ROLLING STONE hat gewählt: Die 250 besten Gitarristen aller Zeiten
Die neue Liste der besten Gitarristinnen und Gitarristen – erweitert auf 250 Positionen
Key Tracks: „Cowgirl in the Sand“, „Powderfinger“, „Rockin’ in the Free World“‚ caption=“]
29 Eddie Hazel (Parliament)
Die Legende besagt, dass "Maggot Brain", das zehnminütige Gitarrensolo, das den verstorbenen Eddie Hazel zu einer Gitarrenlegende machte, während eines LSD-Trips entstand, als Funkadelic-Bandleader George Clinton ihn aufforderte, sich vorzustellen, dass seine Mutter gerade gestorben sei - und dann zu erfahren, dass sie tatsächlich noch am Leben sei. "Ich wusste sofort, dass er verstand, was ich meinte", schrieb Clinton in seinen Memoiren. "Ich konnte die Gitarrennoten sehen, die sich wie ein silbernes Netz ausbreiteten. Als er das Solo zurückspielte, wusste ich, dass es mehr als gut war, nicht nur eine virtuose Darbietung von Musikalität, sondern auch ein fast beispielloser Moment von Emotionen in der Popmusik". Hazels weitere Arbeit mit P-Funk und auf eigene Faust war eine aufregende Mischung aus Groove-Power und psychedelischen Höhenflügen. Aber es war "Maggot Brain", das die nachfolgenden Gitarristen am meisten inspiriert hat, darunter Nels Cline, J. Mascis, Warren Haynes und Mike McCready, die den Song alle live gespielt haben und damit den Geist einer zutiefst begabten Seele verkörpern. -W.H.
Schlüsseltracks: "Maggot Brain", "Funky Dollar Bill"
28 David Gilmour (Pink Floyd)
Als Produzent und Songschreiber fühlt sich David Gilmour von Pink Floyd zu schwebenden, verträumten Texturen hingezogen, aber wenn er seine schwarze Stratocaster in die Hand nimmt, um ein Solo zu spielen, kommt eine ganz andere Sensibilität zum Tragen: "Ich wollte einen hellen, kraftvollen Leadgitarren-Ton, der einem im Grunde das Gesicht abreißt", sagt er. Er war ein feuriger, bluesorientierter Solist in einer Band, die kaum Blues spielte - seine ausladenden, eleganten, unerbittlich melodischen Soli waren ein ebenso eindringlicher Weckruf wie die Wecker in The Dark Side of the Moon. Aber Gilmour war auch versiert in dröhnender Avantgarde-Improvisation, wie in Floyds "Live at Pompeii"-Tagen, und er konnte ein unerwartet funky Rhythmusgitarrist sein, vom slinky Riff zu "Have a Cigar" bis zu den Chic-artigen Schnörkeln in "Another Brick in the Wall, Part 2". Sein bahnbrechender Einsatz von Echo und anderen Effekten - ursprünglich inspiriert von Syd Barrett, dem ursprünglichen Floyd-Gitarristen - gipfelte in seinem präzisen Einsatz von Delay bei "Run Like Hell", das den charakteristischen Sound von The Edge direkt vorwegnimmt.
Wichtigste Tracks: "Comfortably Numb", "Shine on You Crazy Diamond"
27 Buddy Guy
Buddy Guy hatte sich daran gewöhnt, dass man seinen Gitarrenstil als Krach bezeichnete - von seiner Familie im ländlichen Louisiana, die ihn wegen des Lärms aus dem Haus jagte, bis hin zu den Chess-Records-Chefs Phil und Leonard Chess, die, wie er sagt, "mich bei den Sessions mit Muddy Waters, Howlin’ Wolf und Little Walter nicht so loslassen wollten, wie ich wollte". Doch als eine neue Generation von Rockern den Blues entdeckte, wurde Guys Laubsägearbeit zu einem wichtigen Einfluss auf Titanen wie Jimi Hendrix und Jimmy Page. Guys extravagantes Spiel - riesige Bendings, auffällige Verzerrungen, frenetische Licks - bei Klassikern wie "Stone Crazy" und "First Time I Met the Blues" sowie seine Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Harp-Meister Junior Wells setzten neue Maßstäbe für die Wut der Sechssaiter. Seine Showeinlagen, bei denen er mitten im Solo durch das Publikum schlendert, sind auch mit 87 Jahren noch elektrisierend. "Er war für mich das, was Elvis wahrscheinlich für andere Leute war", sagte Eric Clapton bei Guys Aufnahme in die Rock & Roll Hall of Fame im Jahr 2005. "Mein Kurs war festgelegt, und er war mein Pilot." -A.L.
Key Tracks: "Stone Crazy", "First Time I Met the Blues"
26 St. Vincent
Annie Clark - alias St. Vincent - erschafft komplexe und atmosphärische Musik, die nicht von Natur aus gitarrenlastig ist, aber dennoch von ihrem innovativen Ansatz an das Instrument geprägt ist. Obwohl sie an der Berkelee School of Music ausgebildet wurde und stark von so geschickten Spielern wie Robert Fripp, Adrian Belew und Marc Ribot beeinflusst ist, überlagert die Grammy-Preisträgerin ihre Aufnahmen mit fesselnden Gitarrentönen, -farben, -stimmungen, -harmonien und -effekten, anstatt die Kompositionen als Schaufenster für ihr beachtliches sechssaitiges Können zu betrachten. "Ich gehe an das Gitarrenspiel nicht wie ein Ego heran - nach dem Motto ‚Ich werde schneller spielen als jemand anderes’", erklärte Clark 2011 gegenüber Premier Guitar. "Ich bin nicht so sehr an diesem sportlichen Aspekt interessiert. Das ist der Unterschied zwischen einem Athleten und einem Künstler, und es ist großartig, wenn sich diese Dinge verbinden lassen. Das ist das Ideal - etwas zu machen, das musikalisch machbar ist und gleichzeitig emotional fesselt. Das ist der goldene Mittelweg." -D.E.
Key Tracks: "Rattlesnake", "Cruel", "Masseduction"
25 John Frusciante
Die Red Hot Chili Peppers waren musikalisch noch nie leicht zu fassen, und das ist vor allem Frusciante zu verdanken, dem Sohn eines Juilliard-Pianisten. Der wilde Original-Gitarrist der Band, der verstorbene Hillel Slovak, hatte es schwer, in die Fußstapfen der Band zu treten, aber Frusciante - der nun schon zum dritten Mal bei der Band ist - spielte eine wichtige Rolle dabei, die Chili Peppers aus dem White-Funk-Ghetto herauszuholen und in ganz eigene musikalische Welten zu führen. Frusciante spielte immer im Dienste des Songs und gab den Chili Peppers eine Bandbreite, die sie vorher nicht hatten: man denke nur an das Headbanger-Riffing unter ihrer Coverversion von Stevie Wonders "Higher Ground", das gefühlvolle Strumming in "Under the Bridge" und "Scar Tissue", den metallischen Funk-Sleaze in "Give It Away", das launische Strumming in "Breaking the Girll" und das vulkanische, Hendrix’sche Solo in "Dani California". Diese eklektische Palette verlieh Chili Peppers-Alben wie Californication und Blood Sugar Sex Magik eine bemerkenswerte Vielfalt - und machte Frusciante zu einem der einflussreichsten und vitalsten Gitarristen der Alt-Rock-Ära. -D.B..
Wichtigste Tracks: "Dani California", "Under the Bridge"
24 James Burton
James Burtons Markenzeichen, der "Chicken Picking"-Stil - hell, knackig und prägnant - ist einer der einzigartigsten Sounds in der Country-Musik und hat auch die Rockgitarre stark beeinflusst. Burton begann seine Karriere im Alter von 14 Jahren, als er "Susie Q" für Dale Hawkins schrieb, und wurde zum Teenager-Star, als er 1957 der Band von Ricky Nelson beitrat. Mit Nelson entwickelte Burton seine ganz eigene Technik: Er benutzte einen Fingerpick und ein flaches Plektrum, und er ersetzte die vier höchsten Saiten seiner Telecaster durch Banjosaiten, so dass seine Gitarre schnappte, knallte und stotterte. "Ich habe nie eine Ricky-Nelson-Platte gekauft", sagte Keith Richards. "Ich habe eine James-Burton-Platte gekauft." In den späten Sechzigern und Siebzigern rief er Elvis Presleys TCB-Band ins Leben und wurde zu einer festen Größe bei Country-Platten von Joni Mitchell und Gram Parsons. "Er war einfach ein mysteriöser Typ: Wer ist dieser Typ und warum ist er auf all diesen Platten, die ich mag?", sagt Joe Walsh. "Seine Technik war sehr wichtig." -A.L.
Key Tracks: "Hello Mary Lou", "Susie Q", "Believe What You Say"
23 James Hetfield and Kirk Hammett (Metallica)
Metallica kamen als Geschwindigkeitsdämonen auf die Welt, mit Sänger und Rhythmusgitarrist James Hetfield, der in einem Tempo riffte, als würde Black Sabbath mit 78 Umdrehungen pro Minute spielen, und Leadgitarrist Kirk Hammett, der Noten überall hin sprühte, wo er konnte. Hetfield und Hammetts Vorgänger Dave Mustaine (heute selbst ein Gitarrenheld bei Megadeth) entwickelten Techniken, die es ihnen erlaubten, ihre Finger so wenig wie möglich zu bewegen, um schneller als alle anderen spielen zu können, und definierten den Metal mit Songs wie "Phantom Lord" und "Jump in the Fire" neu. Doch mit dem zweiten Album von Metallica, als Hammett, ein ehemaliger Schüler von Joe Satriani, begann, Songs wie "Fade to Black" und "The Call of Ktulu" mit gefühlvollen Melodien zu versehen, erreichte die Band etwas Einzigartiges. Diese Dualität von Hetfields knüppelnder Wut und Hammetts gefühlvoller, Wah-Wah-gesteuerter Sensibilität wurde zu ihrem größten Erfolg: "Enter Sandman", "One", "Master of Puppets" - Songs, die die Qualen und die Ekstase der Band einfangen. -K.G.
Schlüsseltracks: "One", "Fade to Black", "Sad But True"
22 Albert King
Als der Rolling Stone Albert King 1968 fragte, wer seine Gitarreneinflüsse seien, antwortete er: "Niemand. Alles, was ich mache, ist falsch." Als Pionier des elektrischen Blues spielte King (der Linkshänder war) eine rechtshändige Gibson Flying V von 1959 verkehrt herum, wobei die Basssaiten unkonventionell zum Boden zeigten. Er benutzte eine nicht zu entschlüsselnde geheime Stimmung und schlug die Noten mit dem Daumen an. Der 1,90 Meter große und 300 Pfund schwere King konnte die Noten weiter und kraftvoller biegen als fast jeder andere Gitarrist, und seine Platten beeinflussten eine ganze Generation: Eric Clapton übernahm das "Strange Brew"-Solo von King, und Duane Allman verwandelte die Melodie von Kings "As the Years Go Passing By" in das Hauptriff von "Layla". Jimi Hendrix war beeindruckt, als sein Held 1967 im Fillmore für ihn eröffnete. "Ich habe Hendrix eine Lektion über den Blues erteilt", sagte King. "Ich hätte seine Songs leicht spielen können, aber er konnte meine nicht spielen."
Key Tracks: "Born Under a Bad Sign", "As the Years Go Passing By"
21 Randy Rhoads (Ozzy Osbourne)
Randy Rhoads’ Karriere war viel zu kurz - er starb 1982 im Alter von 25 Jahren bei einem Flugzeugunglück - aber seine präzisen, architektonischen, rasanten Soli auf Ozzy Osbournes "Crazy Train" und "Mr. Crowley" waren für die folgenden Jahre das Vorbild für Metal-Gitarrensoli. "Wegen ihm habe ich acht Stunden am Tag geübt", sagte Tom Morello, der Rhoads als "den größten Hard-Rock/Heavy-Metal-Gitarristen aller Zeiten" bezeichnete. Rhoads war als Teenager Mitbegründer von Quiet Riot und trat 1979 Osbournes Band Blizzard of Ozz bei, nachdem er einige Jahre als Gitarrenlehrer gearbeitet hatte. Der Legende nach nahm Rhoads selbst weiterhin Gitarrenunterricht in verschiedenen Städten, wenn er mit Ozzy auf Tournee war. Als er sein letztes Album, Osbournes Diary of a Madman, aufnahm, beschäftigte sich Rhoads intensiver mit klassischer Musik und erkundete sogar den Jazz. Er "griff tief in sich als Gitarrist", sagte Nikki Sixx von Mötley Crüe. "Das war wirklich der nächste Schritt." -D.W.
Schlüsseltracks: "Crazy Train", "Mr. Crowley", "Diary of a Madman"
20 Stevie Ray Vaughan
In den frühen Achtzigern war MTV auf dem Vormarsch, und die Bluesgitarre war meilenweit vom Mainstream der Musik entfernt. Doch Stevie Ray Vaughan aus Texas verlangte Ihre Aufmerksamkeit. Er hatte die Stile fast aller großen Bluesgitarristen aufgesogen - plus Jimi Hendrix und eine Menge Jazz und Rockabilly - und sein Monsterton, seine lässige Virtuosität und sein tadelloser Sinn für Swing konnten einen Blues-Shuffle wie "Pride and Joy" so hart wie Metal machen. Vaughan wurde von Größen wie B.B. King und Eric Clapton als ebenbürtig anerkannt, und trotz seines Todes bei einem Hubschrauberabsturz im Jahr 1990 inspiriert er noch immer mehrere Generationen von Gitarristen, von Mike McCready von Pearl Jam über John Mayer bis hin zu Gary Clark Jr. "Stevie war einer der Gründe, warum ich eine Stratocaster haben wollte - sein Ton, den ich nie hinbekommen habe, war einfach so groß und fett und hell zugleich", so Clark. "Wenn man sich seine Platten anhört und seine Videos anschaut, merkt man, dass er einfach alles gibt, was er hat. Seine Leidenschaft ist überwältigend." -W.H.
Schlüsseltracks: "Love Struck Baby", "Cold Shot"
