ROLLING STONE hat gewählt: Die 250 besten Gitarristen aller Zeiten
Die neue Liste der besten Gitarristinnen und Gitarristen – erweitert auf 250 Positionen
Key Tracks: „Dust My Broom“, „The Sky Is Crying“‚ caption=“]
49 PJ Harvey
"Ich denke oft an die Zeit zurück, als ich zum ersten Mal eine Gitarre bekam, als ich 16 oder 17 war", sagte Polly Jean Harvey Anfang dieses Jahres dem New Yorker. "Davor hatte ich viele Worte geschrieben. Als ich merkte, dass ich Worte mit Musik verbinden konnte, fühlte ich mich wie ein Tor, das sich öffnete, wie eine Freude." Diese Freude an der Schöpfung war auf PJ Harveys bahnbrechenden frühen Platten wie Dry und Rid of Me zu spüren, auf denen sie ihre Gitarre wie eine gezackte Waffe einsetzte; drei Jahrzehnte später ist ihr Spiel flüssiger geworden, aber nicht weniger gefühlvoll, und sie entlockt dem Instrument neue Klänge. "Ich habe wirklich kein Interesse daran, einfach etwas zu machen, was ich schon einmal gemacht habe", sagt sie. "Was mich reizt, ist etwas zu entdecken, das ich noch nirgendwo gehört habe." -M.J.
Key Tracks: "Missed", "Autumn Term"
48 Curtis Mayfield
Der verstorbene Curtis Mayfield war einer der besten amerikanischen Soul-Sänger, Songschreiber und Produzenten. Er war auch ein einflussreicher Gitarrist, dessen sanft fließende Melodien und Fills, die sich durch Platten wie "Gypsy Woman" von The Impressions zogen, einen tiefen Eindruck bei Jimi Hendrix hinterließen, vor allem bei dessen psychedelischen Balladen. "In den Sechzigern wollte jeder Gitarrist so spielen wie Curtis", so George Clinton. In den siebziger Jahren erfand Mayfield sein Spiel für eine Solokarriere neu und baute seine neue Musik um die flackernden Funk-Rhythmen und die sparsamen, gestischen, Wah-Wah-beeinflussten Lead-Parts auf, die auf seinem Superfly-Soundtrack und in Hits wie Move on Up" zu hören waren. Seine flüssigen Akkordfolgen waren für andere Musiker schwer zu imitieren, was zum Teil daran lag, dass Mayfield fast ausschließlich in einer offenen Fis-Stimmung spielte. "Da ich Autodidakt bin, habe ich sie nie geändert", sagte er. "Das hat mich immer stolz gemacht, denn egal wie gut ein Gitarrist war, wenn er meine Axt in die Hand nahm, konnte er sie nicht spielen." -D.W.
Key Tracks: "Gypsy Woman", "Move on Up", "Freddie’s Dead"
47 The Edge (U2)
Als jugendlicher Gitarrist in den siebziger Jahren studierte The Edge alles von Punk und New Wave bis hin zu Funk, Blues und R&B. Auf dem Frühwerk von U2 verschmolz er alle seine Einflüsse zu einem Ganzen, indem er Delay, Echo und Reverb einsetzte, um einen ganz eigenen Sound zu kreieren. "Ich bin kein theoretischer Musiker oder ein theoretischer Schriftsteller", sagte er 2016 dem Rolling Stone. "Ich bin ein praktischer Typ, der Musik auf eine naive Art und Weise verfolgt. Ich liebe es einfach, wenn ich von den Klängen, die gerade passieren, mitgerissen werde. Und ich lasse mich so sehr von Klängen inspirieren, dass ich ein viel besserer Gitarrist bin, wenn die Sachen gut klingen." Edge perfektionierte seinen Sound auf The Joshua Tree und begann dann in den Neunzigern praktisch von vorne, indem er schwere Krautrock- und Club-Einflüsse in seine Arbeit einfließen ließ. "Es gibt nur wenige Gitarristen, die sich allein durch Akkorde identifizieren können", sagt Joe Bonamassa. "The Edge kann das - mit einem einzigen Schlag und einem Tonfall." -A.G.
Key Tracks: "Sunday Bloody Sunday", "Where the Streets Have No Name"
46 Frank Zappa
"Als ich lernte, Gitarre zu spielen, war ich besessen von diesem Album", sagte Trey Anastasio von Phish im Jahr 2005 über Frank Zappas 1981 erschienene Sammlung komplizierter und atemberaubender Soli, Shut Up ’n’ Play Yer Guitar. "Jede Grenze, die auf der Gitarre möglich war, wurde von ihm auf eine Art und Weise untersucht, wie es andere Leute nicht taten. Als absoluter Chef seiner Bands, darunter die legendären Mothers of Invention, verschmolz Zappa Doo-Wop, Urban Blues, Big-Band-Jazz und orchestrale Moderne mit eiserner Hand. Als Gitarrist schöpfte er aus all diesen Quellen und improvisierte dann mit wütender und echter Freude. Sein Solo bei "Willie the Pimp" auf dem 1969 erschienenen Album Hot Rats ist eine ausgedehnte Studioparty mit fettiger Verzerrung, mahlendem Wah-Wah und aufgeregten Blues-Slaloms. -D.F.
Wichtige Tracks: "Willie the Pimp", "In-a-Gadda-Stravinsky"
45 Steve Cropper
Peter Buck hat Steve Cropper als "wahrscheinlich meinen Lieblingsgitarristen aller Zeiten" bezeichnet. Ich kann mich an keine Zeit erinnern, in der er wirklich ein heißes Solo gespielt hat, aber er spielt einfach perfekt". Cropper war die geheime Zutat in einigen der größten Rock- und Soul-Songs: Als Teenager hatte er seinen ersten Hit ("Last Night") mit den Mar-Keys; später verbrachte er den größten Teil der sechziger Jahre in Booker T. and the MG’s, der Hausband von Stax Records, die auf Hits von Carla Thomas, Otis Redding und Wilson Pickett spielte. Seitdem ist sein sparsames, gefühlvolles Spiel auf Platten von Dutzenden von Rock- und R&B-Künstlern zu hören, darunter auch in der Band der Blues Brothers. Man denke nur an die Einleitung von Sam and Daves "Soul Man", die explosiven gebogenen Noten in Booker T.s "Green Onions" oder die filigranen Gitarrenfills in Reddings "(Sittin’ on) The Dock of the Bay" - sie alle tragen Croppers unverkennbaren Sound, die Quintessenz der Soulgitarre. "Es ist mir egal, ob ich im Mittelpunkt stehe", sagt Cropper. "Ich bin ein Bandmitglied und war schon immer ein Bandmitglied". -D.W.
Key Tracks: "(Sittin’ on) The Dock of the Bay", "Green Onions", "Soul Man"
44 Johnny Ramone (The Ramones)
Johnny Ramone, der Vater der Punkrock-Gitarre und ein großer Einfluss auf den riffbetonten modernen Metal, ist einer der großen Anti-Helden dieses Instruments. John Cummings machte sich mit einer billigen Mosrite-Gitarre einen Namen, auf der er in einem minimalistischen Stil, der passenderweise als "Buzzsaw" bekannt wurde, rasend schnelle, abwärts gestrichene Barré-Akkorde schlug. Als reiner Rhythmusmotor spielte Ramone fast nie ein Solo, aber sein Spiel hatte die Wucht eines entgegenkommenden U-Bahn-Zuges. In einer Zeit, in der "heavy" gleichbedeutend mit "langsam" war, zeigten der primitive, metronomische Swing seiner Riffs auf "Blitzkrieg Bop" und "Judy Is a Punk" und der Trampolin-Pop-Grind von "Rockaway Beach", dass man die Dinge beschleunigen konnte, ohne auch nur ein Gramm an Kraft zu verlieren (etwas überraschend war sein eigener Gitarrenheld Jimmy Page). "Johnny war der erste Gitarrist, den ich je spielen sah, als wäre er wirklich verrückt", sagte Henry Rollins. "Und ich dachte mir: ‚Verdammt. Das ist cool.’" -W.H.
Key Tracks: "Blitzkrieg Bop", "Judy Is a Punk", "Rockaway Beach"
43 Jonny Greenwood and Ed O’Brien (Radiohead)
Vom Chunka-Chunka-Ausbruch vor dem Refrain von "Creep" bis zum hochfrequenten Quietschen im Solo von "Just" zeigte Jonny Greenwood schon früh, dass er daran interessiert war, verrückte Dinge mit seinem Instrument zu tun. Damals spielte er so aggressiv, dass er eine Handgelenkstütze tragen musste, aber es wurde ihm schnell langweilig. "Gitarre ist für mich nicht wirklich wichtig", sagte er 1997 dem Guitar Magazine. (Man stelle sich vor, das im selben Jahr zu sagen, in dem man "Paranoid Android" aufnahm.) Doch selbst als er zu einem bekannten neoklassischen Komponisten aufblühte, sorgte Greenwood immer dafür, dass auf jedem Album mindestens ein hirnzermarternder Gitarrenpart enthalten war. Ihm zur Seite stand Ed O’Brien, der vielleicht am meisten unterschätzte Gitarrist der Rockmusik. Bei jedem Radiohead-Auftritt sieht man ihn, wie er subtile Texturen hinzufügt, die jeden Song aufwerten, und die Band mit seiner fröhlichen, zu allem bereiten Art auf dem Boden hält. Man kann vielleicht nicht sein bestes Solo nennen, aber er ist aus Radiohead nicht mehr wegzudenken. -S.V.L.
Wichtigste Tracks: "Creep", "Paranoid Android", "I Might Be Wrong"
42 Vernon Reid (Living Color)
In den Achtzigerjahren waren Living Colour eine notwendige Erinnerung daran, dass schwarze Musiker genauso hart rocken konnten wie alle anderen - eine Tatsache, die besonders deutlich wurde, als die Band zu MTV-Stars wurde. Genauso wichtig war, dass Vernon Reid als Lead-Shredder der Band bewies, dass ein Gitarrist, der mit Jazz, Fusion und Funk aufgewachsen war, all diese Einflüsse in einen knallharten Rock einbringen konnte. Reid machte erstmals in den frühen Achtzigern auf sich aufmerksam, als er in der Band des Avantgarde-Schlagzeugers Ronald Shannon Jackson spielte. Sein Monster-Riffing auf Living Colour’s "Cult of Personality" zeigt nur eine Seite von Reid’s Vielseitigkeit, die auch den Speed-Metal-Freakout auf "Times Up" und wahnsinniges Schreddern auf Stücken wie "Funny Vibe" umfasst. Kein Wunder, dass jeder, von Mick Jagger bis John Zorn, ihn rekrutiert hat. Wie man auf Living Colour’s letztem Album, Shade von 2017, hören kann, verfügt Reid immer noch über ein mächtiges Arsenal an Effekten und Sounds. -D.B..
Key Tracks: "Cult of Personality", "Pride", "Funny Vibe"
41 Bo Diddley
"Es ist die Mutter aller Riffs", sagte Gitarrist Johnny Marr: der "Bo Diddley Beat", der von dem in Chicago als Ellas Otha Bates, alias Diddley, geborenen Gitarristen eingeführt wurde. Angetrieben von seiner Tremolo-Gitarre entfesselten Songs wie "Mona" und "Bo Diddley" eine superstarke Version eines westafrikanischen Grooves, der von Sklaven überliefert wurde. Nach Diddley wurde das Riff von allen übernommen, von Buddy Holly bis zu den Rolling Stones (die "Mona" 1964 coverten) und später von Garagen-Rockern und Punks, die auf seine rohe Einfachheit reagierten. "Jeder, der eine Gitarre in die Hand nahm, konnte es spielen", sagt Dan Auerbach von den Black Keys. "Wenn du einen Beat halten konntest, konntest du Bo Diddley spielen". "Sein Stil war unverschämt", sagte Keith Richards; er suggerierte, "dass die Art von Musik, die wir liebten, nicht nur aus Mississippi kam. Sie kam von irgendwo anders her." -R.T.
Wichtigste Tracks: "Bo Diddley", "Road Runner", "Who Do You Love?"
40 John Fahey
John Fahey, der 2001 im Alter von 61 Jahren starb, war der exzentrische Meister der amerikanischen Folkgitarre, ein schillernder Fingerpicker, der traditionelle Bluesformen mit den fortgeschrittenen Harmonien der modernen klassischen Musik verband und diese Schönheit mit dem Witz eines Schelms verarbeitete. "Seine Musik zeugt von einer grenzenlosen Freiheit", so der ehemalige Captain Beefheart-Gitarrist Gary Lucas. Fahey nahm klassische Alben wie The Transfiguration of Blind Joe Death (1965) und The Voice of the Turtle (1968) für sein eigenes Takoma-Label auf und war auch ein versierter Musikwissenschaftler und Gelehrter. In den Neunzigern wechselte Fahey zu einem stacheligen Minimalismus auf der E-Gitarre, der ihn zu einer Post-Punk-Ikone machte. "Von John Fahey bestätigt zu werden", sagte Thurston Moore von Sonic Youth, "war etwas ganz Besonderes für unsere Szene." -W.H.
Wichtigste Tracks: "Poor Boy", "The Yellow Princess"
