HipHop: Die 200 besten Rap-Alben aller Zeiten
Top-200-Hip-Hop-Alben: Warum die Auswahl hart ist – und warum „Astroworld“, „Bandana“ und „Montero“ entscheidend sind.
30. Beastie Boys, „Paul’s Boutique“ (1989)
Beunruhigt durch die Fanbase aus Studentenverbindungen, die sie nach ihrem Debütalbum „License to Ill“ gewonnen hatten, das zu einem durchschlagenden Erfolg wurde, zogen die Beasties nach L.A., schlossen sich mit dem Sample-Produktionsteam Dust Brothers zusammen und schufen eine der größten Kehrtwenden der Popmusikgeschichte.
Sie sampelten alles von den Beatles über Dylan bis hin zu den Funky 4 + 1. Rappen über Drive-by-Eierwürfe, „The Flintstones“ und die Spaltung durch Rassismus. Und verwandelten sich von biergetränkten Idioten zu wahren Boho-Rattenfängern, die eine ganze Generation in eine coolere, abgefahrenere und aufgeschlossenere Zukunft führten. —J.D.
29. 2Pac, „All Eyez on Me” (1996)
Alles, was Tupac Shakur quält – Sterblichkeit, schwarze Menschlichkeit, reale und imaginäre Rivalen, Medienberühmtheit, Suge Knight – hallt wider, zittert und tobt in den 27 präzise trotzigen Songs von „All Eyez on Me”.
Der gerade aus dem Gefängnis entlassene MC-Autor versammelt eine Reihe hervorragender, voll engagierter Stimmen (Snoop, Nate Dogg, Method Man, E-40 u. a.) und Studiomitarbeiter (Daz, Johnny J, DJ Quik, Dr. Dre), die seiner sprudelnden Energie gerecht werden. Es geht um Persönliches, Politisches, Leben und Tod. Und „California Love“ lässt Blutgeld regnen. Es ist ein verdammtes Meisterwerk. —C.A.
28. Mobb Deep, „The Infamous“ (1995)
Wenn Mobb Deeps zweites Album nur aus zehnmal hintereinander „Shook Ones, Pt. II“ bestanden hätte, wäre es trotzdem auf Anhieb in die Hall of Fame gekommen. Allein der Eröffnungsvers des verstorbenen, großartigen Prodigy ist voller Gänsehaut erzeugender Zeilen, die in eine Norton Anthology of Poetry gehören. Von „Rock you in your face, stab your brain with your nose bone” bis „I’m only 19, but my mind is old”. Havocs dröhnender, plinkender Beat ist minimalistisches Gold.
Aber „Shook Ones“ ist nur einer von vielen unvergesslichen Momenten auf dem rauesten Juwel der Blütezeit des New Yorker Rap. In Tracks wie „Survival of the Fittest“, „Eye for an Eye“, „Trife Life“ und „The Start of Your Ending“ schaffen P und Havoc eine einzigartige Welt voller Bedrohung und Geheimnisse und verwandeln kaltherzige Drohungen in den Gipfel der Coolness. —S.V.L.
27. Outkast, „Aquemini“ (1998)
„It’s him and I/Aquemeni”, rappt André 3000 im Titelsong des Albums und etabliert sich und Big Boi als eines der größten Duos der Hip-Hop-Geschichte. Zwei Hälften derselben jiggy Münze. Aquameni bewies, dass der Süden im Allgemeinen und Atlanta im Besonderen die nächste Grenze des Hip-Hop und der amerikanischen Popmusik waren.
Funky, filmisch und zukunftsweisend befreite das Album ihre künstlerischen Impulse, indem es ihre eindrucksvollen Geschichten in unkonventionelle Kompositionen wie das treibende „Rosa Parks“ und „Skew It on the Bar-B“ verwandelte, in denen Raekwon seine Verbundenheit mit seinen avantgardistischen Rap-Kollegen zum Ausdruck bringt.
Damals war noch nicht abzusehen, dass sie mit „Stankonia“ noch größere Höhen erreichen würden. Aber „Aquameni“ klingt immer noch wie die Zukunft. Inspirierender Vers: „Ich fragte, was sie sein wolle, und sie sagte: ‚Lebendig‘.“ –J.G.
26. Jay-Z, „Reasonable Doubt“ (1996)
Es gab eine kultivierte Unvermeidbarkeit rund um Reasonable Doubt. Jay-Zs Ruf als Freestyle-MC mit einem heißen Demo. Sein Image als Kingpin und das von ihm mitbegründete, diskret finanzierte Label (Roc-A-Fella). Seine Verbindungen zur Branche (Big Daddy Kane als Co-Sign, A-List-Beats, Biggie, Mary J. Blige als Features). Sowie eine Single („Ain’t No Nigga” mit Foxy Brown), die bereits die New Yorker Clubs und Radiosender rockte.
Aber dieses knackig raffinierte Album hob Jay auf ein künstlerisches Elite-Niveau. Wenn auch noch nicht auf ein kommerzielles. Er hatte die gnadenlos klare Kriminalitätskunde. Subtile Verschiebungen in Dialog und Sichtweise. Selbstgefällige Wortspiele und eine hochmütige C-Suite-Vision. Das Ergebnis: Hooky, ergreifender Champagner-Soul von einem Weisen mit wohlverdienten Narben. —C.A.
25. Eminem, „The Marshall Mathers LP“ (2000)
Nach The Slim Shady LP begann die nationale Eminem-Debatte zu brodeln. Der teuflische, blauäugige MC erkannte die Stimmung im Raum, heizte die Debatte weiter an und entfachte eine hitzige Diskussion. War er ein hasserfüllter Plagegeist oder ein künstlerischer Schelm?
Diese Debatte wurde zu seiner fruchtbarsten Inspiration. Hier schafft er eine Reihe fesselnder Einakter. Ein Fan schreibt ihm beunruhigende Briefe. Er droht mit Rache an seiner Mutter. Er erleidet einen psychotischen Zusammenbruch und schreit seine Frau an. Unterstützt von Dr. Dres lebhafter Produktion begeisterte er sogar den Nobelpreisträger Seamus Heaney. —C.A.
24. Nas, „Illmatic“ (1994)
Die ersten veröffentlichten Auftritte von „Nasty“ Nas (Main Source’s „Live at the Barbeque”, „Halftime” aus dem Zebrahead-Soundtrack) waren wie Shakespeare’sche, „Fuck-you”-Freestyles, die im Studio in Songs umgewandelt wurden. Aber Illmatics kompaktes 10-Track-Set übte einen zeitlosen Zauber aus. Projektpoesie mit dokumentarischer Tiefe und Vocalese, die so subtil nachhallte, dass man die Treppenhäuser der Queensbridge Houses sehen und riechen konnte.
Letztendlich waren Nas‘ Gedanken die intuitive Philosophie eines 20-jährigen alten Geistes, aber die Liste der meisterhaften Produzenten – der wichtige Large Professor sowie Pete Rock, DJ Premier und Q-Tip – formte die Songs kunstvoll mit so bewegenden Jazz-Funk-Pinselstrichen, dass sie sich göttlich inspiriert anfühlten. —C.A.
23. UGK, „Ridin’ Dirty” (1996)
Ridin’ Dirty markiert den kreativen Höhepunkt von UGK. Hier ist alles tiefer. Die bluesigen Rhythmen sind reichhaltiger und langsamer – ja, das ist Gitarrist Leo Nocentelli von den Meters auf „Diamonds & Wood” – und die Darbietungen sind messerscharf.
Der verstorbene Pimp C etablierte sich als einer der Großen des Genres. Ein dynamischer Produzent aus dem Süden, der mit gleicher Finesse rappen und singen konnte. Unterdessen Bun B zeichnet sich durch seine aggressiv strukturierten Texte aus und glänzt in „Murder”. Das Album ruft lebhaft das Gefühl hervor, zu kiffen und durch die Straßen von Texas zu treiben, eine Zeit und ein Ort, die auch Jahrzehnte später noch nachhallen. —M.R.
22. DMX, „It’s Dark and Hell Is Hot” (1998)
Earl „Dark Man X“ Simmons, der eine von Armut, Missbrauch und Inhaftierung geprägte Kindheit hinter sich hatte, zeigte sich auf seinem fünfmal mit Platin ausgezeichneten Debütalbum hungrig und herzlich. 1998 war er aufgrund seiner technischen Fähigkeiten in Songs wie der Single „Get at Me Dog“ der unangefochten heißeste Rapper der Szene, aber sein Debütalbum offenbarte ein facettenreiches, emotional reichhaltiges Gewirr aus Widersprüchen und Geständnissen.
X war prahlerisch („Ruff Ryders’ Anthem“) und neigte zu grausamen Mord-Szenarien („X-Is Coming“), aber er nimmt sich auch einen Moment Zeit für ein ernsthaftes A-cappella-Gebet an den Himmel („Prayer“). Er rappt als Versuchung („Damien“) und als Gott („The Convo“), lässt seine Dämonen und Sehnsüchte heraus und malt sowohl den Schrecken seiner Existenz als auch die Kraft seines Triumphs. —C.W.
21. Lil Wayne, „Da Drought 3“ (2007)
Hat irgendein Künstler jemals eine solche Erfolgsserie hingelegt wie Lil Wayne um 2007? Der MC aus New Orleans war auf dem Höhepunkt seiner Karriere und beeindruckte mit einer Flut brillanter Underground-Mixtapes, die alle anderen in der Szene alt aussehen ließen.
Da Drought 3 war sein verrückter Höhepunkt, zwei CDs, auf denen Weezy zu Anita Baker cruist und Unmengen von Gras raucht, in seinem stumpfen Louisiana-Dialekt. (Es war auch das erste Showcase für seine neue Entdeckung, Nicki Minaj.) Der Höhepunkt: „Upgrade”, wo Weezy über einen Beyoncé-Hit freestylet und erklärt: „Put a motherfucker on ice like the Maple Leafs/That’s a hockey team, and I ain’t on no hockey team/But I’m a champion — where’s the fucking Rocky theme?” —R.S.
20. Future, „DS2” (2015)
Vom hedonistischen Chaos von „Freak Hoe“ bis zur diamantbesetzten Selbstdarstellung von „Rich Sex, ” ist Futures Doppel-Platin-Opus der dunkle Frauenheld in Bestform. Jahrelang nach seiner Veröffentlichung gab es keine College-Party und keine Apartment-Vorfeier, bei der DS2 nicht als Soundtrack lief, und seitdem wird überall, wo Rap-Fans ihren Lastern frönen, irgendeine Platte von Future gespielt.
Durch die Ergänzung um moderne Klassiker wie „Fuck Up Some Commas” und „Real Sisters“ ist DS2 ein seltenes Beispiel dafür, dass eine Deluxe-Neuauflage das Originalalbum tatsächlich aufwertet, anstatt es aufzublähen. —M.C.
19. Lil Kim, „Hard Core“ (1996)
„In jedem Mann steckt ein böses Mädchen!“, erklärte Lil Kim in ihrem Debüt-Hit „No Time“. Und auf Hard Core bewies sie, dass sie dieses Mädchen war. Die Queen Bee war die Femme fatale in der Bad Boy Crew, die selbsternannte „Rap-Mae West“. Niemand konnte Kim in Sachen vulgäre Sex- und Geldgespräche übertrumpfen. In vier Songs von „Hard Core“ prahlt sie mit ihrem Mentor Biggie. (Biggie nannte sie „meine Leutnantin“.)
Ironischerweise waren ihre beiden bekanntesten Hits aus dieser Zeit Remixe, die sie nicht auf dem Album veröffentlichte: „Crush on You“ und „Not Tonight“, ein feministischer Top-10-Hit mit Missy Elliott, Left Eye und Da Brat. —R.S.
18. Madvillain, „Madvillainy“ (2004)
Das einzige Madvillain-Album vereint zwei exzentrische Hip-Hop-Genies, die sich gegenseitig zu Höchstleistungen anspornen: Rapper MF Doom und Produzent Madlib. Doom begann in der unterschätzten Long Island-Crew KMD, wurde aber selbst zu einer Kultfigur, einem mysteriösen Superschurken mit Metallmaske, der eine Reihe von Pseudonymen und Kostümen verwendete.
Er harmonierte perfekt mit Madlib, einem Maestro der verzerrten Funk-Samples an der Westküste. Wie Doom sagte, waren die Album-Sessions „wie eine Art Telepathie. Es wurde nicht viel geredet.“ „Madvillainy“ war streng für den Underground gedacht, aber es war so umwerfend, so originell, dass niemand widerstehen konnte. Es gilt als eines der kühnsten kreativen Meilensteine des Hip-Hop. —R.S.
17. Kanye West, „Yeezus“ (2013)
Mit seinen dichten Klangfarben, schnelleren Tempi, dissonanten Keyboards, dynamischen Drums und einer gewalttätigen Mischung aus Hip-Hop und elektronischer Musik bleibt Kanyes sechstes Studioalbum Kanye Wests radikalstes Statement.
Nichts im Mainstream-Rap hatte die hämmernden Percussions von „Black Skinhead“, das glitchige Design von „On Sight“ oder den ballistischen New-Orleans-Bounce von „Blood on the Leaves“. Indem er die Verzerrung aufdrehte, die Samples verzerrte und mit einer selbst für Kanyes Verhältnisse übertriebenen, trotzigen Rücksichtslosigkeit reimte, fand er einen neuen Weg, die Welt zu schockieren. Croissant: verdient. —Y.P.
16. Cardi B, „Invasion of Privacy“ (2018)
Sie hat sich einen Ruf als „das normale Mädchen aus der Bronx“ in Love & Hip Hop aufgebaut, aber als es an der Zeit war, ihr Debütalbum Invasion of Privacy zu veröffentlichen, stürzte sie sich mit der Bedrohlichkeit eines Louboutin-Stiefels, der jemandem in den Hals gerammt wird, in die Musik.
Während es der kriegerische Geist der Grammy-nominierten Lead-Single „Bodak Yellow” war, der Cardi auf den Weg zu einer historischen Karriere brachte, ist die größte Leistung des Albums, wie es sich zu einem vollständigen, unerschrockenen Porträt zusammenfügt, mit Songs wie „Best Life” und dem Mega-Hit „I Like It”, die die Details ihres Aufstiegs vom Stripclub über Reality-Show-Ruhm bis hin zur Hip-Hop-Königin ausfüllen. —J.L.
15. Eric B. und Rakim, „Paid in Full“ (1987)
Rakim hat uns trotz seiner lyrischen Komplexität nie verwirrt. (Wenn überhaupt, war er vielleicht selbst etwas verwirrt – als er auf seinem bahnbrechenden Debütalbum „Paid in Full“ rappte: „My unusual style/Will confuse you a while“ (Mein ungewöhnlicher Stil wird dich eine Weile verwirren) – darüber, wie gut seine Reime auf Doktoranden-Niveau für den durchschnittlichen Hip-Hop-Fan im Jahr 1987 klangen.
Der zeitlose Titelsong verlieh den Texten, in denen es ansonsten darum ging, an die Kohle zu kommen, eine königliche, gottgleiche Reinheit. Und in „Eric B Is President“ brachte Ra wissenschaftliche Erkenntnisse ein, die sich so unterhaltsam und leicht anhörten wie ein Sportunterricht. Weder Medizin noch Süßigkeiten, Paid in Full traf einen therapeutischen Sweet Spot in der Kultur. —W.D.
14. Ghostface Killah, „Supreme Clientele“ (2000)
Wenn Leute Ghostface als einen der Größten aller Zeiten bezeichnen, dann meinen sie genau dieses Album. Sein zweites Soloalbum ist Ghost in seiner reinsten Essenz, der eine Stunde lang wundersame Dinge erzählt und ausgefallene Bilder aneinanderreiht, dass weniger begabte MCs nach Luft schnappen würden. Lyrische Darbietungen wie „One”, „Nutmeg” und „Apollo Kids” – in dem er „Ayo, this rap is like ziti” mit „strawberry kiwi” reimt – erfüllen die Träume aller, die seine Szene stehlenden Verse auf früheren Wu-Tang-Veröffentlichungen gehört haben und sich gefragt haben, ob er diese Energie über ein ganzes Album aufrechterhalten kann.
Das konnte er, und es ist bezeichnend, dass eine LP, die Ghosts ersten Solo-Chart-Hit („Cherchez LaGhost“) enthält, besser in Erinnerung bleibt wegen der unglaublich einfallsreichen Album-Tracks, die ihn umgeben. —S.V.L.
13. Dr. Dre, „2001“ (1999)
„Guess who’s back“, verkündet Dr. Dre im Intro zu „Still D.R.E.“, während Scott Storchs kaskadenartige Klaviermelodien unter ihm dahin gleiten. Der Multi-Platin-Erfolg von „2001“ konnte kaum alle Probleme verbergen, die Dre überwinden musste, um es zu schaffen. Seine beiden vorherigen Projekte, die Label-Compilation „The Aftermath“ von 1996 und die Supergroup „The Firm“ von 1997, waren kommerzielle Enttäuschungen.
Er verlor seinen Bruder durch Waffengewalt. Er musste sogar den Namen von „The Chronic 2000“ ändern, weil sein ehemaliger Geschäftspartner und späterer Erzfeind Suge Knight ihn gestohlen hatte. Diese Boulevard-Dramen beflügeln knallharte Tracks wie „What’s the Difference“, „Forgot About Dre“ und „The Message“. Dennoch klingt alles wie ein unvergessliches G-Funk-Spektakel, ein Markenzeichen für Dres Fähigkeit, Tumult in Triumph zu verwandeln. —M.R.
12. Clipse, „Lord Willin’“ (2002)
Die echten Brüder Malice und Pusha T arbeiteten seit 1992 mit dem Produzentenduo Neptunes zusammen und produzierten Songs in Chad Hugos Keller, trotz der protestierenden Eltern.
Zehn Jahre und ein zurückgestelltes Album später kamen sie mit „Lord Willin’“ heraus, einer visionären Kombination aus Clipse’s knallharten Reimen über den Drogenhandel und dem futuristischen Bubble-Funk der Neptunes. Die Single „Grindin’“ war das Minimalistischste, was seit „ We Will Rock You” und der Rest des Albums explodierte prismatisch mit einer Art von Reimen, die rohe Chops, Punchlines und eiskalte Adern miteinander verbanden: Pusha T rappt in „Comedy Central”: „I keep the streets so numb they call me ‘Novocaine’/I turn over ‘caine, over and over again.” —C.W.
11. Drake, „Take Care“ (2011)
In den 80 Minuten von Drakes Opus „Take Care“ aus dem Jahr 2011 existiert eine ganze Welt der Mythologie. Selbst Kendrick Lamar ist während seines Beitrags zum Interlude des Albums „Buried Alive“ voller Ehrfurcht und erkennt im Grunde genommen, dass das Album in Echtzeit zu einem Klassiker wird.
Tatsächlich ist „Take Care“ das rundeste Projekt in Drakes Karriere und markiert den Beginn einer neuen Ära im Rap. Die inspirierte Produktion von Drakes rechter Hand, Noah „40“ Shebib, führte zu einer dynamischen Veränderung im Sound des Hip-Hop. Der in Toronto geborene Drizzy hatte bereits die maskuline Fassade des Genres auf den Kopf gestellt, indem er neben seinen Versen frei sang, und mit „Take Care“ erreichte das Duo klangliche Kohäsion.
Drake beschäftigt sich auf „Take Care“ intensiv mit seiner Psyche und bereitete damit den Boden für die verletzliche und selbstreflexive Haltung, die wir heute im Rap sehen. —J.I.
10. Lauryn Hill, „The Miseducation of Lauryn Hill“ (1998)
Auf der Suche nach einem Ausdrucksmittel außerhalb der äußerst erfolgreichen Fugees gelang der 23-jährigen Lauryn Hill mit ihrem Debütalbum von 1998 ein feministisches Hip-Hop -Soul-Meisterwerk. Der doppelte Auftakt ist noch immer atemberaubend: Der hymnenartige Song „Lost Ones” geht über in die brutale Trennungsballade „Ex-Factor”.
Der Smash-Hit „Doo Wop (That Thing)” ist eingebettet zwischen „To Zion”, einer Ode an ihr erstes Kind, und „Superstar”, einer Forderung nach mehr inspirierender Massenkultur. Mit einer Länge von 77 Minuten strotzt „Miseducation“ nur so vor brillanten (manchmal widersprüchlichen) Einsichten, mitreißenden Melodien und jeder Menge Moralpredigten – ein gerechtes Blockbuster-Album, das jedes Genre, das es berührte, neu definierte. –J.G.
9. A Tribe Called Quest, „The Low End Theory“ (1991)
Der Begriff „Jazz-Rap“ beschreibt nicht annähernd, was Q-Tip, Phife und Ali Shaheed Muhammad auf ihrem zweiten, klassischen LP erreicht haben. Obwohl es Samples von Session-Legenden wie Grant Green und Art Blakey enthält, ist das Meisterwerk von Tribe ein ganzer multikultureller Geisteszustand.
Cool, eklektisch, boho und Black AF, deckte es alles ab, von Schwierigkeiten beim Umgang mit Wut bis hin zu den Gefahren von Vergewaltigungen nach Verabredungen, und gab uns sogar eine zufällige Zahl – 4080 – um all das Zwielichtige an der Plattenindustrie zusammenzufassen. Tips raue, heliumartige Couplets passten perfekt zu Phifes kratziger Everyman-Bravado. Wir sind immer noch nicht von den Höhen von „The Low End Theory“ heruntergekommen. –W.D.
8. Wu-Tang Clan, „Enter the Wu-Tang (36 Chambers)“ (1993)
Eine Hip-Hop-Legende, die so fantastisch ist, dass sie nur wahr sein kann. Neun Jungs aus den äußersten Stadtteilen New Yorks, geprägt von den Lehren der Five Percenters und alten Kung-Fu-Filmen, drängten sich in einem verrauchten Studio zu einem lyrischen Battle Royale, das den Rap für das nächste Jahrzehnt neu definieren sollte.
RZAs Sample-Collagen setzten neue Maßstäbe für harte Beats, und die Verse des Clans zeigten eine atemberaubende Bandbreite an Handwerkskunst: die mehrsilbige Weisheit von U-God, die intellektuelle Arroganz von Inspectah Deck, die Einblicke aus dem Straßenleben von Raekwon, die schrägen Pop-Instinkte von Method Man, der freie Witz von Ol’ Dirty Bastard, die aufgeregten Schreie von Ghostface Killah.
Die schiere Dichte an Slang-gespickten Mythen in Enter the Wu-Tang veranlasste eine ganze Generation von MCs, ihre Sprache zu verbessern, und legte den Grundstein für überdimensionale Crews wie Odd Future, Spillage Village und andere. —S.V.L.
7. Missy Elliott, „Miss E … So Addictive” (2001)
Missy Elliotts drittes Album ist nicht unbedingt eine Werbung für MDMA, obwohl sie in „4 My People“ singt: „This is for my ecstasy people“ (Das ist für meine Ecstasy-Leute). Aber es ist vielleicht die eindrucksvollste Reflexion eines orgiastischen Moments, als die Hip-Hop- und R&B-Fans die Freuden der Clubdroge entdeckten.
Die Musik ist dynamisch und sexuell aufgeladen, und Elliott und ihr langjähriger Kollaborateur Timbaland kreieren einige ihrer unvergesslichsten und innovativsten Sounds. Jeder liebt „Get Ur Freak On“, einen sofortigen Klassiker, in dem sie Party-Raps über einen wirbelnden, perkussiven Derwisch aus Drum and Bass und Bollywood-Einflüssen spuckt.
Genauso großartig ist „Take Away“, das Liebe als „perfekte Übereinstimmung“ definiert, die größer ist als alles, was die Jiggy-Ära zu bieten hatte. —M.R.
6. Kanye West, „My Beautiful Dark Twisted Fantasy“ (2010)
Nach den Folgen seiner berüchtigten Unterbrechung von Taylor Swifts VMA-Dankesrede kämpfte Kanye West darum, die Gunst der Öffentlichkeit zurückzugewinnen. Das spornte ihn dazu an, etwas zu tun, was er zuvor noch nie getan hatte und vielleicht nie wieder tun wird: genau das, was wir von ihm wollten.
MBDTF ist eine verbesserte Zusammenführung all dessen, was uns Kanye lieben ließ: luxuriöse Produktion, flüssige Features und geschicktes Rappen über Themen wie Größe, Drogen, Sex und Liebe. Es vereint die herzliche Verletzlichkeit von The College Dropout, die orchestralen Klanglandschaften von Late Registration, die hochkarätigen Arena-Raps von Graduation und Anklänge an das Auto-Tuned-Crooning von 808’s & Heartbreak. Kanye mag anders denken, aber dieses Album ist ein Meisterwerk. —M.C.
5. Kendrick Lamar, „To Pimp a Butterfly” (2015)
Mit einer Erzählweise, die an einen Bestseller-Roman erinnert, entführt uns Kendrick Lamars drittes Album von Compton nach Südafrika und wieder zurück, wobei es unterwegs zu bewegenden Betrachtungen über alles Mögliche kommt, von Colorism über Inhaftierung bis hin zu Vermögensungleichheit. Kendricks Fantasie ist hier tiefgründig und geschickt, während er laut von Widerstandsfähigkeit, Rache und Gesprächen mit religiösen und Rap-Gottheiten träumt.
Sowohl der Sound als auch die Texte von Butterfly bewegen sich elegant auf dem schmalen Grat zwischen Vielfalt und Diskrepanz, wobei Produzenten wie Terrace Martin und Sounwave Kendricks Geschichten durch die Einbindung von Jazz, Soul, Funk und Psychedelia in ein Hip-Hop-Album noch unterstreichen. —M.C.
4. Public Enemy, „It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back” (1988)
Als krönender Abschluss des größten Jahres des Rap war „Nation of Millions“ das erste Meisterwerk des Hip-Hop. Musikalisch war es „Sgt. Pepper’s“, textlich war es „London Calling“, eine radikale Mischung aus kontrolliertem Chaos, gerechter Wut, schwindelerregenden Scratch-Workouts und Samples, die wie ein Demolition Derby aufeinanderprallten.
Chuck D führte die Propheten der Wut mit seinem unverkennbaren lauten Schrei an und nahm Radiosender, den Gefängnis-Industriekomplex, die Medien, den Überwachungsstaat und die Sucht nach Drogen und Fernsehen ins Visier. Das vierköpfige Produktionsteam Bomb Squad wählte nur die bissigsten und lautesten Samples aus.
Der weltbeste Hype-Mann Flavor Flav brachte die unbestreitbare Starpower mit, die letztendlich Generationen überbrückte. Lauter als eine Bombe, überschritt sein Einfluss Genregrenzen von Hip-Hop über Heavy Metal bis hin zu Shoegaze und darüber hinaus. —C.W.
3. Jay-Z, „The Blueprint“ (2001)
Nach seinem bahnbrechenden Debüt „Reasonable Doubt” verbrachte Jay-Z einen Großteil der späten Neunziger damit, zu beweisen, dass er ein Chart-Anwärter und würdiger Nachfolger seines verstorbenen Freundes Biggie war.
Im Jahr 2001 konnte er sich zurücklehnen und entspannen, während er mühelos über die besten Retro-Soul-Beats floss, die er je gekauft hatte, von einem aufstrebenden Just Blaze und einem neuen Typen aus Chicago namens Kanye West. Dies ist auch das Album, auf dem er seine Beschwerden gegen Nas und Prodigy (das freche, Doors-sampling „Takeover“) äußerte.
Aber er bringt das früh hinter sich und lässt den Rest des Albums frei für besonders clevere Prahlereien („U Don’t Know“, „Izzo“, „Hola Hovito”) und einige der emotional direktesten Texte seiner Karriere („Song Cry”, „Heart of the City”, „Never Change”) zu schaffen. Schnell und witzig, selbstbewusst und geschmeidig – er klang nie besser. —S.V.L.
2. Outkast, „Stankonia” (2000)
Zur Jahrtausendwende waren Outkast die Vorreiter des Southern Hip-Hop, einer regionalen Form, die zu Unrecht als weniger anspruchsvoll als die Rap-Varianten der Küstenregionen verspottet wurde. Stankonia findet Harmonie in den unzähligen Formen der Region – Booty Bass und HBCU-Marching Bands, proteischer Crunk und Trap, psychedelischer P-Funk und organischer Neo-Soul.
André 3000 und Big Boi, zwei der besten Rapper ihrer Generation, vereinen diesen stilistischen Mix mit Bravour, insbesondere in den Hits „Ms. Jackson” und „B.O.B.” Sie klingen wirklich „So Fresh, So Clean”, auch wenn die „Blue Collar Scholars” heikle Themen wie Sex, Abtreibung und Heuchelei in der amerikanischen Politik ansprechen.
„Ich traf eine Kritikerin, ich brachte sie dazu, sich in die Hose zu machen/Sie sagte, sie dachte, Hip-Hop sei nur Waffen und Alkohol”, rappt Andre in „Humble Mumble”. „Ich sagte: ‚Oh, verdammt nein/Aber ja, das ist es auch/Du kannst nicht diskriminieren, nur weil du ein oder zwei Bücher gelesen hast.’” —M.R.
1. The Notorious B.I.G., „Ready to Die“ (1994)
Ready to Die markierte den genauen Moment, in dem das goldene Zeitalter des Hip-Hop in seine Moderne überging, den Höhepunkt des New Yorker Hip-Hop und den Sound des größten Rappers aller Zeiten auf dem absoluten Höhepunkt seiner Schaffenskraft. Das Album beginnt mit der für ein so hochkarätiges Debüt notwendigen Dramatik. Bevor er zu Notorious B.I.G. wurde, hatte Christopher Wallace sich mit Drogenhandel über Wasser gehalten, Erfahrungen, die er nach seiner Unterzeichnung bei Uptown Records im Jahr 1992 in eindringliche, halbautobiografische Songs einfließen ließ.
Als sein A&R-Vertreter Sean „Puffy“ Combs gefeuert wurde, sah Wallaces Zukunft ungewiss aus – doch das änderte sich, als Ready to Die 1994 bei Combs‘ Bad Boy Records veröffentlicht wurde. Biggie milderte seinen rohen Fatalismus mit einem sanften, subtilen Sinn für Humor und perfektionierte damit eine Hard-Soft-Dichotomie, die für Jahrzehnte zum Vorbild für Künstler werden sollte. Von den grandiosen vier Sketchen auf „Intro“ über den Triumph von „Juicy“ bis hin zur düsteren Ehrlichkeit von „Suicidal Thoughts“ bleibt das Album ein düsterer, bahnbrechender Klassiker, der dem Tod ins Auge blickte und zu einer überlebensgroßen Legende wurde. —J.L.
