Jethro Tull: Ian Anderson – Mein Leben in 10 Songs
Die Pioniere des Prog Rock. Ihr Frontmann Ian Anderson blickt auf die Songs zurück, die sie geprägt haben
Für Ian Anderson – außergewöhnlicher Prog-Rocker und unangefochten bester einbeiniger Flötist der Welt – ist eine halbe Jahrhundertkarriere in der Musik keine bemerkenswerte Leistung. „Das ist nichts Besonderes oder Ungewöhnliches“, sagt der Frontmann von Jethro Tull mit seinem trockenen britischen Akzent. „King Crimson wurde 1968 gegründet, ebenso wie Yes, Rush und Deep Purple. Und natürlich feiert auch Led Zeppelin sein 50-jähriges Jubiläum. Das war’s auch schon.“
Was er jedoch nicht anerkennt, ist, dass keine dieser Bands, egal wie ausgefallen sie auch waren, ihre Hardrock-Ambitionen mit derselben Pomp, Raffinesse und unapologetischen Anmaßung verbinden konnte wie Jethro Tull. Keine erzielte FM-Radio-Erfolge mit Texten wie „Lend me your ear while I call you a fool“ („The Witch’s Promise“). Oder mit einem 44-minütigen, augenzwinkernden Prog-Rock-Song („Thick as a Brick“, der auf der Original-LP in zwei Teilen präsentiert und in einer gefälschten Zeitung verpackt war). Oder mit verspielten Flötensoli über Renaissance-inspiriertem Folk-Rock („Songs From the Wood“).
In ihren bald 60 Jahren haben Jethro Tull erstaunliche 15 Gold- oder Platin-Alben in den USA sowie zwei Nummer-1-LPs erzielt. Ihr berühmtester Song, „Aqualung“, hat ein Gitarrenriff, das so markant und einprägsam ist wie „Iron Man“ und „Smoke on the Water“. Und ihre Musik hat unter anderem Black Sabbath, Iron Maiden, Porcupine Tree, Pearl Jam und Nick Cave beeinflusst. Dennoch gewann sie den einzigen Grammy in der Kategorie Hard Rock/Metal. Ein Konzept, das Anderson so absurd fand, dass er sich nicht die Mühe machte, zur Verleihung zu erscheinen.
Um der Band gerecht zu werden, sprach ROLLING STONE mit Ian Anderson über die Geschichte von Jethro Tull. Der Sänger stellte einige dieser Songs in einen Zusammenhang. „Ich glaube, als Teenager dachte ich: ‚Ich werde niemals ein guter Blues-Sänger sein. Es wäre lächerlich, wenn ich etwas vorgeben würde, das ich nicht bin‘“, sagt er. „Also begann ich zu spielen. Und Songs zu schreiben, die etwas vielseitiger waren.“ Hier wählt er 10 Songs aus, die zeigen, wie sich Jethro Tull entwickelt hat.
1. „Beggar’s Farm“
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This Was (1968)
Das war eines der ersten Stücke, die ich geschrieben habe. Ich glaube, technisch gesehen habe ich es zusammen mit Mick Abrahams, unserem ursprünglichen Gitarristen, geschrieben. Es war im Wesentlichen ein vom 12-taktigen Blues abgeleitetes Stück. Aber textlich war es etwas ungewöhnlich. Es war ein relativ erfolgreicher Versuch, die Essenz des schwarzen amerikanischen Blues zu nehmen und daraus etwas für weiße Jungs aus der Mittelschicht zu machen. Nicht zu weit davon entfernt, ein Klon zu sein. Sondern nur von diesem Stil beeinflusst und mit dieser Stimmung. Aber ich habe nicht versucht, es so zu singen, als würde ich Muddy Waters oder Howlin‘ Wolf oder einen meiner Helden aus meiner Jugend imitieren.
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Es hatte auch eine leicht jazzige Note. Als ich den Song schrieb und wir anfingen, ihn zu spielen, hatte ich erst seit etwa acht Wochen Flöte gespielt [lacht]. Aber als wir ihn aufnahmen, war das etwa sechs Monate später, sodass ich mich in Bezug auf die Aufnahme schon recht gut eingespielt hatte.
Ich habe immer gedacht, wenn Peter Green „Beggar’s Farm“ geschrieben hätte, wäre es ein viel besserer Song geworden
Einer meiner Einflüsse damals war eine befreundete Band, mit der wir manchmal auftraten. Die Band hieß Fleetwood Mac. Wobei ich natürlich nicht die heutige Band meine, sondern die ursprüngliche „Peter Green’s Fleetwood Mac“. Peter Green war ein großartiger und sehr lyrischer Gitarrist und sehr guter Sänger bei Fleetwood Mac. Ich glaube, er hatte Eric Clapton bei John Mayall’s Bluesbreakers ersetzt. Und war dann zusammen mit John McVie, dem Bassisten, zu Fleetwood Mac gewechselt.
Aber die Art, wie Peter Songs schrieb, hatte diese großartige Gabe, Dinge, die im Wesentlichen Bluesstücke waren, in etwas zu verwandeln, das als „Progressive Rock“ bezeichnet wurde. Es war nicht mehr nur eine imitierende und eher unglaubwürdige Kopie des schwarzen amerikanischen Folk-Blues. Es war etwas anderes, das meiner Meinung nach wirklich typisch britisch war. Ich habe immer gedacht, wenn Peter Green „Beggar’s Farm“ geschrieben hätte, wäre es ein viel besserer Song geworden. Denn er hätte ihm einfach seine ganz eigene Note gegeben. Er hätte das Gleiche gemacht wie bei „Black Magic Woman“. Einem Song, den Fleetwood Mac früher gespielt hat. Und der dann von Santana erfolgreich gecovert wurde. Das war also der Hintergrund.
2. „Jeffrey Goes to Leicester Square“
Stand Up (1969)
Ich erinnere mich, dass ich an einem Pfandhaus vorbeiging. Ein Instrument im Schaufenster hängen sah. Und es kaufte. Es war eine kleine russische dreisaitige Balalaika. Ich bastelte mir aus einer alten E-Gitarre einen Tonabnehmer, baute ihn ein und nahm „Jeffrey Goes to Leicester Square“ auf. Das war etwas ganz anderes. Es hatte nichts mehr mit Blues zu tun. Es hatte einen etwas skurrilen, englischen Touch. Mit dieser seltsamen kleinen Balalaika, die durch einen Leslie-Verstärker oder eine Art Vibrato-Effektgerät gespielt wurde, um ihr einen wabbeligen Klang zu verleihen.
Aber das war eines dieser originellen und ungewöhnlichen Stücke, die meiner Meinung nach die britischen Fans begeisterten und das Album „Stand Up“ auf Platz eins der Charts katapultierten. Als das passierte, kam Joe Cocker im Sommer 1968 zum Frühstück ins Loews Midtown Hotel in Manhattan, um mir die Neuigkeit mitzuteilen. Er sagte: „Gott, herzlichen Glückwunsch. Ich habe gerade gehört, dass dein Album in England auf Platz eins ist.“ Und ich sagte: „Ja. Ich nehme nicht an, dass du noch ein Stück Speck übrig hast, Joe, das du nicht essen wirst“. Denn wir waren damals sehr arm.
3. „Teacher“
Benefit (1970)
Wir haben zwei verschiedene Versionen von „Teacher“ aufgenommen. Eine für die USA, die radiofreundliche Version, die auf der amerikanischen Ausgabe des Albums Benefit erschien. Und eine für Großbritannien. Interessanterweise ist unser Manager bis heute davon überzeugt, dass ich diesen Song eigentlich über ihn geschrieben habe. Und dass er der Lehrer ist, was völliger Blödsinn ist.
Tatsächlich habe ich eher über diese gruseligen Guru-Figuren gesungen, die unschuldige junge Seelen wie die der Beatles in die Irre führen. Sie saugen die Leute ein. Und nutzen ihre Überzeugungskraft, um ihren Willen zu beugen und sie auf einen spirituellen Weg zur Erleuchtung zu führen. Und natürlich ging es dabei meistens nur darum, an das Geld der Leute zu kommen und in einem großen weißen Rolls Royce herumzufahren, was mir einen Song wert war. Ich habe nicht unbedingt über spirituelle Führer einer bestimmten ethnischen Gruppe oder einer bestimmten religiösen Weltanschauung gesungen. Sondern einfach über die Idee des Lehrers, des Gurus.
4. „Locomotive Breath“
Aqualung (1971)
Die Aufnahmen zum Album „Aqualung“ waren etwas unangenehm. Weil wir in einem neuen Studio arbeiteten, das Island Records in einer umgebauten Kirche in London eingerichtet hatte. Wir waren in einem großen Raum, der früher der Hauptraum der Kirche gewesen war. Es hallte dort furchtbar, es war kalt und wirklich ziemlich unheimlich als Arbeitsort. Led Zeppelin waren in einem schönen, gemütlichen Kellerstudio, das früher die Krypta gewesen war und eine moderate, bescheidene Größe hatte.
Wir hatten also ein bisschen mit dem Sound zu kämpfen. Und versuchten, etwas zu finden, das für die intimeren Singer-Songwriter-Songs funktionieren würde. Da es etwas Neues war, ging ich ohne die Jungs ins Studio und nahm mich selbst auf. Und dann würden sie vielleicht später dazukommen und ein bisschen was hinzufügen. „Locomotive Breath“ war eigentlich ein totaler Reinfall, als wir versuchten, es alle zusammen zu spielen.
Weil es um einen Zug geht, der auf Schienen fährt
Es passte einfach nicht zusammen. Wir haben den Groove nicht hinbekommen. Ich glaube, John Evan hat das Piano-Intro aufgenommen. Dann bin ich mit zwei Drumsticks ins Studio gegangen und habe sie zusammengeschlagen, weil das noch vor der Zeit der Click-Tracks war. Und dann habe ich mit einer Hi-Hat und einer Bassdrum dazu gespielt. Dann kam Clive [Bunker] dazu und fügte die Tom-Toms und die Becken hinzu. Und dann spielte ich den Rhythmuspart auf der E-Gitarre durch. Und dann hatten wir etwas, das langsam wie ein Song klang und dieses metronomische Gefühl hatte, das ich wollte. Weil es um einen Zug geht, der auf Schienen fährt. Es sollte also im Takt klackern.
Es war mein erster Song, der vielleicht ein Thema behandelte, das für die heutige Welt etwas passender ist. Er handelte vom ungebremsten Zug des Bevölkerungswachstums und des Kapitalismus. Er basierte auf solchen unaufhaltsamen Ideen. Wir sitzen in diesem verrückten Zug und können nicht aussteigen. Wohin fährt er? Wenn man bedenkt, dass ich 1947 geboren wurde und die Weltbevölkerung damals etwas weniger als ein Drittel der heutigen betrug, sollte es zu denken geben, dass sich die Weltbevölkerung in einem Menschenleben mehr als verdreifacht hat.
Man könnte meinen, dass das Bevölkerungswachstum Wohlstand, Glück, Nahrung und eine angemessene Verteilung des Reichtums mit sich gebracht hätte. Aber das Gegenteil ist der Fall. Und das setzt sich bis heute noch stärker fort. Ohne zu sehr ins Detail zu gehen, war das der Hintergrund dieses Songs.
5. „Aqualung“
Aqualung (1971)
Nun, die Figur Aqualung basiert auf einem Foto, das meine erste Frau aufgenommen hatte. Sie studierte Fotografie an einem College in London. Und machte sich im Rahmen eines Studentenauftrags auf, um Fotos von Obdachlosen zu machen, die unter den Eisenbahnbrücken im Süden Londons lebten. Sie kam mit einigen Bildern zurück. Eine bestimmte Person fiel mir besonders ins Auge. Er war jemand, der eine gewisse Trotzhaltung an den Tag legte, vielleicht sogar ein wenig Wut. Aber gleichzeitig wirkte er unbehaglich, leicht ängstlich, insbesondere davor, von einer jungen Frau fotografiert zu werden.
Ich glaube, er fühlte sich irgendwie wie ein Objekt der Neugier. Oder schämte sich ein wenig. Mit all diesen Gedanken im Kopf sagte ich: „Okay, lass uns einen Song darüber schreiben. Du schreibst ein paar Ideen auf ein Blatt Papier. Und ich denke mir eine Melodie dazu aus.“ Also schrieb sie ein paar Zeilen, und wir formten daraus einen Songtext. Einige Zeilen hätte ich definitiv nicht geschrieben. Zum Beispiel „Snot is running down his nose“ (Ihm läuft die Nase) stammt nicht von mir [lacht], sondern von ihr.
Wenn man einen dieser einfachen, großartigen Riffs entwickelt, ist das etwas ganz Besonderes
Das war wahrscheinlich das einzige Mal in meinem Leben, dass ich wirklich mit jemandem an einem Song zusammengearbeitet habe. Ich erinnere mich, dass ich irgendwo in Amerika mit meiner Gitarre in einem Hotelzimmer saß und mir der erste Riff des Songs einfiel. Ich habe ihn auf einer Akustikgitarre geschrieben. Aber als ich ihn Martin zeigte, sagte ich: „Vergiss alles, was du hörst, drehe deinen Marshall-Verstärker voll auf und spiele diese Zeile. Das wird funktionieren.“
Ich glaube, ich war ein wenig inspiriert von der Dramatik der ersten Takte von Beethovens Fünfter Symphonie. Man nimmt ein paar Noten und entwickelt daraus ein Motiv, das kraftvoll ist und den Charakter des gesamten Songs prägt. Das ist ein toller Trick. Wenn man ihn beherrscht. Deep Purple haben das mit „Smoke on the Water“ gemacht. Cream haben das mit „Sunshine of Your Love“ gemacht. Wenn man einen dieser einfachen, großartigen Riffs entwickelt, ist das etwas ganz Besonderes. Es ist ein Juwel im musikalischen Firmament.
6. „Thick as a Brick“
Thick as a Brick (1971)
Man könnte wohl jeden beliebigen Abschnitt aus „Thick as a Brick“ herausgreifen. Aber lassen Sie uns vielleicht über die ersten drei Minuten sprechen, die mit den Worten „I really don’t mind if you sit this one out“ beginnen. Mit anderen Worten, es öffnet sich für Ablehnung. Ich wusste, dass ich mit einem Prog-Rock-Parodie-Stück vielleicht die Hälfte der Leute zum Lachen bringen würde. Und die andere Hälfte sich einfach nur aufregen würde. Und ich war mir nicht sicher, ob es in Amerika gut ankommen würde.
Es war etwas ziemlich Surreales und Absurdes, das man den Leuten vorlegte. Und sie dazu brachte, an das Unwahrscheinliche zu glauben. Als hätte ein achtjähriger, frühreifer Schuljunge diesen Text geschrieben. Das war die Idee. Und ich kann mich noch sehr gut daran erinnern, wie ich diese kleine sich wiederholende Phrase auf der Akustikgitarre mit einem Kapodaster am dritten Bund spielte, im Grunde genommen einen D-Akkord. Ich dachte: „Ja, das ist eine nette kleine Sache.“
Ich schrieb die ersten drei Minuten. Und ging dann zu den Jungs in den Proberaum der Rolling Stones in Bermondsey im Süden Londons. ich setzte mich hin und sagte: „Okay, das ist der erste Teil des neuen Albums.“ Also lernten wir die ersten paar Minuten, und am nächsten Morgen schrieb ich weitere drei oder vier Minuten, traf mich nachmittags wieder mit den Jungs. Wir wiederholten, was wir am Vortag gemacht hatten. Und fügten noch einmal vier Minuten hinzu. So ging es etwa 10 Tage lang weiter, bis wir das gesamte Album geschrieben und geprobt hatten. Es wurde komplett nacheinander geschrieben. Dann gingen wir ins Aufnahmestudio und nahmen es in etwa 10 Tagen auf. Tatsächlich dauerte es länger, das Albumcover mit all den Grafiken und der 16-seitigen Zeitung zusammenzustellen, an der wir zu dritt arbeiteten, als das Album aufzunehmen.
7. „Skating Away (on the Thin Ice of the New Day)“
War Child (1974)
Das war mein erster Song, der sich mit dem Thema Ökologie und in diesem speziellen Fall mit dem Klimawandel befasste. Damals glaubten Wissenschaftler, dass wir auf eine Phase der globalen Abkühlung zusteuerten. Dass wir möglicherweise vor einer neuen Eiszeit standen. Tatsächlich stellten sie jedoch fest, dass wir uns in Wirklichkeit auf eine Phase der globalen Erwärmung zubewegen. Damit war mein Song irgendwie überflüssig geworden. Aber die Idee war gut. Und ich mag ihn auch heute noch. Weil er optimistisch davon spricht, dass wir uns mutig und optimistisch den Veränderungen der Welt und des Klimas stellen müssen, an die wir uns anpassen müssen. Das passt meiner Meinung nach sehr gut zur heutigen Zeit.
8. „Too Old to Rock ‚n‘ Roll: Too Young to Die“
Too Old to Rock ’n‘ Roll: Too Young to Die! (1976)
Der Titel kam mir während eines sehr, sehr schlechten, turbulenten Fluges in den USA in den Sinn. Ich fliege sowieso nicht gern. Aber das war ein wirklich schlimmer Flug. Und ich war überzeugt, dass wir alle abstürzen würden. Da kamen mir einfach diese Worte in den Sinn: „I’m too old to rock and roll, but I’m too young to die.“ Ich schrieb das auf ein Stück Papier. Und beschloss, etwas daraus zu machen [lacht].
Anstatt einen Song über Flugangst zu schreiben, schien es mir lustiger, einen Song über einen alten Biker zu schreiben, der sich weigert, mit der Zeit zu gehen, und an seinem Lebensstil, seiner Kultur festhält. Und dazu gehören auch die Kleidung, die Mode, die Musik und all die Dinge, die dazu gehören. Mit anderen Worten, er ist ein bisschen ein Luddit und kann sich nicht gut auf Veränderungen einstellen. Der Song war nicht sofort ein Hit bei unserem Publikum. Aber im Laufe der Jahre scheint er sich durchgesetzt zu haben. Vielleicht weil die Leute denken, dass ich ihn autobiografisch singe. Das ist aber nicht der Fall. Die Figur in dem Song ist in der dritten Person geschrieben. es handelt sich also ganz klar um eine Beschreibung.
9. „Songs From the Wood“
Songs From the Wood (1977)
Ich habe „Songs From the Wood“ auf der Grundlage von Elementen aus Folklore und Fantasiegeschichten sowie Traditionen der britischen Landwelt geschrieben. Unser PR-Mann, Jo Lustig, hatte mir zu Weihnachten ein Buch über englische Folklore geschenkt, und als ich darin blätterte, fand ich viele kleine interessante Ideen, Figuren und Geschichten, aus denen ich eine Reihe von Songs entwickeln wollte. Man könnte „Songs From the Wood“ als zeitgenössisches Folk-Rock-Album bezeichnen, in dem Sinne, dass es ein Rockalbum ist, aber eine gewisse Folk-Atmosphäre hat und überhaupt nichts mit Blues, Jazz oder schwarzer amerikanischer Musik zu tun hat. Der Titelsong ist sehr schön, weil er viele sorgfältig ausgearbeitete Harmonien enthält, die ich selbst im Studio gesungen habe. Aber wahrscheinlich mehr als bei jedem anderen Jethro-Tull-Album haben die Jungs in der Band Elemente zum Arrangement beigetragen, die ich für ziemlich kreativ halte. Ein oder zwei von ihnen waren die Autoren einiger Songs und erhielten tatsächlich ihren angemessenen, wissenschaftlich berechneten Anteil an den mechanischen Tantiemen auf Lebenszeit. Nun ja, zumindest bis 70 Jahre nach ihrem Tod, wenn das Urheberrecht ausläuft. Aber sie können sich sicher sein, dass noch eine Weile lang ein paar Münzen durch den Briefkasten fallen werden.
10. „Farm on the Freeway“
Crest of a Knave (1987)
Auch hier geht es wieder um das Leben auf dem Bauernhof. Es ist eher sozialer Realismus. In diesem Song spreche ich über die Zeit, als insbesondere die amerikanische Landwirtschaft aufgrund des Straßenbaus unter enormem Druck und bedroht war. Die wirtschaftliche Lage wurde für alle immer schwieriger, nicht nur für die amerikanischen Bauern, sondern für Bauern fast überall. Für mich schien es eine gute Gelegenheit zu sein, über ein interessantes Thema zu schreiben. Es musste einfach in Amerika spielen, nicht in Europa; es ist schließlich nicht „Farm on the Autobahn“.
Wir haben für dieses Album den Heavy-Metal-Grammy gewonnen, was ein etwas seltsames Ereignis war. Ich glaube nicht, dass die Leute für Jethro Tull gestimmt haben, weil wir in dieser Kategorie waren; es war einfach eine Gelegenheit, Jethro Tull einen Grammy zu geben, weil wir ein Haufen netter Leute waren, die noch nie einen Grammy gewonnen hatten. Und ehrlich gesagt, wenn es eine Kategorie für den besten einbeinigen Flötenspieler gegeben hätte, hätte ich die auch gewonnen, aber die gab es nicht.
