Die 50 besten Live-Alben aller Zeiten
ROLLING STONE kürt die 50 besten Live-Alben aller Zeiten – von Hendrix in Monterey bis Cash in Folsom. Rangliste.
30. Iggy and the Stooges, „Metallic K.O.“ (1976)
Die B-Seite des ersten Live-Albums der Stooges ist angeblich eine der knallhartesten Rockshows, die je aufgenommen wurden. Wochen vor dem Auftritt im Februar 1974 hatte sich Stooges-Frontmann Iggy Pop genüsslich auf einen öffentlichen Streit mit einer Motorradgang namens Scorpions eingelassen. Diese tauchte in Scharen auf, bewaffnet mit allen möglichen Gegenständen, mit denen sie die Band bewerfen konnte – Obst und Gemüse, Flaschen, Gartengeräte.
Das störte Iggy jedoch kaum – seine Band war hungrig, fast pleite und am Ende ihrer Kräfte. Absichtlich schlampig, disharmonisch und aufwühlend roh, ist die gesamte Setlist ein großes „Fuck you“, bis hin zur Songauswahl. Die nicht auf dem Album enthaltenen Tracks „Rich Bitch“ und „Cock in My Pocket“ münden in die fröhlichste, kaum kompetente Coverversion von „Louie Louie“. So wenig kümmerte sich die Band zu diesem Zeitpunkt darum, zu charmant zu sein.
In seinem Buch „Gimme Danger: The Story of Iggy Pop“ berichtet Joe Ambrose über diese Bemerkung von Pop während des Konzerts: „Hände hoch, wer hasst die Stooges? Wir hassen euch nicht. Es ist uns sogar egal.“ Arielle Castillo
29. Frank Zappa and the Mothers, „Roxy & Elsewhere“ (1974)
Obwohl viele seiner Phasen durch großartige Live-Alben ergänzt werden, ist „Roxy & Elsewhere“ die Apotheose des Zappa der Mitte der 70er Jahre und ein eindrucksvoller Beweis für seine Fähigkeit, ein erstklassiges Ensemble (Keyboarder George Duke, Percussionistin Ruth Underwood und, ähm, Gitarrist Frank Zappa) zusammenzustellen, mit unorthodoxen Methoden (er fügt nahtlos Aufnahmen aus Hollywood mit denen von „anderswo“ zusammen und schneidet sie gelegentlich zu einem Song zusammen) und die rasanten Arrangements der Apostrophe(‚)-Tage umzusetzen.
Die Gruppe spielt an den skurrilen Grenzen: Das Instrumentalstück „Echidna’s Arf (Of You”) hat unvorhersehbare, lichtschnelle Xylophon- und Synthesizer-Töne, und das 16-minütige Jazz-Prog-Rock-Sandwich „Be-Bop Tango” enthält eine Erklärung, wie man zu Dukes gesungenem Polyrhythmus tanzt („Du bist immer noch zu adagio”, scherzt Zappa) . Der Nixon-Parodie-Song „Son of Orange County” („Ich kann einfach nicht glauben, dass du so ein Idiot bist”) enthält eines von Zappas gefühlvollsten Gitarrensoli.
Zappa fügte dieser ersten CD-Veröffentlichung folgende zen-artige Notiz bei: „Manchmal kann man überrascht sein, dass ‚das Universum funktioniert, ob man es versteht oder nicht’.” Kory Grow
28. Ramones, „It’s Alive” (1979)
Diese amphetamingeschwängerte Doppel-LP diente als Rückblick auf die Karriere der Ramones, die sich gerade auf dem Höhepunkt ihrer Karriere befanden, und zeigt, wie die Crew aus Queens fast zufällig auf Hardcore stieß, etwa zur gleichen Zeit, als dieser Stil in Kalifornien erfunden wurde. An vier Abenden im Jahr 1977 im Londoner Rainbow Theater spielten die Punk-Pioniere 28 Songs aus ihren ersten drei Alben. (Dank ihrer überschaubaren Länge konnten sie fast alle unterbringen.)
Die endgültige LP-Version stammt größtenteils aus der letzten Nacht, aufgeladen mit einer Energie, die so elektrisierend war, dass die Fans angeblich vor Begeisterung Sitze aus dem Boden rissen und sie auf die Bühne warfen. Das ist keine Überraschung, denn die gesamte Platte pulsiert vor amerikanischer Punk-Energie, mit einem spuckenden Joey Ramone, der zwischen „Pinhead”, „Do You Wanna Dance?” und „Chain Saw” kaum eine Pause macht. Er macht nicht einmal lange genug Pause, um alle Texte zu singen, während die Band hinter ihm wie in einer Maschinenwerkstatt vor sich hin brummt.
Während der Postproduktion war das Tempo selbst für die Band schwer mitzuhalten. In seinem Buch „Hey Ho, Let’s Go: The Story of the Ramones“ schreibt Everett True, dass Dee Dee zusätzlichen Treibstoff brauchte, um die Bass-Overdubs aufzunehmen: eine extra starke Portion schwarzen Kaffee. Arielle Castillo
27. Bill Withers, „Live at Carnegie Hall“ (1973)
An diesem regnerischen Freitagabend im Oktober 1972 war noch nicht einmal anderthalb Jahre vergangen, seit Bill Withers‘ kommerzieller Durchbruch es ihm ermöglichte, seinen Tagesjob in einer Flugzeugteilefabrik zu kündigen, doch der aufstrebende Soulstar beherrscht die Bühne eines der renommiertesten Veranstaltungsorte der Welt wie ein erfahrener Profi.
Withers erinnert sich an die Kirche seiner Großmutter („Bei der Beerdigung mussten sie die Särge festbinden!”) und beschreibt die Dating-Szene (er ist vielen „Damen begegnet, die nicht besonders geneigt sind, jemandem zu vertrauen”) so cool, als würde er Gäste in seinem eigenen Wohnzimmer unterhalten.
Seine Band, angetrieben von Schlagzeuger James Gadson und angeführt von Pianist Ray Jackson, rockt „Use Me“ ab, um dessen Sinnlichkeit zu betonen, und spielt den schweißtreibenden Abschluss „Harlem/Cold Baloney“ wie einen Teil einer Erweckungsversammlung. Keith Harris
26. Bob Seger & the Silver Bullet Band, „Live Bullet“ (1976)
Bob Seger hatte acht Alben veröffentlicht und war fast ein ganzes Jahrzehnt lang auf Tour gewesen, als er am 4. September 1974 in der Cobo Hall in Detroit spielte – aber außerhalb des Mittleren Westens war er noch weitgehend unbekannt. Das Hauptproblem war, dass er die Magie seiner Bühnenshow einfach nicht im Studio einfangen konnte, was wahrscheinlich der Grund dafür war, dass „Live Bullet“ so einen großen Eindruck hinterließ.
Seine Coverversion von Ike & Tinas „Nutbush City Limits” wurde landesweit rauf und runter gespielt, und plötzlich verkaufte sich „Live Bullet” wie verrückt. Dazu trug auch „Turn The Page” bei, ein Titel aus dem Jahr 1973 über die Strapazen des Tourlebens, der seit 40 Jahren ein fester Bestandteil des Classic-Rock-Radios ist. „Vor ‚Live Bullet’ spielten wir etwa 250 bis 300 Shows pro Jahr”, ”, sagte Seger 2013. „Wir spielten praktisch fünf Nächte pro Woche, manchmal sogar sechs, als Silver Bullet Band, und wir hatten diese Show einfach drauf.” Andy Greene
25. Duke Ellington, „Ellington at Newport“ (1956)
Der Auftritt hätte nicht vielversprechender beginnen können: Vier wahrscheinlich betrunkene Bandmitglieder erschienen nicht, und Ellington spielte nur 12 Minuten lang auf dem ersten Jazzfestival, bevor er erkannte, dass sie nicht weitermachen konnten.
Aber spät in der Nacht kehrten sie alle zurück und begeisterten die Hipster mit einem Set, das seiner Karriere eine neue Bedeutung gab. Alles läuft auf „Diminuendo and Crescendo in Blue“, einem damals schon jahrzehntealten Tanzstück, das in Newport zu einer sechsminütigen Jam-Session mit 27 Refrains des Tenorsaxophonisten Paul Gonsalves wurde, die einem ins Ohr ging, knirschte und sprach.
Duke ruft Gonsalves zu: „Höher!“ Eine blonde Frau in einem schwarzen Kleid stand auf, um zu tanzen, und dann taten es ihr viele Frauen gleich. Einen Monat später war war Duke auf dem Cover des Time-Magazins zu sehen. Bebop hatte Big-Band-Musik fast altmodisch erscheinen lassen, aber Newport zeigte, dass Meisterschaft eben Meisterschaft ist. „Ich wurde 1956 geboren, beim Newport Jazz Festival“, erklärte Duke später. RJ Smith
24. Das Quintett, „Jazz At Massey Hall“ (1953)
„Die Atmosphäre war ziemlich schwierig“, erinnert sich Quintett-Schlagzeuger Max Roach an diesen Auftritt von 1953. „Die Leute in dieser Garderobe und die Probleme, die sie alle hatten – man hätte eine ganze Konferenz von Psychologen gebraucht, um das alles zu klären.“ Genies, Süchtige, Schläger, Trottel.
Der Pianist Bud Powell war in eine Anstalt eingewiesen und rechtlich für „unfähig“ erklärt worden; der Saxophonist Charlie Parker und der Trompeter Dizzy Gillespie hatten eine gemeinsame Vergangenheit (dies sollte das letzte Mal sein, dass sie zusammen aufnahmen), der Bassist Charles Mingus schlug möglicherweise diejenigen, deren Soli ihn störten. Hier kam die ursprüngliche wilde Truppe des Bebop, Parker bewaffnet mit einem geliehenen Plastiksaxophon.
„Es war pure Spontaneität. Das ist das Besondere an diesem Tag“, sagte Roach. „Wir gingen einfach auf die Bühne, und dann passierte es einfach.“ Sie spielten definitive Versionen der Bop-Standards „Night in Tunisia“ und „Salt Peanuts“ sowie die Proto-Powerballade „All the Things You Are“. Am Ende des Abends bezahlte der Veranstalter sie mit Aufnahmen der Show, und Mingus nahm seine Soli vor der Veröffentlichung noch einmal neu auf. RJ Smith
23. Led Zeppelin, „How the West Was Won“ (2003)
Led Zeppelin sind zweifellos eine der größten Live-Bands der 1970er Jahre, aber ihr einziges Live-Album aus dieser Zeit – der Soundtrack zu „The Song Remains The Same“ von 1976 – hielt sie an einem eher schwachen Abend fest. Diese Situation wurde schließlich 2003 gelöst, als Jimmy Page stundenlange Aufnahmen der Tournee der Band von 1972 durchforstete und dieses umwerfende 18-Track-Set zusammenstellte.
Es gibt unzählige Zep-Bootlegs, aber keines davon klingt so klar und lebendig, auch wenn sie gelegentlich geschummelt und mehrere Versionen eines Songs zu einem zusammengefasst haben. Zu den Höhepunkten gehören ein wildes „Immigrant Song“, ein 25-minütiges „Dazed and Confused“ und ein 23-minütiger „Whole Lotta Love“-Jam. „Das ist Zeppelin in Bestform“, “, sagte Page 2003. „Jedes einzelne Mitglied der Band ist in Topform. Es ist der magische Punkt, an dem ein fünftes Element hinzukommt.“ Andy Greene
22. The Band, „Rock of Ages“ (1972)
The Last Waltz ist das berühmteste Live-Album der Band – es ist das Album mit den namhaften Gästen, der Würde des Endes einer Ära und dem Scorsese-Film. Aber es ist nicht das beste Live-Album der Band. Das wäre Rock of Ages, das vier Jahre zuvor in New York aufgenommen wurde und einen der größten Live-Acts des Rock auf dem Höhepunkt seiner Karriere einfängt.
Sie sind von Anfang an in Hochform, vom Cover von Marvin Gayes „Don’t Do It“ (ein Paradebeispiel für Rick Dankos raffinierten Groove im unteren Register) bis hin zu unglaublich tighten Deep Cuts wie „The W.S. Walcott Medicine Show“, „ King Harvest (Has Surely Come)„ und “The Unfaithful Servant„, von denen viele mit Hornarrangements von Allen Toussaint versehen sind. Organist Garth Hudsons verrückter Jam auf “The Genetic Method„ bis hin zu “Chest Fever“, der fast eine ganze Seite der Doppel-LP einnimmt, ist der Stoff, aus dem psychedelische Roots-Rock-Legenden gemacht sind.
Das ist der Sound von fünf Jungs in telepathischer Synchronität, bevor sie abgestumpft waren. The Last Waltz erzählt Ihnen, dass die Band großartig war; Rock of Ages zeigt es Ihnen. Simon Vozick-Levinson
21. Miles Davis, „The Complete Live at the Plugged Nickel 1965” (1995)
Gegen Ende einer Tournee im Jahr 1965, einen Tag vor dem letzten Konzert, hatte das Miles Davis Quintett eine verrückte Idee: Alles, was die Leute von uns erwarten, werden wir genau umgekehrt spielen. Als die Band (Davis mit dem Saxophonisten Wayne Shorter, dem Pianisten Herbie Hancock, dem Bassisten Ron Carter und dem Schlagzeuger Tony Williams) im Club in Chicago ankam, entdeckten sie Vertreter des Plattenlabels, die sich bereit machten, den Auftritt aufzunehmen.
Dieses erstaunliche 8-CD-Paket enthält jede Note aus zwei Nächten voller Anti-Musik, Jazz auf den Kopf gestellt und durchdrungen von Stille. Zunächst ist Trompeter Davis noch zögerlich, aber am Ende ist er der Band um Längen voraus. „Als ich hörte, wie diese Jungs mir den Boden unter den Füßen wegzogen, wusste ich, dass es Zeit war, loszulegen!“, erinnert sich Shorter.
„Ich war seit etwas mehr als einem Jahr in der Band, und plötzlich waren wir ganz weit draußen. Es war wie … das ist es, was Freiheit bedeutet.“ RJ Smith
