HipHop: Die 200 besten Rap-Alben aller Zeiten
Top-200-Hip-Hop-Alben: Warum die Auswahl hart ist – und warum „Astroworld“, „Bandana“ und „Montero“ entscheidend sind.
90. Kid Cudi, „Man on the Moon: The End of the Day” (2009)
Es ist unmöglich zu übertreiben, wie stark „Day ‘n’ Nite“, die Lead-Single aus Kid Cudis Debütalbum „Man on the Moon: The End of the Day“ aus dem Jahr 2009, die Kultur geprägt hat. Der mitreißende Refrain des Songs täuschte über Cudis emotionale Resonanz hinweg. Obwohl der Song eine einmalige Partyhymne seiner Generation ist, passt er doch zum Großteil des Albums, da er sich mit der psychischen Gesundheit und den emotionalen Turbulenzen des Künstlers hinter dem Song auseinandersetzt.
Cudi nahm das Klischee des kiffenden Rappers auf. Und wandte es nach innen. Endlich Rap-Musik, zu der man Gras rauchen und traurig sein kann. —J.I.
89. Brand Nubian, „One for All“ (1990)
Supreme Mathematics teilen denselben psychischen Raum wie „Skins”, 40 Ounces und Signifying auf One for All, das 1990 die vielen Dimensionen der Kultur einfing. „Concerto in X Minor” sprach über den Mord an dem unbewaffneten Teenager Yusef Hawkins. „Slow Down” mit einem Sample von Edie Brickell & New Bohemians verwandelte den Ratschlag „ Crack ist wack” in einen hochkarätigen Club-Banger.
Grand Puba improvisiert auf der Single „All for One” wie ein virtuoser Jazztrompeter. Und „Wake Up (Reprise in the Sunshine)” belehrt die Unzivilisierten und strotzt dabei vor populistischem Stolz. Das war FUBU (for us, by us) damals in der Ära der Polka-Punkte und Klappbrillen. W.D.
88. Cypress Hill, „Cypress Hill“ (1991)
Es war einmal eine Zeit, in der Hip-Hop-Acts nicht über Gras rappten. Cypress Hill nahm einen massiven Bong-Zug, und als sich die blaue Wolke aufgelöst hatte, hatte diese größtenteils kubanisch-amerikanische Crew das Spiel komplett verändert, indem sie Geschichten über den enthusiastischen Gebrauch von Waffen („How I Could Just Kill a Man”) mit Tracks mischte, die sich kaum daran erinnern konnten, welcher Tag gerade war („Stoned Is the Way of the Walk”).
Der Trick bestand in wilden Stimmen über rauen Beats. B -Real und Sen Dogs Mischung aus nasaler und rauer Stimme, die zwischen Spanisch und Englisch wechselte, über DJ Muggs‘ donnerndem Funk, war ein Gag, der zu gut war, um ihn nicht zu kopieren. —J.G.
87. Ultramagnetic MCs, „Critical Beatdown” (1988)
Vor MF Doom, vor Danny Brown, vor Tyler, the Creator gab es Kool Keith und Ced-Gee, die immer noch zu den seltsamsten Textern aller Zeiten zählen. Aber seltsame Texte und ein noch seltsamerer Flow waren nur zwei Elemente, die Critical Beatdown in diesem großartigen Jahr des Hip-Hop hervorstechen ließen.
Mit Songs wie „Watch Me Know”, „Moe Luv’s Theme” und dem allmächtigen „Ego Trippin’” erfand Produzent Ced-Gee mit seinen komplexen Sample-Chops quasi den Hip-Hop der späten 1980er und frühen 1990er Jahre. Critical Beatdown ist wie Citizen Kane. Seine Innovationen wurden so allgegenwärtig, dass es mehr als 30 Jahre später schwer zu erkennen ist, was daran so besonders war. —J.G.
86. Common, „Like Water for Chocolate“ (2000)
Like Water for Chocolate enthält Beiträge von verschiedenen Mitgliedern des Soulquarians-Kollektivs – J Dillas Slum Village, Bilal, Mos Def, The Roots, D’Angelo – sowie Anspielungen auf eine Vielzahl von Inspirationsquellen. Darunter Afrobeat-Pionier Fela Kuti, Black-Panther-Revolutionärin Assata Shakur und Post-Bop-Größen wie Roy Hargrove.
Im Mittelpunkt steht Common, der diesen warmen, sinnlichen Tracks eine unruhige Intelligenz verleiht. In „The Light“ gesteht er seiner Geliebten, dass er wahrscheinlich zu den „Brüdern“ gehört, die in der Vergangenheit Frauen misshandelt haben. In „Nag Champa (Afrodisiac for the World)“ und „Thelonious“ spuckt er mit lyrischer Sicherheit sowohl positive als auch hässliche Texte. All dies kennzeichnet einen Künstler auf dem Höhepunkt seiner Schaffenskraft. —M.R.
85. Eminem, „The Slim Shady LP” (1999)
Niemand war wirklich auf „The Slim Shady LP“ vorbereitet. Eminems Major-Label-Debüt, das direkt aus dem städtischen Wohnwagenpark kam, war der „Fuck-you“-Urschrei eines weißen, blondierten Verrückten, der sich bewusst war, dass er sich sowohl dem Publikum als auch seinem neuen Mentor, dem legendären Dr. Dre, beweisen musste.
Und Eminem hat sich bewiesen. Nach einer brillant albernen Single, die von Dre produziert wurde („My Name Is”) folgte ein Album voller karikaturhafter, ekelhafter Ultra-Gewalt („Guilty Conscience”) und wirklich verstörender Ultra-Gewalt („97 Bonnie & Clyde”). Dank seiner umwerfenden lyrischen Fähigkeiten und seiner Massenattraktivität katapultierte Slim Shady Eminem über Nacht in den Hip-Hop-Olymp. Und machte ihn zu einem kulturellen Blitzableiter. Seitdem ist Popmusik nicht mehr dieselbe. —J.G.
84. Vince Staples, „Summertime ‚06“ (2015)
Auf „Summertime ’06“ kommt Vince Staples‘ stets humorvolle Persönlichkeit in jeder Zeile zum Ausdruck. Präsentiert in einem unerbittlichen Rhythmus, wie ein schnell verfasster, feuriger Tweet.
Über dem basslastigen Dröhnen von „Lift Me Up“ schnappt er: „Der Uber-Fahrer im Cockpit sieht aus wie Jeffrey Dahmer/Aber er schaut mich verrückt an, als wir vor den Sozialwohnungen halten“, als hätte er eine einwöchige Residency in den Catskills.
Aber es gibt auch Momente von ergreifender Schönheit. Man beachte das verträumte „Summertime“. Und „C.N.B.“, dessen prahlerischer Refrain einen Kontrapunkt zu den bissigen sozialen Kommentaren in den Strophen bildet, beweist, dass man manchmal lachen muss, um nicht zu weinen. —W.D.
83. M.I.A., „Kala“ (2007)
Niemand hätte erwartet, dass die weltbekannte Hip-Hop-Rebellin M.I.A. ihr beeindruckendes Debütalbum „Arular” aus dem Jahr 2005 noch übertreffen oder auch nur annähernd erreichen würde. Aber mit „Kala” hat sie genau das geschafft.
Das Album war frecher und umfangreicher als sein Vorgänger. Sie zitierte die Modern Lovers und Bollywood im Opener „Bamboo Banga”, dehnte ihre Stimme im trippigen, kinetischen „Jimmy” aus und spielte mit stotternden Melodien, während sie in „20 Dollar” über die Kosten von automatischen Waffen improvisierte.
Und dann gibt es noch den von Diplo produzierten „Paper Planes“, das Gewehrsalven, ein Sample von The Clash, das Klingeln einer Kasse und einige sinnliche Synthesizer zu einem der großartigsten Pop-Hits des 21. Jahrhunderts mischt. —J.G.
82. Slick Rick, „The Great Adventures of Slick Rick“ (1988)
Der schneidige, respektlose, hysterische, weise und vor Charme sprühende Slick Rick würzte sein klassisches Debüt mit genug meisterhaften Lügengeschichten, um ein viktorianisches Pub zum Lachen zu bringen. „Children’s Story“ ist eine Parabel, die so zeitlos ist, dass Kommentatoren ihren Text in roter Tinte veröffentlichen sollten.
In „Mona Lisa“ ” buchstabiert Rick seinen Namen mit einer pseudo-heroischen Affektiertheit, die so verdammt selbstbewusst ist, dass sie vor Selbstironie nur so strotzt. (Sein „K”, wie in „Kangol”, steigt um eine Oktave, als wäre er genervt von seiner unverhohlenen Selbstbespiegelung.) Und „ The Moment I Feared“ ist eine Tragödie, die sich wie eine Farce anfühlt. Es gibt keinen größeren Geschichtenerzähler im Rap. —W.D.
81. Digable Planets, „Blowout Comb“ (1994)
Das zweite Album von Digable Planets konnte nicht wie ihr Debütalbum „Reachin’ (A New Refutation of Time and Space)“ aus dem Jahr 1992 ein Mainstream-Publikum ansprechen. Die Beats erinnern an den Hard Bop der Mitte der 60er Jahre. Die Texte von Butterfly, Doodlebug und Ladybug sind verschlungen und voller kultureller Referenzen zu Persönlichkeiten wie Mumia Abu-Jamal und Sekou Odinga.
Abgesehen vom luftigen Soul-Jazz von „Jettin’“ verzichtet die Musik auf leicht zugängliche Melodien. Typischer sind die spröden, verzerrten Bassdrums und krachenden Becken von „9th Wonder (Blackitolism)“, wo Mecca beginnt: „ Ich bin 63 Zoll über dem Meeresspiegel/93 Millionen Meilen über diesen Teufeln.” Es ist daher ironisch, dass Rap-Fans „Blowout Comb” heute als das beste Werk der Gruppe betrachten. Ein dichtes Verzeichnis der Brooklyn-Bohemia der Neunzigerjahre, das sich beim intensiven Hören auszahlt. —M.R.
80. Earl Sweatshirt, „Some Rap Songs“ (2018)
Some Rap Songs ist ein einfacher Titel für ein Album, hinter dem so viele Lebensabschnitte stehen. Earl Sweatshirts drittes Soloalbum, das nach dem Tod seines Vaters, dem Dichter Keorapetse Kgositsil, veröffentlicht wurde, ist meditativ, introvertiert und sarkastisch. Mit kurzen Tracks, die einem das Gefühl geben, seine gesamte Weltanschauung in sich aufgesogen zu haben.
„Azucar“ ist eine gespenstische Apologie mit einigen der ergreifendsten Texten des Wunderkinds von Odd Future, in denen er seine Kämpfe mit Depressionen und Alkoholismus thematisiert. „Cold Summers“ hingegen ist mit seinen byzantinischen Bars einfach nur knallig. —W.D.
79. Eric B. & Rakim, „Follow the Leader“ (1988)
Das zweite Album von Eric B. & Rakim baut auf dem Sound ihres bahnbrechenden Debüts „Paid in Full” auf, mit noch saftigeren Beats und endlosen Bars. Jede Zeile, die Rakim auf dem unerbittlichen Track spittet, ist eine Inspiration, unglaublich chillig und schnell zugleich.
An anderer Stelle: „Microphone Fiend“ läutet die Glocken und etabliert Dominanz, während „Lyrics of Fury“ alle Nachahmer über James Browns „Funky Drummer“-Break hinwegfegt. Es gibt nur einen Rakim. Kein Wunder, dass er bis heute MCs inspiriert. —J.G.
78. Azealia Banks, „Broke With Expensive Taste” (2014)
Azealia Banks’ Karriere wird allzu oft anhand ihres ausbleibenden großen Pop-Erfolgs beurteilt, anstatt anhand ihrer großartigen Musik. Tatsache ist, dass nur wenige Künstler ihres Kalibers ein so spannendes, vielsprachiges Juwel der New Yorker Clubkultur geschaffen haben wie „Broke With Expensive Taste”.
„Gimme a Chance” wechselt von Post-Disco mit schrillen Bläsern zu einem Salsa-Rhythmus. Banks reagiert darauf, indem sie ihren Rap von Englisch auf Spanisch umstellt. Sie covert Ariel Pinks „Nude Beach a Go-Go”, taucht in „Desperado” in den UK-Garage ein und verwandelt sich in „Luxury” mit seinem pulsierenden Beat in eine House-Queen. Dann gibt es noch das zu Recht gefeierte „212”, in dem sie mit frechem Elan queere Sex-Raps über einen unruhigen Track legt. —M.R.
77. Jay-Z und Kanye West, „Watch the Throne“ (2011)
Um Mr. West zu zitieren: „Warum glaubst du, hieß der Song ‚Niggas in Paris‘ ‚Niggas in Paris‘? Weil die Niggas in Paris waren!“ Mit anderen Worten: Diese vergoldete Prahlerei der eurozentrischen kreativen Eliten wird durch die ständige Ausbeutung und Behinderung schwarzer Exzellenz angeheizt.
Jay, Ye und ihre hochkarätigen Kollaborateure vereinen alle Genres. Ein Dubstep-Sample, ein Gastauftritt von Bon Iver. Nina Simones geschickt mit Auto-Tune bearbeitete Stimme. Frank Oceans Gesang über einem Riff von Roxy Music-Gitarrist Phil Manzanera. Es ist ein von Ye getriebenes Spektakel. Aber Jays Texte offenbaren die Entfremdung, die immer lauert. —C.A.
76. Gang Starr, „Hard to Earn” (1994)
Hard to Earn ist ein makelloses Bekenntnis zur Echtheit, das die Energie der Hoodie-Kultur verkörpert. Preemos düstere Produktion auf „Code of the Streets” – seine ultrapräzisen Scratches klingen wie Sonarpieptöne über einem beschleunigten Riff aus einem goldenen Hollywood-Films – verleiht dem besten Breakdown des täglichen Drogenhandels seit D’Angelo Barksdales Schachanalogie in The Wire eine stählerne Dramatik.
„Mass Appeal” verwandelt einen jazzigen Loop – kürzer als die Fahrt mit dem Aufzug, für den seine fröhliche Gitarre der Soundtrack sein könnte – in eine Hymne, die wie maßgeschneidert für die Heads ist. Hard to Earn bewies, dass Gang Starr aus dem gleichen Holz geschnitzt war. —W.D.
75. Megan Thee Stallion, „Fever“ (2019)
Als „Fever“ im Frühjahr erschien, waren alle Augen auf Megan Thee Stallion gerichtet. Der Sex-Song „Big Ole Freak“ aus ihrem vorherigen Projekt „Tina Snow“ kletterte die Charts hinauf. Ihre raffinierten Freestyles machten die Runde. Musikmagazine klopften ununterbrochen an ihre Tür.
Mit ihrem feurigen Mixtape voller Hymnen für unabhängige Frauen und Twerk-Tracks lieferte die Houston Hottie einen poppigen Soundtrack für den letzten normalen Sommer, den die Welt erlebt hat. Und eine beeindruckende Demonstration ihres kraftvollen Raps und ihrer symbiotischen Zusammenarbeit mit den Produzenten LilJuMadeDaBeat und Juicy J von Three 6 Mafia. —M.C.
74. Public Enemy, „Fear of a Black Planet” (1990)
Chuck D und Flavor Flav machten Afro-Pessimismus in ihrem makellosen zweiten Opus „Fear of a Black Planet“ so unausweichlich wie Popmusik. Aber diese 20 Songs hatten nichts Weiches oder Kompromissbereites an sich.
Das Manifest „Brothers Gonna Work It Out“ aus der D.A.R.E.-Ära klingt wie ein dissonanter Zahnbohrer, der durch einen provisorischen Verstärker gejagt wird. Und „Fight the Power” gab der Wut der schwarzen Gemeinschaft Ausdruck, die nach mehr als 400 Jahren Unterdrückung die Nase voll hatte. Voller gerechter Wut, zeitloser Hymnen und protestwürdiger Leidenschaft faszinierte „Fear of a Black Planet“ die Nation. Und hielt sich nicht zurück. —W.D.
73. The Pharcyde, „Bizarre Ride II the Pharcyde” (1992)
Bizarre Ride II the Pharcyde besticht durch lebensbejahende Musik. Das Album wurde größtenteils von J-Swift (alias Multiinstrumentalist John Martinez) und John „L.A. Jay“ Barnes III, eingespielt. So strotzt das Album vor knackigem Soul-Jazz, Funk im Stil der Meters und marihuanagetränkter Psychedelia.
Romye, Slim Kid Tré, Fat Lip und Imani singen, rappen schnell und zeigen jugendliche Energie. Das Quartett kann in „Pack the Pipe“, wo Fatlip damit prahlt, ein dreijähriges Kind zum Kiffen gebracht zu haben, oder in „On the DL“, wo Romye behauptet, einen Einbrecher erschossen zu haben, fantasievoll albern werden.
Dann gibt es noch „Passin’ Me By“, das vielleicht das definitive Hip-Hop-Statement über unerwiderte Zuneigung ist. Und „Otha Fish“, wo Tré über eine romantische Trennung harmonisiert. Kurz gesagt, „Bizarre Ride“ ist ein sehr vielseitiges Album, das jedoch aus einer realen Situation heraus entstanden ist. Den Gedanken von vier B-Boys aus L.A., die die Zeit ihres Lebens haben. —M.R.
72. Dr. Octagon, „Dr. Octagonecologyst“ (1996)
Kool Keith, ein legendärer Sonderling, der auf seine Zeit mit den Old-School-Größen Ultramagnetic MCs zurückblickt, kam in den von Puffy geprägten Mittneunzigern wie ein Leuchtturm der absurden Freiheit daher. Er erklärte sich auf dem herrlich unzeitgemäßen „Dr. Octagonecologyst“ zum „paramedizinischen Fötus des Ostens“.
Über Dan „The Automator” Nakamuras Deep-Space-Produktion kickte Keith psychedelische Skatologie, weitläufige freie Assoziationen und verwirrende Disses wie „Shakespeare ist weg, denk nicht einmal an ihn”, die dich in seinen Bann ziehen. Und dich in seine verdrehte kosmische Unterwelt hinabziehen. —J.D.
71. Queen Latifah, „All Hail the Queen“ (1989)
„Some think that we can’t flow/Stereotypes, they got to go” (Manche denken, wir können nicht fließen/Stereotypen müssen weg), rappt Monie Love in ihrem mitreißenden Gastauftritt auf dem feministischen Klassiker „Ladies First”.
Die Hit-Single ist nur der bekannteste Moment des Debütalbums der „Princess of the Posse”. Die 19-jährige Anführerin der Männer – sie betitelt ihre Zusammenarbeit mit De La Soul „Mama Gave Birth to the Soul Children“ – Queen Latifah bietet Hip-House-Knaller wie „Come Into My House“, harmonisiert in „Latifah’s Law“ und lässt Battle-Raps über den Dancehall-beeinflussten „Wrath of My Madness“.
Mit der knackigen und funkigen Breakbeat-Produktion von 45 King vermittelt „All Hail the Queen“ ein Gefühl der unendlichen Möglichkeiten für diese Künstlerin aus New Jersey, die sie in den kommenden Jahren erfüllen sollte. —M.R.
70. The Fugees, „The Score“ (1996)
Wenn man „Glitch in the Matrix“ mit einem Albumcover zusammenfassen könnte, würde es drei MCs zeigen, die im Stil von „Der Pate“ vor einem schwarzen Hintergrund posieren, direkt über dem Titel „The Score“. Nichts davon hätte funktionieren dürfen.
Aber als das zweite Album der Fugees durchstartete, war klar, dass sie es auf ihre Weise geschafft hatten. Der Titelsong wurde von Diamond D produziert, um Himmels willen. Außerdem: L-Boogie rappt alle anderen in den Schatten. Wyclefs musikalisches Können bedeutet, dass er so gut wie jedes Genre im Schlaf beherrscht. Und, heiße Meinung: Pras (vor allem in „The Mask”) ist besser, als man ihm zutraut.
69. Ghostface Killah, „Ironman“ (1996)
Ghostface Killah spricht in Interviews oft abfällig über sein Solo-Debüt. Dessen Entstehung fiel mit einer Zeit in seinem Leben zusammen, in der er darum kämpfte, seine Aktivitäten auf der Straße hinter sich zu lassen. Es ist nicht so transformativ wie sein Meisterwerk „Supreme Clientele“ aus dem Jahr 2000.
Ungeachtet dessen ist „Ironman“ voller Knaller. Sei es die spritzige Lead-Single „Daytona 500“, in der er unvergesslich behauptet, „I slap box with Jesus“ (Ich boxe mit Jesus). Die herzzerreißende Geschichte über Armut „All That I Got Is You“. Oder unglaubliche Deep Cuts wie „Fish“, „Assassination Day“ und „After the Smoke Is Clear“. (Im Gegensatz dazu ist ein frecher Rap über die aufblühende Sexualität eines vorpubertären Mädchens, „Wildflower“, nicht gut gealtert.) Der Wu-Tang Clan war Mitte der 1990er Jahre unglaublich erfolgreich. Ironman bildet da keine Ausnahme. —M.R.
68. Juvenile, „400 Degreez“ (1998)
„Ich weiß, dass ihr mich alle im ganzen Land hören werdet!“, ruft Juvenile am Ende von „U.P.T.“. Der Rapper aus Third Ward, ein Veteran der New Orleans Bounce-Szene, landete zahlreiche regionale Hits, bevor ein eindrucksvolles Video zu „Ha“ mit seinen sonnenverbrannten Betonfassaden die Cash Money-Ästhetik dem Rest des Landes vorstellte.
Das daraus resultierende Album „400 Degreez“ dient als Coming-out-Party für das gesamte Camp. Die digitalen Klänge von Produzent Manny Fresh pulsieren durch das gesamte Album. Lil Wayne beendet den Bass-Hymne „Back That Azz Up“ mit dem berühmten Ad-lib „drop it like it’s hot“. Aber dies ist Juvies Moment, und seine temperamentvolle Darbietung bringt das Ganze zum Laufen. —M.R.
67. Geto Boys, „We Can’t Be Stopped” (1991)
Die Southern-Rap-Titanen Geto Boys haben Texas auf die Hip-Hop-Landkarte gebracht, indem sie eine der eindrucksvollsten und umstrittensten Gruppen des Genres waren. Ihr drittes Album tauchte in emotionale Tiefen ein, die der Hip-Hop zuvor nicht zu betreten gewagt hatte.
„Mind Playing Tricks on Me“ gilt als eines der großartigsten Werke des Genres, das sich mit Paranoia und seelischen Qualen auseinandersetzt. Songs wie „Chuckie“ ebneten den blutbespritzten Weg zum Horrorcore. Sie waren auch in einer Weise zutiefst politisch, die keine Kompromisse zuließ. „Fuck a War“ ist ein unverblümter Protest gegen den ersten Golfkrieg („I ain’t gettin’ my leg shot off/While Bush’s old ass on TV playin’ golf“). —C.W.
66. Three 6 Mafia, „Mystic Stylez“ (1995)
Bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1995 war das Debütalbum von Three 6 Mafia vor allem regional ein Erfolg. Nationale Rap-Magazine konzentrierten sich auf „Live by Yo Rep“. Eine feurige Single, in der Bone Thugs-n-Harmony beschuldigt wird, ihren „einzigartigen Rap-Stil“ gestohlen zu haben.
Es dauerte Jahre, bis die Innovationen der Gruppe aus Memphis den Mainstream erreichten. Von ihrer frühen Verwendung des Wortes „crunk“ und ihren lautstark gesungenen Refrains bis hin zu DJ Paul und Juicy Js verschwommenen Keyboard-Anlehnungen an Horrorfilm-Soundtracks und ihrer staubigen Sampling-Sensibilität.
Three 6 Mafia mag heute viele Nachahmer im Internet haben. Aber es gibt immer noch nichts Vergleichbares zu Triple Six, die ihre Feinde mit mörderischen Worten über diese düsteren, atonalen Beats bedrohen und verspotten. Sie zaubern eine bedrohliche Intensität herbei, die nicht kopiert werden kann. —M.R.
65. De La Soul, „Buhloone Mindstate“ (1993)
Buhlooone Mindstate kommt daher wie ein schwindelerregender Ausbruch von rechtshirnigen Wortgefechten. So amorph und frei wie der sauerstoffgefüllte Globus, nach dem das Album benannt ist. Auf ihrem dritten bahnbrechenden Album schufen schufen Posdnuos, Trugoy und Maseo Raum, um einfach Spaß zu haben und die Grenzen des Hip-Hop weiter zu erweitern.
„Patti Dooke” ist eine unbeschwerte Jam-Session mit einem Hook von Guru und Live-Instrumenten von Maceo Parker, Fred Wesley und Pee Wee Ellis von den JBs.
Die japanischen Rapper SDP und Takagi Kan sorgen in „Long Island Is Wildin’“ für Stimmung. „I Am I Be“ ist ein Wortspiel à la Mad Libs, voller frei assoziativer Reime, die wir immer noch zu entschlüsseln versuchen. —W.D.
64. 50 Cent, „Get Rich or Die Tryin’“ (2003)
Get Rich ist nicht nur ein fulminantes Debüt. Sondern auch ein Schlüsselmoment in der beispiellosen dreiteiligen Karriere des Produzenten Dr. Dre. Als Executive Producer einer Crew von erstklassigen Beatmakern wandte Dre seine Magie auf einen wenig bekannten Rapper aus Queens an.
Er verband den lyrischen Minimalismus der East Coast mit dem G-Funk-Minimalismus der West Coast. Das Ergebnis war eine ideale Blockbuster-Kombination. Es schadet auch nicht, dass „In Da Club“, die perfekte erste Single des Albums, von nun an bis in alle Ewigkeit auf den Tanzflächen gespielt werden wird. —J.G.
63. Black Star, „Mos Def & Talib Kweli Are Black Star“ (1998)
Black Star waren Schüler des Rap, die Hip-Hop als Kunst betrachteten, die es zu studieren, zu praktizieren und mit Dankbarkeit für die Vergangenheit und Anmut für die Gegenwart aufzuführen galt. Gemeinsam stellen Mos Def und Talib Kweli die freudigen, positiven Seiten des Hip-Hop in den Vordergrund.
Sie beweisen sich als Poeten, die eine neue Renaissance des Traditionalismus der Ostküste herbeiführen wollen. Es ist die reiche Geschichte der Schwarzen unter ihren raffinierten Flows und romantischen Reimen, verflochten mit Hi-Teks rasanten Beats, die Black Star als erfrischende Wiedergeburt einer neuen Old-School gefeiert haben. —Y.P.
62. MF Doom, „Operation: Doomsday” (1999)
Die Veröffentlichung von „Operation: Doomsday” im Jahr 1999 markierte das Comeback von Zev Love X., ehemals Mitglied der Conscious-Rap-Crew KMD aus den frühen Neunzigern. Es stellte erneut eine mysteriöse Figur vor, die zu einer der größten Stimmen des Underground-Rap geworden war.
Auf „Operation: Doomsday“ ist er ein nachdenklicher Zauberer über Quiet-Storm-angehauchten Tracks wie dem Sade-Sampling „Doomsday“. Seine geschickten Reime und markanten Schemata ließen andere MCs wie Amateure aus Talentshows aussehen. Und jeder Sound, den er berührt – vom Titelsong zu „Scooby-Doo“ bis zu Kool G Raps „Truly Yours“ – wird zu etwas surreal Neuem mutiert. Dieses Album ist der Sound eines MCs, der gekommen war, um mit Ehre zu zerstören. –Y.P.
61. Scarface, „The Diary“ (1994)
Scarfaces Reime auf „The Diary“ sind so fesselnd, dass man sich fühlt, als wäre man in einen Krimi versunken, den man verpasst, wenn man nur einmal blinzelt. Sterblichkeit und das Unbekannte beleben dieses Album, dessen düstere Single „I Never Seen a Man Cry“ wahrscheinlich der dunkelste Song ist, der jemals in den Charts vertreten war.
„Jesse James“ ist ebenso stilisiert wie gewalttätig. Ein akustischer Sergio-Leone-Film. Und „Mind Playin’ Tricks 94“ ist ein Cliffhanger-Remake, das sich wie eine Rückkehr des Unheimlichen anfühlt. Das hier gezeigte Maß an qualvoller Handwerkskunst und unerschütterlicher Ehrlichkeit beweist, warum Scarface einer der Größten aller Zeiten ist. —W.D.
