HipHop: Die 200 besten Rap-Alben aller Zeiten
Top-200-Hip-Hop-Alben: Warum die Auswahl hart ist – und warum „Astroworld“, „Bandana“ und „Montero“ entscheidend sind.
120. Young Thug, „Barter 6” (2015)
Young Thug rappt wie von einem anderen Planeten auf „Barter 6”, einem Album, das entweder zu Ehren oder trotz seines ehemaligen Idols Lil Wayne benannt wurde. Auf dem Album ist Thugs Vortrag am virtuosesten.
Die Durchbruchssingle „Check” hebt seine rhythmischen, strukturierten Kadenzierungen in neue Sphären. „Numbers”, ein Geheimtipp auf dem Album, zeigt Thug von seiner melodischsten und bedrohlichsten Seite. „Run up, I swear to God, I want tears from your mother”, singt er fast schon. Das Schöne an Thugs Musik ist, wie gut er das Spektrum der Straßen Atlantas mit der Emotionalität eines Blues-Sängers zum Ausdruck bringen kann. Nicht unähnlich dem Rapper, von dem der Albumtitel „Barter 6“ entlehnt ist. —J.I.
119. The Coup, „Party Music“ (2001)
Boots Riley versteht es, großartige Slogans zu schreiben. „Every death is an abrupt one/Every cop is a corrupt one“ („Jeder Tod ist plötzlich/Jeder Polizist ist korrupt“), rappt er in „Everythang“, dem ersten Song auf dem vierten Album von „The Coup“.
Auf „Party Music“ liefern Boots und Produzent DJ Pam the Funkstress eine gerechte, revolutionäre Aussage über die Beats, Reime und das Leben in der Bay Area. Sie bieten „5 Million Ways to Kill a C.E.O.“ („you can do it funk/or you can do it disco“), beschäftigen sich in „Wear Clean Draws“ mit den Komplexitäten der Elternschaft und „Nowalaters“ und setzen sich in „Pork and Beef“ mit der Polizei auseinander.
Durch einen seltsamen Zufall der Geschichte musste das Album zurückgezogen und das Cover überarbeitet werden, da es im September 2001 erscheinen sollte und die Zerstörung des World Trade Centers zeigte. Wie bei viel zu wenigen politischen Popalben ist es kein bisschen gealtert. —J.G.
118. Tyler, the Creator, „Bastard“ (2009)
Die langsam dahinfließende Klaviermelodie in „Bastard“, der gleichnamigen Single aus Tyler, the Creators Debüt-Mixtape von 2009, ist nach wie vor einer der eindringlichsten Momente des Rap.
Tylers Rap-Stil, zusammen mit seiner Clique von schelmischen Jugendlichen aus L.A., rückt die emotionalen Turbulenzen der schwarzen Jugend in den Mittelpunkt. Tylers Raps basieren nicht auf der Poesie der Straße. Sondern vielmehr auf der Erforschung zwischenmenschlicher Traumata. Mit mutiger Ehrlichkeit legt Tyler den Grundstein für seine Karriere mit einem der fesselndsten, gewagtesten und unverfälschtesten Beiträge zum Rap-Kanon. —J.I.
117. Missy Elliott, „Under Construction“ (2002)
„Seit Aaliyah verstorben ist, betrachte ich das Leben als etwas Wertvolleres“, sagt Missy Elliott im Intro zu „Under Construction“. Jedes Album von Missy hat ein konzeptionelles Element. Dies ist ihre Version einer Rückkehr zur alten Schule, die einem Künstler, der seine Fans oft mit seinen futuristischen Ideen verwirrt hat, ein Gefühl von Heimat vermittelt.
Sie wechselt zwischen B-Boy-Hommagen wie „Bring the Pain“, „Work It“ und „Back in the Day“, während sie in „Gossip Folks“ ihre Hasser abblitzen lässt und nahtlos zwischen R&B-Gesang und funkigen, frischen Raps wechselt. Auf subtilere Weise ist es eine Gelegenheit, inne zu halten und über ihre bahnbrechende Karriere nachzudenken, darüber, was sie gelernt und verloren hat.
Es endet mit einem Track zusammen mit TLC für „Can You Hear Me“. Eine Hommage an Aaliyah, Lisa „Left Eye“ Lopes und alle verstorbenen Künstler der modernen schwarzen Musik. —M.R.
116. Jungle Brothers, „Straight Out the Jungle” (1988)
Das Debütalbum der Jungle Brothers, die erste Veröffentlichung des Native Tongues-Kollektivs, war ein verspieltes, lockeres Album, das alles ausprobierte und sich seinen eigenen Weg bahnte. Unter der Anleitung des einflussreichen New Yorker Radio-DJs Red Alert hatte die Musik des Trios die freundliche Atmosphäre eines Radio-Senders, der zwischen erhebenden pro-schwarzen Erkundungen („Black Is Black”), albernen Umkleidekabinen-Songs („Jimbrowski”) und Old-School-Park-Routinen, die live auf zwei Plattenspielern aufgenommen wurden („Braggin and Boastin’”), hin und her sprang .
Abgesehen davon, dass es den ersten Gastauftritt eines jungen Q-Tip enthält, ist das Album auch wegen des frühen Hip-House-Tracks „I’ll House You“ von historischer Bedeutung, der einen Vorgeschmack auf das Rap-Pop-Club-Venn-Diagramm der nächsten Jahre gibt. —C.W.
115. Afrika Bambaataa, „Looking for the Perfect Beat 1980-1985” (2001)
Perfect Beat versammelt fast alle unglaublich innovativen Tracks des Hip-Hop-Pioniers Afrika Bambaataa an einem Ort. Angefangen mit Funk aus den Siebzigern („Zulu Nation Throwdown“), über die Umwandlung von Kraftwerk nach seinem Geschmack (Arthur Bakers bahnbrechende „Planet Rock“ und „Looking for the Perfect Beat“) bis hin zur Einbindung von James Brown („Unity Part 1“) ist dieses Set eine Roadmap für alles von Electro über New Order bis hin zu oh ja, fast den gesamten Hip-Hop.
In einer schrecklichen Wendung wurde Bambaataa 2016 wegen jahrzehntelangem Kindesmissbrauch angeklagt und 2021 wegen Sexhandels vor einem Zivilgericht verklagt. —J.G.
114. Digital Underground, „Sex Packets“ (1990)
„ „Ich wollte die Lücke zwischen Prince und Hip-Hop schließen”, sagte Shock G von Digital Underground. Das ist ihm gelungen. DU war ein freigeistiges Kollektiv aus der Bay Area im Stil von P-Funk/Paisley Park. Eine Orgie, bei der jeder Freak willkommen war. (Tupac begann seine Karriere als Mitglied.)
Shock G gab den Ton an, besonders wenn er die Gummimaske und die Brille seines Alter Egos Humpty Hump aufsetzte. Sex Packets enthält klassische Party-Grooves wie „Doowutchyalike“ und „The Humpty Dance“, in denen er schreit: „I like the girls with the boom/I once got busy in a Burger King bathroom!“ –<i>R.S.
113. Jay-Z, „The Black Album“ (2003)
Jay-Z blieb etwa fünf Minuten lang „im Ruhestand”. Aber wäre „The Black Album” sein letzter Auftritt gewesen, wäre die Legende dieses Mannes vielleicht noch größer als sie ohnehin schon ist. Nach dem sofortigen Klassiker „The Blueprint” und dem erschöpfenden Fehlschlag „The Blueprint 2” versammelte Shawn Carter eine Reihe von Produzenten um sich. Und brachte ein weiteres Meisterwerk heraus.
Basierend auf einem autobiografischen Thema und nahtlos übergehend von Rick Rubins erschütterndem „99 Problems“ zu Kanyes „Lucifer“ und Timbalands „Dirt Off Your Shoulder“ bekräftigte Jay über Nacht seine Dominanz in der Rap-Szene. Ein Vers, der niemanden überraschte. „Ich habe mich für mein Publikum dümmer gestellt, um meine Einnahmen zu verdoppeln.“ –J.G.
112. Rapsody, „Laila’s Wisdom“ (2017)
Laila’s Wisdom markiert den kommerziellen Durchbruch für eine Rapperin, die fast ein Jahrzehnt lang ihre Indie-Karriere gepflegt hat. Rapsody aus North Carolina betont B-Girl-Flair und lyrische Themen wie Selbstzweifel, das Streben nach mehr Spiritualität und die Sehnsucht nach Verbindung mit anderen.
Aber sie bemüht sich, jede Anmaßung zu vermeiden. „Ich mag nicht alles Underground, ich hasse Musik, die nicht underground ist, nicht/Ich habe letztes Weihnachten einfach zu Waka Flocka abgegangen“, rappt sie in „Nobody“.
Zahlreiche Gäste sind mit von der Partie. Darunter Kendrick Lamar, Busta Rhymes, Black Thought und Anderson .Paak. Die Musik ist gefühlvoll und nachdenklich. Der Sound einer Frau, die ihren Moment nutzt und sich gleichzeitig fragt, was das alles bedeutet. —M.R.
111. Boogie Down Productions, „By All Means Necessary“ (1988)
Nachdem DJ Scott La Rock von BDP 1987 bei einer Schießerei ums Leben gekommen war, formierte sich KRS-One neu und konzentrierte sich wieder auf das Schreiben und Produzieren unter dem Banner von Boogie Down Productions.
Er veränderte einen Satz des schwarzen marxistischen Intellektuellen Frantz Fanon für den Titel seines zweiten Albums (und aktualisierte ein Foto von Malcolm X für die 1980er-Jahre-Waffen auf dem Cover). Er legte KRS seine Weltanschauung im Eröffnungsstück „My Philosophy“ dar, befürwortete Vegetarismus und erklärte sich selbst zum Lehrer.
„Ya Slippin’“ interpoliert „Smoke on the Water“, „Stop the Violence“ fordert ein Ende der Hip-Hop-Dramen und „Illegal Business“ arbeitet mit Jefferson Starship. By All Means Necessary ist ein großartiges Beispiel dafür, wie Hip-Hop unter den schlimmsten Umständen durchhält. —J.G.
110. Biz Markie, „Goin’ Off“ (1988)
Es war unmöglich, Biz Markie nicht zu mögen. Wie kann man einen Mann nicht mögen, der sein Debüt mit fetten Scratches und dem unzerstörbaren Breakbeat „The Jam“ von Graham Central Station eröffnet und dann sofort anfängt, über „Pickin’ Boogers“ zu rappen?
Auf „Goin’ Off“ beweist er sich als genialer Beatboxer („Make the Music With Your Mouth Biz“) und als wirklich witziger Rapper („Nobody Beats the Biz“, „Vapors“). Es ist ein Klassiker des Cold Chillin’-Labels. Big Daddy Kane hat einen Großteil davon geschrieben. Marley Marl hat alles produziert. Aber es ist Biz, dessen alberner Stil es zu einem Wohlfühlklassiker macht. —J.G.
109. Main Source, „Breaking Atoms“ (1991)
Breaking Atoms war die erstaunliche, umfassende Vision des Queens-Studio-Ratten Large Professor (unterstützt von den DJs K-Cut und Sir Scratch). Mit seiner fast donnernden Stimme erzählte Large Pro sozialkritische Fabeln in Form von alltäglichen Beobachtungen. Aber der Ruf des Albums beruhte auf seinen fast wissenschaftlich konzipierten Songs.
Unzählige Samples aus Soul, Jazz, Funk und Psych-Rock. Belebt durch einen knisternden Drum-Loop nach dem anderen. Von historischer Bedeutung war es das Debüt von Large Pros Vertrautem, einem jugendlichen MC namens Nasir. —C.A.
108. Pusha T, „Daytona“ (2018)
Mit einer unglaublich knappen Spielzeit von 21 Minuten für sieben Songs ist „Daytona“ zweifellos das beste Soloalbum von Pusha T und steht seinen Werken mit seiner alten Crew The Clipse in nichts nach.
Mit seinen Raps über erstklassigen Kanye-Beats beweisen Songs wie „If You Know You Know”, „Hard Piano” und das gruselige „Infrared”, dass Pusha der Hemingway, Shakespeare und Pynchon des Drug-Rap ist. Innerhalb dieses einen Themas erschafft er ganze Welten. Punktabzug gibt es für das geschmacklose (und völlig unnötige) Cover-Bild. Offenbar Whitney Houstons schmutziges Badezimmer. —J.G.
107. Kool G Rap & DJ Polo, „Wanted: Dead or Alive” (1990)
Kool G Rap und DJ Polo kamen aus Queens als Teil der legendären Juice Crew und brachten knallharte Reime über die Realitäten des Lebens in NYC heraus, die einen enormen Einfluss auf alle hatten, von Biggie bis Nas. Auf dem immer noch großartigen „Streets of New York” erinnern sie die Zuhörer daran, dass sie nicht wie andere NYC-Rapper sind – der Gitarrenriff ist pure Bedrohung, das Klavier ist irgendwie noch beängstigender. „ Talk Like Sex” geht das Thema extrem direkt an, und „Erase Racism” holt Big Daddy Kane und Biz Markie mit ins Boot, um sich mit den abscheulichsten sozialen Missständen auseinanderzusetzen. Der letzte Titel „Rikers Island” erinnert die Zuhörer daran, dass sie dort nicht hinwollen. —J.G.
106. Ol’ Dirty Bastard, „Return to the 36 Chambers: The Dirty Version” (1995)
Chaos, dein Name ist Ol Dirty Bastard. Nach Method Mans Solo-Debüt „Tical“ war „36 Chambers“ das zweite Soloalbum von Wu-Tang, das inspiriert war – während Meth als Filmstar von Wu auftritt, ist ODB der seltsame Charakterdarsteller, den der Rest der Besetzung verehrt.
Auf „Return“ etablierte sich der inzwischen verstorbene ODB als das unbändige Ich des Wu mit einer rohen Ausstrahlung, die seine lyrischen Fähigkeiten, seinen jazzigen Flow und die seit Biz Markie größte Nicht-Sänger-Stimme des Hip-Hop verschleierte. „Shimmy Shimmy Ya“ und „Brooklyn Zoo“ waren großartige Singles. Aber hört euch auch „Baby C’mon“ und das verrückte „Goin’ Down“ an, um das ganze Bild zu bekommen. —J.G.
105. Chance the Rapper, „Coloring Book” (2016)
Mit unerschütterlichem Glauben und Fokus entdeckte Chance the Rapper in „Coloring Book” einen Weg zur spirituellen Befreiung, indem er die Genregrenzen zwischen engelsgleichem Gospel, idyllischem Rap und sprudelndem R&B verwischte.
Chances drittes Album, das durch eine Flut von fluoreszierenden Noten, Ambient-Akkorden, triumphalen Trompeten und mitreißenden Rhythmen von einer herzlichen Zärtlichkeit zusammengehalten wird, ist ein nahrhaftes Rap-Album, das die Erwartungen erfüllt, die durch den Durchbruch von „Acid Rap“ geweckt wurden.
Mit Chören, Kanye, Future, Kirk Franklin, Young Thug und unzähligen anderen Mitwirkenden schuf Chance einen Mittelweg für Rap-Stimmen, Pop-Idole und erfahrene Sängerinnen, um sich unter einer wunderschönen, sanften Produktion auf eine Weise zu vereinen, die Wachstum und Gott verherrlichte. —Y.P.
104. Eve, „Scorpion“ (2001)
Auf ihrem Debütalbum von 1999 bewies Eve, dass ihre Stimme genauso kraftvoll und schneidend war wie die ihrer hypermaskulinen Ruff-Ryders-Kollegen (DMX, The LOX). Und auf diesem Nachfolger verlieh sie dem rasenden Wirbelwind durch eine raffiniertere Produktion mehr Dimension.
Dr. Dres straffer, knackiger Funk-Stroll für „Let Me Blow Ya Mind“, ihr Grammy-gekrönter Hit, der mit Gwen Stefani Platz 2 der Hot 100 erreichte. Und auf „Who’s That Girl?“ Teflons unwiderstehlicher Chop des Hornblasens und Shuffle aus Demphras Reggaeton-Hit „Ya No Soy Tu Mujer”. Selbst mit 16 Tracks war „Scorpion” ein Knaller. —C.A.
103. Mos Def, „Black on Both Sides” (1999)
Jeder, der 1998 Mos Def & Talib Kweli Are Black Star hörte, ahnte, dass der erste im Titel genannte Künstler ein klassisches Soloalbum in sich hatte. Der damals noch nicht als Yasiin Bey bekannte Künstler legte 1999 mit Black on Both Sides nach. Einem berauschenden und doch bescheidenen Showcase für den charmantesten Revolutionär des Underground-Hip-Hop. Einen tiefgründigen, radikalen Denker, der immer noch auf der Treppe sitzen konnte.
„Speed Law” und das von DJ Premier produzierte „Mathematics” zeigten seine Verehrung für klassische Rap-Poetik. „Umi Says” sorgte für eine wunderschöne Atmosphäre in mit Weihrauch gefüllten Studentenwohnheimen. „Ms. Fat Booty” erinnerte an eine Affäre mit einer Herzensbrecherin, die einem das Gefühl gibt, „grippeähnliche Symptome zu haben, wenn sie nicht da ist”.
Im Rückblick hört man die Frustration über eine rassistische Unterhaltungsindustrie, die möglicherweise zu Beys sporadischen Veröffentlichungen in den folgenden Jahren beigetragen hat. Zunächst einmal gab er der Welt etwas, woran man sich erinnern kann. –S.V.L.
102. Young Thug, Birdman, Rich Homie Quan, „Birdman Presents Rich Gang: Tha Tour Part 1“ (2014)
Als die neuesten Durchstarter aus der heißen Rap-Szene Atlantas waren Young Thug und Rich Homie Quan bereits auf dem steilen Aufstieg, als sie sich für diese klassische Zusammenarbeit zusammentaten. Moderiert von Birdman – der kurz vor einer sehr öffentlichen Trennung von seinem ehemaligen Schützling Lil Wayne stand – war „Tha Tour Part 1” ein herausragendes Schaufenster für Thugger, der seine Tracks mit Schreien und verstreuten Flows überlagert und seltsame Rhythmus-Nischen über Beats von London on da Track, Goose und anderen findet.
Quan ergänzt ihn gut mit einem ansprechenden melodischen Flow. Und dient als Gegenpol zu Thuggers Eigenarten. —M.R.
101. Young Jeezy, „Let’s Get It: Thug Motivation 101” (2005)
„Jetzt bin ich der Lieblingsrapper deines Lieblingsrappers/Jetzt bin ich der Lieblingstrapper deines Lieblingstrappers”, spuckt Jeezy in „Standing Ovation”. Und wenn man Recht hat, hat man Recht. Das Debüt des Talents aus Atlanta etablierte ihn als einen der führenden Hip-Hop-Künstler der Mitte der 2000er Jahre.
Über billig klingende Keyboards, Drum-Machine-Claps und unaufhörliche digitale Hi-Hats äußerte sich Jeezy hauptsächlich über den Verkauf von Drogen und das damit verdiente Geld („stack it all up like Lego money/ Played with them blocks call it Tetris/ Real talk a hundred carats in my necklace”). Und schuf damit eines der prägenden Alben der Trap-Ära. —J.G.
100. Run-D.M.C., „Raising Hell“
Run-D.M.C. verblüffte die Welt im Sommer 1986 mit „Raising Hell“. Dem wohl ambitioniertesten, konsistentesten und actionreichsten Rap-Album, das bis dahin jemals produziert worden war. Zusammen mit Produzent Rick Rubin erfanden sie das Konzept eines Hip-Hop-Albums, das ausschließlich aus Hits besteht und keine Füllnummern enthält.
Run und D.M.C. rocken ihre kniffligen Reime in „Peter Piper“ und „My Adidas“, während Jam Master Jay an den Turntables den König Midas spielt. „Raising Hell“ bewies, wie hart Rap über 40 Minuten lang sein kann. Und läutete damit das Goldene Zeitalter ein. Wie Questlove sagte: „Das war der Wendepunkt des Hip-Hop.“ Nach „Raising Hell“ bezeichnete niemand Rap mehr als Modeerscheinung.
99. Lil Wayne, „Tha Carter II“ (2005)
Lil Wayne bezeichnete sich selbst auf „Tha Carter II“ als „besten lebenden Rapper“. Und das war, bevor er eine der historisch bedeutendsten Karrieren in der Rap-Musik startete. „Fireman“ dröhnte aus Stereoanlagen und auf Partys überall. Tracks wie „Carter II” und „Hustler Musik” zeigten ein Wortspiel, das man von einem MC aus New Orleans nicht erwarten würde.
Aber wenn man ein begeisterter Wayne-Hörer war, wusste man das. „Got Nina in my palm and I’m masturbating/Black Peter Pan, fly ‘til I die, what you saying”, rappt er in „Hustler Musik”. Wenn man darüber diskutieren will, ob Weezy F. Baby der größte lebende Rapper ist, dann beginnt die Beweisführung auf deiner Seite mit Tha Carter II. —D.G.
98. Company Flow, „Funcrusher Plus“ (1997)
Company Flows „Funcrusher Plus“ ist Musik für Leute, die Post-No-Bills-Aufkleber auf beliebigen Gerüsten in Großstädten anbringen. Rebellisch, anarchisch und einfallsreich wollten El-P, Big Juss und Mr. Len dem System einen dicken Mittelfinger zeigen. In „Legends“ ruft El Producto „independent as fuck“ (verdammt unabhängig), als wäre es ein Status-Update auf Facebook.
Aber das Geniale an Co-Flow ist, dass sie trotz ihrer zukunftsorientierten Neigungen eine unbestreitbar analoge Sensibilität haben. Fast das Gegenteil von allem Virtuellen. Ein Beispiel dafür ist „Silence“ – mit seinem schlammigen Bass, den Vinyl-Knistern und den Anspielungen auf illegale Graffitis. Funcrusher Plus hat die Verunstaltung der Branche zur Kunst erhoben. –W.D.
97. Clipse, „Hell Hath No Fury“ (2006)
Für manche hat Clipse mit ihrem sogenannten „Coke Rap“ einen dekadenten, kriminellen Lebensstil verherrlicht. Nur dass das brüderliche Duo Malice und Pusha T ihre funkelnde Intelligenz und ihren lyrischen Elan wie Hypnotiseure einsetzen, die mit eisgekühlten Rolex-Uhren wedeln, während sie die Do-or-Die-Psychologie hinter dem Erfolg in einer „illegalen“ Wirtschaft, die aufgrund der diskriminierenden Hektik ihres „legalen“ Gegenstücks existiert, makellos analysieren.
Von „ We Got It for Cheap (Intro)”, in dem Pusha rappt: „Kein Serum kann heilen/All den Schmerz, den ich ertragen habe”, bis zum spirituell niederschmetternden Schlussstück „Nightmares” blicken die Brüder über ihre Schultern. Und warten auf die Strafe des Karmas. —C.A.
96. Ice-T, „Power” (1988)
Nach seinem erfolgreichen Filmsoundtrack „Colors“ legte Ice-T mit seinem zweiten Studioalbum noch einmal nach. Er knüpfte an sein Debütalbum „Rhyme Pays“ aus dem Jahr 1987 an, mit funkigen, witzigen Geschichten über das Leben auf der Straße und die damit verbundenen Frauen und Waffen.
Mit 30 Jahren war Ice-T älter und weltgewandter als viele seiner Kollegen. Und obwohl „Power“ das Werk eines definitiven, vor N. W.A L.A. Gangsta-Künstlers, griff der Produzent des Albums, Afrika Islam, auf Electro- und Club-Musik zurück, um einen Sound zu schaffen, der nicht regional geprägt war.
Wie Ice-T bemerkte: „Ich bin weder East Coast noch West Coast, weder Old Style noch New Style.“ „Personal“ mit seinen rockigen Gitarrenriffs, „I’m Your Pusher“, das die Allegorie von Musik als Droge zu einem logischen Schluss führt, und das urkomisch direkte „Girls L.G.B.N.A.F.“, das Generationen von derben Sex-Reimen vorwegnimmt. Ice-T ist heute vor allem als Polizist in Law & Order: Special Victims Unit bekannt. —J.G.
95. T.I., „Trap Muzik“ (2003)
Nachdem T.I.s Debütalbum „I’m Serious“ gefloppt war, sorgte der Rapper aus Atlanta mit seinen Mixtapes „In da Streets“ für Aufsehen in der Branche, was zu dem vielleicht ersten großen Rap-Album führte, das sich dem Musikstil „Trap“ widmete. Es wird weiterhin darüber diskutiert, ob er dieses unsterbliche Subgenre wirklich erfunden hat.
Aber es ist unbestreitbar, dass Produzent DJ Toomp in „Be Easy” und „24’s” einen orchestralen Schwung erzeugt, der T.I.s Raps unterstreicht, und dass David Banner den gospelartigen Keyboard-Sound von UGK für die D-Boy-Hymne „Rubber Band Man” aktualisiert.
In fast jedem Track beschreibt T.I. seine Welt mit scharfen Rhythmen und dichtem Südstaaten-Slang. Einschließlich des letzten Tracks „Long Live Da Game“, in dem er sich seinen eigenen Tod als ultimative Konsequenz des Lebensstils eines Drogendealers vorstellt. —M.R.
94. De La Soul, „De La Soul Is Dead“ (1991)
Inspiriert durch den Platin-Erfolg von De La Souls Klassiker „3 Feet High and Rising“ aus dem Jahr 1989 und die Hit-Single „Me Myself and I“, De La Soul Is Dead in die große Pop-Tradition der Post-Fame-Alben ein. Das Trio (sowie Mentor/Produzent Prince Paul) schwankt zwischen Erschöpfung, Zynismus, Entfremdung und hartnäckiger Entschlossenheit.
Das Album enthält einen der düstersten Songs des Genres. Eine Geschichte über Kindesmissbrauch und Mord mit dem Titel „Millie Pulled a Pistol on Santa“. “ Es enthält aber auch einen der fröhlichsten Songs, „A Roller-Skating Jam Named ‘Saturdays’“. Das Albumcover mit einem zerbrochenen Blumentopf, verwelkten Gänseblümchen und dem Gefühl, alte Ideen abzulegen, um etwas Lebendiges und Neues zu schaffen, gibt den Ton an. —M.R.
93. Ice Cube, „Death Certificate“ (1991)
Death Certificate, veröffentlicht an Halloween, war eines von 12 Rap-Alben, die 1991 mit Platin ausgezeichnet wurden. Konzeptionell unterteilt in „Death“ und „Life“, ist Ice Cubes zweites Album kalkuliert, gefühllos und von der Leidenschaft getrieben, über die Realität der Schwarzen zu berichten.
Das Ergebnis ist eine Reihe von raffinierten und manchmal kontroversen Erzählungen, die mit einem lebhaften Impuls erzählt werden, die Welt in einem Inferno aus Parliament-Samples und knallharter Lyrik neu zu gestalten. Jeder kraftvolle Track unterstreicht, dass Cube sich durch seinen Erfolg nicht zu einem zurückhaltenden Popstar hat machen lassen. Nein, er war immer noch ein Outlaw, der darauf aus war, die Hitze widerzuspiegeln, die er außerhalb seines Zuhauses in South Central spürte. —Y.P.
92. DJ Shadow, „Endtroducing…..“ (1996)
Der „Turntablist”-Trend der Mitte der Neunziger mag heute nicht mehr das tiefste Vermächtnis haben. Aber das Debütalbum des kalifornischen DJ-Produzenten Josh Davis bleibt ein experimenteller Hip-Hop-Heiliger Gral. Vom Old-School-Breakbeat-Throwdown „The Number Song” über den wirbelnden Astral-Funk von „Changeling” bis hin zum elegischen Stop-Action-Boom-Bap von „ Midnight In a Perfect World”.
„Entroducing” fühlte sich wie eine Falltür in eine ganz neue Welt der Crate-Digger-Offenbarung an. Ein Album, das heute wunderbar zeitlos wirkt. Und umso mehr mitreißt. —J.D.
91. Boogie Down Productions, „Criminal Minded” (1987)
BDP benannten sich nach ihrem Heimatgebiet, dem Boogie Down Bronx. Mit ihrem brutal innovativen Debütalbum „Criminal Minded“ schufen sie die Vorlage für Gangsta-Rap. Noch nie zuvor hatte jemand eine Rap-Gruppe gesehen, die auf einem Albumcover mit Waffen posierte.
KRS-One bleibt in „South Bronx“ und „The Bridge Is Over“ hardcore, während DJ Scott La Rock Dancehall-Reggae, Funk und AC/DC ein. Tragischerweise wurde La Rock kurz nach Erscheinen des Albums erschossen. KRS-One führte BDP weiter. Er übernahm jedoch eine neue Rolle als „der Lehrer”, eine Stimme für bewusste politische Wut. –R.S.
