Die 100 besten Motown-Songs: Das ultimative Ranking
Die 100 besten Motown-Songs: Von „My Girl“ bis „Superstition“ – Soul, Funk und Geschichte des „Sound of Young America“
95. Rare Earth, „I Just Want to Celebrate“ (1971)
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Auf der Suche nach Rock-Glaubwürdigkeit gründete Motown Ende der 1960er Jahre ein Tochterlabel namens Rare Earth, benannt nach einer seiner ersten Bands, einer Gruppe aus Detroit. Das Label hatte jedoch keinen großen Erfolg und wurde Mitte der 1970er Jahre wieder geschlossen.
Aber wie man auf ihrer erfolgreichsten Single hören kann, passte die ausschließlich aus Weißen bestehende Band Rare Earth gut in Berry Gordys Team. „I Just Want to Celebrate“ ist eine Ode an die positive Einstellung in schwierigen Zeiten – ein sehr angesagtes Songthema während der Vietnam-Ära – und verbindet einen kräftigen Funk-Groove, ein wildes Rock-Gitarrensolo mit Wah-Wah-Effekt und einen Breakdown in der Mitte des Songs.
In bester Motown-Tradition überschreitet „I Just Want to Celebrate“ Genregrenzen. —D.B.
94. The Marvelettes, „Too Many Fish in the Sea“ (1964)
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Die Marvelettes waren coole Typen. Keine Mädchen, die bettelten oder flehten. (Dieser „Playboy“ wusste, dass er niemals ihre Telefonnummern bekommen würde.)
Sie verwandelten „Too Many Fish in the Sea“ in eine zeitlose feministische Aufmunterung für alle, die Liebesprobleme hatten, mit Gladys Horton als Stimme der Weisheit: „Ich will niemanden, der mich nicht will/Es gibt zu viele Fische im Meer!“ Benny Benjamins Schlagzeug unterstreicht diese Emotion. Die Autoren: zwei der MVPs von Motown, Eddie Holland und Norman Whitfield. —R.S.
93. Rick James and Teena Marie, „Fire and Desire” (1981)
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Rick James schrieb diese Ballade über eine leidenschaftliche Affäre mit einer äthiopischen Prinzessin. Er plante sie als Duett mit seiner Protegé Teena Marie, bis sie an hohem Fieber erkrankte und ihr Arzt ihr vom Singen abriet. Als Rick jedoch eine Ersatzsängerin engagierte, erhob sich Teena aus ihrem Krankenbett, stürmte ins Studio und sagte: „ Auf keinen Fall werde ich irgendeine andere Schlampe diesen Song singen lassen.“
Rick erinnert sich in seinen Memoiren „Glow“. „Noch immer schweißgebadet von ihrem Fieber marschierte Lady T in die Kabine und riss das Ding ab. Ich meine, sie lieferte eine Gesangsleistung, die die Leute hören werden, solange Menschen fähig sind, zu lieben.“ —R.S.
92. Eddie Kendricks, „Girl You Need a Change of Mind (Part 1)“ (1972)
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„Girl You Need a Change of Mind“ ist bis heute ein Dancefloor-Füller, der sich über mehrere Minuten aufbaut, bevor er einen ekstatischen, wortlosen Höhepunkt erreicht. (Das Instrumental ist weitaus besser gealtert als der Text, der sich offenbar gegen die Frauenbewegung richtet: „Warum in Streikpostenketten marschieren?“, fragt Eddie Kendricks. „BHs verbrennen und Schilder tragen?“)
Das Klavier ist hier der Motor, der mit schweren Notenblöcken alles vorantreibt, während die Bläser immer wieder Dieselkraftstoff nachfüllen. An einer Stelle hält Kendricks sein zitterndes Falsett etwa 10 Sekunden lang, bevor der Track vollständig instrumental wird und sich zu dem schwerfälligen Four-on-the-Floor-Puls entwickelt, der später den Disco-Sound prägen sollte.
Als Kendricks zurückkehrt, fallen alle Instrumente bis auf die Handpercussion weg, wodurch eine Art endlos loopbarer kinetischer Breakdown entsteht, der für DJs wie Katzenminze wirkt. —E.L.
91. Marvin Gaye, „Trouble Man“ (1972)
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Die frühen 1970er Jahre waren die Blütezeit der Blaxploitation-Filme und ihrer Soundtracks. Shaft hatte Isaac Hayes, Superfly hatte Curtis Mayfield, Slaughter’s Big Rip-Off hatte James Brown.
Marvin Gaye landete seinen großen Erfolg mit Trouble Man, dem Thriller von 1972 über einen Ghetto-Boss namens Mister T. (Das Plakat nannte ihn „One Cat Who Plays Like an Army!“) Es war sein einziger Filmsoundtrack, aber er war ein Riesenerfolg – mit seinem bluesigen Titelsong schaffte er es in die Top 10.
Gaye singt mit seiner Falsettstimme über das Leben auf der Straße und erklärt: „Es gibt nur drei Dinge im Leben, die sicher sind. Steuern, Tod und Ärger.“ –R.S.
