Jimi Hendrix: 10 großartige Songs aus der Zeit vor seinem Durchbruch
Hören Sie die Gitarrenlegende in seinen frühen Tagen als Begleitmusiker an der Seite von Little Richard, den Isley Brothers und anderen.
Bevor er Erfahrung sammelte, war Jimi Hendrix ein fleißiger Begleitmusiker, der in der ersten Hälfte der 1960er Jahre Studioaufnahmen machte und Bands im sogenannten Chitlin‘ Circuit und darüber hinaus begleitete. Nach seiner Entlassung aus der 101st Airborne Division, wo er kurzzeitig als Fallschirmjäger gedient hatte, bot sich Jimi Hendrix die Chance, hinter Profis wie Little Richard, King Curtis und den Isley Brothers in den Rhythm & Blues einzutauchen. Eine wertvolle, wenn auch ausgesprochen unglamouröse Lehrzeit.
In späteren Jahren sprach er wenig liebevoll über die Zeiten, in denen die Arbeit rar war. „Wir bekamen einen Gig alle zwölf Monate“, erzählte er 1967 dem Magazin Rave. „Wir haben sogar versucht, Orangenschalen und Tomatenmark zu essen. Das Schlafen vor den hohen Mietshäusern war die Hölle. Ratten liefen dir über die Brust. Kakerlaken stahlen dir den letzten Schokoriegel aus der Tasche …“
Trotz der Herausforderungen offenbart ein Brief, den Hendrix in dieser Zeit an seinen Vater schickte, seine eiserne Entschlossenheit, sein Schicksal zu verwirklichen. „Ich habe immer noch meine Gitarre. Und meinen Verstärker. Und solange ich die habe, kann mich kein Idiot davon abhalten, mein Leben zu leben“, schreibt er. „Ich esse zwar nicht jeden Tag. Aber alles läuft gut für mich. Es könnte schlimmer sein. Aber ich werde weiterkämpfen und mich durchschlagen. Bis ich das erreiche, was mir zusteht.“ Diese Feuertaufe prägte den einzigartigen Stil, der seinen Namen zu einem Synonym für musikalische Virtuosität machte.
The Isley Brothers, „Testify“ (Teil 1 & 2) (1964)
Ende 1963 lebte Hendrix in Nashville und spielte mit einer Gruppe namens King Kasuals, als ein Talentscout ihm weismachte, er könne ein großer Star in New York werden. Der Rest der Band entschied sich, zu bleiben. Aber der ehrgeizige Gitarrist beschloss, sein Glück in New York City zu versuchen.
Die Aussichten waren zunächst düster. Und da er kaum mehr als einen geliehenen Wintermantel besaß, musste er oft seine Gitarre verpfänden, um zu überleben. Selbst nachdem er einen Talentwettbewerb im legendären Apollo Theater in Harlem gewonnen hatte – und damit dringend benötigte 25 Dollar –, verbrachte er die meiste Zeit damit, in lokalen Clubs herumzuhängen. Und auf eine Gelegenheit zu warten, mit den Hausbands zu jammen. In einem dieser Clubs, dem Palm Café, lernte er Lithofayne „Faye“ Pridgon kennen. Eine stilvolle und weltgewandte Frau, die einst mit Sam Cooke liiert war. Hendrix wurde ihre neueste Eroberung. Und sie verschaffte ihm sowohl eine Unterkunft als auch Zugang zur Musikszene von Harlem.
„Er ist besser als alle von denen“
Im Winter 1964 wurde Tony Rice, ein Mitglied des hochkarätigen R&B-Clans „The Isley Brothers“, auf ihn aufmerksam. „Tony sagte, dieser Junge – er war etwa 15 oder 16 – sei der Beste. Und spiele mit der linken Hand Gitarre, die eigentlich für Rechtshänder ist“, erzählt Ron Isley in Becoming Jimi Hendrix. „Ich sagte zu Tony: ‚Ach komm schon, Mann, so gut kann er doch nicht sein. Ist er besser als …‘ und dann zählte ich alle Gitarristen auf, die wir gerne in unserer Band gehabt hätten. Und Tony sagte: ‚Er ist besser als alle von denen.’“
Das Interesse der Brüder war geweckt. Sie vereinbarten ein Vorspielen in ihrem gemieteten Haus in New Jersey. Hendrix tauchte mit seinem gesamten Hab und Gut in einem ramponierten, ansonsten leeren Gitarrenkoffer auf. Nachdem er sich eine sechssaitige Gitarre ausgeliehen hatte, spielte er mitreißende Versionen ihrer Chartstürmer. Darunter „Twist and Shout“ und „Shout“. Am Ende des Nachmittags war er das neueste Mitglied ihrer Begleitband, den I.B. Specials. „Er hatte keine Bleibe. Also wohnte er bei meiner Mutter“, erinnert sich Ernie Isley. ‚Sie fragten ihn, ob er eine neue Gitarre haben wolle, welche Art … Also besorgten sie ihm eine. Und er sagte: ‘Wow! Ich habe eine neue [Gitarre] und spiele mit den Isley Brothers: Das ist alles, was ich mir wünsche.’“
„Wenn unsere Schnürsenkel unterschiedlich waren, mussten wir fünf Dollar Strafe zahlen. Oh Mann, war ich das leid!“
Hendrix verdiente auf der Tournee respektable 30 Dollar pro Abend. Aber seine extravaganten Schals und glänzenden Armbänder brachten ihn in Konflikt mit den adretten Isleys, die eine Kleiderordnung einführten. „Wir durften nicht in Freizeitkleidung auf die Bühne“, erinnerte er sich 1967 in einem Interview mit Rave. „Wenn unsere Schnürsenkel unterschiedlich waren, mussten wir fünf Dollar Strafe zahlen. Oh Mann, war ich das leid!“
Nach mehreren Monaten auf Tournee traf sich die Band im Frühjahr in einem New Yorker Aufnahmestudio, um eine neue Single aufzunehmen. Das Ergebnis, ‚Testify‘ (Parts 1 & 2), war anders als alles, was die Isleys zuvor veröffentlicht hatten. Ein sechsminütiges Gospel-Epos mit Call-and-Response-Strukturen, das sich über zwei Seiten der Vinylplatte erstreckte. Die Brüder spucken wie wahnsinnige Prediger Feuer und Schwefel, während Hendrix mit seinen schrillen Lead-Riffs gegen die fünfköpfige Bläsergruppe ankämpft. Der Song ist praktisch frei von Dynamik. Und klingt weniger wie eine Studioproduktion als vielmehr wie eine live aufgezeichnete Erweckungspredigt.
„Jimi hat nie etwas falsch gespielt“
Der Song floppte bei seiner Veröffentlichung im Juni. Hendrix verließ die Band kurz darauf. Im folgenden Jahr kehrte er kurz zurück, um eine weitere Single aufzunehmen, „Move Over and Let Me Dance“ zusammen mit „Have You Ever Been Disappointed“, bevor er endgültig seinen eigenen Weg ging. Trotz der strengen Kleiderordnung verließ er die Band im Guten. „Er fragte uns immer, ob wir Kopien der Platten hätten, die wir zusammen gemacht hatten“, erinnert sich Ron in „Ultimate Hendrix“. „Wir hatten keine. Wegen der Verträge.
Aber wir wussten, dass die Bänder zu uns zurückkommen würden. Und als wir ihm davon erzählten, sagte er: ‚Wenn ich irgendetwas falsch gespielt habe, sagt mir Bescheid. Dann komme ich vorbei und nehme es neu auf.‘ Ich sagte ihm, er solle sich keine Sorgen machen. Jimi hat nie etwas falsch gespielt.“
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Don Covay and the Goodtimers, „Mercy, Mercy“ (1964)
Die Westküsten-Tournee der Isley Brothers im Frühjahr 1964 führte Hendrix in seine Heimatstadt Seattle, wo er eine alte Freundin wieder traf. Das Rendezvous spielte wahrscheinlich eine Rolle bei seiner Entscheidung, die Nacht in der Stadt zu verbringen. Mit dem Versprechen, sich mit seinen Bandkollegen in der nächsten Stadt auf ihrer Reiseroute zu treffen. „Wir sagten OK, weil wir dachten, er wüsste, wo der nächste Gig war“, erinnert sich Ron Isley in „Becoming Hendrix“.
„Er tauchte nicht auf. Und wir sahen ihn erst eine Woche später in New York wieder. Seine Gitarre war gestohlen worden.“ In der Verwirrung kehrte Hendrix in seine Wohnung in Gotham zurück, wo er einen Nachtclub-Sänger namens George ‚King‘ Clemons traf. Die beiden verstanden sich gut. Clemons fragte den Gitarristen, ob er Lust hätte, mit dem R&B-Star Don Covay einen Song aufzunehmen. „Jimi und ich wohnten im selben Wohnhaus – in der Nähe der 81st Street“, erzählte Clemons später dem Autor Steven Roby. ‚
Don Covay kam vorbei, um einen Plattenvertrag auszuhandeln. Er ging immer in die Clubs in Harlem, um jemanden zu suchen, den er für Songs einsetzen konnte, die er an Atlantic [Records] verkaufen wollte. Er sagte: ‘Ich habe diesen Song, bei dem du mir helfen sollst. Komm mit ins Studio.’“ Am 18. Mai betraten sie die A-1 Sound Studios, um einen Song namens „Mercy, Mercy“ aufzunehmen. Der zukünftige Soul-Klassiker erreichte schließlich Platz 35 und bescherte Hendrix seinen ersten Auftritt in den oberen Rängen der Billboard-Charts.
Jimi nahm meine Gitarre und fing an, sie verkehrt herum zu spielen
Obwohl er „Mercy, Mercy“ später etwas abwertend als „sehr geradlinigen Top-40-R&B-Rock-‚n‘-Roll-Song“ bezeichnete, blieb er dem Stück verbunden. Und spielte es während seiner Zeit mit Curtis Knight and the Squires, Jimmy James and the Blue Flames und sogar auf einer frühen Frankreich-Tournee mit der Jimi Hendrix Experience. Vielleicht noch entscheidender war, dass er ihm später im Herbst ein Treffen mit dem Stax-Session-Gitarristen Steve Cropper einbrachte. Hendrix legte Wert darauf, ihn in den Memphis Studios zu besuchen. Offensichtlich in der Hoffnung auf eine Aufnahmechance. Er hielt ihn schließlich auf, als er zum Mittagessen hinausging.
„Ich fand ihn in einem Soul-Restaurant direkt gegenüber dem Studio in Memphis, wo er sich den Bauch vollschlug“, erzählte Hendrix Rolling Stone 1968. „Ich kam ins Studio und sagte: ‚Hey Mann, ich habe gehört, du bist gut. Dass jeder hierherkommen kann, der einen Song hat.‘ … Er zeigte mir, wie man bestimmte Songs spielt. Und ich zeigte ihm, wie ich ‚Mercy, Mercy‘ spielte.“ Die bloße Erwähnung des Songs reichte aus, um das Eis zu brechen.
‚Das hat mich fast umgehauen. Denn das war damals eine meiner Lieblingsplatten‘, erzählt Cropper in Becoming Hendrix. „Ich hatte noch nicht mit Don gearbeitet. Aber ich bat Jimi, mir diesen großartigen Lick zu zeigen, den er gespielt hatte. Nachdem wir gegessen hatten, nahm ich ihn mit zu Stax. Wir hatten kein Tonband laufen. Aber Jimi nahm meine Gitarre und fing an, sie verkehrt herum zu spielen. Ich lachte und sagte ihm: ‚So kann ich diesen Lick nicht lernen!‘“ Cropper nahm im folgenden Jahr eine Instrumentalversion mit Booker T. & the M.G.’s auf.
Little Richard, „I Don’t Know What You’ve Got But It’s Got Me“ (Teil 1 & 2) (1965)
Im Herbst 1964 beschloss Hendrix, sich aus der zweiten Reihe der Isley Brothers zurückzuziehen. „Es wurde sehr langweilig“, gab er 1967 zu. „Weil man sehr müde wird, wenn man die ganze Zeit hinter anderen Leuten spielt. Also habe ich irgendwo in Nashville aufgehört.“ Um über die Runden zu kommen, schloss er sich einer Band an, die er später als „Top 40 R&B Soul Hit Parade Package mit Lacklederschuhen und Frisuren“ beschrieb. Obwohl es zunächst nach mehr vom Gleichen aussah, brachte ihn die Produktion mit einer ganzen Reihe von Soulstars in Kontakt. „Wir waren mit B.B. King, Jackie Wilson und Sam Cooke und all diesen Leuten auf Tour. Chuck Jackson. Ich spielte also Gitarre hinter vielen Acts auf der Tour. Dann strandete ich in Kansas City, weil ich den Bus verpasst hatte.“
Während Hendrix ohne Geld und ohne Mittel, sich selbst zu versorgen, in Missouri festsaß, tat sein Freund und Musikerkollege „Gorgeous“ George Odell sein Bestes, um dem Gitarristen einen neuen Gig zu verschaffen. Indem er ihn den Mitgliedern von Little Richards Begleitband anpries. „Ich sagte ihnen, dass es etwa 150 Dollar kosten würde, Jimi’s Gitarre und Verstärker aus dem Pfandhaus zu holen. Also gaben sie mir 175 Dollar. Ich steckte das Geld in meine Socke. Ging zurück. Und holte Jimi. Er wollte zunächst nicht mit Little Richard auf Tour gehen, weil die Sam Cooke-Tour in wenigen Wochen wieder losgehen sollte.“ Nach einiger Überzeugungsarbeit – und Cookes tragischem Mord im Dezember – wickelte Hendrix seine Gitarre in einen alten Kartoffelsack. Stieg in einen Bus. Und machte sich auf den Weg nach Atlanta, um Richard zu treffen.
„Er spielte Gitarre mit den Zähnen“
Kurz nach Neujahr begann er unter dem Namen Maurice James mit dem Rockpionier zu spielen. Richard war beeindruckt. Aber seine Bewunderung schlug bald in Ressentiments um, als er feststellte, dass er von Hendrix‘ auffälligem Stil und seiner theatralischen Performance in den Schatten gestellt wurde. „Auf der Bühne stahl er uns tatsächlich die Show“, sagte Richard in einer Folge von VH1’s Legends. „Die Leute schrien. Und ich dachte, sie würden mich anfeuern. Ich schaute hinüber und sah, dass sie Jimi zujubelten! Also musste ich das Licht dimmen. Er spielte Gitarre mit den Zähnen.“
In diesem Sommer gingen sie ins Studio, um mehrere Titel für Vee-Jay Records aufzunehmen. Neben einem unerbittlichen R&B-Stomper namens „Dance a Go Go“ (auch bekannt als „Dancing All Around The World“) war der stärkste Song, der aus den Sessions hervorging, eine Ballade von Don Covay mit dem Titel „I Don’t Know What You’ve Got but It’s Got Me“. Er wurde im November veröffentlicht. Schaffte es aber nicht in die Popcharts. Und erreichte nur Platz 12 der R&B-Charts.
Buddy und Stacey, „Shotgun“ (live, 1965)
Der Little-Richard-Zug kam im Juli 1965 durch Nashville. Und bot Hendrix die Gelegenheit, einen frühen Fernsehauftritt in der lokalen Musiksendung „Night Train“ zu absolvieren, die vom CBS-Sender WLAC ausgestrahlt wurde. Richard selbst trat nicht auf. Sondern blieb in seinem Hotel und überließ Buddy Travis und Stacey Johnson die Bühne, um eine Coverversion des aktuellen Hits „Shotgun“ von Junior Walker & the All Stars zu spielen. Hendrix ist im Hintergrund sofort als einer der „Crown Jewels“ zu erkennen, wie er seine umgedrehte Fender mit der Leichtigkeit und Selbstsicherheit spielt, die ihn bald berühmt machen sollten.
Aber die Beziehungen zu seinem Bandleader hatten sich verschlechtert. „Bei Little Richard war er der Mann im Vordergrund, und das war’s“, erzählte Hendrix später dem Melody Maker. „Der King of Rock and Rhythm. Das war er. Und er sagte, dass er der Einzige sei, der gut aussehen dürfe. Damals bekam ich ein schickes Hemd. Weil ich gezwungen wurde, seine Uniform zu tragen. ‚Zieht diese Hemden aus‘, sagte er zu mir und einem anderen Typen.“
„Keiner meiner Männer kam auch nur annähernd an ihn heran“
Nicht lange nach der Ausstrahlung von „Night Train“ trennten sich Hendrix und Richard, obwohl die genauen Umstände bis heute ungeklärt sind. In einem Brief an seinen Vater im Juli desselben Jahres schreibt Hendrix, dass Richard „uns fünfeinhalb Wochen lang nicht bezahlt hat. Und man kann nicht von Versprechungen leben, wenn man auf Tour ist. Also musste ich diesen Mist beenden.“ Robert Penniman, Richards Bruder und Roadmanager, beharrt jedoch darauf, dass er Hendrix gefeuert habe. „Er kam immer zu spät zum Bus. Und flirtete mit den Mädchen und so weiter. In New York, wo wir im Apollo gespielt hatten, kam es zum Eklat, als Hendrix den Bus nach Washington DC verpasste“, erzählt er in ‚The Life and Times of Little Richard‘.
„Als Hendrix uns dann in Washington anrief, teilte ich ihm mit, dass wir seine Dienste nicht mehr benötigten. Wir hatten eine Auseinandersetzung. Ich erklärte ihm, warum wir das taten. Ich war für Richard unterwegs. Und wir akzeptierten so einen Mist nicht.“ Trotz dieses unrühmlichen Endes bezeichnete Richard Hendrix später als ‚den besten Gitarristen, den ich je hatte. Keiner meiner Männer kam auch nur annähernd an ihn heran.“
Frank Howard and the Commanders, „I’m Sorry for You“ (1965)
Während einige Berichte behaupten, dass dieser Doo-Wop-Slow-Burner tatsächlich 1963 aufgenommen wurde, also vor Hendrix‘ erster Reise nach New York City, datieren andere das Datum näher an seine Trennung von Little Richard im Sommer 1965. Etwa zur gleichen Zeit, als Frank Howard & the Commanders zur Promotion im Fernsehen auftraten. In jedem Fall trat Hendrix auf Einladung seines alten Army-Kameraden und ehemaligen King Kasuals-Bandkollegen Billy Cox auf, der zwei Songs für Howard geschrieben hatte.
Die Sessions wurden von dem einflussreichen Discjockey Bill „Hoss“ Allen produziert, der von Hendrix‘ Gitarrenkünsten wenig beeindruckt war. „Hoss wollte, dass Jimi nur einen einfachen Rhythmus spielte, während Johnny Jones die Leadgitarre spielte. Aber Hoss gefiel nicht, was er von Jimi hörte. Also drehte er sein Mikrofon leiser und schnitt ihn immer wieder raus“, erinnerte sich Howard in Becoming Hendrix. „Hoss mochte es nicht, wenn Musiker in seinen Sessions experimentierten. Später sagte er mir, wenn er gewusst hätte, dass Jimi so erfolgreich werden würde, hätte er ihn so wild spielen lassen, wie er wollte.“
Curtis Knight and the Squires, „Hornet’s Nest“ (1966)
Hendrix verbrachte den Rest des Sommers 1965 mehr oder weniger ohne Beschäftigung. Am 27. Juli unterschrieb er einen Mehrjahresvertrag bei Sue Records – dem Label von Ike & Tina Turner und Baby Washington –, nahm aber keine einzige Note auf. Im August kehrte er zu den Isley Brothers zurück, um einige Gigs zu spielen und „Move Over and Let Me Dance“ aufzunehmen.
Aber er wusste, dass dies nur eine vorübergehende Lösung war. Im Oktober wendete sich sein Glück, als er in der Lobby des Americana Hotels in New York City den Sänger Curtis Knight kennenlernte. Knight, Frontmann einer Gruppe namens The Squires, die in der New Yorker Metropolregion enthusiastisch Top-40-R&B spielte, verstand sich auf Anhieb gut mit Hendrix. Am nächsten Tag jammten sie bereits im Studio 76, das von einem Mann namens Ed Chalpin betrieben wurde.
Die Ähnlichkeit war wahrscheinlich kein Zufall
Da Hendrix seine Fender Jazzmaster im Pfandhaus abgegeben hatte, lieh Knight ihm eine Danelectro, um „How Would You Feel“ aufzunehmen. Ein Song, der stark von Bob Dylans aktuellem Hit „Like a Rolling Stone“ beeinflusst war. Die Ähnlichkeit war wahrscheinlich kein Zufall. Chalpin’s Produktionsfirma PPX Enterprises Inc. hatte sich auf die Produktion billiger Coverversionen von Hits für den Überseemarkt spezialisiert.
Chalpin gefiel, was er hörte. Er bot Hendrix einen einseitigen Vertrag an, „exklusiv für PPX Enterprises Inc. drei Jahre lang zu produzieren und zu spielen und/oder zu singen“ im Austausch für ein Prozent Tantiemen und einen Dollar im Voraus. Hendrix, der verzweifelt nach einer Möglichkeit suchte, zu spielen, las den Vertrag wahrscheinlich nicht einmal. („Er hätte einen Vertrag mit jedem unterschrieben, der ihm einen Dollar und einen Bleistift gegeben hätte“, sagte Faye Pridgon später.)
Offenbar unbeeindruckt von der Tatsache, dass er bereits bei Sue Records unter Vertrag stand, unterschrieb er den Vertrag. Dieser Schritt sollte weitreichende Folgen für die kommenden Jahre haben, da Chalpin Hendrix‘ Aufnahmen aus der PPX-Ära in einer Vielzahl irreführender – manche würden sagen skrupelloser – Compilations wiederveröffentlichte. Kurzfristig jedoch verdiente sich Hendrix seinen ersten Label-Credit als Arrangeur für „How Would You Feel“, als der Song im April 1966 als Single veröffentlicht wurde. Und kurz darauf seinen ersten Credit als Komponist mit der Veröffentlichung des Instrumentalstücks „Hornet’s Nest“.
Jayne Mansfield, „Suey“ (1966, veröffentlicht 1967)
Die wohl bizarrste aller Aktivitäten von Hendrix vor seiner Zeit mit der Experience ist diese angebliche Zusammenarbeit mit dem B-Movie-Star. Noch seltsamer ist die Tatsache, dass er sie in Interviews nie erwähnt hat, was einige dazu veranlasst hat, zu bezweifeln, dass sie überhaupt stattgefunden hat. Man könnte Hendrix verzeihen, dass der Song peinliche Hep-Cat-Sprechsätzen hat. „It makes my liver quiver“ (Es lässt meine Leber zittern) „it makes my knees freeze“ und ‚it makes my back crack‘. Sie stammen aus der Feder des Discjockeys Douglas ‚Jocko‘ Henderson.
Chalpin beharrt darauf, dass Hendrix bei ‚Suey‘ Gitarre und Bass gespielt habe. Und möglicherweise auch bei der A-Seite, dem üppig orchestrierten ‚As the Clouds Drift By‘, obwohl Letzteres eher unwahrscheinlich ist. Da Chalpin dafür bekannt war, fertige Instrumentalstücke an andere Künstler für Gesangsaufnahmen zu lizenzieren, ist es durchaus möglich, dass die Begleitung von einem der PPX-Auftritte von Hendrix mit Curtis Knight stammt. Was es ebenso plausibel macht, dass Hendrix selbst keine Ahnung hatte, dass Mansfield letztendlich den Gesangspart übernahm.
Laut einem Bericht aus dem Jahr 1966 in Billboard plante Chalpin, den Song als erste Single seines neuen Labels Chalco Records zu veröffentlichen. Aber dieses Vorhaben wurde aufgegeben. „As the Clouds Drift By„/“Suey“ wurde erst kurz nach Mansfields tödlichem Autounfall am 29. Juni 1967 veröffentlicht.
Ray Sharpe mit dem King Curtis Orchestra, ‚Help Me‘ (Teil 1 & 2) (1966)
King Curtis und seine Kingpins waren die Vorgruppe der Beatles auf ihrer Tournee durch die Vereinigten Staaten im Sommer 1965, während der sie Hendrix begegneten, als dieser kurzzeitig zu den Isley Brothers zurückkehrte. Hendrix freundete sich mit der Gruppe an. Insbesondere mit dem Gitarristen Cornell Dupree. Gemeinsam spielten sie Basketball und jammten in Hotelzimmern auf Tour.
Im folgenden Januar wurde Hendrix eingeladen, mit der Band auf Tournee zu gehen und auch in den Atlantic Studios in New York City mitzuwirken. Der erste Song, den sie gemeinsam aufnahmen, war „Help Me (Get the Feeling)“. Ein extrem bluesiger zweiteiliger Track, der an Them’s Garage-Rock-Hymne „Gloria“ erinnert. Ray Sharpe sang den Lead-Gesang. Aber der Backing-Track entwickelte ein Eigenleben. Der jamaikanische Proto-Reggae-Star Owen Grey verwendete die Instrumentalversion im selben Jahr für sein eigenes Cover. 1967 wurde sie als Grundlage für Aretha Franklins Single „Save Me“ verwendet. Allerdings wurden Hendrix‘ Beiträge aus der endgültigen Fassung herausgemischt. King Curtis selbst hatte das letzte Wort. Und veröffentlichte den Song 1969 mit zusätzlichen Overdubs als „Instant Groove“ neu.
Bevor er die Band im Sommer 1966 verließ, soll Hendrix während einer Session im April drei weitere Songs mit King Curtis aufgenommen haben. Die jedoch offenbar bei einem Brand in der Masterband-Bibliothek verloren gingen. Bis heute wurden keine Sicherungskopien gefunden.
The Icemen, „(My Girl) She’s A Fox“ (1966)
An der Schwelle zu seinem Durchbruch mit The Experience produzierte Hendrix Mitte 1966 während der Sessions mit dem Saxophonvirtuosen Lonnie Youngblood von The Squires einige der besten Stücke seiner frühen Musikkarriere. „Curtis begann, das Interesse an der Band zu verlieren“, erklärte Youngblood später. „Und gleichzeitig hatte ich ein paar Angebote als Bandleader. Ich wusste, dass ich nicht für immer in seiner Band spielen wollte. Also erzählte ich Jimi und ein paar anderen Jungs in der Band davon. Sie sagten: ‚Lass uns loslegen!‘ Von da an spielten wir ein paar Gigs im Blood Brothers. Ich war ein unternehmungslustiger Typ und wollte ein paar Platten aufnehmen.“
Die Platten wurden tatsächlich im New Yorker Abtone Studio unter der Leitung des lokalen Impresarios John Brantley aufgenommen, der seine ersten Erfahrungen im Rock ’n‘ Roll an der Seite des legendären Discjockeys Alan Freed gesammelt hatte. Zusammen produzierten sie mitreißende Platten wie „Go Go Shoes“/„Go Go Place“, „Soul Food (That’s What I Like)“/„Goodbye Bessie Mae“ und eine weitere Single mit dem Sänger Jimmy Norman, „You’re Only Hurting Yourself“/„That Little Old Groove Maker“.
Ein Höhepunkt ihrer Arbeit ist „(My Girl) She’s A Fox“, geschrieben von den Poindexter Brothers – Richard und Robert –, die 1971 mit den Persuaders einen Hit landeten. „Thin Line Between Love and Hate“. Der Titel, der auffallend an einen späteren Hendrix-Hit erinnert, wurde unter dem Namen „The Icemen“ veröffentlicht. Einer Formation, zu der Hendrix, Youngblood und das Gesangsduo Gino Armstrong und James Stokes gehörten.
Lenny Howard, „Keep the Faith, Baby“ (1966)
Ähnlich wie Hendrix mit King Curtis und Ed Chalpin ging John Brantley den Weg, Instrumentalbegleitungen wiederzuverwenden. Der als „Keep the Faith, Baby“ veröffentlichte Titel mit Lenny Howard als Leadsänger existiert auch in fünf weiteren Gesangsvarianten. Darunter eine von Billy Lamont gesungene Version namens „Sweet Thang“. Die vielleicht verlockendste Inkarnation existiert als „Wipe The Sweat“, in dem Hendrix und Youngblood scheinbar improvisierte Texte austauschen.
Die Aufnahme erblickte erst nach Hendrix‘ weltweitem Ruhm das Licht der Welt, entstand jedoch fast sechs Monate vor seinem ersten offiziellen Gesangspart in „Hey Joe“. Angesichts mehrerer Chartflops bemerkte Youngblood jedoch, dass Hendrix sich aus dem Projekt zurückzog. „Uns ging das Geld aus. Jimi änderte seine Meinung. Sein Konzept änderte sich mitten in unserem Projekt. Ich war Zeuge dieser Verwandlung. Ich sah ihn als R&B- und Blues-Musiker. Er liebte diese Musik. Aber nach einer Weile fühlte er sich nicht mehr damit verbunden.“
Auch Hendrix spürte den Wandel. Als er in diesem Jahr mit Joey Dee & the Starliters auf Tournee war, fühlte er sich in der Rolle des professionellen Begleitmusikers eingeengt. „Ich konnte mir nicht vorstellen, den Rest meines Lebens in einem glänzenden Mohairanzug mit Lacklederschuhen und passender Lackfrisur zu verbringen“, reflektierte er. „Ich hörte keinen Gitarristen, der etwas Neues machte. Ich langweilte mich zu Tode. Ich wollte meine eigene Szene. Ich wollte meine eigene Musik. Ich begann zu erkennen, dass man mit einer E-Gitarre eine ganz neue Welt erschaffen konnte. Weil es keinen vergleichbaren Sound gab.“
