-Hop ihren Sound kopieren. Jazzige, swingende Bläser, geschmeidige, aber dröhnende Bässe, die für Jeeps gemacht waren, und Rocks Ad-libs („Whoo!“ „Uh-huh!“), die Smooths sanfte, metaphysische Reime untermalen.
Das Album wird durch einen der größten Hip-Hop-Songs aller Zeiten hervorgehoben. „They Reminisce Over You (T.R.O.Y.)”, in dem C.L. seinem Stiefvater Tribut zollt, bevor er mit einer Hommage an Troy „Trouble T-Roy” Dixon von Heavy D & the Boyz endet, der 1990 verstorben ist. An anderer Stelle analysiert „Anger in the Nation“ die soziopolitischen Probleme des Landes. Jahrzehnte später gilt Mecca and the Soul Brother als Meilenstein der Boom-Bap-Ära. —M.R.
129. Playboi Carti, „Whole Lotta Red“ (2020)
Wenn wir in 50 Jahren darüber diskutieren, wie Rockmusik und Rap sich miteinander verflochten haben, wird sich Playboi Cartis „Whole Lotta Red“ sicherlich als wegweisender Text dieser Veränderung erweisen. Carti gelingt ein seltener Neustart als Künstler mit durchschlagendem Erfolg, indem er die fröhlichen Triller, die er im Hip-Hop allgegenwärtig gemacht hat, gegen neue Texturen eintauscht, die es zu erkunden gilt.
„Control”, „Punk Monk” und „Beno!” finden ihren Platz zwischen Punkrock, Elektronik und Hip-Hop. Carti selbst sagte gegenüber Rolling Stone, dass „dieser Sound in Zukunft etwas Normales und Relevantes sein wird”. Damit hat er nicht Unrecht. —J.I.
128. Big Pun, „Capital Punishment” (1998)
Der aus der South Bronx stammende Christopher Rios war während seines kurzen Lebens ein unruhiger, destruktiver Mensch. Aber als Big Pun auf seinem mit Platin ausgezeichneten, für den Grammy nominierten Debütalbum war er eine Superhelix aus Reimen in Reimen in Reimen, die akribisch zu überwältigenden Tracks geformt wurden.
Da war die Hymne auf mehrere Nuyorican-and-beyond-Sommer („Still Not a Player“). Die triumphale Fanfare („You Came Up”). Die gnadenlose Mafioso-Novelle („Twinz [Deep Cover ’98]”). Und die picaresken Battle-Rap-Auseinandersetzungen („The Dream Shatterer”, „Tres Leches”). Dennoch wusste er: „You ain’t promised mañana in the Rotten Manzana.” —C.A.
127. Bone Thugs-N-Harmony, „E. 1999 Eternal“ (1995)
Die Cleveland-Gruppe Bone Thugs-N-Harmony hatte mit den geografischen Affinitäten des Rap zu kämpfen, als sie ihr bahnbrechendes Album E. 1999 Eternal veröffentlichte. Die Ironie dabei ist natürlich, dass die Anliegen von Bone Thugs direkt aus dem Herzen des Landes kamen.
Es gibt nur wenige Regionen, die wirtschaftlich so stark verwüstet sind wie die Gegend um Cleveland. In Songs wie „Mo’ Murda“ und „Mr. Bill Collector“ kommen wirtschaftliche und soziale Ängste mit einem melodischen, aber traurigen Groove zum Ausdruck. Das gefühlvolle Keyboard des Produzenten DJ U-Neek glänzt in der Breakout-Single „Crossroads“. Und beweist, dass es sich lohnt, über die Küsten hinauszuschauen. —J.I.
126. 21 Savage und Metro Boomin, „Savage Mode” (2016)
Der heutige Erfolg von 21 Savage hat viel mit seiner Zusammenarbeit mit dem Superproduzenten Metro Boomin im Jahr 2016 bei „Savage Mode“ zu tun. 21 blühte auf den unheimlichen, knallharten Instrumentals auf, die Metro speziell für ihn handgefertigt hatte. „
Young Savage, why you trapping so hard”, rappte er in der ersten Zeile des zweiten Tracks „No Heart”. Und fügte hinzu: „I grew up in the streets without no heart/I’m praying to my glock and my carbon.” Jeder Track auf „Savage Mode“ klingt wie der Soundtrack zu einem Horrorfilm. Und sorgt für zusätzliche Spannung, bevor der Beat einsetzt, während 21 Savages langsamer, aber raffinierter Flow den Hörer in die harte Realität seiner Welt im Osten Atlantas entführt. —D.G.
125. Drake, „If You’re Reading This It’s Too Late“ (2015)
Aufgrund seiner abrupten Veröffentlichung und seiner ungefilterten, kompromisslosen Haltung wurde „If You’re Reading This…“ als Mixtape bezeichnet. Es war Drakes Edikt an die Rap-Politik, in dem er allen riet, sich aus folgenden Bereichen herauszuhalten: 1) seinem Schwanz, 2) seinem Geld, 3) seiner Musik, 4) seiner Social-Media-Timeline.
Die Produktion von 40 und Boi-1da untermalte diese Aggression mit einer gespenstischen, dämmrigen Atmosphäre aus geisterhaften Stimmen, spärlichen Rhythmen, körnigen Stillephasen, einem Wassertropfen und einem bellenden Hund. Während Drake bitterlich Seitenhiebe austeilte und sich selbst zur „verdammten Legende“ erklärte, konzentrierten sich seine Produzenten auf die darunter liegenden emotionalen Tiefen. —C.A.
124. Outkast, „Speakerboxxx/The Love Below“ (2003)
Big Boi und André 3000 gingen bei diesem Zwei-CD-Opus, das in vollständige Alben der beiden Künstler unterteilt ist, auf ganzer Linie maximalistisch vor. Mit einer Spielzeit von sage und schreibe zwei Stunden und 15 Minuten ist es eine epische Tour durch ihre immer weiter spiralförmig steigenden kreativen Ambitionen.
Big Bois „Speakerboxxx” ist am stärksten von Funk und Hip-Hop geprägt, vom hyperschnellen Synth-Rush von „GhettoMusick” bis zu „Flip Flop Rock”, bei dem Jay-Z vorbeischaut, um den Refrain zu singen. André 3000s „The Love Below“ ist ein Post-Rap-Spektakel mit einem Prince-ähnlichen „Anything goes“-Gefühl. Vom Nat King Cole-Jazzclub-Crooning „Love Hater“ bis zum Drum-’n’-Bass-Cover von „My Favorite Things“. Und doch ist es trotz all seiner Abweichungen Andrés Album, das „Hey Ya!“ hervorgebracht hat, den beliebtesten Party-Rap-Hit des Jahrhunderts. —J.D.
123. Souls of Mischief, „’93 ‚til Infinity“ (1993)
Die Hip-Hop-Crew Hieroglyphics aus der Bay Area – Del the Funky Homosapien, Casual, Pep Love, die DJs Toure und Jay-Biz, der Produzent Domino, das Duo Extra Prolific und das lockere Quartett Souls of Mischief – hat den West Coast Hip-Hop als eine Mischung aus berauschendem und echtem Hip-Hop neu definiert.
Obwohl ihre Platten bei Labels wie Jive und Elektra erschienen, machten ihre hartnäckige Individualität, ihr geschicktes Branding und ihre Betonung der technischen Fähigkeiten sie zu Underground-Rap-Helden. Der größte Erfolg der Crew, Souls of Mischiefs „93 ’til Infinity, enthält rasante Bars („Now playful pulpit pussies poppin’ junk with the pistol/Sweated because I’m dreaded, let’s get ready to pull a fistful”, rappt Opio in „Live and Let Live”) und eine knifflige Erzählung im Stil von Rashomon („Anything Can Happen”). Aber der Titeltrack war ein echter Pop-Hit. —C.W.
122. N.E.R.D., „In Search Of…“ (2002)
Pharrell könnte sehr wohl einen „Vibe Shift“ mit N.E.R.D.s Debütalbum „In Search Of…“ aus dem Jahr 2002 ausgelöst haben. Einem Album, das eine wichtige Rolle im Leben des jungen Tyler, the Creator spielen sollte. Die erfolgreiche Single „Rockstar“ verwendet typische „Rock“-Gitarrenriffs, was die Richtung des Rap als Genre vorwegnehmen sollte.
Das Album strahlt eine unbestreitbare Coolness aus. Während Rap in den 2000er Jahren vor allem auf Effekthascherei aus war, legte N.E.R.D. den Grundstein dafür, dass die Musik selbstbewusster und subtiler wurde. —J.I.
121. A Tribe Called Quest, „People’s Instinctive Travels and the Paths of Rhythm“ (1990)
Trotz seines ausführlichen Titels (der sich länger anfühlt als eine ganze Zugfahrt mit der Linie 7) ist „People’s Instinctive Travels and the Paths of Rhythm“ vielleicht das erste sanfte Album im Hip-Hop. Das Debütalbum von Tribe verlangsamte die BPMs und führte die Zuhörer in den üppigen Rhodes von Roy Ayers und den gähnenden Bass von Lou Reed ein.
Selbst ihre Kollegen von Native Tongues konnten nicht so geschmeidig wie Tip auf dem unsterblichen „Bonita Applebum“. Und Phife hat einen unvergesslichen Auftritt in „Can I Kick It?“, wo er die aromatischen Qualitäten der Vibes und Sounds seiner Crew lobt. Es gibt immer noch niemanden, der frischer ist. —W.D.
