HipHop: Die 200 besten Rap-Alben aller Zeiten
Top-200-Hip-Hop-Alben: Warum die Auswahl hart ist – und warum „Astroworld“, „Bandana“ und „Montero“ entscheidend sind.
60. Kendrick Lamar, „Damn.” (2017)
Auf dem spürbar ambitionierten Album Damn. stellt Kendrick Lamar Duckworth aus Compton, Kalifornien, sein gewohnt olympisches Gesangstalent und seine Gerissenheit zur Schau. Aber im Gegensatz zum schmerzhaften Ausufernden von To Pimp a Butterfly aus dem Jahr 2015 verdeutlicht das dritte Album des Rappers seine Bandbreite an narrativen und syntaktischen Angriffen, Umkehrungen, Inversionen, Vorwänden und Schnörkeln zu der viszeralsten, unmittelbarste Musik seiner Karriere.
Mit einer vertrauten Galaxie von Mitwirkenden aus Los Angeles (und seiner Geheimwaffe Mike Will Made It) bettet Lamar melodische Fragmente oder mitreißende Refrains in seine seelenzerreißenden Monologe ein. Das Ergebnis: Die Pulitzer-Preis-Jury wurde zu absoluten Fans. —C.A.
59. The Notorious B.I.G., „Life After Death“ (1997)
Das posthum veröffentlichte letzte Studioalbum von The Notorious B.I.G. war ein überwältigendes Spektakel – mit seiner erzählerischen Breite, Konflikten auf dem Niveau von „Gladiator“ und seiner „Hate-me-now“-Pop-Ambition. Umgeben von eifersüchtigen Freunden und Feinden, unterstützt von unheilvollen, aber glänzenden Samples, explodierte Biggie in visuell expliziten Details, wie Schwarze in Amerikas weißer Vorherrschaft leiden, feiern oder zugrunde gehen.
Er ist feierlich („Hypnotize“), paranoid („Mo Money Mo Problems“) und warnend wie ein Hai („Ten Crack Commandments“). Als er den letzten Refrain mit wahrhaftiger Gospel-Furcht stöhnte – „You’re Nobody (Til Somebody Kills You)“ – schnappten wir entsetzt nach Luft. —C.A.
58. Ice Cube, „AmeriKKKa’s Most Wanted“ (1990)
Chuck Ds Vision von Hip-Hop als CNN der Schwarzen wurde mit „AmeriKKKa’s Most Wanted“ fast vollständig erfüllt, das Ice Cube als unseren Sprecher der Unterdrückten bekannt machte. Natürlich heizte Chuck (der Cube die Bomb Squad zur Verfügung gestellt hatte) die politisch aufgeladene Stimmung in „Endangered Species (Tales from the Darkside)” weiter an, das den Standard-Klischee des schwarzen Super-Raubtiers (den man ständig in den Nachrichten sah) in den richtigen, wütenden Kontext stellte.
Unterdessen beschwört „What They Hittin Foe?” das harmlose Chaos eines nächtlichen Domino-Spiels in einer Hintergasse herauf. Witzig, wütend und zweifellos authentisch hatte Cube die Aufmerksamkeit aller. Und sagte in seinem Debütalbum unverblümt die Wahrheit. —W.D.
57. Beastie Boys, „Licensed to Ill“ (1986)
Für jüngere Hörer, die glauben, dass „Paul’s Boutique“ und „Ill Communication“ die besten Werke der Beasties sind, ist es vielleicht schwer vorstellbar, welche einzigartige Wirkung „Licensed to Ill“ hatte. Das Trio und Produzent/Mitverschwörer Rick Rubin lösten mit ihrer Mischung aus Schoolly-D-inspirierter Rowdytum, Run-DMC-artigen Superhelden-Gesängen und Jeep-Beats auf Original-Concept-Niveau eine echte Panik unter der Moral Majority aus.
Der skandalöse, im Wilden Westen angesiedelte Story-Rap „Paul Revere“ kann noch immer eine Party in Gang bringen. Und selbst Ice Cube gibt zu, dass er Mike D, King Ad Rock und MCA mit ihren nasalen Flows und pointierten Witzen nachahmt. Die Tatsache, dass die drei Rapper Punk-Ästheten sind, die scheinbar nicht wissen, ob sie einen Witz machen oder einfach nur sie selbst sind, ist Teil des Spaßes. —M.R.
56. Noname, „Room 25“ (2018)
Die Chicagoer Dichterin und Aktivistin Fatimah Warner wurde in „Room 25“ sehr persönlich, einer zutiefst persönlichen Coming-of-Age-Geschichte mit ihrem einzigartigen jazzigen Flow. Es ist ein Liederzyklus über das Finden ihrer Stimme. Mit Zeilen wie „My pussy teachin’ ninth-grade English/My pussy wrote a thesis on colonialism“ (Meine Muschi unterrichtet Englisch in der neunten Klasse/Meine Muschi hat eine Abschlussarbeit über Kolonialismus geschrieben).
Noname erregte erstmals Aufmerksamkeit mit ihrem Gastauftritt auf Chance the Rappers „Acid Rap“. Sie ging aber mit ihrem Debütalbum „Telefone“ aus dem Jahr 2016 ihren eigenen Weg. Auf „Room 25“ holt sie langjährige Freunde aus Chicago wie Saba und Smino mit ins Boot. Aber es besteht kein Zweifel, dass es sich um ihre eigene Stimme handelt. —R.S.
55. A Tribe Called Quest, „Midnight Marauders“ (1993)
Das dritte Album von A Tribe Called Quest war nicht so skurril experimentell wie „People’s Instinctive Travels…“ aus dem Jahr 1990. Oder so bohemian-jazzig-cool wie „The Low End Theory“ aus dem Jahr 1991. Aber es ist dennoch ein zeitloser Fan-Favorit, weil das Quartett ebenso begabt war, wenn es um den klassischen Hip-Hop ging.
Die Samples waren nach wie vor brillant aus den verstaubtesten Ecken des Jazz und Soul zusammengestellt. Aber die Drums konnten Fans von Black Moon und Gang Starr umhauen. Die MCs Q-Tip und Phife Dawg waren so scharfsinnig und witzig wie eh und je. Egal ob sie Revolutionäre lobten („Steve Biko“), ein kontroverses Wort zerlegten („Sucka N***a“) oder einfach nur die berüchtigte Zeile über Seaman’s Furniture („Electric Relaxation“) fallen ließen. —C.W.
54. Migos, „Culture“ (2017)
Das Trio Migos aus Atlanta hatte bereits einige Höhen und Tiefen durchlebt, bevor es sein größtes Album veröffentlichte. Es wurde mit verrückten Mixtapes wie Y.R.N. (Young Rich Niggas) bekannt, mit seinem enttäuschenden Album Young Rich Nation abgeschrieben und gewann mit dem Tanz-Trend „Look at My Dab“ wieder an Popularität.
Der Stil von Offset, Quavo und Takeoff entwickelte sich schließlich von den stampfenden „Hannah! Montana!”-Chants zum Rope-a-Dope-Mikrofonwechsel von „Bad and Boujee”. Wo Offset, Quavo und Gast Lil Uzi Vert Punchlines fallen lassen, die wie Federn landen.
„T-Shirt“ wird von Quavos eindringlichem, bewusst zögerlichem Refrain angetrieben. „Mama told me/Not to sell work/Seventeen-five, same color T-shirt.” Aber es ist die Art und Weise, wie das Trio die Verse von „Culture” mit Ad-libs unterstreicht. Und ihren Songs eine rhythmische, vokale Jazz-Kadenz verleiht, die ihre Performance so unvergesslich macht. —M.R.
53. Salt-N-Pepa, „Hot, Cool and Vicious” (1986)
Cheryl „Salt” James und Sandra „Pepa” Denton traten zunächst als Super Nature mit „The Showstopper” in Erscheinung, wo sie sich spielerisch über Doug E. Freshs Hit-Single „The Show” lustig machten. Nachdem sie sich in Salt-N-Pepa umbenannt hatten, erschien das Debütalbum des New Yorker Duos, das ebenso herrlich funky ist.
Mit der von Go-Go inspirierten New-Jack-Produktion ihres Mentors Hurby „Luvbug“ Azor nähern sie sich Otis Redding und Carla Thomas‘ „Tramp“ sowie „Betcha Got a Chick on the Side“ von den Pointer Sisters an. Allesamt mit einem ausgeprägten Sinn für Spaß.
„Das ist der Moment, den Männer fürchten/Weibliche MCs sind auf dem Vormarsch“, singen die beiden in dem Party-Rock-Song „My Mic Sounds Nice“. Dann gibt es noch „Push It“, einen klassischen Electro-Bass-Song, in dem die Damen auf der Tanzfläche mit ihren Hintern wackeln, ohne dass es einer Erklärung bedarf. —M.R.
52. Kanye West, „The College Dropout“ (2004)
The College Dropout zeigt Kanye West von seiner liebenswertesten Seite. Sein Humor ist fröhlich und unbeschwert. Auch wenn man sich als Frau oder Akademikerin manchmal als Zielscheibe seiner Witze wiederfindet. Seine religiösen Überzeugungen sind so greifbar, dass sie Empathie hervorrufen. Selbst wenn man selbst überzeugter Nichtgläubiger ist.
Seine Reflexionen über die Arbeit im Einzelhandel, dysfunktionale Familien, unverhohlenen Konsum, persönliche Begabung und Träumen, Träumen, Träumen sind so bezaubernd, wie Rap nur sein kann. Und wenn man bedenkt, dass West auch fast jeden zeitlosen Beat selbst komponiert hat, auf dem er sich als brandneuer Künstler offenbart hat, ist das fast schon zu viel. Dieses Album ist sowohl unglaublich menschlich als auch unmöglich außergewöhnlich. —M.C.
51. The Roots, „Things Fall Apart“ (1999)
Für Rap-Fans der späten Neunziger, die nach einer Alternative zu dem suchten, was sie als kommerzielle Exzesse des Genres empfanden, war „Things Fall Apart“ der heilige Gral. Eine sozialkritische, zutiefst musikalische Thesis der Band aus Philadelphia, die es wagte, ihre eigenen Instrumente zu spielen.
Die Songs sind voller virtuoser Verse von Black Thought und Malik B, zusammen mit Weggefährten wie Mos Def und Common, und abwechslungsreichen Grooves von Schlagzeuger Questlove, Bassist Leonard Hubbard, Keyboarder Kamal Gray sowie Kollaborateuren wie Dilla und Scott Storch.
Ebenso verwurzelt in der erneuernden Wärme des Neo-Soul wie in der mitreißenden Energie des Cipher. Es mag realer gewesen sein als das, was in diesem Jahr in den Charts war. Oder auch nicht. Aber in seinem Bekenntnis zu den menschlichen Elementen des Hip-Hop ist Things Fall Apart zeitlos. —S.V.L.
50. EPMD, „Strictly Business“ (1988)
Überall, wo man im Sommer 1988 hinging, hörte man EPMD. Zwei Jungs aus den Vororten von Strong Island mit ihrem hypnotischen Funk-Sound, der perfekt zu Grillpartys im Garten passte. „Strictly Business“ war ihr Titelsong. Erick Sermon und Parrish Smith redeten ihren Scheiß, loopten „I Shot the Sheriff“ zu einem ganz neuen futuristischen Groove, mit wooferfressenden Bässen, die Jeeps in die Luft jagen sollten.
Wie Sermon sagte: „Es waren einfach zwei Kids, die im Radio schlechte Musik hörten und es besser machen wollten.” Ihr Debüt ist ein echter Sommerklassiker und wegweisend für den entspannten, aber bedrohlichen Sound, der an der Westküste als G-Funk bekannt wurde. —R.S.
49. N.W.A, „Straight Outta Compton“ (1988)
Als N.W.A „Straight Outta Compton“ aufnahmen, nannten sie ihre Musik nicht „Gangsta Rap“. Sondern „Reality Rap“. Tracks wie „Gangsta Gangsta“, „If It Ain’t Ruff“ und „Straight Outta Compton“ spiegelten den Alltag des stolzen ehemaligen Gangsters Eazy-E, der Produzenten und DJs Dr. Dre und Yella sowie der Texter und Nachrichtensprecher Ice Cube und MC Ren wider.
Einige Tracks waren frauenfeindlich („I Ain’t tha 1“). Andere handelten vom Trinken und Autofahren („8 Ball“). Andere handelten vom Drogenhandel („Dopeman“). Und alle davon, sich um nichts zu scheren. Der provokanteste Track des Albums, „Fuck tha Police“, war laut Ice Cube „400 Jahre in der Entstehung“. —K.G.
48. J Dilla, „Donuts“ (2006)
Der Beatmaster aus Detroit produzierte den Großteil von „Donuts“ in seinem Krankenhauszimmer, als er an einer seltenen Blutkrankheit im Sterben lag. Dilla wusste, dass er keine Zeit zu verlieren hatte. Er starb drei Tage nach der Veröffentlichung des Albums.
Aber er packt die klangliche Fantasie seines ganzen Lebens in diese instrumentalen Grooves. Donuts ist eine unglaublich einfallsreiche Mischung aus 31 kurzen Fraktalen, die sich ineinander verweben. Ein Wirbel aus Funk, Soul, Cartoon-Musik und Prog-Rock. Jay Dee kam aus der Soulquarians-Szene der 1990er Jahre. aber hier ist er allein mit der Musik. Und steckt seine ganze Brillanz in ein letztes Geschenk an die Welt. —R. S.
47. Missy „Misdemeanor” Elliott, „Supa Dupa Fly” (1997)
Zwei Wochen. So lange brauchten Missy Elliott und Timbaland, um ein Album zu produzieren, das so bahnbrechend und umwerfend avantgardistisch ist wie „Supa Dupa Fly“. Ein Beweis für die alchemistische Verbindung zwischen den beiden Klangarchitekten.
In einem Studio in Virginia, wo sie beide aufgewachsen sind, produzierten sie in stundenlanger Arbeit ein außerirdisch anmutendes Experiment nach dem anderen. Und schufen Songs, an denen Stars wie Aaliyah, Lil Kim, Busta Rhymes und anderen mitwirkten und die wie Übertragungen von einem fernen, futuristischen Planeten klangen.
Herausragende Stücke wie „The Rain“, untermalt von einem Chor aus Grillen, und das soulige „Sock It 2 Me“ gaben der Musikwelt eine neue Richtung. und machten Missy zu einer der bahnbrechendsten Universalgelehrten der Musik. —J.L.
46. Tyler, the Creator, „Call Me If You Get Lost“ (2021)
Mit „Call Me If You Get Lost“ trat Tyler, the Creator mit der bisher überschwänglichsten Version seiner verwirrenden, aufwühlenden und fesselnden Musik in seine 30er Jahre ein. Mit Mixtape-Ikone DJ Drama an Bord schloss das Album einen fragilen Frieden mit der Hip-Hop-Tradition, die Tyler Ende der 2000er Jahre mit Odd Future auf den Kopf gestellt hatte. Und etwas, das fast wie Großzügigkeit wirkte, bestimmte einen Großteil des Albums.
Selbst die bedrohlichen Tracks waren umwerfend. Die Momente von R&B-beeinflusster Schönheit (insbesondere das üppige, aufrichtig verzweifelte „Wusyaname“) waren geradezu herzerwärmend. Als Tyler sich öffnete (indem er in „Manifesto“ auf seine schockierenden Rap-Anfänge zurückblickte und in „Massa“ über die Schwierigkeiten seiner Mutter rappte), verlieh er seinem kaleidoskopisch unberechenbaren Sound eine erfrischende persönliche Ernsthaftigkeit. —J.D.
45. LL Cool J, „Mama Said Knock You Out“ (1990)
Zu diesem Zeitpunkt in LL Cool Js Karriere veröffentlichte er ein Album mit einem einzigen Ziel. Als unangefochtener MC-Champion über den Hip-Hop zu herrschen. Nachdem er 1987 mit seinem mitreißenden Album Bigger and Deffer alle Konkurrenten aus dem Feld geschlagen hatte, verlor er seinen Titel mit dem unausgereiften Nachfolger.
Hier stieg er buchstäblich in den Ring und landete im Video zum Grammy-prämierten Titelsong einige heftige Punchlines. Entscheidend war die Rückkehr des Produktionsgenies Marley Marl, dessen kinetischer Bang-Zoom LLs Freude daran beflügelte, die Sprache nach seinem Willen zu formen und Silben wie präzise, scharfe Jabs zu schleudern. —C.A.
44. Genius/GZA, „Liquid Swords“ (1995)
Das Wu-Tang-typischste aller Wu-Tang-Soloprojekte ist auch eines der besten. Veröffentlicht während RZAs Höhepunkt vor der Flut, Liquid Swords eine meisterhafte Mischung aus von den Five Percenters inspirierter Lyrik, Zen-Koans und der Philosophie, dass das Leben ein Schachspiel ist.
GZAs Debüt taucht direkt in diese 36 Kammern ein, aus denen er uns mit unzähligen methodischen Pfeilen segnet, die durch sein ruhiges Charisma noch verstärkt werden. „ Mein vorläufiger Angriff füllt die Friedhöfe mit Niggas, die denken, dass es nicht so ist“, behauptet er in „Living in the World Today“. Als würde er dir einen fatalistischen Glückskeks schenken. Der Gott-anrufende Titeltrack könnte sogar einem Schwachkopf die Mathematik von heute verständlich machen. —W.D.
43. Run-D.M.C., „Run-D.M.C.“ (1984)
Es gibt eine Zeit vor Run-D.M.C. und eine Zeit nach Run-D.M.C., und die Zeit nach Run-D.M.C. hallt auch fast vier Jahrzehnte später noch nach. Das Debütalbum der Gruppe, das erste Gold-Album des Hip-Hop, reduzierte das Genre auf seinen elementaren Boom.
Die MCs Joey „Run“ Simmons und Darryl „D.M.C.“ McDaniels wechselten sich als Megafone ab. Produzent Larry Smith kodifizierte den Lärm als Rhythmus über die DMX-Drum-Machine, stechende Synthesizer und Jam Master Jays freche Turntables. Sie verwandelten Melle Mels poetische Sozialkritik in ein unverblümtes weltweites Edikt. Und erfanden den Rock ’n’ Roll neu und entthronten ihn. —C.A.
42. Big Daddy Kane, „Long Live the Kane“ (1988)
„Entschuldigt meine Ausdrucksweise, aber ich werde alles kaputt machen“, sagt Kane in „Raw“. Und genau das tut er in seinem klassischen Debütalbum. Antonio Hardy aus Bed-Stuy war der tödlichste Wortschmied des Goldenen Zeitalters. Der Lieblings-MC aller MCs. Er machte sich mit der Juice Crew in Queensbridge einen Namen. Zusammen mit seinem Highschool-Kumpel und lebenslangen Freund Biz Markie. (Kane schrieb die ersten Hits von Biz als Ghostwriter.)
Auf „Long Live the Kane“ behauptet er seinen Thron mit Produzent Marley Marl und vernichtet die Konkurrenz mit seinen tödlichen Wortspielen in Warp-Geschwindigkeit. Wie er in „Ain’t No Half-Steppin“ warnt: „Rappers, you better be ready/To die because you’re petty/You’re just a butter knife, I’m a machete.“ Weiter so, Big Daddy. —R.S.
41. Kanye West, „Late Registration“ (2005)
Es gibt eine ganze Generation von Menschen, die heute in ihren 20ern sind und sich daran erinnern, das Musikvideo zu „ Gold Digger“ gesehen haben. Die Lead-Single aus Kanye Wests zweitem Album, Late Registration aus dem Jahr 2005, brachte den virtuosen Sample-Künstler einem breiten Publikum näher. Und bereitete den Weg für eine der unbestreitbar brillantesten Phasen des Rap.
Auf Late Registration war Kanyes Hybris noch nicht in seinem Image verfestigt. Er war hungrig. Weil er wusste, wie großartig er war. Und er war fest entschlossen, dies zu beweisen. Das Ergebnis ist ein einmaliges Album, das die Millennials von heute an ihre Enkelkinder weitergeben werden. —J.I.
40. Dr. Dre, „The Chronic“ (1992)
Das erste Album, das von Death Row/Interscope veröffentlicht wurde, veränderte die Landschaft. Seine anschwellenden, synthetisierten Basslinien, Parliament-Samples und rauen Hymnen wurden zum Standard für den Gangsta-Rap der Westküste.
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Mit trampolinartigen Beats und charismatischen Textern, allen voran dem damals noch unbekannten Snoop Doggy Dogg, war „The Chronic“ lebhaft, prägnant, Und sofort einprägsam. Auch 30 Jahre später lassen alle Songs des Albums – „Wit Dre Day“, „Nuthin’ But a ‘G’ Thang“ oder „Deeez Nuuuts“ – die Köpfe noch immer hypnotisiert mitwippen. Denn „The Chronic“ ist nach wie vor eines der besten Party-Alben aller Zeiten. –Y.P.
39. Lil Wayne, „The Carter III” (2008)
Das dritte Album aus Lil Waynes eigenwilliger Carter-Reihe war nicht das hemmungslose Reimfest, das man auf den unzähligen Mixtapes hörte, die der Mann, den alle als „den größten lebenden Rapper” bezeichneten, herausbrachte. Es war etwas ganz anderes. Sicher, „A Milli” und „3 Peat“ waren schwindelerregende Beispiele für Waynes Höhepunkt. Aber das Album brachte auch Weezy, den Pop-Außerirdischen, Weezy, das Sexsymbol, und Weezy, den Wegbereiter der Branche.
Das vorausschauende, benommene „Lollipop“ würde den Hip-Hop fast im Alleingang in die Auto-Tune-Ära führen. Er liebte immer noch schräge Metaphern („I ain’t kinda hot, I’m sauna/ I sweat money and the bank is my shower/Ha ha, and that pistol is my towel”) und verrückte Reimakrobatik. Aber Tha Carter III zeigte, dass er immer noch Hooks liebte. —C.W.
38. Kendrick Lamar, „good kid, m.A.A.d city” (2012)
Kendrick Lamar kanalisierte Jahrtausende des Traumas und landete mit seinem klassischen Debüt, das Bompons Äquivalent zu Black Boy ist, einen Volltreffer. Wie ein Richard Wright der Millennials poetisiert der zukünftige Pulitzer-Preisträger den Schmerz in dem klaustrophobischen Titelsong. Er beschreibt einen Mord, den er in seiner Jugend miterlebt hat, mit einer vorgetäuschten nervösen Jammerstimme, die einem die Nackenhaare zu Berge stehen lässt.
„The Art of Peer Pressure“ ist ein fesselnder Bildungsroman, in dem jung, schwarz und arm zu sein bedeutet, schlechte Entscheidungen zu treffen. Einer dieser Kids geht seinen eigenen Weg. Er ist zufällig der größte Rapper dieser Generation. —W.D.
37. Raekwon, „Only Built 4 Cuban Linx …“ (1995)
Das Wu-Tang-Imperium erreichte 1995 glorreiche Höhen und brachte klassische Soloalben von Ol’ Dirty Bastard und Genius/GZA hervor. Aber Raekwons Mafia-Epos überragte sie alle. Auf „Cuban Linx“ tat sich Raekwon mit seinem Wu-Kumpel Ghostface Killah zusammen, um das ultimative Rap-Dreamteam zu bilden.
Es ist die Geschichte von zwei jungen Hustlern, die versuchen, einen letzten Coup zu landen, bevor es zu spät ist. RZA untermalt ihre Shaolin-Straßengeschichten mit seiner abgefahrensten Produktion und mischt dabei echte Mathematik mit Gangsterfilmen. Wie Masta Killa sagte: „RZA war der Beethoven des ganzen Scheiß.“ Rae und Ghost bringen ihr „Wu-Gambinos“-Konzept in hartgesottenen Erzählungen wie „Incarcerated Scarfaces“ auf den Höhepunkt von „Goodfellas“. —R.S.
36. Chance the Rapper, „Acid Rap“ (2013)
Als Kronjuwel der Blog-Ära machte „Acid Rap“ Chance the Rapper den unvermeidlichen Hype würdig, der auf die Veröffentlichung folgte. Niemand rappte wie Chance. Niemand war so poetisch und verspielt wie er. Und niemand war so frech und melodisch.
Wie das Album „College Dropout“ seines Idols Kanye behandelt sein Durchbruch-Mixtape sehr alberne Gedanken. Sehr hoffnungsvolle Themen. Und sehr reale Ängste – mit einer intensiven und zu dieser Zeit beispiellosen Musikalität. Man spürt durchweg Chances Engagement für seine Community, seine Familie, seine Freude. Und vor allem seine Kunst. —M.C.
35. Snoop Doggy Dogg, „Doggystyle“ (1993)
Um anzugeben: Ich habe während der „Doggystyle“-Sessions mit Dr. Dre und Snoop im Studio Gin und Saft getrunken und so (kurz) beobachtet, wie Dre eine ganze Reihe von Rappern, Sängern, Live-Musikern und anderen zu einem kühnen, swingenden, digital konturierten, zerknitterten Velours-Teppich aus Blaxploitation-Funk zusammenfügte.
Mit Snoops schlüpfrigem, verschmitzten Flow wurde das Album schließlich weltweit 11-fach mit Platin ausgezeichnet. Während die X-rated Gunclaps von The Chronic durch den Dunst der L.A. Uprising schwebten, war Doggystyle die skandalöse, bong-gerauchte Afterparty. —C.A.
34. Various Artists, „The Sugar Hill Records Story” (1997)
Sugar Hill Records wurde 1979 von den R&B-Veteranen Sylvia und Joe Robinson gegründet und prägte die frühe Rap-Landschaft. Es erzielte den ersten Top-40-Rap-Hit mit „Rapper’s Delight“ von der Sugar Hill Gang. Den ersten wichtigen Rap-Act mit Grandmaster Flash & the Furious Five, die das Turntablist-Juwel „Grandmaster Flash on the Wheels of Steel“ und den sozialkritischen Klassiker „The Message“ veröffentlichten. Die erste große weibliche Rap-Gruppe (und erste Hip-Hop-Gruppe aus dem Süden) in der Sequence. Und sogar die erste Gruppe, die im nationalen Fernsehen auftrat, dank des Auftritts von Funky Four + 1 More 1981 in Saturday Night Live.
Der bahnbrechende Katalog von Sugar Hill besteht größtenteils aus herausragenden 12-Zoll-Singles. Was diese Zusammenstellung seiner Höhepunkte so wichtig macht. —M.R.
33. De La Soul, „3 Feet High and Rising“ (1989)
Das Debütalbum von De La Soul ist ein Meilenstein des Genres. Eine unnachahmliche Meisterleistung der Fantasie und Kreativität. Das liegt nicht nur daran, dass die verwendeten Samples – von Steely Dans „Peg“ bis zu Daryl Hall und John Oates‘ „I Can’t Go for That (No Can Do)“ – heute unerschwinglich teuer wären.
Das Trio entwickelte zusammen mit seinem Mentor und Produzenten Prince Paul eine eigene Sprache, die von scherzhaften Jugendausdrücken (Luden’s Hustenbonbons und der Exploitation-Film „Bloodsucking Freaks” aus den 1970er Jahren) und dichten Allegorien wie „Potholes in My Lawn” geprägt war. Einer Metapher für MCs, die versuchen, ihren ungewöhnlichen Stil zu kopieren.
Letzteres erwies sich als hoffnungslos. De La Soul wurde zum Leuchtturm für schrulligen, unkonventionellen Hip-Hop, der unzählige Anhänger hervorbrachte, die alle von der Kraft des D.A.I.S.Y. Age fasziniert waren. —M.R.
32. Chief Keef, „Finally Rich“ (2012)
Es gibt immer noch nichts, was sich so anfühlt wie „Love Sosa“, die Durchbruchssingle des damals 17-jährigen Chief Keef aus seinem Debütalbum Finally Rich. Der melodische, kompromisslose Anthem des Rappers aus Chicago erschütterte die Grundfesten des Hip-Hop. Die Kids übernahmen die Kontrolle auf eine Weise, wie es das Genre noch nie gesehen hatte.
Und warum auch nicht? Keefs Sound stand im Mittelpunkt der anhaltenden Drill-Bewegung in Chicago, die von jungen MCs geprägt war, deren Leben ebenso von Gewalt geprägt war wie das der alten Hasen der vorherigen Generation. „Finally Rich“ ist von einer bedrohlichen Atmosphäre durchzogen, die jedoch nicht stark genug ist, um das Gefühl des Triumphs zu überschatten. Keefs Ethos dröhnt laut und voller Gefühl. Der Beweis, dass die Kids in Ordnung sind. —J.I.
31. Nicki Minaj, „Pink Friday“ (2010)
Nachdem sie mit einer Reihe von Mixtapes und hochkarätigen Gastauftritten wie Kanye Wests „Monster“ für Furore gesorgt hatte, verkündete Nicki Minaj mit ihrem Debütalbum ihren neuen Status als Hip-Hop-Königin. „Heute Abend habe ich zwei Shows, in Brooklyn und Dallas, und dann die private Party im Buckingham Palace.“
Die Gästeliste reichte von Rihanna über Kanye bis hin zu Drake. Aber niemand stand Nicki selbst im Weg, die ihren messerscharfen R&B-Crossover-Instinkt (das verletzliche „Save Me”), ihre frechen Reime und ihren vielschichtigen Flow zur Schau stellte. Das Ergebnis bewies, dass man die Charts erobern kann, ohne seine konfrontative Individualität zurückzunehmen. Und ebnete den Weg für eine Generation von Künstlern von Cardi B über Megan Thee Stallion bis hin zu Doja Cat. —J.D.
