20 Rockalben, die ROLLING STONE in den 1970ern liebte und die du nie gehört hast
Wir haben sie vor 50 Jahren gelobt – und Sie sollten sie sich heute anhören! 20 Rock-Alben der 1970er, die Sie kennen müssen
Von 1970 bis 1979 veröffentlichte ROLLING STONE über 250 Ausgaben, viele davon mit mehr als 20 Plattenrezensionen. Das bedeutet, dass wir etwa 5.000 Alben rezensiert haben, sodass es nicht verwunderlich ist, dass einige unserer Favoriten in letzter Zeit nicht mehr gespielt wurden. Hier sind 20 Rockalben, die wir in den Siebzigern geliebt haben. Von Mitch Ryder bis Twiggy, von Kate Hudsons Vater bis zu Paul McCartneys Bruder –, die in den letzten Jahrzehnten weitgehend ungehört geblieben sind, aber es immer noch verdienen, laut gespielt zu werden.
Fanny, „Fanny Hill“
Fanny war die erste rein weibliche Band, die ein Album bei einem Major-Label veröffentlichte. Mit ihrem dritten Album „Fanny Hill“ (produziert von Beatles-Toningenieur Geoff Emerick) hatten sie ihren Stil gefunden und machten endlos einfallsreichen Hardrock. Fanny Hill machten bis Mitte der Siebzigerjahre weiter und lösten sich dann auf, weitgehend vergessen – aber nicht von David Bowie, der 1999 gegenüber dem ROLLING STONE sagte: „Sie waren eine der besten Rockbands ihrer Zeit, so um 1973. Sie waren außergewöhnlich: Sie haben alles selbst geschrieben, sie haben wie die Motherfucker gespielt, sie waren einfach kolossal und wunderbar, und niemand hat jemals von ihnen gesprochen. Sie sind genauso wichtig wie alle anderen, die jemals da waren; es war einfach nicht ihre Zeit.“
Was wir damals sagten:
„June Millingtons Gitarrenspiel ist hervorragend, sowohl aus der Perspektive der Leadgitarre als auch der Rhythmusgitarre – und so gut es auch ist, es ist lediglich typisch für Fannys Ensemble-Spiel auf dem gesamten Album, das genau dann melodische Hooks bietet, wenn sie am meisten gebraucht werden. … Es gibt nur wenige Bands, die mit ihrer Musik allein so viel Begeisterung wecken können wie Fanny mit diesem Album.“ – Mike Saunders, RS 106 (13. April 1972)
The Motors, „Approved by the Motors“
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Diese Band explodierte aus der britischen Pub-Szene und durch unsere Lautsprecher mit ihrem zweiten Album, auf dem sie ihre kreischenden Gitarren in Power-Pop-Konfekt verwandelten. „Airport“ war eine Top-5-Single in Großbritannien, aber die Band schaffte nie den Durchbruch auf dem amerikanischen Markt. Gitarrist Bram Tchaikovsky verließ die Band nach diesem Album und hatte eine recht erfolgreiche Solokarriere; The Motors lösten sich 1982 auf.
Was wir damals sagten:
„Approved by the Motors ist ein nahezu perfektes Album mit purem, mitreißendem Pop in der besten Tradition von Sweet, Slade und Pilot, das mit den dynamischen Dual-Vocals von Nick Garvey und Andy McMaster die Niedlichkeit dieses Genres durchbricht … Die Band singt auf charmante Weise über S&M-Praktiken und entwaffnet damit das gesamte Thema auf dieselbe liebenswerte Art und Weise, wie Cheap Trick Selbstmord fröhlich trivialisiert.“ – Jim Farber, RS 274 (21. September 1978)
Hudson Brothers, „Hollywood Situation“
Die Hudson Brothers hatten in etwa so viel musikalische Glaubwürdigkeit wie die Jonas Brothers: Sie wurden ebenfalls durch das Fernsehen berühmt (die Varieté-Show The Hudson Brothers Show, die Samstagvormittagssendung Hudson Brothers Razzle Dazzle Show und die syndizierte Show Bonkers!). Aber sie waren eine erstklassige Rockband, rauer und funkiger, als man es von TV-Stars erwarten würde. Sie arbeiteten in den Siebzigern weiter, manchmal produziert von Bernie Taupin; Bill Hudson heiratete Goldie Hawn (und später Cindy Williams von Laverne & Shirley) und ist heute vor allem als Vater von Kate Hudson bekannt.
Was wir damals sagten:
„Der rockige Titel lässt das Adrenalin sofort steigen, und eine Abfolge von unwiderstehlichen Melodien, frechem, dynamischem Rock und mitreißenden Harmonien hält die anfängliche Intensität aufrecht. Die Hudsons zeigen auch beneidenswerte Raffinesse bei „Song for Stephanie“, „Three of Us“ und der langsameren, erstaunlich Lennon-artigen Hit-Single „So You Are a Star“ …Die drei Hudson Brothers haben alles selbst geschrieben und fast alles selbst gespielt und verfügen offensichtlich über ein enormes musikalisches Potenzial.“ – Ken Barnes, RS 179 (30. Januar 1975)
Maggie Bell, „Queen of the Night“
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Maggie Bell war Leadsängerin der schottischen Rockband Stone the Crows, die sich auflöste, nachdem ihr Gitarrist auf der Bühne einen tödlichen Stromschlag erlitten hatte. Unter der Leitung von Peter Grant (Led Zeppelin) und produziert von Jerry Wexler (Aretha Franklin) gab Bell ein atemberaubend gutes Solo-Debüt, das sie als Nachfolgerin von Janis Joplin zu positionieren schien (sie coverte sogar „A Woman Left Lonely“). Doch sie schaffte nie den kommerziellen Durchbruch, nicht einmal, als Jimmy Page auf ihrem zweiten Album Gitarre spielte – das Einzige, worin sie Joplin übertraf, war, dass sie am Leben blieb.
Was wir damals sagten:
„Bell versteht es, Pop in Blues zu verwandeln, wie es fast alle anderen vergessen zu haben scheinen. … Dennoch frage ich mich, ob Bell Joplins Poltergeist entkommen kann. Geister begegnet man oft am besten durch Konfrontation. Wenn Maggie Bell ein weiteres Album in dieser Qualität herausbringt, wird ihr Problem darin bestehen, ihrem eigenen Ruf gerecht zu werden.” – Dave Marsh, RS 159 (25. April 1974)
The Chambers Brothers, „Feelin’ the Blues”
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Die multiethnische Band Chambers Brothers war Pionierin der Verschmelzung von Soul und Psychedelic Rock, am bekanntesten durch ihren epischen Hit „Time Has Come Today” aus dem Jahr 1968. Ihre Studioalben waren jedoch oft überproduziert: Ihren unzensierten Sound konnte man am besten auf Live-Alben wie diesem genießen, auf denen sie „ihre menschlich-elektrische Mischung aus Rock, Blues und Gospel” zum Besten gaben. Die Band stellte 1975 ihre Aufnahmen ein, kam aber regelmäßig für Live-Auftritte wieder zusammen.
Was wir damals sagten:
„[Eines] ist immer offensichtlich, und das ist die erstaunliche Musikalität und die angespannte Untertreibung ihrer Musik. Willys einzigartiger Blues-Gitarrenstil, so elektrisch und so klangvoll, bildet den Hintergrund ihres Sounds, der von Joe am Bass oder an der zweiten Gitarre verziert wird. . .Aber was sie wirklich ausmacht, sind ihre Stimmen, ihre Harmonien, ihre mitreißenden Rhythmen, ihr Wechselgesang vom Bass zum Tenor, ihr enthusiastisches Klatschen und ihre oft ironischen Einleitungen zu den Songs.“ – Gary von Tersch, RS 62 (9. Juli 1970)
Crabby Appleton, „Crabby Appleton”
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Diese LP war geradliniger California Rock, aber makellos gemacht: eingängig, mitreißend, „fast fehlerfrei”. Über 40 Jahre später klingt sie immer noch frisch. Eine Single aus diesem Album, „Go Back”, schaffte es in die Top 40, aber die fünfköpfige Band löste sich nach dem Flop des Folgealbums auf. Frontmann Michael Fennelly veröffentlichte anschließend zwei Alben in England und nahm später einige Backing Vocals mit Steely Dan auf.
Was wir damals sagten:
„Crabby Appleton ist eine einfallsreiche L.A.-Band im klassischen Stil: hochklingende Gitarren, knisternde Orgel und ein Leadsänger, dessen Gesang im Gegensatz zu seiner phlegmatischen Ausstrahlung, die all das mürrische, narzisstische Charisma hat, das eine Band braucht, kraftvoll und dramatisch ist. Eine weitere patentierte, kurzlebige Hype-Band? Nein. Crabby Appleton ist, wie ich gerne berichte, das Original.“ – Lester Bangs, RS 69 (29. Oktober 1970)
Lon & Derrek Van Eaton, „Brother“
Die Van Eaton Brothers, die letzten Künstler, die bei Apple Records unter Vertrag standen, wurden von George Harrison für einen Fünfjahresvertrag engagiert, der die Produktion des größten Teils dieses Albums an Klaus Voorman abgab, aber die Single „Sweet Music“ selbst produzierte. Dieses Debütalbum zeigte, dass die Brüder über eine musikalische Finesse auf Beatles-Niveau verfügten: Wir sagten, es sei „vielleicht das perfekte Studioalbum“. Als Apple aufgelöst wurde, zogen die Van Eatons nach Los Angeles und bekamen Arbeit als Begleitmusiker für Ringo Starr auf seinen Soloalben.
Was wir damals sagten:
„Dieses atemberaubend beeindruckende erste Album … zeigt mehr Energie, gutes Gefühl und schieres musikalisches Talent als jedes andere Debütalbum, das ich dieses Jahr gehört habe. Derreks Gesang ist erstaunlich. Sein Stil reicht von einem seltsamen, zitternden Falsett bis zum härtesten Rock-Schrei, und er ist in der Lage, die Unterschiede auch nuanciert darzustellen.“ – Stephen Holden, RS 122 (23. November 1972)
Blue Jug, „Blue Jug“
Mitte der 70er Jahre löste sich die Band auf – nach einigen ungleichmäßigen Alben verabschiedeten sie sich mit einem Paukenschlag (dem legendären Konzert „Last Waltz“). Aber Blue Jug (aus Seattle über Nashville) trat an ihre Stelle mit einem Debütalbum, das eine intensive Auseinandersetzung mit Music From Big Pink vermuten ließ. Wir sagten, es klinge „wie das beste Album, das die Band seit Jahren veröffentlicht hat“, aber das Publikum war nicht auf der Suche nach einer neuen Band; Blue Jug nahmen nie wieder etwas auf.
Was wir damals sagten:
„Erstlingsalben sind selten so beeindruckend wie dieses, und jetzt frage ich mich, ob ich Blue Jugs erstes Werk überbewertet habe. Aber nein. Bei genauerer Betrachtung verstehe ich, dass meine Meinung ehrlich ist – bevor sie fertig sind, werden Blue Jug einen bedeutenden Beitrag zur amerikanischen Musik leisten.“ – David McGee, RS 203 (1. Januar 1976)
Blue Ash, „No More No Less“
Das Quartett Blue Ash aus Ohio spielte Power-Pop schon so früh, dass es noch keinen gängigen, prägnanten Namen für dieses Genre gab: Wir nannten es „dreiminütige Songs mit betonter Melodie, kraftvollen Rhythmusakkorden, Harmonien und einer ansteckenden Begeisterung und Hochstimmung“. Aber unabhängig von der Bezeichnung war dies ein mitreißendes Album voller eingängiger Songs. Blue Ash waren bis 1979 aktiv (plus einige spätere Reunion-Gigs). Bassist Frank Secich spielte anschließend bei Stiv Bators; Gitarrist Bill „Cupid“ Bartolin starb 2009 an Krebs.
Was wir damals sagten:
„‚Wasting My Time‘, ‚Here We Go Again‘ und ‚I Remember a Time‘ haben mich mit ihrer schieren Ansteckungskraft, ihren charmanten Harmonien und ihren atemberaubenden Power-Akkorden begeistert. . „Dusty Old Fairgrounds“ verwandelt einen unglaublich obskuren Dylan-Trad-Folk-Song in einen rasanten Rocksong. … „No More No Less“ ist ein erstaunlich explosives Debüt, und mit ihrem scheinbar grenzenlosen Potenzial sollten Blue Ash eigentlich zu einem großen Phänomen werden.“ – Ken Barnes, RS 139 (19. Juli 1973)
Twiggy, „Twiggy”
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Die gamine Twiggy war das bestimmende Model der Sechzigerjahre – und 1973 erschien sie neben David Bowie auf dem Cover seines Albums „Pin Ups”. Das reichte offenbar aus, um ihre Gesangskarriere zu starten, aber sie bewies, dass sie tatsächlich interpretatorisches Talent hatte: Wir bezeichneten ihr Debütalbum als „mehr als nur eine angenehme Überraschung”. Obwohl sich das Album nicht besonders gut verkaufte, setzte sie ihre Karriere als Sängerin und Schauspielerin fort, vor allem als Star der Broadway-Show „My One and Only“ (an der Seite von Tommy Tune).
Was wir damals schrieben:
„Ihre Stimme, die mal an Olivia Newton-John, mal an Melanie erinnert (ohne jedoch die kalkulierte Unterwürfigkeit der Ersteren oder die übertriebene Verletzlichkeit der Letzteren), ist kraftvoll und selbstbewusst. Außerdem hat sie ein feines Gespür dafür, wo das Herz eines Songs liegt. … Twiggys Musik hat eine Zartheit und Vitalität, die weit über das übliche Mainstream-Niveau hinausgeht, und man wünscht ihr viel Glück in einem Bereich, der, wenn überhaupt, noch unbeständiger und launischer ist als die Model- und Modewelt.” – Billy Altman, RS 225 (4. November 1976)
Hoodoo Rhythm Devils, „The Barbecue of Deville“
Die Hoodoo Rhythm Devils machten heißen, rauen Country-Rock, der jede Art von Art-Rock-Anspruch zugunsten lauter Songs über das Essen von Barbecue-Sandwiches verwarf. Auf ihrem zweiten Album (nach „Rack Jobbers Rule“) lieferte diese Band aus Berkeley eine Late-Night-Party auf Vinyl. Sie machten in den Siebzigern Musik und blieben nach ihrer Trennung in der Musik- und Werbebranche tätig: Bassist Richard Greene sang den berühmten Jingle „Fall into the Gap“ für Gap.
Was wir damals sagten:
„[Wie] ein Bonbon von den Göttern, hier ist es. Noch wunderbarer wertlos als Commander Cody and His Lost Planet Airmen. So schäbig wie die legendären Asleep at the Wheel. Völlig frei von Image und Metaphern. Ohne jeglichen sozialen Wert. Ästhetisch unscheinbar. Schamlos abgeleitet. Keine langen Stücke. Schlampig. Laut. Ja, es ist fast zu schön, um wahr zu sein.“ – Nick Tosches, RS 122 (23. November 1972)
Robin Trower, „Twice Removed from Yesterday“
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Nachdem er Procol Harum verlassen hatte und solo weitermachte, zeigte Gitarrist Robin Trower sein Hendrix-Können in einem Album, das wir als „brillantes Debütalbum“ bezeichneten. Trower hatte unglaubliches Gitarrentalent, aber glücklicherweise verzichtete er größtenteils auf supersonische Soli: Dieses Album war größtenteils von einem langsamen, bluesigen Groove geprägt. Es war kein Verkaufsschlager, aber es war der Grundstein für Trowers lange Solokarriere.
Was wir damals sagten:
„Robin Trower überschreitet die Grenzen traditioneller Musikformen und erschließt ein musikalisches Terrain, das die meisten Musiker nicht einmal begreifen, geschweige denn zu erkunden versuchen. Twice Removed from Yesterday befindet sich auf einem Niveau, das so weit über dem Großteil des heutigen Rock liegt, dass es diesem Rezensenten fast unmöglich ist, über die Band und das Album in der traditionellen Kritikersprache zu sprechen.“ — Gordon Fletcher, RS 137 (21. Juni 1973)
The Move, „Shazam“
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The Move war eine britische Band, die dafür bekannt war, auf der Bühne Fernseher mit Äxten zu attackieren. Dieses heavy Album sollte einigen früheren Pop-Ausflügen entgegenwirken (sie hatten zwar zahlreiche Hits in Großbritannien, aber nie in den USA) – glücklicherweise konnten sie ihr Talent für Melodien und freizügige Experimente nicht ablegen. Nach diesem unterhaltsamen zweiten Album stieß Jeff Lynne zu The Move, der für sie den Hit „Do Ya“ schrieb; einige Jahre später entwickelte sich die Band zum weitaus erfolgreicheren Electric Light Orchestra.
Was wir damals sagten:
„Ein ehrliches, fröhliches Kind dieses stark elektronisch geprägten Rock ’n’ Roll, der von The Who geboren und später von Cream und ihren Nachahmern massiv populär gemacht wurde. Die Zehntausende von Tourneen, die sie hinter sich haben, haben sich für The Move ausgezahlt: Ihre Musik, sowohl live als auch auf diesem Album, ist kraftvoll, komplex strukturiert und fließend. Shazam ist ein brutal energiegeladenes Rock-‚n‘-Roll-Album.“ – John Mendelsohn, RS 58 (14. Mai 1970)
Mike McGear, „McGear“
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Mike McGear, bekannt als Frontmann der britischen Band Scaffold – Moment mal, wem machen wir hier etwas vor? Er ist vor allem als Bruder von Paul McCartney bekannt. Sein berühmter Bruder produzierte dieses Album; die beiden schrieben alle Songs gemeinsam (Hit: „The Man Who Found God on the Moon“), und das Ergebnis ist ein Beatles-ähnlicher Genuss, der sich neben den besten Soloarbeiten McCartneys sehen lassen kann. McGear hat nach diesem Album keine weiteren Alben mehr veröffentlicht und sich ganz der Fotografie verschrieben (er hat das Coverfoto für Sir Pauls „Chaos and Creation in the Backyard“ aufgenommen).
Was wir damals gesagt haben:
„McGear ist das Album zweier beeindruckender musikalischer Intelligenzen, die sich gegenseitig in spannende Bereiche führen, die keiner von ihnen allein entdeckt hätte. Der Produzent und Songwriter McCartney hat die Einladung angenommen, abenteuerlicher zu sein als je zuvor, während der Songwriter und Performer McGear seinen potenziell einschüchternden Witz durch eine liebenswerte Melodik, die zu Pauls Spezialitäten zählt, davon abhält, zu schwerfällig zu werden.“ – Tom Nolan, RS 180 (13. Februar 1975)
Louie and the Lovers, „Rise“
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Diese wegweisende lateinamerikanische Rockband stammte aus der kleinen Agrarstadt Prunedale in Kalifornien – als sie noch zur Highschool gingen, wurden sie von Doug Sahm vom Sir Douglas Quintet entdeckt und produziert. Ihr Debütalbum war „einfach unglaublich“ und lag genau zwischen Creedence Clearwater Revival und Ritchie Valens. Nach der Veröffentlichung ihres zweiten Albums trennten sie sich, aber Frontmann Louie Ortega spielte noch jahrelang mit Sahm.
Was wir damals sagten:
„Im Gegensatz zu vielen ersten Alben heutzutage gibt es auf dieser Platte keinen einzigen schlechten Song oder gut gemeinte, aber misslungene Experimente. Diese Jungs sind absolute Profis und wissen, was sie wollen. Jeder Song fließt mit einer Selbstsicherheit und Einheit, die in der heutigen Zeit der hektischen „Auf-und-unter-Gehen“-Musiker leider fehlt. Und die Songs sind so authentisch: Nachdem Louie seine Freundin zum ersten Mal getroffen hatte, schrieb er „I Just Met You“. – Ed Ward, RS 67 (1. Oktober 1970)
Badger, „One Live Badger“
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Tony Kaye, Gründungsmitglied und Keyboarder von Yes, verließ die Band (ersetzt durch Rick Wakeman) und gründete diese Prog-Rock-Band, die sich mutig entschied, ein Live-Album als Debüt zu veröffentlichen. Mit weniger kosmischen Texten und mehr Rock klangen sie eher wie die Allman Brothers als wie Yes. Kaye spielte anschließend mit David Bowie und kehrte in den Achtzigern zu Yes zurück, um die erfolgreiche 90125-Ära der Band mitzugestalten.
Was wir damals sagten:
„Es wogt und treibt und findet den perfekten Mittelweg zwischen den gegensätzlichen musikalischen Extremen von snobistischer Unnahbarkeit und sinnlosem Boogie. … Wichtig ist auch, dass die Songs von Badger die perfekte Länge haben. Fünf der sechs Stücke des Albums sind zwischen 7:00 und 7:12 Minuten lang – lang genug, damit die Band richtig in Fahrt kommt, aber kurz genug, um den Hörer nach mehr verlangen zu lassen.“ – Gordon Fletcher, RS 142 (30. August 1973)
Wilderness Road, „Wilderness Road“
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Dieses Quartett aus Chicago kombinierte Hardrock, Bluegrass und Improvisationstheater mit chaotischen, aber spannenden Ergebnissen. Sie entstanden an der Schnittstelle zwischen Second City Comedy und den Yippies und unterbrachen ihre eigenen Live-Shows mit gefälschten Werbespots. Wir erklärten, dass es „nirgendwo im Land bessere Musik zu hören gibt“, aber Wilderness Road löste sich kurz nach der Aufnahme ihres zweiten Albums (Sold for the Prevention of Disease Only) auf.
Was wir damals sagten:
„Sie klangen wie … The Who gekreuzt mit The Byrds, Jerry Lee Lewis als Vater des Firesign Theater … die J. Geils Unit gemischt mit den Jungs von The Band, zwei Eric Claptons, die mit der Carter Family um die Wette (und gegeneinander) Leadgitarre spielten, während alle anderen durchdrehten.“ – Paul Nelson, RS 106 (13. April 1972)
Frankie Miller Band, „The Rock“
Auf seinem dritten Album arbeitete der schottische Rocksänger Frankie Miller mit dem Produzenten Elliot Mazer zusammen, der die soulige Seite seiner Musik betonte, indem er die Edwin Hawkins Singers und die Memphis Horns hinzuzog. The Rock, aufgenommen in San Francisco, wurde nach Alcatraz benannt und hatte die Spannung eines gut ausgeführten Gefängnisausbruchs. 1994 arbeitete Miller mit Joe Walsh und Nicky Hopkins an einer neuen Band, als er eine Gehirnblutung erlitt; er lag fünf Monate im Koma, erholte sich aber wieder.
Was wir damals sagten:
„Stimmlich reiht sich Miller mit seiner rauen, aber flexiblen Stimme und seiner aggressiven Attacke in die Schule von Otis Redding ein. Miller hat eine bessere Ausrüstung und bessere Moves als jeder andere Rock-Sänger, der im letzten Jahr aufgetaucht ist – alles, was diesem kraftvollen, intelligenten jungen Songwriter/Sänger fehlt, ist ein Publikum. „The Rock“ wird sich darum kümmern.“ – Bud Scoppa, RS 199 (6. November 1975)
Crack the Sky, „Crack the Sky“
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Diese Prog-Rock-Band aus West Virginia verband Rock, Funk und Streichersätze zu einem kantigen Album mit „umwerfender stilistischer Vielfalt“, das die Texte von Sänger John Palumbo über die durch die Medien verursachte Schizophrenie perfekt widerspiegelte. Die LP war kein Riesenerfolg, aber Crack the Sky wurde in Baltimore populär und ist bis heute vor allem in Maryland aktiv, wo sie weit über 20 Alben veröffentlicht hat.
Was wir damals sagten:
„Wie die ersten Alben von Steely Dan, 10cc und The Tubes präsentiert Crack the Sky mit ihrem Debüt eine Band, deren Vision der Mid-70s-Ennui originell, humorvoll und ausgefeilt ist, ohne zu kunstbeflissen zu wirken. … Wenn Palumbos Texte den Zynismus der 70er Jahre auf den Punkt bringen, wird ihre Düsternis durch die Leichtigkeit der meisten Songs ausgeglichen. Palumbo vermeidet konventionelle Melodien und wiederholt lieber eine eingängige Phrase, um dann die von ihm geschaffene Stimmung mit etwas fast gegensätzlichem abrupt zu durchbrechen.“ – Stephen Holden, RS 203 (1. Januar 1976)
Detroit, „Detroit“
Mitch Ryder hatte seine Hit-Singles mit den Detroit Wheels in den Sechzigern nur wenige Jahre hinter sich, aber das reichte aus, um seine Karriere zu ruinieren und ihn an die Spitze einer unglückseligen Soul-Revue im Vegas-Stil zu bringen. Dieses Album war sein Comeback nach den selbstverschuldeten Rückschlägen: das kraftvolle Debüt einer neuen Rockband, die Ryder als „einen der ursprünglichen blauäugigen Shouter unserer Zeit” präsentierte. Die LP wurde von dem jungen Bob Ezrin produziert, der später mit Kiss und Pink Floyd zusammenarbeitete. Ryders Ruf wurde in den folgenden Jahrzehnten durch Bruce Springsteens häufige Live-Interpretationen seiner Hits im „Detroit Medley“ aufrechterhalten.
Was wir damals sagten:
„Das Schlagzeugspiel ist ausnahmslos extrem kraftvoll, und der Bass – insbesondere bei Ray Davies‘ „It Ain’t Easy“, das hier in seiner wohl definitiven Version zu hören ist – ist einfach unglaublich. … Wie zu erwarten, wird es umso besser, je lauter es wird. Aber was mir an Detroit am besten gefällt und was sie zu etwas Besonderem macht, selbst wenn ihr Album nur so dahinkrankte wie ein streunender Hund, ist die moralische Verpflichtung, die sie ihrer Musik entgegenbringen.“ – Lenny Kaye, RS 97 (9. Dezember 1971)
