Die 50 besten Live-Alben aller Zeiten
ROLLING STONE kürt die 50 besten Live-Alben aller Zeiten – von Hendrix in Monterey bis Cash in Folsom. Rangliste.
40. B.B. King, „Live in Cook County Jail“ (1970)
Die Vorgruppen von B.B. King hatten es schwer. Als ein Ansager Sheriff Joseph Woods auf die Bühne begrüßt, bevor die Blueslegende 1970 bei einer Show im Cook County Jail in Chicago auftritt, empfangen die Gefangenen den Beamten mit aggressiven Buhrufen und Spott. Es war ein schwieriges Publikum, aber King verzauberte es mit Leichtigkeit und Bescheidenheit.
Er war charmant, flirtete und gab sich sogar selbstironisch, während er mühelos Songs wie „Worry, Worry“ und „Sweet Sixteen“ zum Besten gab. „Es war die beste Show, die wir je hatten”, sagte Winston Moore, der Leiter der Strafvollzugsbehörde, der King eingeladen hatte, für die Gefangenen aufzutreten.
Als er mit der Ballade „Please Accept My Love” einen süßen Schlusspunkt setzte, hatte King das Publikum auf den Beinen, das ekstatisch jubelte. Brittany Spanos
39. Joni Mitchell, „Miles of Aisles“ (1974)
Joni Mitchells erstes Live-Album erschien auf dem Höhepunkt ihrer Karriere. Die kanadische Singer-Songwriterin nahm es wenige Monate nach dem Durchbruch ihres Debütalbums „Court and Spark“ auf und dokumentierte damit die Stationen ihrer Tournee in Kalifornien, mit der sie ihr neues Album promotete. „Miles of Aisles“ enthält eine umfangreiche Sammlung von Titeln aus ihrem Debütalbum „Song to a Seagull“ von 1968, vermeidet jedoch sorgfältig ihre Hits.
„Niemand hat jemals zu Van Gogh gesagt: ‚Mal noch einmal „Sternennacht“, Mann‘“, sagte Mitchell, bevor sie „Circle Game“ spielte. 1991 verriet sie dem Rolling Stone, warum sie diesen Vergleich anstellte: „Ich wollte niemals zu einer menschlichen Jukebox werden. Ich habe noch nicht alle meine Ideen ausgeschöpft. Aber ich arbeite im Popbereich, und ob man einer älteren Frau das noch erlaubt, ist eine offene Frage. Dazu braucht es ein treues, interessiertes Publikum, das an mein Talent glaubt.“ Brittany Spanos
38. The Velvet Underground, „1969: Velvet Underground Live With Lou Reed“ (1974)
Jahrzehntelang war „1969: Velvet Underground Live With Lou Reed“ das einzige halbwegs anständige Live-Dokument der Band, die Millionen anderer Bands inspirierte. Nur wenige Monate nach Lou Reeds erfolgreichem Live-Album „Rock N Roll Animal“ aus dem Jahr 1974 und kurz vor dem Durchbruch des Punk erschien „1969“ und bot den hungrigen Ohren in Downtown New York und darüber hinaus einen reduzierten Reed.
Mit zukünftigen Standards vor kleinem Publikum in Dallas und San Francisco bietet 1969 fast ausschließlich neues Material für die Band, Songs, die die Velvets nie richtig aufgenommen haben („Over You”, „Lisa Says“, „Ocean“), Songentwürfe, die sie in verschiedenen Formen aufnahmen („New Age“, „Sweet Jane“), und mindestens einen Song, mit dem Patti Smith – im Jahr nach seiner Veröffentlichung – ihre Sets im CBGB eröffnete („We’re Gonna Have A Real Good Time Together“). Jesse Jarnow
37. Neil Young, „Time Fades Away“ (1973)
Neil Young hätte 1973 auf dem Gipfel seines Erfolgs stehen müssen. Der unglaubliche Erfolg von „Harvest“ holte ihn endlich aus dem Schatten von CSNY, „Heart of Gold“ war 1972 ein Nummer-1-Hit, und eine 62-tägige Arenatournee war in ganz Amerika ausverkauft. Aber der Tod des Crazy-Horse-Gitarristen Danny Whitten, eine schmerzhafte Rückenverletzung und die endlosen Querelen seiner Begleitband machten die Tournee zu einer endlosen Plackerei.
Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits eine Menge Hits, aber er entschied sich, einen großen Teil des Sets düsteren, brandneuen Songs wie „L.A.“, „Don’t Be Denied“ und „Yonder Stands The Sinner“ zu widmen. Die neuen Songs wurden auf der Live-LP „Time Fades Away“ festgehalten. Als sie 1973 erschien, wurde sie mit einem kollektiven Achselzucken aufgenommen und ist seit Jahrzehnten vergriffen, aber Neil-Fans erkennen sie als absoluten Klassiker an, und Original-Vinylkopien sind sehr begehrt. Es überrascht nicht, dass Young eine ganz andere Meinung hat.
„Meine am wenigsten geliebte Platte ist Time Fades Away“, sagte er 1987. „Ich fühlte mich wie ein Produkt, und ich hatte diese Band aus All-Star-Musikern, die sich nicht einmal ansehen konnten. Es war ein totaler Witz.“ Andy Greene
36. Frank Sinatra, „Sinatra at the Sands“ (1963)
Bevor er zu Mr. New York wurde, war Frank Sinatras Heimatstadt Las Vegas, und „Sinatra at the Sands“ fängt ihn auf dem Höhepunkt seiner Karriere ein – komplett mit einer begeisterten Casino-Publikum und einem epischen „Tea Break “, in dem der Vorsitzende seinen Rat-Pack-Untergebenen hart zusetzt.
Sands ist vielleicht das ultimative Zeitdokument für diejenigen, die Johnny Mercers Songbook dem von Jagger-Richards vorziehen, mit Quincy Jones als Dirigent des Count Basie Orchestra und dem 50-jährigen Crooner, der sich noch immer auf dem Höhepunkt seiner warmen und doch bedrohlichen Stimmgewalt befindet.
Die Musik ist sensationell, darunter definitive Versionen von Klassikern wie „Fly Me to the Moon“ und „I’ve Got You Under My Skin“. Als zusätzlicher Bonus gibt es die Einleitung – „The Sands ist stolz darauf, eine wunderbare neue Show zu präsentieren …“ – von William Conrad, dem weitgereisten Charakter, der auch Rocky and Bullwinkle erzählte. David Menconi
35. Aretha Franklin, „Live at Fillmore West“ (1971)
„Hat jemand Lust, Blues zu hören?“, fragt Aretha Franklin, bevor sie „Dr. Feelgood“ ansagt. Sie musste tatsächlich fragen: Zu dieser Zeit war der Veranstaltungsort Fillmore West in San Francisco eher dafür bekannt, Rockbands wie Jefferson Airplane zu präsentieren. Zu Beginn ihres Sets coverte sie sogar Simon and Garfunkel, was für einige Diskussionen sorgte.
Aber zu diesem Zeitpunkt antwortete das Publikum mit einem klaren Ja – und Franklins Antwort ist es wert, gehört zu werden. In „Dr. Feelgood“ “ wirft sie ihren Kopf in einer Ekstase zurück, die sowohl sexuell als auch religiös klingt. Und für eine Zugabe von „Spirit in the Dark“ erscheint Ray Charles, obwohl er eigentlich nicht auftreten sollte.
Er war nur zum Zuschauen da. „Wenn man sich die Platte anhört, merkt man, dass ich sie nicht kenne“, sagte er Rolling Stone 1973. Christina Lee
34. Bob Marley and the Wailers, „Live!“ (1975)
Die Natty Dread-Tournee von Bob Marley and the Wailers begann 1975 in Amerika, wo etwa 15.000 Fans die Reggae-Band im Central Park sahen. Als sie den Atlantik überquerten, stand das Urteil fest: Nach zwei ausverkauften Shows im Londoner Lyceum erklärte eine Titelgeschichte des Melody Maker Bob zum „möglicherweise größten Superstar, der diese Küsten seit den Tagen besucht hat, als Dylan die Konzerthallen Großbritanniens eroberte“.
Keiner dieser Auftritte sollte eigentlich aufgezeichnet werden, aber als Chris Blackwell, der Gründer von Island Records, die Begeisterung beim ersten Konzert miterlebte, sorgte er dafür, dass das mobile Studio der Rolling Stones beim zweiten Konzert vor dem Veranstaltungsort geparkt wurde. Das Ergebnis war eine Sammlung von Songs mit pointierten Texten, politischen Gesängen und Funk-Grooves, die durch den neuen Gitarristen Al Anderson belebt wurden.
Der siebenminütige Titel „No Woman, No Cry” erreichte die britischen Top 10 und ist bis heute die definitive Version des Klassikers, der schließlich als zweiter Titel des 15-fach mit Platin ausgezeichneten Albums Legend erschien. Selbst das Mikrofon-Feedback, das über den ersten Vers hallt, ist voller Emotionen. Nick Murray
33. Fela Ransome-Kuti and the Africa ’70 mit Ginger Baker, „Live!“ (1971)
Obwohl Ginger Baker bereits nach drei Jahren bei Cream und Blind Faith als einer der größten Schlagzeuger des Rock gefeiert wurde, führte ihn seine Neugierde von England ins vom Krieg heimgesuchte Nigeria, um mehr über Rhythmus zu lernen. „Ich tanze nicht“, sagte er, als er die neue Band Africa 70 seines alten Freundes Fela Kuti hörte, „aber zu Felas Musik musste ich einfach tanzen.“
Diese enge Zusammenarbeit wurde zwar nicht in einem traditionellen Rock-Club, sondern im Abbey Road Studio aufgenommen, war aber dennoch elektrisierend. In seiner Autobiografie schrieb Baker: „150 Zuschauer drängten sich in einem großen Studio … mit bunten Scheinwerfern, die über die Wände tanzten, um das Gefühl eines richtigen Live-Konzerts zu vermitteln. “
Baker und Afrobeat-Betonleger Tony Allen sorgen für den Groove, und eine der funkigsten Bands der Welt bekommt einen kleinen Free-Rock-Ansturm. Christopher R. Weingarten
32. Deep Purple, „Made in Japan“ (1972)
In nur sieben Titeln liefern Deep Purple vier Seiten voller Spannung und Genuss. Von Ian Paices schwindelerregendem Schlagzeugsolo in „The Mule“ bis zu Jon Lords augenzwinkerndem Orgel-Vamp zu Beginn von „Lazy“, vom trickreichen Ende des 20-minütigen „Space Truckin’“ bis zum Gesangs- und Gitarrenduell zwischen Ian Gillan und Ritchie Blackmore in „Strange Kind of Women“ – die Vorläufer des Metal plündern (und etablieren wohl auch) ein nahezu vollständiges Arsenal an Bühnen-Tricks und -Tropen.
Das billig produzierte, äußerst beliebte und häufig neu aufgelegte Album „Made in Japan“ wurde während drei Nächten in Osaka und Tokio aufgenommen. Das Set wirkt sehr locker, als würde die Band weniger für das Publikum oder die Aufnahmegeräte spielen, sondern vielmehr aus purer Freude daran, diese Stücke wie bei einem Spieltreffen auszudehnen. „Wir waren alle so unbekümmert, dass niemand wirklich bemerkte, dass wir aufgenommen wurden“, bestätigte Lord später in Dave Thompsons „Smoke on the Water“.
„Das Zusammenspiel, die Spontaneität und das Gefühl, das wir normalerweise auf der Bühne hatten, wurden dadurch in keiner Weise beeinträchtigt.“ Grayson Haver Currin
31. Keith Jarrett, „The Köln Concert“ (1975)
Die Umstände waren ungünstig, als der Pianist Keith Jarrett und der Eigentümer und Produzent von ECM Records, Manfred Eicher, im Januar 1975 nach Köln kamen. Jarrett hatte in der Nacht zuvor nicht geschlafen und hatte Schmerzen. Schlimmer noch, war das von ihnen angeforderte Bösendorfer-Klavier durch ein minderwertiges Modell ersetzt worden, das laut Jarrett „wie eine sehr schlechte Imitation eines Cembalos oder eines Klaviers mit Reißnägeln darin klang“.
Dennoch war das einstündige Solokonzert, das er gegen Mitternacht im Opernhaus der Stadt gab, wobei er eine Stütze trug und fast an seinem Instrument einschlief, eine zutiefst bezaubernde Meditation über Rhythmus, deren Doppel-Vinyl-Aufnahme sowohl zum meistverkauften Solo-Jazz- als auch zum meistverkauften Solo-Piano-Album der Geschichte wurde.
Jarretts improvisierte Fantasie gleitet nahtlos von Idee zu Idee und verharrt manchmal minutenlang in einem Zwei-Akkord-Vamp. Entspannter als die meisten seiner anderen Soloaufnahmen, bietet es eine vollständige Palette von Jarretts Jubelrufen, Seufzern und Fußstampfen und ist gleichzeitig eine hinreißende Einführung in die Kunst der Improvisation. Richard Gehr
